Tema: Elia Kazan: revisando sus películas

Alex Flechter, yo no echo en falta el papel de Jo Van Fleet. Incluso, a pesar de que en un guión ¨Canónico¨ de manera totalmente aritmetica, sí tendría que tener una escena más...Ciertamente.

Pero me parece un acierto el no dar nada de soporte ni al personaje de James Dean, ni a nadie más, tenerlo oculto ahí...En esa habitación...Es una decisión de guión que tiene mucha fuerza...Me parece un acierto, sus pocas apariciones, para el resultado del film final....Además fijate que no es como un proposito de los perrsonajes..No es el MAGO de OZ...La siguiente aparición (cuando lo lleva Dean a su hermano)...Es para humillarla, y casi es un personaje atrezzo...

Se queda en una penitencia suspendida, ese personaje del que muy sabiamente, ya no sabemos nada más...

No sólo es el mejor personaje ( e interpretación del film), donde todos están genial...Incluso Dean y su Carisma juvenil...Es que el personaje de Van Fleet es quizás el mejor personaje de toda la obra de Kazan...Incluso mejor que el de Rio Salvaje donde hay evidentes similitudes.

Está todo tan bien hecho, tan bien escrito, tan bien interpretado...Sin salirse por una intelectualidad narrativa, finalmente de pose...Ceñido todo al Arte dramático...a su esencia....

Creo que no se le puede poner un pero....Salvo, claro, James Dean...

Que ya digo...Yo sí valoro por la ORIGINALIDAD de él...Y que contrasta con los otros muchachos, tan sanotes, standard, tan anódinos finalmente...

Veo con admiración, como mad dog y Alex han hecho sus deberes con Al este del Edén. Aún más ganas de volver a verla, pues ya hace tiempo del último visionado. La recuerdo como muy buena, pero tengo que confirmarlo.

Por cierto, ya he pasado a word mi review de La ley del silencio. Se sale un poco de mi tónica habitual, pero creo que he expresado las ideas más significativas para mí de esta obra maestra. Después le pondré fotos y la colgaré.

Porque además es un acierto, que en ese (en primer plano) conflicto bien-mal, aparezca las coordenadas de lo JUSTO...

Y eso es lo que representa el personaje de Van Fleet.

Es un personaje que entiende su papel en la sociedad, va con una malla en la cara, admite lo que es. Lo hace como pacto, un trato, con la sociedad y con sus clientes. Por ello gana su libertad.

Y creo que a pesar de lo aborrecible que puede ser contado así, el personaje es coherente consigo mismo y con la sociedad en la que vive. Se gana su derecho a no ser...algo tan...en fin...Algo como ¨SER BUENO o MALO¨..Se gana su derecho a ser Justa.

Así trata a su hijo.

Es pues ese pasillo, tan maravillosamente filmado, que no será recordado como los pasillos de por ejemplo David Lynch, un pasillo que emula la caverna del montruo, de la verdad. De lo pueden ser los humanos.

Y lo que, además, PUEDEN TENER DERECHO a SER...A pesar de que nuestra civilización occidental, nuestra moral, el contexto de los 50´s...nuestro en mundo en general....siempre tienen algo que decir frente a lo que hacen los otros.

Excelentes reviews del film de Dean.

Leonard Rosenman, el compositor de Al Este del Edén y Rebelde sin Causa, era amigo íntimo de Dean; vivieron juntos, uno le enseñó a tocar el piano al otro y esa amistad hizo que el actor hiciera campaña para que él fuese el compositor de sus 3 films en consecuncia, consiguiéndolo en dos ocasiones. Luego el éxito de uno es adyacente al del otro.
Pero es que además Rosenman fue abanderado de un estilo musical más vanguardista que empezó a florecer en este mismo 1955, la música dodecafónica (cuyo origen cabe atribuírselo al compositor "clásico" Arnold Schoenberg (1874-1951)), caracterizada por su estilo atonal, melodías anárquicas sin referentes o leitmotivs manifiestos, de ritmos asimétricos y nerviosos. Entre ambos film protagonizados por Dean, Rosenman compone su primer trabajo dodecafónico para el cine; The Cobweb, "La tela de araña" (1955, Vincente Minnelli) para la MGM y con un reparto de escándalo (Bacall, Widmark, Charles Boyer, Gloria Grahame, Lillian Gish).



Encaja perfectamente en un género que le va a ofrecer más posibilidades a este estilo "desconcertante", el de instituciones psiquiátricas -la confusa y turbia psiqué humana como principal aliado- además de propiciar emociones desconocidas en films de ciencia ficción que se adentran en lo "desconocido" o "prohibido"; Fantastic Voyage, "Viaje alucinante" (1966, Richard Fleischer), también del propio Rosenman, o, ya dentro de otros compositores icónicos, Jerry Goldsmith haría lo mismo "El Planeta de los Simios"(1968) o en "Coma" (1978, Michael Crichton), y Paul Glass en Lady in a Cage, "Una mujer atrapada", (1964, con Olivia de Havilland) y "El Rapto de Bunny Lake" (1965, Preminger). Entre medias, Rosenman se habilitó como compositor polifacético, melódico unas veces y vanguardista en otras, destacando su partitura totalmente atípica para lo acostumbrado hasta entonces dentro del western para "Un Hombre llamado Caballo" (1970).

Como sucediera con la amistad entre James Dean y Kevin McCarthy, protagonista del clásico de Siegel "La invasión de los ladrones de cuerpos", que se deterioró, en este caso la de Dean y Rosenman terminó rompiéndose.
Lo explica el propio compositor:



Respecto a la Banda Sonora de La Ley del Silencio, no sólo proviene de una leyenda de la música del siglo XX como Leonard Bernstein, sino que está aupada como pieza musical concertística por sí sóla, algo poco frecuente si procede del mundo del cine, a cuya música históricamente se la ha menospreciado y a sus representantes también, SALVO a aquéllos que dispusieran de una doble vida artística (cinematográfica, y luego la autoral y concertística "seria") como Korngold, Rózsa, Rota, Jerome Moross y algunos más.
Es tal su importancia que el propio Jerry Goldsmith homenajeó "On the Waterfront" claramente en "L.A Confidential" (1997) y en "City Hall, la sombra de la corrupción" (1996, film protagonizado por Al Pacino, John Cusack, Bridgette Fonda y Danny Aiello).

La temática acapara en todos los casos referencias textuales al film de Kazan: el pez gordo que se come al pequeño, la sistemática inviolabilidad de un sistema favorecedor de corrupción, traición y chantaje, y la pérdida de la inocencia o el idealismo acompañado de notas musicales nostálgicas o de derrota en aquél que se erige en figura de un cambio.
Rosenman y Goldsmith acuden a una sección de viento en su arranque serena para volverse violenta en cuanto entran las percusiones con presencia violenta del jazz. En el caso de Goldsmith, siendo sus films thrillers puros y duros, la violencia sonora se agudiza más en L.A Confidential y su acústica es mucho más vibrante.

Escuchad los primeros compases de los dos primeros temas, son idénticos en estructura; el tercer tema es un paralelismo evidente con la parte percusiva que empieza en el primer vídeo en 1.30:

Spoiler:

Iniciado por cinefilototal

Cuanto texto con vinagre Alex... mucho mas que los míos... Me he leído las dos críticas pero por encima, porque del argumento no me acuerdo demasiado bien, y no quiero tragarme spoliers...

Por cierto, "Rebelde sin causa" nunca me pareció gran cosa, ni siquiera la tengo en bluray... en cambio recuerdo a Dean como lo mejor...
La verdad, mi memoria ya no es lo que era, pero como veo tantas películas pues se me va a veces la olla...

Ayer "¿Angel o diablo?", antes de ayer "La ley del silencio", hace un par de días "Vive como quieras", el domingo pasado "Krakatoa, al este de Java"... son muchos fotogramas mezclados (que no agitados) en mi cabeza.

Que tal el film compañero? tengo un zona 1 de la MGM y siempre es la típica peli que casi veo.

El vinagre es para Dean, el film me ha gustado, puede sonar contradictorio porque el film sin Dean debe tener un minutaje de 5-10 minutos como mucho.

En parte, por eso para mí esta es la mejor de Kazan.

Ciertamente, luego, pasa el tiempo, y cuando dices: ¿Qué veo de nuevo ¨La ley del silencio¨ o ¨Al este..¨. Dices, La ley del silencio...Es más cómoda.

Es como verte ¨El buscavidas¨...Qué fácil es todo!

Pero sí, esto ya es otra cosa más alta que incluso las Obras maestras. Esto se te va a un top 5....

Iniciado por Alex Fletcher

Que tal el film compañero? tengo un zona 1 de la MGM y siempre es la típica peli que casi veo.

El vinagre es para Dean, el film me ha gustado, puede sonar contradictorio porque el film sin Dean debe tener un minutaje de 5-10 minutos como mucho.

Filme de aventuras agradable, aunque excesivamente largo para lo poco que cuenta, tiene el aliciente de ver a Diane Baker después de Marnie, en plan dramática y unos efectos especiales bastante molones para la época, pero creo que el buen reparto se desaprovecha en un guión algo convencional.
Veo un exceso de uso de cámara en plan subjetivo para producir vértigo, sofoco, mareos etc, supongo que al estar filmada en cinerama, daría la sensación de estar uno mismo en los mismos aprietos que los protagonistas... no obstante se pasa una tarde entretenida alrededor del volcán...
La buena calidad de imagen del bluray recientemente editado también ayuda a su disfrute.

La ley del silencio

En 1954, Elia Kazan estrenaba su obra maestra La ley del silencio (On the waterfront), un drama localizado en los muelles de Hoboken, en New Jersey, a orillas del río Hudson. Concretamente, trataba sobre las mafias que dominaban esos lugares, dando y quitando oportunidades de empleo a los trabajadores del puerto. La corrupción, el chantaje, la violencia, la extorsión y hasta el asesinato, eran los usos habituales para mantener el status quo tan sucio, imperante en la zona.



El guión corrió a cargo del neoyorquino Budd Schulberg (alcanzando un merecido Oscar por tal labor), aunque se reconoce inspiración en una serie de artículos publicados en el The Sun neoyorquino, artículos de investigación de las corruptelas, en este caso, en los muelles de Nueva York. Los firmaba el periodista Malcolm Johnson.

La historia

Johnny Friendly (Lee J. Cobb) es un mafioso que controla con puño firme la carga y descarga en los muelles de Hoboken. Da trabajo a quienes le sirven, son leales y tragan con su modus operandi, y por el contrario, desecha, persigue e incluso llega a las últimas consecuencias con quienes ponen en peligro su negocio.

Entre la jerarquía que ha establecido, su mano derecha, el hombre “inteligente” de la organización es Charley (Rod Steiger), quien además, cuenta con un hermano, antiguo boxeador, Terry Malloy (Marlon Brando), a quien Friendly le hizo perder el combate de su vida (apostó contra él), y con ello, su futuro. A cambio, unos dólares y un trabajo poco estresante de vez en cuando.

Últimamente, se suceden las muertes . Curiosamente, de trabajadores que estaban siendo investigados por la policía o por una Comisión especial para los crímenes en los muelles. Alguno de ellos, incluso a punto de declarar en sede judicial.
Tras la muerte del último, Joey , a la que asistimos (lo tiran desde un tejado), aparece en escena la hermana de este, Edie (Eva Marie Saint), que moverá cielo y tierra hasta dar con el culpable de tal afrenta. Para ello, contará con la ayuda inestimable del cura de la zona, el Padre Barry (Karl Malden), quien no puede mirar hacia otro lado, viendo las tremendas injusticias que se están cometiendo de manera rutinaria en el barrio.

En estas, Terry conoce a Edie y se enamora. A partir de ahí, la historia empieza poco a poco, a cambiar radicalmente. Se acabará alguna vez con la ley del silencio y la corruptela en los muelles?

El elenco

Realmente, el casting de La ley del silencio fue magnífico. Un Marlon Brando, que venía encadenando papeles protagonistas gloriosos (Un tranvía llamado deseo, Viva Zapata!, Julio Cesar), y que por fin ve recompensado su extraordinaria labor en este film con un Oscar a mejor actor principal. Terry Malloy es un personaje con un arco interpretativo brutal. Pasa de ser aquel exboxeador que simplemente mira la vida pasar, sin preocuparse por el prójimo a empezar a cuestionarse a sí mismo y a todo el que le rodea, impulsado sin duda por la convicción de que esa pelea contra la injusticia y la tiranía de la mafia, podrá acabar con él victorioso.




Eva Marie Saint, como Edie, es desde luego, el resorte que hace girar la conciencia de Terry. Con ella, el exboxeador se vuelve humano, sensible y autocrítico. Está maravillosa en esa labor tan dura (en principio, imposible de llevar a cabo) de remover conciencias para dar con la verdad. Tiene una química brutal con Brando. Se muestra frágil en unos momentos (lógico) y fuerte, más que muchos hombres, en otros. Recibió otro merecido Oscar en el apartado de actriz de reparto, y eso que era prácticamente su debut en el cine.



Rod Steiger, como mano derecha del mafioso y hermano de Terry, también sobresale en su actuación. Este actor, en mi opinión, muy infravalorado, realiza un trabajo perfecto en cada momento. De contención, en ciertos momentos, y de ira o miedo, según el caso, en otros.
Se debate entre la lealtad a su jefe (que se lo ha dado todo) y el amor a su hermano. Esto da lugar a escenas muy significativas en la película.



Lee J. Cobb es el personaje malvado del film. Pero lo que más me agrada es que se nos presenta malvado por una serie de razones. Nadie le ha dado nada regalado. Todo lo ha tenido que sudar él. Desde que empezó siendo un mero trabajador humilde, de casi niño, en una casa donde imperaba la miseria, hasta ir creciendo en importancia en el muelle, llegando a ocupar el puesto de mayor relevancia entre los trabajadores. Y no es un sindicato, sino una mafia organizada y jerarquizada para dominar los muelles. Casi la vida (una cicatriz enorme que le atraviesa el cuello de testigo) le cuesta estar donde está.
Ha hecho muchos favores a mucha gente, pero a cambio de la sumisión y el silencio de todos ellos.



Karl Malden es la conciencia de la película. Traslada la fe cristiana a las calles, poniendo en práctica, en durísimas condiciones, la palabra de Dios. Es el otro elemento que provoca el cambio en Terry. Una interpretación muy notable.



Entre el magnífico elenco de secundarios, tengo que destacar las pocas escenas de Pops Doyle, el padre de Edie y el difunto Joey, interpretado por el también neoyorquino John F. Hamilton. Tiene un par de escenas donde demuestra una dignidad increíble, en medio de tanta pobredumbre moral , ética y estética.



Aspectos técnicos

La música corrió a cargo de Leonard Bernstein. En mi humilde opinión, se adecúa perfectamente a los golpes que se suceden a lo largo del film, como si de un ring de boxeo se tratase. Durante la historia, hay momentos que impactan y esto queda muy bien remarcado con esa música, a veces, reiterativa, estruendosa, que llega a enervar, pero que refleja la realidad tan cruda que estamos viendo y sintiendo, sobre todo.



La fotografía de Boris Kauffman (que repetiría colaboración con Kazan posteriormente), con ese blanco y negro “crudo”, “sucio”, nos enseña, nos hace sentir el frío climatológico, pero también el “otro frío”, el que duele, de la insolidaridad, del miedo, de la injusticia, de las amenazas y de la muerte, y sobre todo, del silencio, el silencio que mata. Recibió un merecido Oscar.



El montaje corrió a cargo de otro colaborador habitual desde entonces con Kazan, Gene Milford. Aporta un ritmo vigoroso en los momentos en los que hace falta, a modo de asaltos, y sin embargo, se detiene (ayudado por la música en todo momento) entre asaltos, en los preceptivos descansos. Obtuvo un Oscar merecido, que recogió en su lugar Marlon Brando.




Conclusión

La ley del silencio es una obra maestra, y lo es porque reúne todos los elementos que se requieren. Una dirección magistral de Elia Kazan, recompensada merecidamente con el Oscar. Su manejo con los actores, y en general, de la historia, es para quitarse el sombrero.

Los actores están magníficos todos, y actúan a modo de maquinaria de relojería perfecta. Lo que me hace pensar que casi dos décadas antes de El Padrino, ya se hacían maravillas como La ley del silencio.

La historia está contada de tal manera que te impacta, resulta brutal, seca, como un golpe certero de un boxeador, pero además, te motiva para llegar a doblegar la voluntad del contrario, para acabar con la miseria moral del hombre y resultar vencedor en este particular combate que es la vida.

No es lo mejor de Kazan,por momentos notable... pero tambaleante,de lo que no cabe duda es que a mí los motivos y delatar del director no me importan allá cada uno,voy a por la peli y plin.
Ambientada y rodada en exteriores del puerto de NY nos adentra en el control del mafioso Johnny de toda la zona.

Terry es un "privilegido" soplón.. hermano de Charlie uno de los hombres del mafias.Se impone el silencio y el que no acata lo paga con creces.

La última victima es Joey Doyle quién se había atrevido a declarar a las autoridades contra el tirano,a partir del suceso Terry se replantea colaborar en según qué trabajos.



Conoce a Edie,hermana del chico asesinado y el conflicto irá "in crescendo" hasta su desenlace con cierto toque mesianico...ese Terry sangrante tambaleandose hacia dónde le espera la redención acompañado por la chiquita y el padre Berry.
En fin...apología del chivatazo en la que destaca la potencia (para bien y mal) de sus imagenes y elenco actoral.La famosa escena con el hermano ni tanto ni tan poco,además parece que se hizo bastante cutre y atropellada y el Steiger acabó rodando sólo JAJA.

La música le va al tono seco y duro...que quería darle Elia al film digo yo...

Combo total:
8/10

8 Oscars tiene la peli?¿ Y mi HITCH que sí tenía 3 o 4 OBRAS MAESTRAS ABSOLUTAS sin ninguno.OHHH mundo cruel

Bueno de qué extrañarme si BR lo tiene al mejor montaje..

Iniciado por hannaben

8 Oscars tiene la peli?¿ Y mi HITCH que sí tenía 3 o 4 OBRAS MAESTRAS ABSOLUTAS sin ninguno.OHHH mundo cruel

Bueno de qué extrañarme si BR lo tiene al mejor montaje..

"Peazo" poster que has puesto para el film compañera!!!!

Iniciado por Alex Fletcher

"Peazo" poster que has puesto para el film compañera!!!!

Yo tengo colgado, desde los tiempos del dvd, en mi habitación este de La ley del silencio. Me lo dieron hace muchos años, cuando a los clientes buenos en ECI nos obsequiaban con un poster clásico. Me llevé también Un americano en Paris y Perdición.

Por cierto, se me olvidó añadir una nota a mi review. En algunas escenas, sobre todo, las referentes a las miserias y humillaciones que sufren los trabajadores, y a la necesaria solidaridad entre ellos, que es lo que hace la fuerza (así aparecieron los sindicatos), y sobre todo, la dignidad del trabajador como ser humano, antes que nada, ...me vino a la mente dos maravillas de John Ford, Las uvas de la ira y Qué verde era mi valle.
Sin duda, el maestro de maestros inspiró a muchísimos directores posteriores.

John Steinbeck > John Ford > LAS UVAS DE LA IRA > AL ESTE DEL EDÉN

John Ford > ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE! > AL ESTE DEL EDÉN

Iniciado por Alcaudón

John Steinbeck > John Ford > LAS UVAS DE LA IRA > AL ESTE DEL EDÉN

John Ford > ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE! > AL ESTE DEL EDÉN

Firmo al lado de Alcaudón.

Un par de apuntes:

1. Sobre LA LEY DEL SILENCIO:

Yo he sido el primer sorprendido de que una película que siempre había considerado excelente me haya decepcionado tan profundamente. Y en verdad que lo lamento. Algo parecido me sucedió con alguna de las películas de Hitchcock (por ejemplo, CON LA MUERTE EN LOS TALONES, que siempre había sido de mis favoritas pero que ahora la tengo en menor estima, aunque la siga considerando excelente en términos generales).

Y excelente igualmente tu comentario, amigo tomaszapa. Como siempre.

2. Sobre AL ESTE DEL EDÉN:

Esta noche me veré la película y en este caso no va a haber sorpresa porque me la vi hace relativamente poco tiempo.

Sigo pensando que es una obra maestra, como ya he reiterado en repetidas ocasiones, junto a RÍO SALVAJE y ESPLENDOR EN LA HIERBA.

Todas ellas confrontan personajes masculinos débiles (James Dean, Montgomery Clift, Warren Beatty) con personajes femeninos fuertes (Julie Harris, Lee Remick, Natalie Wood).

Todas ellas están rodadas (maravillosamente) en color y dos de ellas, además, en CinemaScope, un formato que todos (o casi todos) los grandes cineastas decían detestar pero que usaron de forma magistral.

Y yo, al contrario que la mayoría, encuentro el trabajo interpretativo de James Dean absolutamente prodigioso y que además se complementa a la perfección, por lo antitético, con el de Raymond Massey.

Ah, y creo que mi admirado Fletcher (y no lo digo en broma ) confunde a Richard Davalos con Frankie Avalon, que sí era cantante y que intervino en EL ÁLAMO (1960) de John Wayne.

Y excelentes, igualmente, las reseñas de mad dog earle y Alex Fletcher, dado que al ser una película que admiro profundamente y que veo regularmente no tenido reparos para leerlas antes de verla esta noche.

Ya hemos hablado por aquí (yo seguro) que Kazan, según Kazán , en el libro inmobrable, admite copiar a John Ford en lo que se refiere a los planos largos generales, dicha licencia, según el mismo, le sirvió para aumentar su calidad en sus films. Ejemplo, en Fugitivos del terror rojo (por cierto un título sin duda que ha servido para el onanismo más salvaje de nuestros ex militares, increíble lo que leído, pero oigan, no me sorprende) y la escena de la pareja de tortolitos fundidos entre ellos y la naturaleza.

Esta escena me gusta mucho,el sonido real de la calle..
El guante



Por cierto SANGRANTE aquel año one more time! el NO OSCAR a Judy Garland!!!

FILMOKAZAN
1.Splendor in the Grass
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.

.....

Iniciado por Alex Fletcher

"Peazo" poster que has puesto para el film compañera!!!!

Xulo eh! Gràcies.

Sin embargo, coincido plenamente con el comentario del director acerca de AL ESTE DEL EDÉN, donde además hace una ajustada referencia al uso del color y de los grandes formatos.

Por cierto, hoy mismo (via Amazon ESP) acabo de recibir la novela de Steinbeck y que, evidentemente, no me va a dar tiempo a leer (684 páginas en la edición de Tusquets) pero que espero hincarla el diente en breve.

Como bien indica mad dog earle, Kazan (y Osborn) tomó la acertada decisión de tomar únicamente de la novela el tramo final y de esta forma comprimir la acción en un lapso temporal muy estrecho.

Y al contrario que el querido compañero Earle, pienso que Kazan (y McCord) usaron de una forma muy creativa el ancho (y en esta época todavía más dado que se rodaba en 2.55:1 y no en 2.35:1) formato del CinemaScope demostrando que este era mucho más maleable de lo que se pensaba (algo que ya había empezado a experimentar George Cukor en HA NACIDO UNA ESTRELLA (1954), tal vez su mejor película y más ahora que está restaurada).

Iniciado por Alcaudón

Y al contrario que el querido compañero Earle, pienso que Kazan (y McCord) usaron de una forma muy creativa el ancho (y en esta época todavía más dado que se rodaba en 2.55:1 y no en 2.35:1) formato del CinemaScope demostrando que este era mucho más maleable de lo que se pensaba (algo que ya había empezado a experimentar George Cukor en HA NACIDO UNA ESTRELLA (1954), tal vez su mejor película y más ahora que está restaurada).

Te confundes, Alcaudón, yo no he criticado para nada el formato, que, como bien dices, me parece muy bien aprovechado. Lo que he criticado es el uso de los planos inclinados, rompiendo la horizontalidad, en algunas secuencias concretas, básicamente las que comportan discusiones entre Cal y su padre. Me parece un recurso retórico que no encaja con el resto de la planificación del film, muy elegante por otra parte, incluso en momentos atrevidos como el plano en picado que muestra a Kate dentro de la habitación, cuando Cal lleva a su hermano al prostíbulo, o el espléndido plano final, con travelling incluido.

Tal vez me he expresado mal.

Me refiero al hecho de que al contrario de la mayor parte de sus coetáneos que procuraban mover lo menos posible la cámara para evitar que el público se mareara debido a que las películas rodadas en CinemaScope se exhibían, lógicamente, en pantallas de enorme tamaño, Kazan tomó la arriesgada - y en mi modesta opinión muy acertada, de ahí mi (leve) discrepancia - de hacer una puesta en escena más dislocada, acorde a la personalidad de su joven protagonista y que, curiosamente, le acerca a uno de los sellos de identidad del genial (pero irregular) Orson Welles.

En cambio, el Kazan reposado me recuerda mucho más a John Ford y a otros pioneros del cine norteamericano.

Además para mí el cine norteamericano alcanzó sus mayores cotas de calidad en los años '50.

Pero como siempre, para gustos, los colores.

Iniciado por mad dog earle

Te confundes, Alcaudón, yo no he criticado para nada el formato, que, como bien dices, me parece muy bien aprovechado. Lo que he criticado es el uso de los planos inclinados, rompiendo la horizontalidad, en algunas secuencias concretas, básicamente las que comportan discusiones entre Cal y su padre. Me parece un recurso retórico que no encaja con el resto de la planificación del film, muy elegante por otra parte, incluso en momentos atrevidos como el plano en picado que muestra a Kate dentro de la habitación, cuando Cal lleva a su hermano al prostíbulo, o el espléndido plano final, con travelling incluido.

Yo lo veo excepcional a Cal con su padre. Pero admito mi subjetividad. A pesar de que lo del columpio no se había hecho nunca antes, y me parece que ni un Greg Toland se le hubiera ocurrido...Lo dudo, francamente.

En cualquier caso, como ahí quedan las opiniones, he testeado la escena a un grupo de espectadores ¨virgenes¨ que no saben lo que es un plano holandés...Curiosamente, o no tanto, la escena funciona perfectamente bien.

Claro, con la moviola a cuestas...Ya la cosa cambia mucho...Ahí está el ¨pecado original¨ de este tipo de ejercicios cinéfilos.

Iniciado por Alcaudón

Tal vez me he expresado mal.

Me refiero al hecho de que al contrario de la mayor parte de sus coetáneos que procuraban mover lo menos posible la cámara para evitar que el público se mareara debido a que las películas rodadas en CinemaScope se exhibían, lógicamente, en pantallas de enorme tamaño, Kazan tomó la arriesgada - y en mi modesta opinión muy acertada, de ahí mi (leve) discrepancia - de hacer una puesta en escena más dislocada, acorde a la personalidad de su joven protagonista y que, curiosamente, le acerca a uno de los sellos de identidad del genial (pero irregular) Orson Welles.

En cambio, el Kazan reposado me recuerda mucho más a John Ford y a otros pioneros del cine norteamericano.

Además para mí el cine norteamericano alcanzó sus mayores cotas de calidad en los años '50.

Pero como siempre, para gustos, los colores.

Cierto..Si tratamos de ser ecuanimes...Otra cosa es un ¨Persona¨ de Bergman, donde el recurso extradiegetico ya pasa a un Metacine que a mí me parece bochornoso...Que yo ya creo que no es Arte (según mi definición).

Tenemos entonces una ¨función nueva¨ dentro del lenguaje cinematográfico.

Es como el efecto ¨vertigo¨ de Hitchcock.

Y mi pregunta sigue siendo lo mismo: ¿Conoceis otro film donde sale este recurso?.. de Movimientos de cámaras dentro las coordenadas holandesas?