Tema: Elia Kazan: revisando sus películas

Iniciado por tomaszapa

Yo quitaría Pánico en las calles y dejaría La barrera invisible. Sí considero que puede haber más controversia por los premios tan importantes que cosechó La barrera invisible. Quizá vista desde la perspectiva de entonces, era un film "lo suficientemente arriesgado" como para denunciar algo, pero sin que se ofendieran demasiado los poderosos. Hoy en día, desde luego, que en algunos aspectos, ha quedado muy desfasado.
Pánico en las calles es una notable película que no engaña. Ofrece lo que tiene.

Pero si los dos personajes de Pánico no paran de estar cabreados durante todo el film!!!.....por lo menos en la versión doblada, quizá en v.o. su tono de voz no lo muestra tanto, pero siguen teniendo el rostro de cabreados.

Iniciado por Alex Fletcher

Pero si los dos personajes de Pánico no paran de estar cabreados durante todo el film!!!.....por lo menos en la versión doblada, quizá en v.o. su tono de voz no lo muestra tanto, pero siguen teniendo el rostro de cabreados.

Has de ver la versión original, Alex. Yo no tuve la impresión de ese excesivo cabreo que denuncias, aunque había motivos para estarlo: una plaga de efectos mortales sobre una populosa ciudad, y los dos pringados que han de intentar abortarla en tiempo récord son un médico mal pagado y un policía desubicado. En lo que sí estoy de acuerdo, y lo dije en mi comentario, es que la relación entre Widmark y Douglas no acaba de funcionar, como buddy movie carece de la mínima química indispensable.

Para cabreo, el que debe haber cogido el otrora rebelde Johnny Rotten:

Iniciado por Alex Fletcher

la barrera invisible y Pánico en las calles están en el top5 del sub sub género de película de cabreados.

Desde luego Richard Widmark no hizo muchas comedias No tiene el rostro para ello y sus primeros films marcaron mucho el devenir de su porvenir.

Iniciado por hannaben

CompiCampanilla la de Gregorio ya la has visto la tengo aparcada,me da pereza
El a lo suyo lo mismo en esta que en Recuerda desganao mehhhh guapo pero qué insustancial salvo ese Atticus....qué poco me motiva artisticamente...
https://es.web.img3.acsta.net/r_1280...9/18830622.jpg

Bueno, siempre puedes ponértela más adelante (si te apetece) y darnos tu opinión, hannaben .

En mi caso, a Peck siempre lo he visto en papeles que me han gustado (salvo en alguna excepción) y creo que eso también influye. Eso sí, guapo es, que hasta lo dice muy abuela, que es muy selectiva ella para esto de las bellezas masculinas . En eso creo que estamos todas de acuerdo .

Iniciado por tomaszapa

Campanilla, muy buena review!! Y esas caras tronchantes aderezando estupendamente la crítica. .

¡Gracias, tomaszapa! . Aunque al lado de los compañer@s, escribo poquita cosa últimamente , antes hacía más y mejores reseñas , el escaso tiempo y el COVID, están haciendo de la suyas en mí . Eso sí, mis caritas que no falten .

Peck se pasará la mitad de la película enfadado, pero tú te has partido el culo de risa haciendo la review

Cierto, cierto .

Como dicen los compañeros, se agradecen distintos puntos de vista. A veces, es como ver aproximarte a la película desde otra perspectiva que no contemplabas. Interesante, desde luego.

Lo mismo digo . Sin duda lo es . Muy de acuerdo contigo .

Iniciado por Alex Fletcher

la barrera invisible y Pánico en las calles están en el top5 del sub sub género de película de cabreados.

Sí, eh . El de la segunda también se las trae .

Iniciado por Alex Fletcher

Pero si los dos personajes de Pánico no paran de estar cabreados durante todo el film!!!.....por lo menos en la versión doblada, quizá en v.o. su tono de voz no lo muestra tanto, pero siguen teniendo el rostro de cabreados.

Lo están, lo están. Y Widmark no sólo se enfada con todos en la peli, es que a la mujer la despacha de un modo con el tema de los pagos . Y es más, acto seguido, le está diciendo algo y la corta de este modo:

Él: ¡Café!
Ella: (hace el intento de hablar)
Él: ¡Cafeeeeé!

¡La leche! . ¡Qué mala gaita, el tío! .

Yo esto contigo Alex, son dos cabreaditos .


Me temo que los comentarios de "Pinky" y "Pánico en las calles" tendrán que esperar unas horas mínimo . Eso sí, vistas están ya las dos .

¡VIVA! ¡ESTA VIVAAAA!

¿Que tal estais tu y los tuyos,, Campanilla?.


PD: Ahora mismo es lo de menos, y no hay prisa, pero... ¿te acuerdas de la reseña sobre cierto musical fantasmal?.

Iniciado por Branagh/Doyle

¡VIVA! ¡ESTA VIVAAAA!

Sí, aunque sé que a veces no lo parece .

¿Que tal estais tu y los tuyos,, Campanilla?.

Por ahora bien, gracias por preguntar . Aunque ya me he tenido que hacer alguna PCR . Espero que tú y los tuyos también estéis bien .

PD: Ahora mismo es lo de menos, y no hay prisa, pero... ¿te acuerdas de la reseña sobre cierto musical fantasmal?.

Sí , el otro día estuve con ella un poquito , pero claro, me lleva más tiempo y lo hago sólo a ratitos que estoy tranquila y descansadilla. Creo que llevo 7 páginas ya (sin fotos). Eso sí, no esperes gran cosa , no tengo tus conocimientos ni sé de la materia realmente como para poder ofrecer algo bueno de verdad . Pero lo haré lo mejor que pueda y sepa .

A veces pienso que con tanta tardanza, será un regalo de Navidades que te haré, pero bueno, si así fuese, también sería bonito ¿no crees? .

¡Buenas noches, B/D! .

Perdón a los demás por el off-topic .

¡¡¡No hay prisa!!! 7 páginas ya, que maravilla. Se que cuando algo te llega de verdad te salen textos preciosos (vease el hilo de Frozen), por eso te lo propuse.

Insisto, no hay prisa. Tomate tu tiempo y acabala en condiciones, con fotos y eso que se que a ti te gusta. Cuando esté lista, me avisas por privado. Sea en diciembre, en enero, o cuando sea.



¡Buenas noches!

Tengo bastante encaminado el comentario de UN TRANVÍA pero cual Cenicienta me retiro a medianoche para no convertirme en calabaza o más bien porque me duele hasta lo innombrable.

Mañana espero tenerlo finiquitado y añadirle algo de material gráfico diferente de las habituales (y fatigosas) capturas de pantalla.

Feliz noche a todo@s.

Iniciado por Campanilla

Creo que llevo 7 páginas ya (sin fotos). Eso sí, no esperes gran cosa , no tengo tus conocimientos ni sé de la materia realmente como para poder ofrecer algo bueno de verdad . Pero lo haré lo mejor que pueda y sepa .

Yo, si nada lo impide, volveré a disfrutarla en casa con la family esta noche. Y ya comenzaré posteriormente la review. Intentaré ver la crítica de mad dog, para llevarle la contraria

Iniciado por tomaszapa

Yo, si nada lo impide, volveré a disfrutarla en casa con la family esta noche. Y ya comenzaré posteriormente la review. Intentaré ver la crítica de mad dog, para llevarle la contraria

¡Sí, por favor! Pero esta vez creo que lo tendrás difícil.

07. A STREETCAR NAMED DESIRE (1951, UN TRANVÍA LLAMADO DESEO)



Director: Elia Kazan.

Producción: Charles K. Feldman Group Productions, Inc. / Warner Bros. Pictures, Inc.

Distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor: Charles K. Feldman.

Guion: Tennessee Williams, a partir de la adaptación de Oscar Saul de la obra de teatro homónima de Tennessee Williams (Nueva York, 3 de diciembre de 1947).

Dirección artística: Richard Day.

Decorados: George James Hopkins.

Fotografía: Harry Stradling.

Música: Alex North.

Montaje: David Weisbart.

Reparto: Vivien Leigh (Blanche DuBois), Marlon Brando (Stanley Kowalski), Kim Hunter (Stella DuBois/Kowalski), Karl Malden (Mitch).

Duración: 2 h 04 m 55 s. (Copia en BD editada por Warner en 2006).



Rodaje: de mediados de agosto a mediados de octubre de 1950.

Estreno: 18 de septiembre de 1951.

Recaudación: 4.250.000 dólares (Variety, 2 de enero de 1952).



Para no repetirme y dado que, en líneas generales, comparto el entusiasmo – aunque con matices - que el séptimo largometraje de Elia Kazan ha provocado en los compañeros que ya han entregado sus reseñas, intentaré hacer una aproximación distinta a la película, comentando aspectos que se han tratado tangencialmente pero que a mí me parecen lo suficientemente importantes en la consecución del formidable éxito que supuso la traslación de la obra teatral de Tennesse Williams a la gran pantalla.

La dividiré, para hacer más amena la lectura, en cinco bloques y espero que la misma no me lleve un tiempo del que últimamente carezco, por problemas que no vienen a cuento.

Empecemos.

LA OBRA ORIGINAL:

Reconozcámoslo, una parte importante del mérito de la película proviene de la fuente literaria original, o sea, la obra teatral de Tennesse Williams (1911-1983) que se estrenó en Nueva York un 3 de diciembre de 1947 y que permaneció en cartelera hasta el 17 de diciembre de 1949, con un total de 855 representaciones.



- Portada de la primera edición, New Directions, Nueva York, 1947 -

A ello tenemos que añadir, además, el que dicha puesta en escena corriera a cargo del propio Kazan y el que se contara con la presencia de buena parte del elenco original de actores…

… a excepción de la protagonista, la exquisita Jessica Tandy…

… lo que, indudablemente, simplificó notablemente la preparación de la película.

Pero que ello no signifique el restarle méritos, nada más lejos de mi ánimo, a Elia Kazan, cuya puesta en escena roza la perfección y que sortea no sólo con éxito sino con auténtica maestría el error de convertir la película en simple teatro filmado.

Tendremos que saltar el charco para encontrarnos a la pieza que nos falta en el rompecabezas.

Y es que desde el 12 de octubre de 1949 hasta el 19 de agosto de 1950 (326 representaciones), la gran Vivien Leigh y bajo la batuta de su, por entonces, esposo, Laurence Olivier, encarnó a Blanche DuBois en las Islas Británicas.

- Un aparte importante antes de seguir adelante:

Si nos fijamos en la fotos tanto de Vivien Leigh como de Marlon Brando que incluyo al final de la reseña, la fecha del test de vestuario que se hizo a los actores, es el 9 de agosto de 1950.

De ello se pueden inferir dos cosas.

Que pese a la imprecisión en el inicio de la fecha de rodaje (y que yo tomo, como es habitual, del A(merican) F(ilm) I(institute)) y que incluyo en la ficha técnica, este no se produjo, lógicamente, antes de dicha fecha.

Y lo que es más importante, que Vivien Leigh tuvo que ser sustituida en la función londinense antes de que esta finalizara puesto que ya se encontraba en Hollywood preparando la película.

Aprovecho de paso para confirmar lo que el siempre sabio mad dog earle mencionaba en el primer párrafo de su espléndido comentario.

THE MEN (1950, HOMBRES), una producción de Stanley Kramer dirigida por Fred Zinnemann, no se estrenó hasta el 25 de agosto (con premiere, en Nueva York, el 20 de julio), por lo que, efectivamente, Marlon Brando no era todavía conocido por el gran público. -

Y para cerrar el apartado tal y cómo lo había empezado, el hecho de que el propio dramaturgo interviniera en el guion de la película es sintomático de la extraordinaria fidelidad de este a la obra original, aunque la presencia en los créditos de Oscar Saul (al que los compañeros tal vez recuerden por su participación en el libreto de MAYOR DUNDEE (1965) de Sam Peckinpah) también debería ser tenida en cuenta, especialmente en aquellos aspectos en los que la película diverge, siquiera levemente, de la obra de teatro.



EL PRODUCTOR:

Aunque todo el mundo piensa que UN TRANVÍA LLAMADO DESEO es una producción de la Warner Bros., lo cierto es que dicha afirmación dista mucho de ser correcta.

El auténtico productor de la misma es Charles K. Feldman (1904-1968), cuya agencia, la Famous Artists Corp., fundada en 1932, gestionaba los intereses de estrellas del celuloide de la talla de Gary Cooper, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Marilyn Monroe o John Wayne.

Y no sólo eso sino que en los años ‘40 colaboró estrechamente con el director Howard Hawks en alguna de sus más apreciadas obras maestras, como TENER Y NO TENER (1944), EL SUEÑO ETERNO (1946) y RÍO ROJO (1948), además de crear su propia compañía, la Charles K. Feldman Group Productions, Inc., con la que introdujo una importante novedad en el anquilosado mundo de los grandes estudios de Hollywood.

Dicha novedad consistía en que Feldman, antes de entrar en negociación con una gran compañía con el fin de que esta le ayudara no sólo en la distribución sino también en la financiación de sus proyectos, compraba los derechos de las obras literarias que pretendía llevar a la gran pantalla. De esta forma podía jugar con ventaja en las negociaciones con las majors.

E igualmente procuraba el que sus representados formaran parte de los repartos de los mismos.

Así que fue Feldman y no la Warner, quien compró los derechos de la obra de teatro de Williams, siendo esta, eso sí, la que le proporcionó buena parte de los fondos para la elaboración de la película así como un canal de distribución a nivel tanto nacional como internacional.

Además, sin nos fijamos con detenimiento en los títulos de crédito, el copyright de la película pertenece a la Charles K. Feldman Group Productions, Inc. y no a la Warner Bros. Pictures, Inc.

Eso sí, al parecer fue Jack L. Warner, quien forzó el cambio de Jessica Tandy por Vivien Leigh a la hora de encarnar el papel principal de la película en aras de rentabilizar la fuerte inversión de capital que requería el proyecto dado que la primera era una completa desconocida en el mundo del cine.

- Por cierto y como mera curiosidad que seguro que le encantará al querido amigo Alex Fletcher , Jack L. Warner, denunció ya en 1947 a Elia Kazan como (filo)comunista.

De hecho, Warner se convirtió en el primero de los llamados “testigos amistosos” o sea, de los que colaboraron gustosa y voluntariamente con el Comité sobre Actividades Antiamericanas del Congreso (HUAC) dando nombres de presuntos comunistas que trabajaban en la industria del cine.

Algo, por cierto, de lo que Kazan no habla para nada en su libro, aunque ya sabemos de lo voluble de la memoria del cineasta.

Donde las dan, las toman. -

No se vayan todavía aun hay más.

Y es que Feldman también había sido el productor de la primera adaptación a la gran pantalla de una obra de teatro de Williams, en este caso de “El zoo de cristal” (Nueva York, 31 de marzo de 1945), firmada por el excelente (y olvidado) Irving Rapper (THE GLASS MENAGERIE (1950)) y con libreto, al igual que en UN TRANVÍA LLAMADO DESEO, del propio dramaturgo. Por cierto, su primer guion cinematográfico.









Así que fue Feldman quien convenció a Williams para que adaptase su texto a la gran pantalla y este a su vez quien convenció a Kazan.

Es incomprensible que el director despache al principal impulsor (y fuerza motriz) del proyecto con un simple (y vejatorio) comentario en el libro de entrevistas de Ciment una prueba más de lo sesgada que es la memoria del cineasta.

LA PUESTA EN ESCENA:

Como ya he indicado al comienzo de la crónica, la labor tras las cámaras de Elia Kazan deviene capital puesto que su esta no se limita simplemente a filmar a los actores como si de una obra de teatro se tratase sino que a través de inteligentes ideas de puesta en escena logra no sólo “airear” el texto sino introducir a los espectadores en una auténtica experiencia cinematográfica.

Para ello contó además con la inestimable colaboración no sólo del extraordinario reparto, del que hablaré brevemente a continuación, sino de un equipo técnico y artístico de primera.

Me gustaría destacar especialmente la presencia de la diseñadora Lucinda Ballard dado que se encargó del vestuario tanto en la obra de teatro como en la película, otro motivo más de conexión entre una y otra.

Igualmente resultó decisiva la labor del gran operador Harry Stradling, con el que Kazan volvería a colaborar en A FACE IN THE CROW (1957), en la creación de ese ambiente opresivo y decadente, perfecta mixtura entre los conceptos del amor/deseo/sexo y la muerte que son los ejes centrales sobre los que pivota toda la obra/película.

Y magnífica, la labor conjunta del director artístico Richard Day y del decorador George James Hopkins, erigiendo ese perfecto decorado que no sólo incluye el edificio donde viven los protagonistas sino igualmente los aledaños, como la estación de tren a la que llega casi como si fuese una aparición Blanche o la bolera donde juegan Stanley y sus amigos.

Tenemos también la extraordinaria banda sonora del gran Alex North, sin duda uno de los elementos decisivos en el éxito de la propuesta y que se aleja notablemente del trabajo de sus coetáneos y que expresa a la perfección esos ambientes a los que antes me refería.

En el montaje la presencia de David Weisbart, que también había trabajado en la mencionada THE GLASS MENAGERIE, deviene capital puesto que el director no tenía todavía derecho al mismo y fueron, por tanto, los productores los que tuvieron la última palabra.

Y aunque en 1993 se recuperó el metraje que la censura había obligado a eliminar antes del estreno no hemos de olvidar que los artífices del proyecto tuvieron que hacer numerosas concesiones durante la preproducción del mismo para poder conseguir la calificación necesaria que les permitiera estrenar la película en el mayor número de cines posible.

Por tanto, aquí no se puede hablar en propiedad del montaje del director porque Kazan no intervino para nada en el mismo. Eso es algo que sólo conseguiría a partir del formidable éxito de público y de crítica que supuso LA LEY DEL SILENCIO (1954).

LOS ACTORES:

Sólo una pequeña objeción al, por otra parte, espléndido reparto, aunque esta pertenece al terreno de los gustos y de las afinidades.

A pesar de ser el actor que más veces ha trabajado con Kazan (EL JUSTICIERO, UN TRANVÍA LLAMADO DESEO, LA LEY DEL SILENCIO y BABY DOLL) Karl Malden nunca ha sido un intérprete por el que sintiera un especial aprecio. Reconozco que está bien en el papel de Mitch pero es un actor que no me llena.

Subjetividades aparte, creo que fue un gran acierto que fuese Vivien Leigh y no Jessica Tandy quien encarnase finalmente en la gran pantalla a Blanche DuBois que como tan atinadamente indica el querido compañero mad dog earle bien podría ser una descendiente de la Scarlett O’Hara de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939) y la plantación Belle Reve un trasunto de la mítica Tara.

Es una lástima que Kim Hunter, quien sufrió duramente en sus carnes los azotes de la Caza de Brujas y ello a pesar de ganar un Oscar por esta película, no tenga una presencia mayor en la pantalla porque de esta forma queda un tanto desequilibrado el triángulo de amor y de odio que forman Blanche / Stanley / Stella.

De hecho, alguna de las mejores secuencias están protagonizadas por ella, con especial mención a aquella en la que Stanley suplica su perdón a gritos después de haberla agredido y ella acude a su llamada bajando parsimoniosamente las escaleras y reflejando en su rostro a la vez el deseo y la furia.

Y, por supuesto, el portentoso trabajo de un casi debutante Marlon Brando (recordemos su participación previa en la nada despreciable cinta de Zinnemann), seguramente una de las interpretaciones más memorables de la Historia del Cine.

La espléndida química que se establece entre el trío de protagonistas es, sin lugar a dudas, una de las grandes bazas de la película.

Y dado que Stanley/Brando es el agujero negro al que se ven irrevocablemente atraídas tanto Stella como Blanche, es incomprensible que su extraordinaria interpretación no fuese galardonada al igual que la de sus compañeros.

- EL PERO -

Antes de encarar el último bloque y dado que no sabía exactamente dónde incluirlo he preferido añadir un aparte para comentarlo.

Nunca he entendido el por qué de la violación de Stanley a Blanche que todos sabemos que procede de la obra de teatro de Williams.

Lo menciono porque a pesar del carácter brutal del personaje este nunca ha manifestado por su cuñada más que el desprecio más absoluto y, desde luego, el menor atisbo de atracción y/o lujuria hacia ella, alguien diametralmente opuesto a su esposa.

En ese sentido es más lógico el final de la película y no sólo porque servía para acallar a la censura sino porque un acto tan salvaje no podía tener otra respuesta que el ostracismo por parte de su esposa que además acababa de dar a luz.

EL ÉXITO:

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO fue el mayor éxito hasta la fecha en la carrera del director.

Aunque la película se llevó 4 Oscar en 1952, superando así su récord de 1948 con LA BARRERA INVISIBLE (3), lo cierto es que no pueden compararse aquellos a estos puesto que incluían los dos más importantes: mejor película y mejor director.

Además la Academia al centrarse básicamente en el aspecto interpretativo (Leigh, Hunter, Malden) salvo la puntual referencia a la escenografía (Day y Hopkins) obvió las innovadora puesta en escena del director, la cual tendría una influencia decisiva en todas las adaptaciones posteriores a la gran pantalla, tanto de las obras de Tennessee Williams como las de otros escritores.

La película además se convirtió en la 5ª más taquillera del año con unos formidables 4.250.000 dólares (ver Variety, 2 de enero de 1952).

Desde luego, en este caso la calidad de la película va pareja tanto al éxito de crítica (especialmente el reconocimiento de sus pares) como al de público.

Sin embargo, la carrera del director no sería siempre un camino de vino y rosas como veremos ya mismo en su próxima película, la espléndida ¡VIVA ZAPATA! (1952) y que el propio director calificaba incongruentemente, al menos desde mi modesto punto de vista, como “anticomunista”.

VALORACIÓN FINAL:

Como vengo haciendo al final de cada comentario y para facilitar(me) la labor a la hora de establecer el definitivo hit-parade del autor, posterior al test de empatía Voigt-Kampff del incombustible Alex Fletcher, adjunto mi listado por orden de preferencia:

UN TRAVÍA LLAMADO DESEO > PÁNICO EN LAS CALLES > LAZOS HUMANOS > PINKY > LA BARRERA INVISIBLE > EL JUSTICIERO > MAR DE HIERBA

Buenas tardes, y buena suerte.



ADENDA I:

“Un tranvía llamado Deseo” (1947) de Tennesee Williams.

EUA:

Nueva York (Ethel Barrymore Theatre):

Del 3 de diciembre de 1947 al 17 de diciembre de 1949 (855 representaciones)

Elia Kazan // Jessica Tandy / Marlon Brando / Kim Hunter / Karl Malden





















- Programa de mano original de la función neoyorquina -

Reino Unido:

Londres (Aldwych Theatre):

Del 12 de octubre de 1949 al 19 de agosto de 1950 (326 representaciones)

Lawrence Olivier // Vivien Leigh / Bonar Colleano / Renee Asherson / Bernard Braden





- Programa de mano original de la función londinense -

ADENDA II:

Documentadísimo comentarior, Alcaudón, as usual. Un par de comentarios y una pregunta:

Iniciado por Alcaudón

A pesar de ser el actor que más veces ha trabajado con Kazan (EL JUSTICIERO, UN TRANVÍA LLAMADO DESEO, LA LEY DEL SILENCIO y BABY DOLL) Karl Malden nunca ha sido un intérprete por el que sintiera un especial aprecio. Reconozco que está bien en el papel de Mitch pero es un actor que no me llena.

A mí me pasa algo parecido. Incluso aquí, en el papel de Mitch, estando bien, hay algo en la interpretación que no me acaba de encajar bien con el personaje, aunque mi mayor objección, esa "sorpresa" cuando ve a Blanche bajo un foco de luz, provenga de la obra. Quizá sea porque Malden tenía un aspecto rudo, y yo me imagino que Mitch es en el fondo un hombre más frágil. De todas maneras son objecciones muy sutiles, "filant prim" como decimos en catalán. Lo que me resultó interesante, y ya lo dije en mi comentario, es que en los extras Malden diga que Mitch odiaba a la madre. Supongo que es de esas técnicas muy del Método de interiorizar el pasado del personaje más allá de lo que diga el texto.

Iniciado por Alcaudón

Nunca he entendido el por qué de la violación de Stanley a Blanche que todos sabemos que procede de la obra de teatro de Williams.

Lo menciono porque a pesar del carácter brutal del personaje este nunca ha manifestado por su cuñada más que el desprecio más absoluto y, desde luego, el menor atisbo de atracción y/o lujuria hacia ella, alguien diametralmente opuesto a su esposa.

En ese sentido es más lógico el final de la película y no sólo porque servía para acallar a la censura sino porque un acto tan salvaje no podía tener otra respuesta que el ostracismo por parte de su esposa que además acababa de dar a luz.

Pienso que la violación cobra sentido como impulso definitivo que lleva a Blanche a caer en el abismo, tiene un cierto valor instrumental. Fue un tema muy controvertido en su día, incluso he leído que hubo críticos que daban por merecida esa agresión sexual a causa del comportamiento "provocador" de Blanche (vaya, como lo de la famosa sentencia de la minifalda).

En cuanto a si es más lógico el final de la película o de la obra, ya dije, y mantengo, que creo que la película es más incoherente, porque Stella pasa de decir que no puede aceptar lo que le ha dicho su hermana, porque si lo hiciera no podría vivir con Stanley, a dejar al marido al final. Puestos a dejarlo, ¡créete a tu hermana! En la obra, en cambio, sigue con la "comedia" de no creérselo, al menos de cara a la galería, aunque en el fondo se intuye que tiene claro que es cierto. Yendo un poco más allá, podríamos pensar hasta qué punto la propia Stella celebra la agresión de su marido, una forma de venganza sobre su sofisticada y pretenciosa hermana, y una forma radical de volver a su vida ideal, en que Stella se pliega a Stanley para seguir gozando de las "luces de colores" que esté le hace ver.

Y la pregunta: ya que has investigado sobre el montaje teatral, leo en la edición de la obra publicada por Cátedra, con traducción y comentarios de Ramón Espejo, lo siguiente: "La nueva obra [refiriéndose a la obra que nos ocupa], cuyo principal productor fue el conocido actor Cary Grant, contó en el reparto con Marlon Brando y Jessica Tandy y permaneció en cartel ininterrumpidamente durante más de dos años y casi novecientas representaciones". En los extras del DVD se comenta que la obra fue producida por Irene Mayer Selznick, esposa por entonces de David O., pero no se dice nada respecto a Grant. ¿El comentario de Espejo es un error?

Alcaudón, review aparte, que me leeré mañana, sin falta, decir que qué gozada esa documentación fotográfica tan buena, esas pruebas de vestuario que me encantan. Gracias.

Iniciado por mad dog earle

Documentadísimo comentarior, Alcaudón, as usual. Un par de comentarios y una pregunta:



A mí me pasa algo parecido. Incluso aquí, en el papel de Mitch, estando bien, hay algo en la interpretación que no me acaba de encajar bien con el personaje, aunque mi mayor objección, esa "sorpresa" cuando ve a Blanche bajo un foco de luz, provenga de la obra. Quizá sea porque Malden tenía un aspecto rudo, y yo me imagino que Mitch es en el fondo un hombre más frágil. De todas maneras son objecciones muy sutiles, "filant prim" como decimos en catalán. Lo que me resultó interesante, y ya lo dije en mi comentario, es que en los extras Malden diga que Mitch odiaba a la madre. Supongo que es de esas técnicas muy del Método de interiorizar el pasado del personaje más allá de lo que diga el texto.




Pienso que la violación cobra sentido como impulso definitivo que lleva a Blanche a caer en el abismo, tiene un cierto valor instrumental. Fue un tema muy controvertido en su día, incluso he leído que hubo críticos que daban por merecida esa agresión sexual a causa del comportamiento "provocador" de Blanche (vaya, como lo de la famosa sentencia de la minifalda).

En cuanto a si es más lógico el final de la película o de la obra, ya dije, y mantengo, que creo que la película es más incoherente, porque Stella pasa de decir que no puede aceptar lo que le ha dicho su hermana, porque si lo hiciera no podría vivir con Stanley, a dejar al marido al final. Puestos a dejarlo, ¡créete a tu hermana! En la obra, en cambio, sigue con la "comedia" de no creérselo, al menos de cara a la galería, aunque en el fondo se intuye que tiene claro que es cierto. Yendo un poco más allá, podríamos pensar hasta qué punto la propia Stella celebra la agresión de su marido, una forma de venganza sobre su sofisticada y pretenciosa hermana, y una forma radical de volver a su vida ideal, en que Stella se pliega a Stanley para seguir gozando de las "luces de colores" que esté le hace ver.

Y la pregunta: ya que has investigado sobre el montaje teatral, leo en la edición de la obra publicada por Cátedra, con traducción y comentarios de Ramón Espejo, lo siguiente: "La nueva obra [refiriéndose a la obra que nos ocupa], cuyo principal productor fue el conocido actor Cary Grant, contó en el reparto con Marlon Brando y Jessica Tandy y permaneció en cartel ininterrumpidamente durante más de dos años y casi novecientas representaciones". En los extras del DVD se comenta que la obra fue producida por Irene Mayer Selznick, esposa por entonces de David O., pero no se dice nada respecto a Grant. ¿El comentario de Espejo es un error?

No he encontrado información al respecto de la posible participación en la producción del actor Cary Grant aunque bien podría haber invertido dinero en la misma.

En el programa de mano únicamente aparece el nombre de Irene Mayer Selznick.

Probablemente se trate un error del Ramón Espejo del que yo también estoy leyendo su traducción de la obra en la edición de Cátedra.

Iniciado por tomaszapa

Alcaudón, review aparte, que me leeré mañana, sin falta, decir que qué gozada esa documentación fotográfica tan buena, esas pruebas de vestuario que me encantan. Gracias.

Cuando llegue a casa os pongo unos enlaces a páginas muy interesantes sobre los estrenos de obras teatrales que vienen cargados de información y de imágenes. Desde el trabajo no puedo.

Las capturas de pantalla son todas mías y las imágenes con las pruebas de vestuario, salvo la que procede de Alamy, las consigo de la página movieposters.ha.com, especialmente los pósters.

UN TRANVIA LLAMADO DESEO se estrenó en 1947 en Broadway, incluyendo entre sus actores a Marlon Brando, Kim Hunter y Karl Malden, que repitieron posteriormente en la adaptación cinematográfica. Su autor, Tennessee Williams, obtuvo el Pulitzer y adaptó el guion teatral a la gran pantalla.

Blanche pertenece a una familia sureña de rancio abolengo venida a nada.Ciertos hechos la obligan a pirarse a Nueva Orleáns con su hermana Stella y su cuñado Stanley...rudo y violento. A pesar de su modus remilgado,oculta un complicado pasado que la ha llevado al desequilibrio mental.

Y llega Marlon Brando...con su camiseta....no podemos permanecer indiferentes.Gran primer encuentro entre los dos.Brando en todo su salvajismo magnético. Leigh frágil inevitablemente sumergida en un caos sin retorno.

Karl Maden y Kim Hunter magníficos así como buena parte del elenco teatral americano.Kazan realiza una puesta en escena teatral y a la vez atractiva visualmente con esos juegos de luces y sombras integrados a la trama, destacando la dualidad de los personajes. Kazan es todo lo fiel que le permiten al texto de Tennessee Williams, alcanzando así transcribir lo no dicho y sugerido. Actualmente tenemos acceso a parte de material vetado.Ni la estupida censura pudo con la enjundia y emoción del original.
Mítica.


9/10

Impecable, como siempre, el collage, amiga hannaben.

Y lo prometido es deuda. Os pongo los enlaces directos a la obra de teatro original pero podéis encontrar los de otros montajes igualmente famosos de la época.

https://www.playbill.com/production/...ult-0000013164

https://www.ibdb.com/broadway-show/a...ed-desire-1290

https://www.ibdb.com/broadway-produc...ed-desire-1804

https://www.ibdb.com/broadway-cast-s...ia-kazan-15277

"Pinky"



Me ha gustado este cartel, que creo que pega con el comentario que escribió Otto del uso de las luces y las sombras y demás (por ahí me he quedado leyendo).

Pues como dije el otro día, era la primera vez que la veía y me ha sorprendido gratamente. El argumento es bastante típico, pero la película tiene elementos y formas de hacer que me han resultado interesantes (las vicisitudes, el intento de violación , la planificación e iluminación de algunas escenas que ya habéis comentado detalladamente...). Creo que aquí ya he visto más la mano de Kazan.

Pues bien, tras un primer momento de sorpresa ante la claridad de la protagonista, pronto me di cuenta que no estaba nada mal escogida, si nos fijamos, los rasgos de la abuela no son excesivamente diferentes, ambas tienen una nariz alargadita y estrecha, unos labios de tamaño medio... y gracias a sus entregadas interpretaciones, logras creerte que son abuela y nieta sin mucho esfuerzo.

En mi caso, la película va de más a menos, pero mantiene en todo momento un bien nivel, no es una caída acusada como ocurría en "La barrera invisible". Pese a ello, toda la parte del juicio la encuentro bastante flojita.

La historia consiguió engancharme y sufrí con la protagonista. Creo que es todo un acierto el carácter que tiene, pues no la entiendes bien al llegar, pero vas decubriendo que no es fácil estar atrapada entre dos mundos sin poder elegir. No será hasta el final cuando entienda que ha de ser lo que verdaderamente es o no podrá sentirse bien consigo misma jamás.

La recreación de ese ambiente sureño me ha parecido estupenda, como decía mad, tiene un rollo cuento de hadas que le viene estupendo, y que como después decía Otto, termina convirtiéndose en pesadilla. También me gustó toda la galería de secundarios, de los mejores de los films vistos hasta ahora, destacando a las dos "abuelas" de la protagonista, ambas extraordinarias .

Lo cierto es que sufrí con ella, porque no deja de ser un problema que se puede extrapolar a cualquiera que quiera "progresar" y, por "algo totalmente ajeno a su esfuerzo y tesón", no le dejen conseguirlo. Y es paradójico a la par que bonito, que sea una blanca la que haga que la protagonista, por fin, asuma con orgullo su identidad negra.

A mí la trama del novio que veo que no ha gustado demasiado, sí me gusta y la veo necesaria. Y me extraña que se pensase que vendería más para las mujeres (si es que eso fue así), porque a mí precisamente me parece lo contrario, que no está hecha con romanticismo . En un primer momento, ves a Tom que llega y... el primer jarro de agua fría al descubrir "su pasado", pero... la quiere, e intenta convecerla de que se vaya con él. Hasta aquí todo más o menos bien, pero luego, ay amigo , luego el tipo se dedica a quedar mal y a que tú como mujer te sientas como la protagonista, decepcionada. Primero trata de alejarla, luego le propone que se vayan justos pero a otra ciudad porque se han enterado de lo suyo, luego le dice que no le dirán a nadie que es "negra" y será "su secreto" , y finalmente con el tema de la herencia, si mal no recuerdo, trata de convencerla para que pase del tema (la pedazo de casa ) y se vaya con él, en vez de animarla a conseguir lo que por derecho legal es suyo . Suerte que no es mal tío del todo y se queda al juicio, y piensas, bueno, habrá recepacitado , pues no . Ella gana la mansión de playmobil, y va el otro, y lo primero que le dice es la lista de todo lo que arreglarán para venderla rápido, sacar una pasta e irse bien lejos (sólo le faltó recordarle que a vivir su amor "en secreto", por supuesto .). A mí ya lo que me daban ganas era de que ella lo hubiese empujado por las maravillosas escaleras abajo, pero mira, no hizo falta porque se esfumó rapidito como llegó.

Así que sí, lo veo necesario para entender que el amor jamás se puede contruir sobre una mentira, y ahí ella, fue la primera que falló al no decirle la verdad, pero claro, la pobre cometió el "terrible" error de querer tener su cuento de hadas de princesa blanca. Y quién la va a culpar de ello tras ver todo lo que tiene que aguantar a diario por no ser ni blanca, ni negra, ni de otro color. Mientras fue blanca y se llamó Patricia, le duró la carroza como a la Cenicienta, pero cuando le empezó a cambiar el color y volvió a ser Pinky, se le convirtió en calabaza otra vez.

Y gracias a sus "abuelas" la protagonista logra reconectar con sus raíces y entender que uno es lo que es y tiene que estar orgulloso de ello. Y que progresar, no siempre implica cambiar o dejarlo todo atrás. Y ahí es cuando Pinky empieza a levantar la cabeza no sólo para mantenerse firme y soportar con dignidad todas las injusticias que le propinan los demás, también para mirar hacia un futuro totalmente diferente del que ella soñaba pero mucho más auténtico.

Iniciado por Campanilla

Así que sí, lo veo necesario para entender que el amor jamás se puede contruir sobre una mentira, y ahí ella, fue la primera que falló al no decirle la verdad, pero claro, la pobre cometió el "terrible" error de querer tener su cuento de hadas de princesa blanca. Y quién la va a culpar de ello tras ver todo lo que tiene que aguantar a diario por no ser ni blanca, ni negra, ni de otro color. Mientras fue blanca y se llamó Patricia, le duró la carroza como a la Cenicienta, pero cuando le empezó a cambiar el color y volvió a ser Pinky, se le convirtió en calabaza otra vez.

En eso estoy de acuerdo, pero el problema no es que aparezca un novio (del que poco sabemos ni tampoco de cómo se conocieron y enamoraron), sino la poca química que desprende la relación, lo funcionarial de la pareja. Desde luego, no es "el príncipe azul".

Ahora que dices lo de no ser "ni blanca, ni negra, ni de otro color", me he acordado de una bellísima canción de Nina Simone: "Four Women", que trata sobre, precisamente, todos los colores del negro (no del "verd" como cantaba Raimon), fruto de mil y un mestizajes como resultado de la esclavitud.

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, me he hecho con un buen puñado de títulos de Terrence Malick por el que creo que sientes auténtica devoción, amiga Campanilla.

qué disfrute te espera . Pues sí, Alcaudón, soy muy admiradora de su cine. De hecho, la última película que fui a ver al cine antes de la pandemia, precisamente fue la de Malick, titulada "A hidden life" . Fue, como siempre, toda una experiencia.

A mí de Malick me gusta todo . Con la única que tuve un problema fue con "Knight of cups" , le veo sus aciertos, pero no me gustó "de verdad" . El resto de su filmografía sí me satisface y mucho. Y me parece muy interesante verlo evolucionar película a película. No es un director fácil para la mayoría de público, pero tiene una mirada y un discurso que, a mí, me fascinan .

Para mí, "El árbol de la vida" es de lo más grandioso que se ha rodado en estas últimas décadas. No tiene igual.

Todo el elenco está muy bien...peero quiero reivindicar a Vivien esa NO Scarlett de la peli más sobrevalorada de la historia del cine....aquí sí que está absolutamente soberbia...te la crees desde el primer segundo con esas pintas...esa vestimenta ubicada en qué epoca?¿ Y de qué color parecen esos vestidos?¿... y las pelucas que mandaba arreglar a Londres?¿ Su voz....Bravísima esta Blanche.

Ya sabes, amiga hannaben, que para mí (y para algún otro compañero del foro... ) LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ es una de las mejores películas de la Historia del Cine (obsérvese el uso de las Mayúsculas ).

De gustibus non est disputandum.

Iniciado por Alcaudón

Ya sabes, amiga hannaben, que para mí (y para algún otro compañero del foro... ) LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ es una de las mejores películas de la Historia del Cine (obsérvese el uso de las Mayúsculas ).

De gustibus non est disputandum.

Yeah

Para mí amigo Alcaudón, es una de las peores.

Siempre nos quedará

Iniciado por Campanilla

"Pinky"



A mí la trama del novio que veo que no ha gustado demasiado, sí me gusta y la veo necesaria. Y me extraña que se pensase que vendería más para las mujeres (si es que eso fue así), porque a mí precisamente me parece lo contrario, que no está hecha con romanticismo . En un primer momento, ves a Tom que llega y... el primer jarro de agua fría al descubrir "su pasado", pero... la quiere, e intenta convecerla de que se vaya con él. Hasta aquí todo más o menos bien, pero luego, ay amigo

El cartel es precioso, minimalista y al grano. Quizá un poco "Mary Sue" en el diseño su imagen blanca, por topicazo de la época -hay que atraer a la gente al cine- pero la sombra indica inequívocamente su parte oculta con putillosa precisión.

Lo del novio está muy bien traido al principio mientras está ausente, como en el caso de la Rebecca de Hitchcock; los pensamientos de ambas protagonistas están centrados en alguien que deja huella en ellas, deprimiéndolas por diferentes motivos que el espectador tarda en comprender. La ausencia es la clave

En el caso de Rebecca, Joan Fontaine cree que no está a la altura de la mujer que fue la anterior esposa fallecida de Laurence Olivier cuando no es así, y cae en su propia telaraña con la inestimable ayuda de la arpía de la criada, que añora a su Señora.
En el caso de Pinky, hasta que no aparece su prometido, la tenemos a ella soñando con él, dormida y despierta, y se acuerda de la conversación que tuvieron antes de que subiera al tren y se dirigiera hacia el sur. El pitido del tren la angustia y le provoca grandes dudas sobre si hizo bien en adentrarse en su pasado; ojalá sintiera su calor emocional. Hasta ahí el relato adopta una forma de romance más o menos idílico, idealista, y ni siquiera se rompe del todo la primera vez que por fin aparece el Doctor Adams, lo que pasa que la recepción es fría a pesar de que intenta comportarse educadamente con la abuela negra de la chica.
Y hasta aquí, punto y aparte, porque las posteriores apariciones del prometido van degradando su aura de chico ideal.
Las posteriores veces que aparece vemos que empieza a apresurarse, a presionarla sin que le importe mucho por lo que está pasando; para él, todo pasa por una solución fácil y sencilla. Largarse de allí y empezar en otro lugar si hace falta. Siempre ÉL, ÉL Y ÉL. La desea pero no ve más allá de sus ojos, está obcecado en sacarla de allí como si de una maleta se tratara. La intenta convencer abrazándola e intentándola besar contra toda lógica, y eso que Patricia le advierte sobre las complicaciones que podría acarrear eso en público.
Al final del relato, él no ha entendido nada en su ofuscación y su egocentrismo, tratándola casi como si fuera una pertenecia que además ha traido inesperadamente una lotería en forma de herencia muy suculenta, y se le nubla cualquier intento de razonar o consensuar. No atiende a la consecución de libertad para elegir de su futura esposa ahora que por fin ha ganado -de verdad y sin disfraces- su hogar y su sitio en el mundo. Fatal él.
Es decir, el romance existe, y existió en Boston, para Patricia en un inicio; el espectador asiste a la añoranza del amor perdido, punto álgido echar de menos a un ser muy querido, y a la realidad amarga, el proceso de incomprensión y desintegración una vez las aspiraciones de ella se equilibran con las de él. Y él, todo ofendidito.

Después de ver el film es cuando sabemos que el romanticismo no ha pasado la prueba del algodón, pero durante sus primeros compases no sabemos como evolucionará el relato realmente.

Fíjate en el trailer de su estreno en 1949, apela a la "relación romántica" de forma generosa y con música que infunde "grandeza":



Sabiendo quién era y lo que había hecho hasta la fecha la actriz Jeanne Crain, películas encantadoras en las que da la imagen de ser la vecina o amiga de la que todo muchach@ quisiera a su lado, encaminada va a un argumento más serio (¿y morboso?) esta vez al que no se la asociaba tanto, yo diría que sí atrajo tanto a público masculino como femenino.
Si es que hasta Mujercitas, la versión del mismo año que Pinky protagonizada por Elizabeth Taylor, y la novela en sí, ha sido condicionada por la etiqueta de "película para mujeres" desgraciadamente cuando es una historia emotiva, familiar y universal, imperecedera al paso de los tiempos. Y todo porque el reparto es mayoritariamente femenino, como en Pinky, y hay romances o canatos de ellos: Jo-Laurie; Jo-Bhaer; Amy-Laurie; Meg y el profesor de Laurie