Siempre he oído y leído que Paul Schrader copia a Bresson. De hecho, dicen que la escena final en la cárcel de "Posibilidad de Escape" está tomada de "Pickpocket" —película que espero ver algún día—. Incluso "American Gigolo" y "Toro Salvaje" tienen ese toque de redención tras la inmolación del protagonista.
Para más inri, Schrader tiene escrito un ensayo titulado "El estilo trascendental en el cine" donde analiza las obras de Ozu, Dreyer y Bresson.
¿Se podría decir que si a alguien le gusta el cine de Paul Schrader, está cerca del cine y la sensibilidad de Bresson?
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»
"Esta chaqueta de piel de serpiente
simboliza mi individualidad
y mi fe en la libertad personal".
Sailor Ripley en "Wild At Heart"
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»</p>
Ophüls
29-ene-2002, 12:54
La narración del nuevo cine sonoro, además de ampliar los recursos narrativos del film, creó la necesidad de 'decir' en vez de 'contar'. Llenar la pista sonora se convirtió en una imposición de aquellos tiempos, una posibilidad que entusiasmó a unos y que, como ante todo cambio radical suele suceder, molestó a otros. Esa necesidad, aunque incorporada al inconsciente colectivo de todo 'hacedor de películas', sigue presente y lo difícil ahora no es el uso del sonido, sino el del silencio. A este respecto, tenemos, en mi opinión, dos claras posturas enfrentadas, los directores que obligan a sus personajes a decir todo aquello que el discurso fílmico de sus películas no puede contar, y los que pretenden que cada uno de sus planos tenga una voz propia, que cada una de las músicas de la película comunique emociones, que cada uno de los efectos sonoros aporte significado propio a las escenas. Este me parece un terreno reservado a los verdaderos cineastas, la sabia combinación de imágenes y sonido, es decir, el sustrato propio del cine. Por ejemplo, por qué mostrar imágenes de la policia acercándose a al escena del crimen si se pueden usar otras fórmulas más dramáticas y de mayor significación. Me refiero en este ejemplo a la parte final de la última escena de la genial 'La soga' de Alfred Hitchcock dónde los tres protagonistas esperan el desenlace de la historia en aquel piso alto, con la ciudad al fondo, la ventana abierta y una sirena de policía que poco a poco se va acercando y que se convierte en el último personaje de la película, el brazo ejecutor del equilibrio moral que el personaje de James Stewart acabada de restablecer con la denuncia de los asesinos.
Saludos
------------------------------------------------------------------------"¿Mi madre? Le voy a hablar de mi madre..."</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/uophuls.showPublicProfile?language=ES>ophuls</A>* http://www.tstonramp.com/~garys/lett1th.jpg fecha: 1/29/02 12:02:16 pm
Padre Antonio Vieira
29-ene-2002, 12:57
Schrader es otro de esos que no pueden vivir sin Bresson, y conceptualmente ya diseñó una obra maestra con el espíritu de 'Pickpocket', y siguiendo su línea narrativa por medio de diarios: 'Taxi Driver' (el otro 50% era inspiración fordiana 'Centauros del desierto').
'Posibilidad de escape', es cierto, tiene un final muy sereno, casi 'espiritual' (valga el gastado palabro), Dafoe y Sarandon de la mano, lo que me recuerda a 'Al límite' (remake inconfeso de 'La última tentación de Cristo', no de 'Taxi Driver') también termina con una imagen similar, descarada pietá.
'American Gigolo', también es puro Bresson, en la línea Pickpocket una vez más. Y no recuerdo su final, pero creo recordar que también era explícitamente bressoniano.
Eso sí, que quede claro, Schrader está muy lejos de siquiera rozar la pureza formal de Bresson, la verdad es que tampoco lo pretende, Schrader no hace cinematógrafo. Pero me gusta mucho. en 'Aflicción' encontró por fin la forma que buscaba y el equilibrio perfecto, y esa tensión. Junto con 'Mishima', sus dos obras maestras.
Ripley, no te preocupes, que estoy de apuntes hasta arriba, dame tiempo.
</p>
Jarmush
29-ene-2002, 15:25
Al respecto de lo que dices, recomendar un libro esencial para comprender y valorar el cine de calidad:
"Praxis del cine" de Noel Burch.
Absolutamente imprescindible.
</p>
Sailor Ripley
29-ene-2002, 17:26
Excelente apunte, Ophuls: … creó la necesidad de 'decir' en vez de 'contar'…
A ese respecto —a la ausencia de diálogo básicamente— destacar otro momento cinematográfico singular de esta época sonora: el arranque de "Rio Bravo", construido íntegramente a base de imágenes, sin diálogo alguno, como si de una película muda se tratase. pero en el que entendemos todo lo que está ocurriendo sin necesidad de diálogos que re-expliquen lo observado.
Tal vez no sean títulos con demasiado pedigrí, pero quisiera destacar otros títulos donde considero que la narración se sustenta básicamente en la imagen y donde la banda de sonido o el diálogo están ausentes:
La escena de la estación y la señora con el cochecito en "Los intocables". Otra escena de "cine mudo" en una película sonora y, para mí, todo un ejemplo de cómo construir una escena de tensión y suspense sin apenas diálogos.
Destacaría también Evid Dead-2, donde la mayor parte del metraje carece de diálogos y sin embargo la acción se sigue claramente y de manera frenética desde su mismo inicio. En este aspecto creo que es magnífica.
O casi la totalidad de la estupenda "Infierno en el pacífico", donde apenas hay diálogo, y ni falta que hace, y sin embargo sabemos lo que sucede.
Se suele decir que la buena narración cinematográfica está en aquellas películas en las que, si apagásemos el sonido, seguiríamos entendiendo la historia. Hay muchas grandes obras donde sucede esto, y otras muchas donde, sin diálogos explicativos, la narración es un caos.
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»
"Esta chaqueta de piel de serpiente
simboliza mi individualidad
y mi fe en la libertad personal".
Sailor Ripley en "Wild At Heart"
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»</p>
Ophüls
29-ene-2002, 18:00
Pensando en esos momentos en que la narración se apoya en elementos sonoros no hablados y en las imágenes se me vienen a la mente de golpe todas las películas del grande entre los grandes, John Ford, principal exponente del uso del paisaje como un personaje más del film. El profundo respeto y admiración por sus dos grandes filias geográficas, la verde Irlanda y los rojizos desiertos y valles del oeste americano le llevaron a filmar algunos de los más maravillosos espacios abiertos de la historia del cine.
Recordar aquí todas las maravillosas apariciones de Monumental Valley en sus películas, tanto en color como en blanco y negro, o las verdes montañas y prados de sus films 'irlandeses'. Estos maravillosos escenarios, unidos a sus personajes del héroe mortecino y solitario dieron momentos de una gran belleza e intimismo narrativo sin el uso del diálogo. Por no citar las más grandes, me quedo con 'She wore a yellow ribbon', la legión invencible y el momento en que un abatido John Wayne cerca de su ocaso vital se acerca con su característico andar desanimado a la tumba de su mujer, con un atardecer maravilloso a su espalda, y se queda mirando la tumba con un profundo cariño antes de empezar a hablar con su esposa muerta. PRECIOSO.
------------------------------------------------------------
"¿Mi madre? Le voy a hablar de mi madre..."</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/uophuls.showPublicProfile?language=ES>ophuls</A>* http://www.tstonramp.com/~garys/lett1th.jpg fecha: 1/29/02 5:02:24 pm
Ophüls
29-ene-2002, 18:08
Y no quiero olvidarme de 'El hombre tranquilo'. Sería difícil elegir un momento, por eso me quedo con las miradas de John Wayne cuando las dirige a todos aquellos lugares que recuerda de su infancia y vemos en su cara toda la nostalgia del desexilio, de la vuelta a casa, esa sensación agridulce por recuperar los entornos de unos momentos que ya no volverán.
http://royshort.com/images/Duke/QUIET%20MAN.jpg
Saludos
------------------------------------------------------------
"¿Mi madre? Le voy a hablar de mi madre..."</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/uophuls.showPublicProfile?language=ES>ophuls</A>* http://www.ics.uci.edu/~eppstein/junkyard/heesch/halfsize.gif fecha: 1/30/02 12:15:47 pm
Alfredo Kane
29-ene-2002, 19:34
del cine reflexivo, en contraposición con el cine de pacotilla, pura acción y palabrería para que el espectador no piense, que no es sano, y únicamente consuma imágenes.
En todo el cine que se puede llamar así, estos silencios son fundamentales y dicen más de las situaciones y personajes que las palabras, que no digo que no sean necesarias (no vamos a llegar al extremo opuesto), pero que no deben transmitir más información de lo necesario, y no digo nada de la música y los efectos sonoros, capaces de destrozar una buena escena si no están muy bien medidos.
Otro ejemplo claro de silencios elocuentes en películas, es la maravillosa escena de la huída nocturna en barca por el río, de los niños perseguidos por el mal (Robert Mitchum) con unas imágenes llenas de insertos que contraponen la paz y tranquilidad del suave deslizamiento por el río con la amenaza acechante (sapos, buhos, arañas...) en La noche del cazador, de Ch.Laughton.
O las deliciosas imágenes de la barcaza de L'Atalante, cine exquisito en cuanto al poder expresivo de las formas y del movimiento, con el complemento de unos diálogos escuetos y reducidos a lo imprescindible aunque importantes.
"No corras tras la poesia. Ella penetra por si sola a traves de las junturas (elipsis)". Bresson
P.D: Aforismo que Julio Medem deberia aprenderse de memoria, la poesia no se busca, se encuentra.
</p>
Loco Peligroso
30-ene-2002, 15:20
Ejemplos prácticos para este excelso aforismo: "Le vent nous emportera" y "En Construcción"
</p>
Jarmush
30-ene-2002, 19:56
¿No tendras alguna teoria sobre el plano subjetivo del afeitado?
Me gustaria saber tu opinion, todavia sigo dandole vueltas al asunto.
</p>
Loco Peligroso
30-ene-2002, 20:39
No la tengo muy reciente (el viento nos llevará), pero supongo que te referirás al plano en el que el protagonista se afeita utilizando el objetivo de la cámara cual espejo.
Como es bien sabido, Kiarostami disfruta regando sus películas/alegorías de pequeños símbolos, metáforas (que siempre se niega, acertadamente, a explicar, puesto que perderían su naturaleza misteriosa) que presentan uno de los principales atractivos de su cine y su desafío al espectador, dejándole entrar en juego.
En el caso de ese plano, el jefe de equipo ("el ingeniero"), centro de las iras de los dos mundos (cuasiprehistoria -el hueso, la lentitud que hace casi imposible encontrar la noticia- y futuro -teléfono móvil, el equipo de rodaje-), se refugia en nuestro ojo, se regala un instante y se escapa.
Como Pilatos.
</p>
Jarmush
31-ene-2002, 15:47
El aforismo del dia es:
"Quien puede con lo menos puede con lo mas. Quien puede con lo mas no necesariamente puede con lo menos". Bresson
P.D: ¿ Algun director de cine americano se siente aludido?
</p>
PAV
31-ene-2002, 17:28
Jarmush, gracias por seguir con esta buena costumbre de aforismo diario mientras yo ventilo mis apuntes. La semana que viene vuelvo, y con fotos claro.
</p>
Heidi
01-feb-2002, 11:00
El aforismo del dia es:
"El ojo ( en general ) es superficial, el oido, profundo e inventivo. El silbido de una locomotora imprime en nosotros la vision de toda una estacion". Bresson
P.D: ( Sin comentarios )
¿A alguien se le ocurre un ejemplo?
Comenzare yo:
Escena de "Al azar Balthasar", una pandilla de jovenes moteros parados a un lado de la carretera, oimos el ruido de un coche pasar, los jovenes le sigen con la mirada, se oye el ruido de un patinazo y un choque.
Bresson no muestra el accidente pero todos le hemos visto ( tambien sirve como ejemplo el plagio que hicieron los Hnos. Coen de este plano en "Sangre facil").
</p>
Mr Tibbs
01-feb-2002, 12:44
Erika Kohut toma asiento. Haneke no muestra nada, sólo un escorzo, pero lo vemos todo. La cuchilla que segundos antes había tomado con tanto mimo "acaricia" ahora sus labios. Sus muslos, en fricción con el borde de la bañera, desprenden un sonido que nos retuerce. Una hilera de sangre nos despierta de la pesadilla; todo lo que imaginábamos era (es) tan absolutamente cierto... que asusta.
</p>
Sailor Ripley
01-feb-2002, 13:24
En "La ciudad no es para mí" (Pedro Lazaga, 1966), Paco Martínez Soria se detiene en la acera, esperando que el semáforo de los peatones se ponga verde para poder cruzar una calle. Lleva atada de una cuerda una gallina que se trae del pueblo. La gallina se le escapa de las manos e irrumpe en la calzada transitada de coches. Paco Martínez Soria se lleva las manos a la cabeza mientras abre los ojos con asombro. Sólo vemos su rostro. En off visual oímos el sonido de unos neumáticos que frenan, el choque del metal contra el metal, la rotura de vidrios, el sonido de claxons,…. No vemos lo que ocurre pero SÍ que lo estamos viendo realmente.
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»
"Esta chaqueta de piel de serpiente
simboliza mi individualidad
y mi fe en la libertad personal".
Sailor Ripley en "Wild At Heart"
»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»»</p>
Padre Antonio Vieira
01-feb-2002, 13:42
Por otra parte, Heidi, la escena del coche de la que hablas también la copió con gracejo Kitano en 'Kikujiro'.
Y basándose literalmente en el apartado final de ese aforismo, Kaurismäki hizo exactamente eso con una estación de trenes en su mayor obra maestra: 'La vida de bohemia'.
</p>
Bianca
02-feb-2002, 13:16
DE LA FRAGMENTACION
Es imprescindible si no se quiere caer en la REPRESENTACION.
Ver los seres y las cosas en sus partes separables.
Aislar estas partes. Hacerlas independientes para darles una nueva dependencia.
Mostrarlo todo condena al CINE al cliche, le obliga a mostrar las cosas como todo el mundo esta acostumbrado a verlas. De lo contrario, parecerian falsas o afectadas.
Robert Bresson.
</p>
Mr Tibbs
02-feb-2002, 13:57
Veo que la mutación no tiene fin. Lo que yo decía: "Han pasado diez años..."
Cambiemos "años" por "días" y... voilà.
Mr Tibbs
PD. ¿Qué tal la lectura del "trabajado testamento"?
</p>
Bianca
02-feb-2002, 15:28
Conmovedor, realmente conmovedor.
Todavia tiemblo de la emocion.
P.D: Revise el post de:
"¿Alguien conoce a Robert Bresson?", puede que encuentre alguna pequeña sorpresa documental.
</p>
Mr Tibbs
02-feb-2002, 15:51
¡No, mujer, no! Sorpresa más bien poca. Pero reconozco que un ataque de espasmos vendría a mí si DE WEG NAAR BRESSON lo tuviera vos. Retórica de saldo, pero es lo que hay.
Te regalo una imagen más conmovedora que el mejor de los testamentos. Una imagen que demuestra una idea: "el viento sopla donde quiere"...
Pero ése sería el Super-Ratón futbolista, ¿no? Lo digo por lo de las patadas al DRAE.
¿Continuará? Seguro que sí.
</p>
Eric Haines
02-feb-2002, 22:06
El aforismo de mañana es:
"No se crea agregando, sino suprimiendo.
Otra cosa es desarrollar. (No desplegar)".
Robert Bresson.
</p>
Padre Antonio Vieira
04-feb-2002, 11:08
"Una película no puede ser un espectáculo, porque un espectáculo exige la presencia en carne y hueso. Sin embargo, puede ser, como en el teatro fotografiado o CINE, la reproducción fotográfica de un espectaculo. Ahora bien, la reproducción fotográfica de un espectáculo es comparable a la reproducción fotográfica de un lienzo o una escultura. Pero la reproducción fotográfica del SAN JUAN BAUTISTA de Donatello o de la MUCHACHA DEL COLLAR de Vermeer no tiene ni el poder, ni el valor, ni el precio de aquella escultura o de aquel lienzo. No los crea. No crea nada."
Robert Bresson.
PALABRA DE DIOS...
(a la mierda, las fotos de esta página no salen. Si queréis verlas -hay muchas y tan bonitas como las de los patitos: www.geocities.com/bresson...index.html (http://www.geocities.com/bressonlinks/photo-index.html) )
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/upadreantoniovieira.showPublicProfile?language=ES>Padre Antonio Vieira</A>* http://www.sinint.com/mecano/Where_friend.jpg fecha: 2/4/02 4:21:44 pm
Sailor Ripley
04-feb-2002, 12:06
…TE ALABAMOS, SEÑOR.
Admitiendo que "espectáculo" no es aplicado al cine porque no es algo que se ve en vivo, en carne y hueso…
Definición:
Función o actuación de cualquier tipo que se realiza por divertimento del público: espectáculo circense, taurino, teatral, musical.
Todo lo que es capaz de atraer la atención o impresionar.
..aún así, creo que su aforismo es un aforismo con trampa.
Me explico:
En los ejemplos que adjunta — la reproducción fotográfica de esculturas o lienzos— se trata de "representaciones de representaciones". Es decir, de la fotografía de una escultura o de un lienzo, que a su vez representan a otra cosa. Como si viéramos la filmación de un cine donde a su vez se proyecta una película. Los "filtros" van mermando la pureza del mensaje por lo que es normal que no tengan la misma fuerza. Tampoco un lienzo que represente una proyección cinematográfica tendrá la misma fuerza que estar en esa sala de cine viendo la película.
Y, no obstante….¿Por qué tiene más valor la reproducción del la etiqueta de las sopas Campbell´s pintada por Warhol, que la propia etiqueta de la sopa?… …¿o la representación pintada de la etiqueta de los cereales Kellogs pintada por Norman Rockwell?
</p>
gromit
05-feb-2002, 01:12
no entro a discutir nada, porque no hay nada que discutir.
En cuanto a esto último, sí, puede que en un principio el cine fuese simplemente un documento gráfico de un espectáculo, pero desde muy pronto, ya con el cine mudo se empezaba a jugar con lo que posteriormente fuesen las reglas generales del cine.
Reglas que ahora muchos rechazan y sin embargo usan sin saberlo en mayor o menor medida....
Me muero por ver de que son capaces de hacer los nuevos creadores con el cine poético... a ver que sale.
saludos
---------------------------------------------------'peleando gano yo, con berrinches ganas tú'. "la extraña pareja"</p>
Mr Tibbs
05-feb-2002, 11:44
<blockquote>Quote:<hr> La pintura me ha enseñado que no se debían hacer bellas imágenes, sino imágenes necesarias.<hr></blockquote>
Mr Tibbs pide disculpas por su intrusismo.
</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=mr tibbs>Mr Tibbs</A> fecha: 2/5/02 10:48:58 am
PAV
05-feb-2002, 14:11
Voy a decirles como me siento en relacion con el cine que se hace.
Todavia ayer alguien me decia (es un reproche que me han hecho algunas veces, sin querer, pero que es un reproche). "¿ Por que jamas va a ver peliculas?". Porque esto es absolutamente cierto, yo no las voy a ver. Porque me dan miedo. precisa y unicamente por esto. Porque siento que me aparto, que me aparto de los filmes actuales. Cada dia mas. Y esto me da un miedo extraordinario, porque veo que todos estos filmes son aceptados por el publico y no veo, de antemano, que mis filmes sean aceptados por el publico. Y esto me da miedo. Miedo de proponer una cosa a un publico que esta sensibilizado para otra cosa y se encuentra insensibilizado para lo que yo hago. Pero tambien por eso me interesa ver un filme de cuando en cuando. Con el fin de ver lo que nos separa. Entonces me doy cuenta de que, sin quererlo, me alejo cada vez mas de un cinema que, en mi opinion, parte de un mal principio, es decir se hunde en el musichall, en el teatro fotografiado, y pierde completemente su fuerza y su interes (y no solamente su interes, sino su poder), para ir a la catastrofe.
No es que los filmes cuesten demasiado dinero o que la television sea un rival, no , simplemente que el cinema no es un arte, aunque pretenda serlo. No es mas que un arte falso, que trata de expresarse con la forma de otro arte. No hay nada peor ni mas ineficaz que este tipo de arte.
Por lo que se refiere a lo que trato de hacer yo mismo, con la imagen y con el sonido, por supuesto que tengo la impresion de que soy yo quien esta en lo cierto, y que son los otros los que se equivocan. Pero tambien tengo la impresion, em primer lugar, de que me encuentro en presencia de unos medios demasiado prolijos (que trato de reducir, porque lo que ha asesinado el cinema es la profusion de medios, el lujo- y el lujo nunca ha aportado nada al arte), y luego, de que me encuentro en posesion de medios extraordinarios. Esto me lleva a decir otra cosa: me parece que las artes- las bellas artes, si quieren- se encuentran en declive, e incluso cerca de su fin. Se encuentran en trance de morir.
</p>
PAV
05-feb-2002, 20:53
Ningún intrusismo, Tibbs. Mi propósito al crear este post era que todos contribuyéramos y no hubiera ni un día sin mística bressoniana taoísta.
Te lo agradezco. Tu elección de es gran belleza.
</p>
Mr Tibbs
06-feb-2002, 02:27
<blockquote>Quote:<hr> Sólo en el momento en que las imágenes y sonidos entran en contacto, en que se coloca cada cosa en su sitio, el film nace. Y es el film que, al nacer, da vida a los personajes y no los personajes los que dan vida al film.<hr></blockquote>
</p>
Padre Antonio Vieira
06-feb-2002, 11:17
¿Se ve esta foto?
http://www.geocities.com/aguadilu/amanscaped.jpg
No, ya veo que no. ¿porqué el foro no coge nada que venga de una página de Geocities? una respuesta quiero.
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/upadreantoniovieira.showPublicProfile?language=ES>Padre Antonio Vieira</A>* http://www.sinint.com/mecano/Where_friend.jpg fecha: 2/6/02 10:19:40 am
Padre Antonio Vieira
06-feb-2002, 12:43
Sailor, tus dudas bressonianas se verán resueltas con una serie de aforismos que incluiré sobre el concepto de 'Imagen' que tiene el sistema de escritura bressoniana. El aforismo que ha puesto hoy el señor Tibbs es un buen comienzo y se refiere al asunto. Solo añadir que en el post de el lunes, cuando Bresson se refería al 'cine', lo hacía de forma despectiva, refiriéndose a la forma bastarda de cine como teatro filmado, todo ello en contraposición a su 'cinematógrafo'.
Con respecto a lo de Warhol y Rockwell ya es otra historia. Lo que tiene validez en estos es la actitud, (como Duchamp que fue quien empezó) el ser el primero en haber elegido un objeto determinado para enmarcalo y remarcarlo como arte, y así iconizarlo de paso. En haberse percatado de su presunta belleza, y haberla señalado.
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/upadreantoniovieira.showPublicProfile?language=ES>Padre Antonio Vieira</A>* http://www.sinint.com/mecano/Where_friend.jpg fecha: 2/6/02 12:05:14 pm
Padre Antonio Vieira
06-feb-2002, 13:01
"Película de cinematógrafo en la que la expresión se obtiene mediante relaciones de imágenes y sonidos, y no mediante mímica, gestos y entonaciones de voz (de actores o de no actores). Que no analiza ni explica. Que recompone".
Y qué coño, otro más:
"Es preciso que una imagen se transforme al contacto con otras imágenes de la misma manera que un color al contacto de otros colores. Un azul no es el mismo azul al lado de un verde, de un amarillo, de un rojo. No hay arte sin transformación".
Y el último, que esto engancha:
"Si una imagen, contemplada aparte, expresa algo con claridad, si comporta una interpretación, no se transformará al contacto con otras imágenes. Las otras imágenes no tendrán ningún poder sobre ella, y ella no tendrá ningún poder sobre las otras imágenes. Ni acción, ni reacción. Es definitiva e inutilizable en el sistema del cinematógrafo. (Un sistema no lo regula todo. Es el comienzo de algo)".
ROBERT BRESSON.
(mañana más.)
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>
G de Lucas
06-feb-2002, 14:54
San soleil parte de unas imágenes registradas en Japón y las mezcla con imágenes procedentes de otros países y tiempos diversos. Tras su composición ensayística, la obra de Chris Marker reacciona contra la separación de las imágenes y el mundo a partir de algunas reflexiones suscitadas por los haikus. Se trata de encontrar una contemplación pura de las imágenes, ajena a la cultura del espectáculo y a la interpretación simbólica. Film de una extrema sensibilidad e inteligencia, anota una nueva concepción del cine, que nada tiene que ver con la representación institucional.
"La obra de arte no es un instrumento de comunicación. La obra de arte no tiene nada que hacer con la comunicación. La obra de arte no contiene estrictamente la menor información. En cambio, hay una afinidad fundamental entre la obra de arte y el acto de resistencia. Ahí, sí. En calidad de acto de resistencia, la obra de arte tiene algo que hacer con la información y la comunicación" .
Chris Marker compone y monta Sans Soleil en 1982. Una cita de Racine inagura la película: "El alejamiento de los paises repara de algun modo la excesiva proximidad del tiempo". En su obertura el film muestra el plano de tres niños caminando juntos en un prado islandés, y el plano de un avión militar americano en un portaaviones. Sendos planos sirven de intersticios visuales a una pantalla negra. La hermosa voz de Florence Delay lee el siguiente texto: "La primera imagen de la que me habló fue la de tres niños en un camino, en Islandia, el año 1965. Me decía que para él era la imagen de la felicidad, y también que había intentado en numerosas ocasiones asociarla con otras imágenes, pero que nunca había funcionado. Me escribía: <<Un día, la pondré sola al inicio de una película, y abajo pondré un buen trozo negro. Si no ven la felicidad, al menos verán la oscuridad>>."
Esta hermosa obertura introduce una de las claves que van a singularizar el resto del film: la abertura de una imagen en la que queda desestimada toda imposición interpretativa por parte del autor, estableciéndose una estrecha relación entre lo visible y lo invisible, lo dicho y lo no-dicho (la imagen y la pantalla en negro; la voz en off y el silencio). Marker acude a una tercera persona del singular para introducir el texto: "la primera imagen de la que me habló / me decía que para él era la imagen de la felicidad...".
Los haikus, forma poética japonesa compuesta de tres versos, denotan una elevada influencia del Budismo Zen y en ellos que el autor jamás trata de imponer una interpretación o comunicar su sistema simbólico. Encontramos pues un primer punto en común con la voluntad de Marker de borrar el "yo" para ceder el texto a una tercera persona, aunque bien es cierto que en los haikus el verbo aparece habitualmente desposeído de flexiones temporales y personales. Además, sabemos que el escritor de esas cartas, Sandor Krasna, es un heterónimo de Chris Marker. Y por último: ¿cómo podemos retener esa idea de "borramiento" cuando, como señala Olivier Kohn, el desmentido más evidente de esa "escritura blanca" reside "en la subjetividad reivindicada por el comentario"?
Los haikus se basan en el paso de tiempo a través del tema de las estaciones y de la introducción de un elemento móvil o dinámico en el interior de un paisaje estático (permanencia/impermanencia). En el primer acto (el film se divide en cuatro) el comentario señala: "La poesía nace de la inseguridad: Judios errantes, Japoneses temblorosos. Viven en una alfombra que la naturaleza puede estirar en cualquier momento con ganas de gastar una broma, por eso se han acostumbrado a vivir en un mundo de apariencias frágiles, fugaces, revocables, trenes que vuelan de planeta en planeta, samurais que luchan en un pasado inmutable: esto se llama la impermanencia de las cosas". Marker introduce la idea de "impermanencia", fundamental para entender la cultura japonesa que conviene examinar a la luz de las propuestas de Deleuze para analizar el papel de los espacios vacíos en los films de Yasujiro Ozu.
Deleuze escribe: "Hay devenir, cambio, pasaje. Pero, a su vez, la forma de lo que cambia no cambia, no pasa. Es el tiempo, el tiempo en persona,"un poco de tiempo en estado puro": una imagen-tiempo directa que da a lo que cambia la forma inmutable en la que el cambio se produce". Surge entonces la idea zen de permanencia, ligada a la inmutable naturaleza y al eterno ahora. Marker hablará en el tercer acto sobre la máquina electrónica creada por Hayao Yamaneko para descomponer la nitidez de las imágenes con estas palabras: "Juega con los signos de su memoria. Los pincha y decora como insectos que se hubieran escapado del tiempo, y que pudiese mirar desde un punto situado en el exterior del tiempo -la única eternidad que nos queda". A continuación, elaborará una hermosa reflexión sobre la memoria espiral en Vértigo.
Esa exterioridad del tiempo introduce una cuestión decisiva: ¿Cómo abordar el dualismo del lenguaje actual occidental para desmarcarse y penetrar en una Realidad pre-simbólica, originaria y no dualista? El problema de la espiral atraviesa todo el cine de Chris Marker.
Olivier Kohn acierta en su artículo "Si loin, si proche" cuando señala que en los films de Marker "el divorcio entre las palabras y la realidad -característico de la modernidad- no tiene realmente lugar. Aún a riesgo de simplificar, diremos que es posible ver en sus films a las palabras como el último garante de la unidad de consciencia, el último tramo antes de su estallido en fragmentos irrenconciliables". La liberación del simbolismo del lenguaje debe entenderse a partir de la reflexión que hace Marker acerca del enlace de la imagen cinematográfica con la forma poética de los haikus. En ese intento de retorno a la realidad pre-simbólica o a un estado original infinito y absoluto, las imágenes, al igual que los haikus, tiene más importancia por que lo que no muestran que por lo que muestran. Más arriba tomábamos el plano que inaguraba el film para escribir que se establecía "una estrecha relación entre lo visible y lo invisible, lo dicho y lo no dicho". Al final del film, en el cuarto acto, Marker recupera el plano de los niños en Islandia y señala: "Y aquí, por ellos mismos, se han puesto los tres niños de Islandia. He vuelto ha coger el plano integramente, añadiendo este final un poco indeciso, este encuadre tembloroso bajo la fuerza del viento que soplaba sobre el acantilado. Todo esto que había cortado y que explicaba mucho mejor que lo que había dejado lo que yo veía en ese instante, porque mantenía la cámara hasta el último 25º fotograma de segundo... (...) Es suficiente con esperar pues, y el planeta ya pone en escena por sí solo el trabajo del Tiempo (...) Y el viaje también entró en la zona. Hayao me enseñó mis imágenes ya carcomidas por el abismo del tiempo, liberadas de la mentira que habían provocado estos instantes aspirados por el espiral".
Examinemos esa imagen, registrada el año 1965, y que el cineasta ahora retoma para iniciar la película. ¿Qué pretende comunicar? Y aún más: ¿qué pretende narrar? Esa "imagen de la felicidad" que quizá "no podamos ver" no comunica absolutamente nada, ¿o acaso es mejor decir que la comunicación se ha vuelto inasible?. La impermanencia de las cosas, esa alfombra agitada, esconde también la posibilidad de salir al exterior del tiempo, es decir, de penetrar en la espiral que nos conduzca a la eternidad absoluta del momento presente. Las imágenes dejan ser una huella o un registro y pasan a ser contempladas: (re)actualizadas en un Tiempo en el "lo que cambia, no cambia". Más adelante, Marker señala: "Me escribe: <<Se puede decir que me he pasado la vida preguntándome sobre la función del recuerdo, que no es el contrario del olvido, sino más bien su reverso. De hecho, no nos acordamos de nada. Reescribimos la memoria de la misma manera que reescribimos la historia>>". La imagen es una reescritura de la memoria, una historia cuyo devenir se vuelve deriva perpetua. Cuando Marker retoma el plano de los niños indica que esta vez la inclusióndel material cortado permite explicar "mucho mejor que lo que había dejado lo que veía en ese instante". Pero esas imágenes son también "una mentira", pues no son en ningún caso el pasado, ni tampoco representan la permanencia de un pasado. Una vez descompuestas en la zona de Hayao es posible contemplar esa imagen-tiempo en estado puro. La permanencia viene dada por la percepción, por esa "reescritura", que entronca con la definición del haiku dada por el maestro Basho: "Haiku es simplemente lo que está sucediendo en este lugar, en este momento".
Sabemos que al producirse en la modernidad el alejamiento de la imagen respecto al mundo los cinestas trataron, tal como señala Deleuze, de "filmar no el mundo, sino la creencia en este mundo, nuestro único vínculo". Marker, en su búsqueda de una contemplación pura, alejada del anclaje al simbolismo interpretivo del lenguaje, encuentra una realidad pre-simbólica cuando indica que "el secreto japonés, esta impresión dolorosa de las cosas de la que hablaba Lévi-Strauss, supone la facultad de comunicarse con las cosas, de entrar en ellas, de ser ellas para un instante. Es decir, hace falta que sean por su parte como nosotros: mortales e inmortales". ¿No es acaso esa la mejor definición de una conciencia libre que ha sorteado las trampas del mundo simbólico, que lucha contra "el divorcio de las palabras y la realidad", y que acaba definiéndose como "cette poignance de las choses" o para ser más claros: que sabe con Malraux que la obra de arte es lo único que resiste a la muerte?
La imagen de los niños islandeses no puede reconstruir jamás esa impresión de felicidad, no puede ser la "imagen de la felicidad", pues su belleza estriba precisamente en aquello que "no se dice", en aquello que "no se muestra". Es uno de los pocos momentos en todo el film en el que Marker hace referencia a su propia condición de cineasta: "porque mantenía la cámara hasta el último 25º fotograma de segundo...". En realidad más bien hace referencia a su conciencia, pero es aquí donde queríamos llegar. En Tout va bien Godard filma una conversación en un despacho para, por corte, mostrar en un emocionante travelling que ese despacho no es sino un habitáculo de un gran decorado formado por diversas habitaciones en las que ha desparecido la cuarta pared. Godard hablará de "una crítica y transformación de la práctica cinematográfica dominante", mientras Marker preferirá hacerlo de su compañero Hayao Yamaneko, quien "ha encontrado una solución: si las imágenes del presente no cambian, cambiar las imagénes del pasado.. Me ha mostrado unas imágenes de los acontecimientos de los sesenta tratadas por un sintetizador. Dice, con la convicción del fanático, que son imágenes menos mentirosas que aquellas que veo en la televisión. Al menos se presentan como lo que son, imágenes, y no como la forma trasnportable y compacta de una realidad que ya no es accesible". Esa denuncia del camuflaje de la imagen no sólo enlaza el travelling moral de Godard con toda la obra de Marker (¿no viene a ser lo mismo la zona de Hayao en la que " se presenta una imagen por lo que es" que la célebre sentencia godardiana incluida en Vent de l´Est: "c´est ne pas une image juste, c´est juste une image?"), sino que además sirve de crítica política a una sociedad en la que, tal como señaló Feuerbach, "se prefiere la imagen a la cosa, la copia al original, la representación a la realidad".
En otro pasaje de Sans Soleil vemos a Luiz Cabral, presidente de Guinea-Bissau abrazándose con el comandante Nino, que llora emocionado. ¿ De qué es imagen esa imagen?. Marker nos explica que hace falta avanzar un año en el tiempo para que podamos saber que el comandante Nino encabezará un golpe de Estado que derrocará a Luiz Cabral. Las lágrimas del comandante no expresarán la emoción del antiguo guerrero, nos dirá, sino el orgullo herido de quien no se siente suficientemente correspondido.
Será una reflexión sobre las palabras (que vuelve a introducir la influencia del haiku la que nos permitá centrar el problema. Marker comenta la historia de Sei Shônagon, una dama de honor de la princesa Sadako que escribió en su libro Notes de chevet una lista de las cosas que hacen "latir al corazón". El libro corresponde al género de los sôshi que, según señala André Baujard en la introducción del libro (publicado en Gallimard): "como los nikki, son escritos íntimos; pero, a diferencia de los diarios, no respetan el orden cronológico ni, de un modo general, ningún plan; se trata de bocetos en los que el autor vierte sobre el papel, dejando ir su pincel, todas las ideas, imágenes, reflexiones que provienen de su espíritu (...)". Definición que encaja a la perfección con la construcción a la deriva (léase en el sentido debordiano)del film. En ese instante, el cineasta piensa en la capacidad de "nombrar tan solo" para que el "corazón pueda latir". En nuestra sociedad, dirá, un sol no es un sol sino es brillante o límpido. Por contra, en Japón "poner adjetivos es tan mal educado como regalar objetos con la etiqueta del precio. La poesia japonesa no califica. Hay una manera de decir barco, roca, rocío, rana, cuervo, granizo, garza, crisantemo, que lo contiene todo. La prensa habla estos dias de la historia de un hombre de Nagoya: la mujer que amaba murió el año pasado, y él se refugió en el trabajo, a la japonesa, como un loco. Incluso, segun parece, realizó un descubrimiento importante en electrónica. Y después, en el mes de mayo, se suicidó: se ha dicho que no pudo soportar escuchar la palabra primavera"
Chris Marker, el hombre invisible, acaba reivindicado esa contemplación pura, que nada tiene que ver con los adjetivos y etiquetas que los críticos utilizan para clasificar y encasillar banalizando. No parece lejana esa apelación a las reflexiones que ha realizado Debord a propósito de una "sociedad del espectáculo" que domina el discurso y anula o engulle al espectador. En sus Comentarios sobre la sociedad del espectáculo, Debord escribe: "En el plano de los medios de pensamiento de las poblaciones contemporáneas, la primera causa de decadencia se refiere claramente al hecho de que ningún discurso difundido por medio del espectáculo da opción a respuesta; y la lógica sólo se ha formado socialmente en el diálogo". ¿Cómo no encontrar aqui una respuesta justa a ese desplazamiento de la narración hasta una tercera persona, esto es, a esa "abertura del texto" que al principio del artículo no conseguíamos emplazar en relación a los haikus? En su última instalación Roseware, Marker propone que cada visitante o "paseante", por utilizar una palabra más justa, incluya aquellos documentos que forman parte de su memoria personal: una fotografía, un plano, un dibujo. En el texto que acompaña el CD-rom de Inmemory One, Marker escribe: "Que aquí se encuentren los suficientes códigos familiares (la foto de un viaje, el álbum familiar, el animal - fetiche), como para que, imperceptiblemente, el lector substituya mis imágenes por las suyas, mis recuerdos por los suyos; y que mi Inmemoria haya servido de trampolín a la suya para su propio peregrinar en el Tiempo recuperado".
Señalábamos más arriba que Marker utilizaba el film Vértigo para expresar una serie de ideas singulares acerca de la construcción de la memoria espiral y para hablar de "la imposibilidad de vivir en la memoria sino es engañándola. Inventando una doble de Madeleine en otra dimensión del Tiempo, una zona que que sería tan sólo para él, y en la cual podria explicar la inexplicable historia que empezó en el Golden Gate, cuando rescato a Madeleine de la bahía de San Francisco, cuando la salvó de la muerte, antes de volver a tirarla. ¿O bien era a al inversa?". En un bellísimo artículo posterior, publicado en Positif , insistirá en una lectura del film que privilegia la oportunidad de Scottie de tener una segunda oportunidad, de reescribir la memoria. Parece un texto decisivo para comprender el cine de Marker: con sus películas el cineasta no pretende sino tener un "free replay", una nueva oportunidad (escribe: "¿Qué es lo que nos proponen los juegos de vídeo, que dicen más de nuestro inconsciente que las obras completas de Lacan? Ni dinero ni gloria: una nueva partida"). "Lo que esta sucediendo en este lugar, en este momento" señalaba Basho, la necesidad de una nueva reescritura, añade Marker. Ese es el sentido de la zona (y es que Hayao es también un heterónimo de Marker), que juega con los signos del tiempo, al igual que sucedía en la prosa de Proust. Marker, situado en un "mundo de apariencias” reflexiona sobre la televisión, sobre unos anuncios que ostentan un aire de "haikus". En su búsqueda de la poesía encuentra el diálogo, y en su reunión con el diálogo una composición política. Tal vez la televisión, situada ya sea en habitaciones o salones, remarca la falaz impresión de "ventana abierta al mundo". Colocada en la cotidianidad, se enciende de la misma manera que se corren las cortinas. Ahora bien, lo que está en cuestión en Marker no es la búsqueda de una "política de autor" -sobre la que ya decía Godard que el error había sido considerar que la palabra importante era "autor" cuando la palabra que importaba era "política"-, ni tampoco, como han querido ver ciertos torpes analistas, la búsqueda de una "imagen política". Todo lo contrario: las imágenes de Marker tan solo buscan una "política de la imagen" y, como tal, una visión moral que tiene mucho de opción sentimental.
Sans Soleil responde a esa situación reivindicado la necesidad de mostrar a una imagen en tal que imagen (los niños de Islandia: "imagen de la felicidad" registrada en el pasado por el propio cineasta), evidenciando los mecanismos de construcción, apelando al espectador como constructor de la imagen, desconfiando, como ante la imagen de Cabral, de lo que se nos muestra, tratando de unificar a las imágenes con el mundo. Resumiendo: una imagen recuperada.
Deleuze, preocupado por las afinidades de la lucha del hombre con la obra de arte indicará: "¿Qué relación hay entre la lucha de los hombres y la obra de arte? La relación más estrecha y para mí la más misteriosa. Exactamente lo que Paul Klee quería decir cuando decía: "El pueblo falta". El pueblo falta y, al mismo tiempo, no falta. Que el pueblo falta quiere decir que esa afinidad fundamental entre la obra de arte y un pueblo que no existe todavía no es, no será nunca clara. No hay obra de arte que no invoque un pueblo que no existe todavía".
Podemos volver ahora a la cita de Racine. (Más tarde, el texto dirá: "Sabía que en el siglo XIX la humanidad había ajustado cuentas con el espacio, y que la apuesta del siglo XX era la cohabitación de los tiempos"). Existe un lugar en el que los espacios se vuelven próximos; un lugar en el que todas las imágenes que componen Sans soleil, procedentes de diversos espacios y tiempos, encuentran su conjugación: es el tiempo absoluto de la poesía. "Él dice que la materia electrónica es la única que puede tratar el sentimiento, la memoria y la imaginación". La zona de Hayao evolucionará en el cine de Marker hasta llegar a Level Five, pero la búsqueda seguirá siendo la misma: "dibujar perfiles en los muros de las prisiones". Es el sentido último de cette poignance des choses, esa impresión dolorosa que busca una reconciliación con un mundo lejano. En uno de sus primeros trabajos, el comentario del film Les statues meurent aussi (Alain Renais y Chris Marker, 1953), Marker escribía a propósito de la cultura africana y el "signo de una unidad perdida en la que el arte era el garante del acuerdo entre el hombre y el mundo". Y en el inicio: "Un objeto está muerto cuando la mirada que se posa sobre él ha desaparecido".
Los films de Marker, autocalificados de ensayos, forman una de las obras más decisivas de esa(s) Historia(s) del Cine que parecen silenciarlo. Tal como se planteaba Debord en In girum imus nocte et consuminur igni, el cine se convertirá en "análisis histórico, teoría, ensayo, memoria”, o tal como presagiaba hace cincuenta años Alexandre Astruc en su célebre artículo "Naissance d´une nouvelle avant-garde: la cámera-stylo": escritura íntima. Y si la modernidad es ya imposible (tal como la conocimos a través de ciertos cineastas que filmaron en la estela iniciada con Robert Flaherty) aceptemos de una vez que es el cine individualizado, desprovisto de condicionantes industriales y apoyado en ciertas generosas tecnologías que abaratan costes y reducen equipo, la única y prometedora alternativa que resta. Pensemos en Godard, encerrado en su ordenador componiendo sus Histoire(s) du Cinéma o su film JLG/JLG. Autoportait de Décembre. ¿Cuando se aceptará que el cine también es cuaderno de viajes, autorretrato, diario, ensayo?
En uno de sus últimos trabajos, la instalación Immemory, Chris Marker intenta disolver de nuevo la distancia existente entre palabras e imágenes. Si cuando Marker filmaba películas estaba escribiendo literatura, y cuando escribía literatura estaba filmando películas, lo que ahora nos concede es una nueva oportunidad para (re)construir nuestra memoria(s)/historia(s)/sentimiento(s), en un cruce expresivo que diluye la ontología baziniana porque considera que las imágenes no son las huellas de un pasado (la filmación) sino las huellas de un presente (la contemplación) que justo en ese instante desaparece. Ese instante congelado, retenido "más allá de la espiral del tiempo", en el que ubicamos "aquello que nos hace latir el corazón", y que tal vez sea el único que cuente. De ahí que sepamos que Sans Soleil es un film musical y no político, pero también que el análisis de su organización estructural (rítmica) desbordaría la extensión de este artículo.
En espera de su "pueblo", Sans soleil es un film de resistencia, pues apela a la emoción de la palabra "primavera", es decir, a la imagen pura liberada de toda suerte de simbolismo. Despojado de sentido, el plano de los niños islandeses y el resto de planos de Sans Soleil se convierten en contemplaciones a la deriva de los desgarros en el tiempo. ¿Y entonces cómo no percibir que, tras las bellísimas frases de Samura Koichi se encuentra el lamento por la separación de las imágenes y el mundo?: "¿Quién ha dicho que el tiempo triunfa sobre todas las heridas? Se tendría que decir que el tiempo triunfa sobre todas las cosas excepto las heridas. Con el tiempo, la herida de la separación pierde sus contornos reales. Con el tiempo, el cuerpo deseado ya no lo será más, y si el cuerpo deseado ha dejado de ser para el otro, lo que queda es una herida sin cuerpo." .
Creo que esto es lo más esperanzador y honesto sobre lo que puedo escribir a propósito de la situación de la narrativa .
</p>
Alfredo Kane
06-feb-2002, 16:55
películas de Marker, al que, como ya indiqué en otro mensaje, contestando a PAV, otro fiable defensor del mismo, no conozco demasiado, pues suele utilizar un tipo de cine (documental) que, en general, no es de mis preferidos (salvo en el caso de Hombres de Aran, de Flaherty).
"En mis películas, y cada vez más, intento suprimir lo que la gente llama el argumento. El argumento es un truco de los novelistas"
</p>
Padre Antonio Vieira
06-feb-2002, 20:24
señor de Lucas, si su nombre responde a Gonzalo, tenemos a un buen elemento por aquí!
Juraría que este texto ya lo he leído. Y en un libro que (aunque estupendo) tenía algunos huecos sobre Marker; ninguna mención a las 'Cartas de Siberia'm, una de mis preferidas, y poco sobre la que más me gusta de lo que he visto de él: 'El último bolchevique'. Todo lo referente a 'Level Five' era excelente.
Ánimo, a quedarse por aquí y subir el nivel, tener a un miembro de 'El viejo topo' es un lujo, aunque también sería posible que alguien le haya querido parafrasear y no sea él en realidad...
Hola a todos,
soy nuevo en el foro, me gustaría no obstante dar mi punto de vista sobre varios temas que he estado leyendo:
1. En cuanto a Bresson, me parece que aquellos que piensan que Ángeles del pecado es una obra menor del cineasta están muy equivocados, y personalmente considero
Mouchette su película más lograda, para mi es la más emocionante. Otras favoritas son Un condenado a muerte se ha escapado y Pickpocket.
2. Sobre Paul Schrader, tan sólo comentar lo mucho que me aburrí viendo Aflicción. Su filme Hardcore sobre las peripecias de un señor en busca de su hija, una perdida en rollos de prostitución, tampoco me entusiasmó y Light sleeper es interesante pero tampoco me referiría a ella como una obra maestra. Estas pelis distan mucho de una joya de Bresson, que son toda una experiencia.
</p>
Loco Peligroso
07-feb-2002, 22:29
"Los gestos y las palabras no pueden formar la sustancia de un film tal como forman la de una pieza teatral. Pero la sustancia de un film puede ser sólo esto... aquello que provoca los gestos y las palabras, y los cuales son producidos de una oscura manera en los modelos. La cámara los ve y los filma. Entonces, uno escapa de la reproducción de los actores actuando una obra, y cinematográficamente esa nueva escritura deviene, al mismo tiempo, un método para descubrir. "
</p>
PAV
07-feb-2002, 23:39
gracias Loco por tus aforismos. Celebro que el Notas del Cinematógrafo se pudiera convertir en un best seller, que los foreros interesdos los adquieran (Ed. Ardora) y contribuyan día a día.
Por cierto, saludos a Alfonsitorey (cuánto tiempo!) que puede dar a este foro un giro psicodélico muy interesante. Por cierto, a ver si te animas con un post de Fassbindr, que por aquí hay al menos un par que le adoramos. Estoy de acuerdo contigo Alfonsito que 'Los ageles del pecado' es una obra maestra más que añadir a Bresson. Están todos sus temas ya en ese film. Es una discusión que siempre he tenido con el Bastardo.
VIVE LES ANGES DU PECHE!!
Saludos
</p>
el hijo bastardo
08-feb-2002, 00:46
No he dicho que "Los angeles del pecado" sea una obra menor, he indicado que es una de las obras de Bresson mas tocables y ateniendonos exclusivamente al propio sistema Bresson o a su concepcion del cinematografo.
Formalmente esta todavia muy alejada de sus depuradas obras posteriores, y no solo por la utilizacion de actores profesionales o por el empleo de la musica, tambien por la utilizacion de la camara como una escoba, parafraseando sus propias palabras.
Obviamente estan las obsesiones redentoras del resto de su cinematografia, pero la forma de mostrarlas en esta pelicula se acerca al peor Sirk (y que conste que adoro a este inutil).
Aun asi , es infinitamente superior formalmente a su siguiente pelicula "Las damas del bosque de Boulogne".
Con "Los Angeles del pecado" me pasa como con "Effie Briest" de Fassbinder , es su pelicula mas bella y formalmente mas perfecta pero tambien es la menos fassbinderiana.
</p>
alfonsitorey
08-feb-2002, 14:41
Insisto en que Ángeles del pecado es una película formidable, y no le veo la semejanza con
el cine psicológicamente evidente de Douglas Sirk. Yo encuentro más tocables Lancelot du lac
o Au Hazard Balthazar, de la que hablé largo y tendido creo que con el Padre Antonio Vieira hace tiempo en otro foro.
Douglas Sirk ni me parece un inútil ni un genio tampoco, fue no obstante dramática (de drama) influencia sobre Fassbinder. También a mi me aburrió Effie Briest, prefiero al joven Fassbinder talentoso de Café
de Bremer, Los dioses de la peste, ... títulos infravalorados y desconocidos como Martha u otros más consagrados.
</p>
PAV
08-feb-2002, 20:58
"La terrible costumbre del teatro"
Robert Bresson
</p>
Aforado
08-feb-2002, 23:19
Tengo ganas de ver una película, mete unas palomitas en el microondas, cariño.
El mundo entero, género masculino o de desviación al macho.
</p>
Fermin Martinez
10-feb-2002, 18:03
Hoy, uno de Fassbinder:
"Lo que no somos capaces de cambiar debemos por lo menos describirlo"
repasando no sin nostalgia este post aforístico, caido en esto que dice el inspector:
<blockquote>Quote:<hr> Pero reconozco que un ataque de espasmos vendría a mí si DE WEG NAAR BRESSON lo tuviera vos. Retórica de saldo, pero es lo que hay.<hr></blockquote>
No entiendo, ¿sería tan amable de explicarme esas palabras en centroeuropeo aunque solo fuera telegráficamente, pues tengo curiosidad?
saludos
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/upadreantoniovieira.showPublicProfile?language=ES>Padre Antonio Vieira</A>* http://www.sinint.com/mecano/Where_friend.jpg fecha: 2/11/02 9:51:08 am
Mr Tibbs
11-feb-2002, 10:58
<blockquote>Quote:<hr> A/A BIANCA
Te facilito las referencias de un documental sobre Bresson:
<center> DE WEG NAAR BRESSON
(aka THE ROAD TO BRESSON)
Leo De Boer & Jurriën Rood | Holanda, 1984 | 54'</center>
Este documental cuenta con la participación de personalidades tales como Orson Welles, Paul Schrader o Andréi Tarkovski. A priori... toda una joya.
El problema viene ahora. Imagino que para poseer una copia de tan jugoso documental tendrás que remover Roma con Santiago. Y una vez hecho eso tendrás que rezar a todos los Santos (pregunta a nuestro Peeeeedro, conoce unos cuantos) para que esa copia lleve una traducción de su idioma originario, el alemán. Vamos, que ni De Palma y Woo juntos diseñan una misión tan imposible.<hr></blockquote>
Todo esto y mucho más en... ¿Alguien conoce a Robert Bresson? (http://pub32.ezboard.com/fmundodvd43132frm6.showMessage?topicID=1089.topic)
Mr Tibbs
PD. Si aún necesitas más explicaciones, te remito a Bianca (o BIANCA).
</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=mr tibbs>Mr Tibbs</A> fecha: 2/11/02 10:01:10 am
Padre Antonio Vieira
11-feb-2002, 12:11
aaaamigo!!!, vale. No me acordaba. Eso no lo tiene ni dios, (digo yo, que por ser cura le conozco).
El aforismo de hoy:
"Aplanar mis imagenes (como una plancha) sin atenuarlas". Robert Bresson.
Aforismo muy oportuno contra el énfasis de los que buscan en imágenes aisladas contenidos alegóricos o totalizadores: ejemplos de entre los 'respetados'?
Mis eternamente denostados Angelopoulos (sobre todo a partir de mediados de los 80, 'Paisaje en la niebla' incluída) , Kieslowski (en su trilogía), y de momento no se me ocurren más pero podría nombrar a Subiela, Manchevski o Medem.
Ninguno de estos realizadores extraen de los recursos del cinematógrafo su potencial, y cuando se decantan por sus imágenes metafóricas, ni siquiera las saben extraer de la realidad como hacen con absoluta naturalidad Tarkovski o Guerin.
"LO QUE VIVE DEL TEMA, MUERE CON ÉL. LO QUE VIVE EN EL LENGUAJE, VIVE CON ÉL". (Karl Krauss)</p>
Alfredo Kane
11-feb-2002, 12:54
Aún aceptando, sin ninguna dificultad, que Bresson es uno de los más grandes, no veo por qué razón todo lo que él aplica a su cinematógrafo sea la única e incontrovertible VERDAD.
Otras teorías y formas de hacer cine son tan válidas y tan discutibles como las de Bresson, por lo que pienso que no debe considerarse a Bresson como patrón de muestra para definir el buen o mal cine, de hecho él no hacía cine ¿no es así?
Sus criterios son muy respetables, pero son sólamente SUS criterios, y como tales aceptables o no, siempre discutibles y nunca una vara de medir calidad cinematográfica, y si se consideran así, se deja de tener una perspectiva racional (y por lo tanto humana) del mundo del cine
Comento ésto porque todos los dogmas me producen un cierto rechazo y estoy observando últimamente que estoy comenzando a pasar de un verdadero diisfrute del cine de Bresson a una cierta sensación de club de fans (todo fan tiene algo de dogmático), que no me acaba de complacer.
Y, por otro lado, los jesuítas han sido tradicionalmente hábiles en la ambigüedad, que es algo muy poco dogmático (aunque, en el fondo, seguían siendo dogmáticos como buenos curas católicos <img src=http://www.ezboard.com/intl/aenglish/images/emoticons/happy.gif ALT=":D"> )
Por cierto, el otro día grabé L'argent (que no la tenía grabada) de Cinemanía y comencé a revisarla, pero tuve que dejarlo porque olvidé preparar la grabación para VOS y el ¿doblaje? español es algo terriblemente infecto.
No subestimen el poder de dios, el bastardo posee ese documental.
Padre Vieira deberia confiar mas en el poder de la mafia, esa misma mafia que le permitio conocer a DIOS en Paris hace cinco años.
</p>
Padre Antonio Vieira
12-feb-2002, 12:31
En cuanto a lo de 'permitir', no sé yo quien permite a quién aquí, no tengas jeta; y no aludas a momentos tan bien guardados en una caja no distribuíbles, un poco de discrección.
Bastardo (o cualquiera) posteadnos un aforismo de enjundia, que me he dejado el libro en casa y mi memoria es desastrosa.
</p>
el hijo bastardo
12-feb-2002, 12:59
No me tire de la lengua padrecito,
el documental lo he conseguido a traves de nuestro comun suministrador oficial de maria holandesa.
Le tendre que hacer un telecinado, la copia que tengo es de 16mm, puede que alguna filmoteca la eche de menos.
¡Siempre nos quedara Paris padrecito!
</p>
PAV
12-feb-2002, 13:10
no se si más gente habrá:
1- estado en el concierto de los Beatles en Madrid
2- escapado de los gendarmes en Mayo del 68
3- ido a visitar a Dios en la Rue de Bourbon parisina.
en cualquier caso son miles
</p>
Loco Peligroso
12-feb-2002, 13:40
¿A quién hay que matar para entrar en vuestra mafia?, ¿hay que prostituirse, ver 48 horas seguidas de Gran Hermano, escribir una tesis sobre Michael Bay?
¿A qué tipo de vejaciones me tengo que someter para penetrar en semejante círculo?
...¿Hay que reconvertirse?
</p>
Loco Peligroso
12-feb-2002, 16:30
"Lo eterno a través de lo accidental"
</p>
oh la la
13-feb-2002, 02:04
pues a mi que me parece que lo que es el bastardo, ni 16 mm, ni 160. La mitad de la mitad de lo que diga este pelanas, que es carnaval, y va de fantasma.
y lo de Bresson, fantasías de uno que no conoció a su padre, pobrecito, seguidle la corriente.
</p>
el hijo bastardo
13-feb-2002, 11:20
Me ofenden sus injurias querido oh la la, ha abierto una herida en mi alma que va a ser imposible cerrar.
¿Duda de mi integridad corporea?
Le recuerdo que soy un resucitado ,no me juzgue por los estrechos canones terrestres, en mi caso fantasma no es un insulto , es una precisa definicion.
Recibira en breve una carta manuscrita certificada anonima amenazante, nos vemos en los tribunales.
</p>
Mr Tibbs
15-feb-2002, 11:00
Las deserciones matarán y enterrarán el presente "thread". ¿No os da vergüenza? Este árbol demanda ser regado por jardineros capaces. Nadie como vosotros, padre, hijo ¿y Espíritu Santo?, para mimarlo. Este árbol necesita de vuestro amor extremo. Sus ramas, arqueadas, denotan una tristeza desoladora. Contempladlo... ¿No os da pena presenciar su agonía?
Sólo reclama una cosa, pero lo hace a gritos: la savia que brota de vuestras teclas.
Mr Tibbs
PD. Mi brutal falta de ortografía ya está editada. Aún me queman los ojos.
</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=mr tibbs>Mr Tibbs</A> fecha: 2/15/02 10:22:05 am
Grubert
15-feb-2002, 11:08
Wovon man nicht sprechen kann, darüber muß man schweigen.
O sea:
Sobre aquello de lo que no se puede hablar debe guardarse silencio.
L. Wittgenstein, Tractatus Logico-Philosophicus
Saludos.
PD1: A falta de aforismos bressonianos, hay unos calendarios con unas citas bien majas.
PD2: Mr Tibbs, te referirás seguramente a la savia de esos sabios, ¿verdad?
----------
I will not be pushed, filed,stamped, indexed, briefed, debriefed, or numbered.
N.º 6, "The Prisoner"</p>
Loco Peligroso
15-feb-2002, 13:23
" Le cinéma est mouvement intérieur "
</p>
Zonca
15-feb-2002, 13:27
Lo que está destinado al ojo no debe repetir lo que está destinado al oído.
Cuando no sabes lo que haces y lo que haces es lo mejor, eso es la inspiración.
Lo real en bruto no dará por sí mismo lo verdadero.
El cine bebe de un fondo común. El cinematógrafo realiza un viaje de descubrimiento en un planeta desconocido.
</p>
Loco Peligroso
18-feb-2002, 16:21
"No se trata de interpretar 'simple', o de interpretar 'interior', sino de no interpretar en absoluto."
</p>
Padre Antonio Vieira
24-feb-2002, 00:50
y reavivando las ramas maltrechas de este mustio y en tiempos vigoroso post, qué diría Tibbs (gracias),
una cita (que no aforismo) de Bresson sobre la interpretación:
" Interpretación: lo mejor que se ha escrito sobre mí está en un libro de Susan Sontag "Contra la interpretación". Eso es lo importante: contra la interpretación. Todo el mundo busca mensajes y contenidos, mientras lo importante son las formas de un arte y el misterio que estas encierran. La crítica francesa dice admirar mis films, pero no me gusta el modo en que lo hacen. Tienden a las interpretaciones trascendentes, incluso religiosas. Las interpretaciones son siempre insuficientes, y sobretodo inútiles" (1979).
"Haría muy a gusto un film sin ningún tema" (1959).
</p>
Loco Peligroso
27-feb-2002, 03:34
"Estimular solamente al ojo hace que el oído se impaciente y estimular sólo el oído provoca lo propio en el ojo. Utiliza esta impaciencia."
</p>
oh bla dah
27-feb-2002, 20:16
eso
</p>
Mr Tibbs
03-mar-2002, 17:45
Como no sólo de Bresson vive el aforismo, os recomiendo hojear el número 536 de BABELIA. Publican una entrevista con Cristóbal Serra, autor de Efigies, "una antología de los mejores aforismos". ¿Habrá sitio para Robert B.?
También incluyen un extracto de Sulla letteratura, recopilación de ensayos de Umberto Eco donde practica una disertación sobre varias preguntas. Por ejemplo: ¿Cuáles son las intenciones del aforista?
¿pero de de quién coño es ese perro? (Fred Madison)</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/upadreantoniovieira.showPublicProfile?language=ES>Padre Antonio Vieira</A>* http://www.sinint.com/mecano/Where_friend.jpg fecha: 3/13/02 10:10:57 pm
Loco Peligroso
13-mar-2002, 23:20
"El arte debe representar la vida interior y no la exterior. De ahí que debamos abandonar el naturalismo y encontrar los medios para introducir la abstracción en nuestras imágenes. La capacidad de abstraer es consustancial a toda cración artística. La abstracción da al cineasta la posibilidad de salir del estrecho recinto en que el naturalismo ha encerrado al cine".
</p>
Padre Antonio Vieira
08-abr-2002, 14:21
No dejes que se muera MacReady, te espero aquí.
</p>
Heidi
08-abr-2002, 14:29
El aforismo del dia es:
"Vaciar el estanque para coger los peces"
Robert Bresson.
P.D: McReady dedicado a ti.
</p>
Loco Peligroso
11-abr-2002, 20:31
"Tengo mis principios, y entre ellos figura el de que mis pies no pisarán nunca California, y tengo entendido que Hollywood está en California. Cuando tenía cuatro años, la guardería no me gustaba. ¿Por qué debería gustarme ahora que tengo 44?"
<font color="#000046">“Entonces yo no sabía que a pesar de crecer y por mucho que uno mire hacia el futuro, uno crece siempre hacia el pasado, en busca tal vez del primer deslumbramiento”</font></center></p>
Padre Antonio Vieira
11-abr-2002, 20:54
Hablando de Aki, mira tu correo Loco, y también los que han contactado alguna vez con el convento. Estupenda pic. Que alguien la cuelgue.
¿pero de quién coño es ese perro? (Fred Madison)</p>
Loco Peligroso
11-abr-2002, 21:13
Joder, ya la tenía, te la iba a haber mandado.
También estaba 'contentillo' en el momento de la firma. Seguro.
http://users.servicios.retecal.es/temuca/Kaurijuha2.jpg
</p>
Padre Antonio Vieira
11-abr-2002, 21:20
"Ya que la gente habla tanto en estos días (y sin razones), no nos hará daño algo de silencio. Así que -por qué no (ya que es un hermoso día)-, visitemos de la esencia del cine".
AK¨
(prosa etílica, sin duda)
¿pero de quién coño es ese perro? (Fred Madison)</p>
Ophüls
11-abr-2002, 21:33
"...el intento de encontrar para cada película un nuevo dispositivo, eludiendo la tiranía de los géneros..."
<center> El cine... o la proximidad del tiempo. (Adaptación libre)
Alejémonos con las armas del texto, eludamos, pues, la tiranía.</center>
</p>
Loco Peligroso
23-abr-2002, 15:27
<center> " Es en su forma pura como un arte pega fuerte", Robert Bresson</center>
"¿Por qué he escrito cualquiera de mis libros, a fin de cuentas? Por el placer, por la dificultad. No tengo ningún propósito social, ningún mensaje moral; no tengo ideas generales que explotar, simplemente me gusta componer enigmas con soluciones elegantes"
</p>
serguei
24-abr-2002, 13:01
"Cuanto mayor es la perfección, mayores son el placer y el dolor experimentados"
Dante
</p>
C C Bud Baxter
26-abr-2002, 18:18
En una entrevista en el País digital a Fernado Trueba rescato dos frases que me parecen interesantes:
1. De Jean Renoir (no es sobre cine):
Las fronteras verticales (entre paises) sólo están para distraer a la gente de las auténticas fronteras, las horizontales: las que separan a los de arriba (ricos) de los de abajo (pobres).
2. De Guardiola (se puede aplicar a los críticos de cine):
Los críticos nunca pierden.
</p>
Ophüls
26-abr-2002, 18:32
"Pero si estamos a la 'busca del autor' será porque tenemos la incómoda sensación de que la figura o la idea de autor cinematográfico es algo oscura hoy en día"
<font color="#663300" size="1">"Trato de respirar, me gusta... pero me cuesta mucho"</font>
<font color="#000000" size="1">James Stewart, de resaca, en 'Historias de Filadelfia'</font></p>
Cine
28-abr-2002, 02:44
Subo esto porque se trata de cinematografo y no de insultos
</p>
KRYCEK
28-abr-2002, 16:23
arriba
__________ Have you ever danced with the devil in the pale moonlight? __________</p>
xiscaforce
29-abr-2002, 10:20
arriba
</p>
Ophüls
30-abr-2002, 13:15
'En cuanto un texto se convierte en sagrado para una cultura, se vuelve objeto del proceso de lectura sospechosa, y, por lo tanto, de lo que es, sin duda, un exceso de interpretación' (ECO)
¿El que esté libre de pecado que tire la primera crítica?
<font color="#663300" size="1">"Trato de respirar, me gusta... pero me cuesta mucho"</font>
<font color="#000000" size="1">James Stewart, de resaca, en 'Historias de Filadelfia'</font></p>
Sailor Ripley
30-abr-2002, 13:20
Casi me ha parecido oir el nombre de una carretera de fondo.
</p>
Loco Peligroso
07-jun-2008, 15:37
La facultad de aprovechar bien mis recursos disminuye cuando su número aumenta.