Tema: GOLDSMITH: UN LUGAR EN LA CUMBRE (1972-1983)

CAPITULO I

Entre 1972 y 1975, Goldsmith siguió trabajando con gran intensidad en el medio televisivo, ya fuese componiendo para series o bien para telefilms, que por entonces empezaban a ponerse de moda. Entre las primeras destacan trabajos como THE WALTONS (Los Waltons)(1972), serie para la que compone para 15 episodios, ademas de su tema central donde las trompetas nos introducen en el universo del lejano Oeste, mientras su delicioso waltz nos recuerda su trabajo para “Wild rovers”. POLICE STORY (1973) con un tema demasiado convencional en arreglos pop, donde la melodía la expone la flauta y mas tarde el metal; y el episodio piloto de MEDICAL STORY (1975) con un interesante tema principal, siendo el resto de la serie composición de su orquestador Arthur Morton.

Entre los telefims, Goldsmith encadena una serie de trabajos espléndidos (premiados todos ellos con el EMI). THE RED PONY (El pony rojo)(1973), protagonizada por Henry Fonda y Maureen O’Hara, supone un nuevo regreso al universo de la americana tradicional, con un tema jovial con ritmos sincopados y con exposición del tema a cargo de la flauta. BABE(1975) es una de las partituras del compositor mas solicitadas por los aficionados y que aún no ha tenido edición discográfica. Sin embargo, si hemos podido disfrutar de sus dos magistrales estudios sobre la música hebrea. QB VII (1974), miniserie de 6 episodios, narra la confrontación en los Tribunales ingleses que sostuvieron un escritor americano (Ben Gazzara) y un doctor europeo (Anthony Hopkins), acusado de crímenes de guerra, que sirve de pretexto para analizar la historia judía entre 1945 y 1973. Dirigida por Tom Gries (en su segunda colaboración tras “100 rifles”), nos hallamos ante una obra maestra absoluta, uno de los grandes trabajos del autor que no se recata en crear mas de media docena de melodías principales para ambientar la historia. Los títulos iniciales se abren con una fanfarria que describe la corte de justicia (el QB VII que da nombre al telefilm) y mezcla los temas de Kelno y Cady, ambos de textura maravillosa. El acercamiento al folklore judío se refleja en temas como “Journey into the desert”, “The flame of Jehová” en forma de himno y la magistral “The wailing wall” con enorme fuerza dramática en la intervención de los coros. Los momentos dulces que subraya el tema de amor (“I cannot see my love”) nos muestra un Goldsmith evocador y nostálgico, mientras la violencia y la intriga afloran en “The escape”. La utilización de los coros es antológica (recordemos que el maestro no se ha prodigado en exceso en este campo): cantan versos judíos en la emocionante “The holocaust” con inenarrable tutti orquestal final, susurran y recitan en la terrible e intensa “Jadwiga relived” (que inspirará su posterior trabajo para “The omen” , e incluso el de Williams para “La lista de Schindler” en su corte “Auschwitz-Birkenau”), y apoyan con su grandeza épica “A kaddish for the six million”. Goldsmith con esta partitura había cambiado una norma televisiva: hacer un score de proporciones épicas para imágenes impresionadas en un pequeño formato. El cuaro EMI es para MASADA (1981), uno de los escasos trabajos para televisión del maestro en los 80. Como “QB VII” profundiza en los sonidos hebreos y es otra obra maestra absoluta. Esta vez, la historia retrocedía varios siglos, al narrar el conflicto entre los judíos rebeldes y la armada romana a la muerte de Cristo, junto a las aguas del Mar Muerto. Se trata de una nueva superproducción de lujo con protagonistas habituales en este medio como Peter O’Toole, Peter Strauss, Barbara Carrera y Anthony Quayle, que consta de 8 episodios de una hora de duración, en los que Goldsmith colaborará para los cuatro primeros episodios, encargándose a Morton Stevens (recordar su gran trabajo en la serie “Holocausto”) adaptar su música para el resto de la serie. El “Main title” se inicia con el tema principal, un motivo de cuatro notas, que da paso a la magistral marcha asociada al pueblo judío, antes de acabar de nuevo con el tema básico en tono épico. Este tema se desarrolla a lo largo del score, bien en forma romántica para cuerda (“The old city”), bien en forma delicada para flauta (“The encampment”). El motivo de la marcha judía tiene su análogo en otro para la legión romana (“The planting”) que se mezclan de forma armoniosa en el magnífico “The road to Masada”. Un tema de acción (“Night raid”) recuerda material para “El viento y el león”, mientras ese mismo motivo, con aire de suspense y en graduado increscendo forma un nuevo motivo épico basado en el tema inicial (“Our land”). El tema de cuatro notas cierra el score de manera maravillosa. “The slaves” es de los mejores temas de Goldsmith: la melodía se inicia al oboe, la acompaña con dulzura el cello, la expone la orquesta en crescendo ceremonioso, hasta acabar en tutti final que proclama una melodía trágica hasta el paroxismo, de incuestionable belleza. Sublime.

Las características que van a dominar los trabajos cinematográficos del maestro durante esta etapa se pueden centrar en estos cuatro puntos:
-* * * * Dominio exhaustivo de la orquestación. Goldsmith sabe todo sobre el medio y sabe sacar partido de cualquier acorde armónico.
-* * * * Primacía de la melodía, con un tratamiento lírico y arrebatador en la cuerda ( el llamado “toque Goldsmith”).
-* * * * Mientras en su primera etapa, la experimentación se centra especialmente en el campo percusivo, en esta etapa de plenitud se establece mas a un nivel temático que instrumental.
-* * * * La inspiración, el estado de gracia, en una palabra, la genialidad.

Tras su salida de la FOX, Goldsmith elige con mayor libertad sus proyectos. En una primera etapa de ajuste, el maestro cede su ingenio a directores con los que había colaborado anteriormente. THE DON IS DEAD (El Don ha muerto)(1973), es su tercer trabajo junto a Richard Fleischer, para el que escribe un score centrado en dos temas básicos: uno que surge en el “Main title” donde juega con los aparátos electrónicos hasta que la cuerda forma disonancias quebrando la estructura del corte, y otro segundo mas interesante, asociado al Don, donde la madera inicia una melodía que desarrollan los violines, hasta alcanzar un nuevo punto de ruptura, esta vez en el metal. Tampoco es demasiado memorable su nueva colaboración con Buzz Kulik (la tercera y última sería su EMI “Babe”) en SHAMUS (Shamus)(1973) donde utiliza la electrónica y una pequeña formación orquestal (platillos, guitarra eléctrica, piano...) para componer un tema onírico con abuso de efectos, reverberaciones y ecos.

Ante la llamada de su amigo Franklin J.Schaffner, escribe su mejor partitura del año, PAPILLON (Papillon)(1973). Se convierte en su sexta nominación al Oscar. Para la novela autobiográfica de Henri Charriere, el maestro compone una gran partitura utilizando el acordeón (con reminiscencias de melodías francesas) para el personaje de Papillon (Steve McQueen), junto con otro vibrante y de acción asociado a su amigo Antonio (Dustin Hoffman). El score posee momentos de gran angustia resueltos con notas atonales. El mejor corte del score es “Gift from the sea”, que subraya las relaciones de Papillon con una nativa colombiana, con toques latinos en la trompeta para lograr momentos de gran dulzura y belleza en el aporte de la cuerda.

Amén de sus numerosos trabajos para la televisión (el memorable QB VII y las interesantes “A THREE GROWNS IN BROOKLYN” y “WINTERKILL” entre otras), en el año 1974 va a trabajar para tres proyectos cinematográficos. S.P.Y.S.(1974) ES SU ÚLTIMA COLABORACIÓN CON Irvin Keshner (tras “The flim-flam man”). El trabajo del maestro se encuentra inédito en Europa, puesto que la copia que se distribuyó en el viejo continente incluía un nuevo score compuesto por John Scott, debido a imposiciones británicas. Sin embargo si hemos podido disfrutar de su trabajo a las órdenes de Roman Polanski, CHINATOWN (Chinatown)(1974). Como anécdota, era aquí Goldsmith quien componía una nueva partitura al ser desechada por el director polaco la originalmente compuesta por Phillip Lambro. El score es memorable, brumoso, de gran elegancia y en ocasiones tenso (“The wrong cue”, “The boy on the horse”). Contiene dos temas muy enigmáticos, uno asociado al personaje de un impagable John Huston (“Noah Cross”) y otro con fuerte dosis ensoñadora para el investigador interpretado por ack Nicholson (“J.J.Gittis”). Destaca por encima de todos el “Love theme” asociado a Nicholson Y Faye Dunaway, de los mas logrados temas del compositor, con el empleo de una sensual trompeta y de la cuerda aportando un profundo lirismo. Éste magnífico trabajo le reporta una nueva nominación al Oscar, que vuelve a perder esta vez a manos de Nino Rota.

Su último trabajo de ese año es HIGH VELOCITY (Grupo suicida)(1974), no verá su estreno oficial hasta tres años mas tarde, en 1977. Se trata de un anti-heroico y pésimo film de aventuras donde un comando americano trata de liberar a un magnate en manos de la guerrilla filipina. El score está escrito para orquesta standard aumentada con cymbalom, clave, guitarra y percusión exótica. El material musical anticipa momentos luego desarrollados en “Bajo el fuego” y “Rambo”, con el uso de varios temas atonales que crean suspense, algunos de localización con bello uso de la guitarra (“Welcome to the Phillipines”, “The night before”) y un sobrio tema asociado al comando marine (“The mafia marines”), cuyas primeras notas reutilizará en su exitosa “Instinto básico”. Temática y aproximación similar manifestará el compositor en BREAKOUT (Fuga suicida)(1975) donde esta vez, un nuevo comando intentará liberar a un americano retenido injustamente en una cárcel mejicana. El resultado global es mas interesante, con un tema principal para trompeta y guitarra que sirve de aproximación al folklore mejicano, otro atonal para el primer intento de fuga (en un ataud), uno mas impulsivo para la persecución final y el inevitable tema de amor, aquí de bellísima melodía, que se repite en la liberación final con notas altas en los violines.

TAKE A HARD RIDE (Por la senda mas dura)(1975) es un magnífico score, nueva aproximación al western y en particular a la americana tradicional. El leitmotif principal, con predominio de la trompeta, la guitarra acústica y la armónica es espléndido, al igual que otros dos brillantes temas: uno que se inicia a la guitarra y al arpa, con ritmos sincopados finales (“Workcamp”), y un último tema disonante con estupendo diálogo entre trombón y cuerda, finalmente entre timbales (“The wagon”).

Bastante menos estimulantes son sus dos siguientes trabajos: THE TERRORIST/RANSOM(U.K) (Aeropuerto S.O.S: Vuelo secuestrado)(1975), historia de comando terrorista que secuestra al embajador británico en Escandinavia al que se encarga de liberar Sean Connery, con música de acción en la que predomina el uso de la percusión y el viento, además de un tema principal muy melódico sostenido al piano; y THE REINCARNATION OF PETER PROUD (La reencarnación de Peter Proud)(1975), segunda colaboración con Jack L.Thompson, que con tratamiento experimental era compuesta para pequeña formación orquestal y aparato electrónico, donde apenas se insinua la melodía (con la excepción de un único tema para guitarra, cuerda y sintetizador) en un score dominado por la atonalidad y los efectos. El leitmotif triste y trágico no compensa la escucha de este extraño y agobiante trabajo.

Sin embargo, Goldsmith cerrará el año con otro trabajo magistral, que le vale su 8ª nominación a los Oscars (tercera consecutiva), el film de John Milius THE WIND AND THE LION (El viento y el león)(1975), donde reinventa, por falta de material similar, el estilo musical para películas de aventuras en el desierto. El score destaca por el espléndido uso del metal (trompas y trompetas) y por la rica introducción de percusión árabe. La fanfarria que da paso a la marcha inicial, apoyada en el metal y la cuerda, y el tema de amor (“I remember”) romántico y lírico hasta el agotamiento, son de todo punto sublimes. Contiene además temas de gran valor por el empleo de nerviosa percusión y sonoridades arábigas (“The horseman” y “Raisuli attacks”) en donde sorprende el uso de la trompeta y otro tema de enorme belleza en la utilización del folklore local (“Morning camp”).



</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=mi cki>Micki</A> fecha: 6/6/02 9:42:34 pm

"No quieres venderme pildoras letales. Quieres irte a casa y replantearte la vida" ( Obi Wan Kenobi - Episode II )</p>

Plas, Plas, Plas!!!

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CAPITULO II

El maestro llega a su cima artística con THE OMEN (La profecía)(1976), su OBRA MAESTRA (junto a “Bajo el fuego”) y una de las mejores partituras de la historia del cine, auténtico clásico del cine de terror que por su empleo de los coros ha producido multitud de imitadores (algunos destacados como “Terror en Amytville” de Lalo Schifrin). Tras nueve nominaciones, alcanzó con esta partitura su único Oscar hasta la fecha (también fue nominada la canción “Ave Satani”), además de un Grammy. Es justo atribuir parte de este éxito a la enorme contribución del orquestador Arthur Morton, al que se debe en palabras del autor el 65% del trabajo de los coros. La partitura con vocación de espiral, se desdobla en una temática dual: un tema que asociado a la familia protagonista, es oído por primera vez como pieza delicada para piano, cuerda y flauta, mostrando la felicidad de sus integrantes, para variar a lo largo del score (con la introducción de oscuras constantes) a medida que fluye el conflicto de emociones en el personaje del embajador (Gregory Peck); así, a ese tema familiar (“The ambassador”) se le añaden elementos de temor (“A sad message”), sospechas sobre la identidad del Anticristo (“Safari park”) y la definitiva confirmación de las mismas con la consiguiente ruptura de la unidad familiar (“The homecoming”). El segundo bloque muestra los momentos de terror, resueltos como gran innovación, con un terrorífico uso de los coros, que surgen en el leitmotif principal (“Ave satani”) recitando cuatro palabras latinas (sanguis-bibinus-corpus-edinus) con anticipación de la tragedia que se avecina en la cuerda y uso del órgano cuando los coros nombran a Jesucristo. Los coros son la base de otros cuatro temas magistrales: “Killer’s storm” con salmodia masculina, mientras las voces femeninas espetan frases disonantes, alcanzando en su climax una pieza de acción obsesiva, resuelta con un kaos final sorprendente; “The demise of Mrs.Baylock”, pieza de acción salvaje donde los coros gritan y sisean; “The fall” para la famosa escena del pequeño Anticristo atropellando a su madre en la escalera y donde los coros en decrecendo final describen la caída; y “Dog’s attack”, variación del Ave Satani con magnífico uso del silencio. La partitura se cierra con el tema inicial, completándose la espiral. El Anticristo ha sobrevivido y todo vuelve a comenzar (“The altar”). La edición discográfica contiene también una versión comercial del tema de la familia (“The piper dreams”) con voz y letra de Carol Heather, la esposa del compositor.

El éxito del film provocó su continuación en dos secuelas, para las que también puso música Goldsmith. DAMIEN: OMEN II (La maldición de Damien)(1978 ) da mayor presencia a los momentos de terror en detrimento de la historia. El score es menos sutil al abusar de los efectos y las masas corales. Los efectos se limitan a la utilización de un graznido en temas como “Claws” o “Broken ice”, destacando en este el uso del clarinete sobre el frenético recitativo de los coros que acaban en decrecendo como en “The fall”. La partitura contiene un interesante tema principal con utilización del sintetizador, un obsesivo y terrorífico tema con ritmos muy violentos (“Runaway train”, el mejor del score) y una breve referencia al “Ave Satani” en los títulos de crédito finales.

La trilogía se cierra con THE FINAL CONFLICT (El final de Damien)(1981) para la que Goldsmith construye una partitura mas reposada, donde la palabra “Jesús”, recitada por los coros, se impone al “Satani” inicial, simbolizando la victoria del bien contra el mal. El “Main title” es excepcional e introduce los dos temas gentiles del film, uno primero (el mas importante) en forma de réquiem donde los coros femeninos sobresalen de las voces masculinas (a diferencia de las anteriores), mientras el segundo proclama la esperanza que vendrá del cielo con clara influencia rozsiana (mas marcada en “The monastery”, tema religioso asociado a la salvación). El score, bastante religioso, cuenta con pocos pero interesantes temas de acción entregados a los coros (“A TV first” y “Electric storm”). La trilogía se cierra (“The final conflict”) con un brioso inicio que expone un tema nuevo, soportado por los coros, donde el metal proclama la victoria definitiva del bien sobre el mal, antes de que un decrecendo lidere la repetición del tema central.

THE LAST HARD MEN (Los últimos hombre duros)(1976) figura en algunas filmografías del compositor, pero no contiene un solo minuto de música original compuesta para el film. El score lo había escrito Leonard Rosenman, pero fue sustituido a última hora por música compuesta por Goldsmith para “100 rifles” y “Stagecoach”.

Su último trabajo del año es LOGAN’S RUN (La fuga de Logan)(1976), historia futurista, que sirve al maestro de experimentación con los instrumentos electrónicos dando al score un ligero carácter mágico y etéreo (“The dome”), junto a otros momentos donde el uso electrónico es menos sutil (“Flameout” y “Love shop”). Su punto fuerte se encuentra en su magnífico tema de amor que se presenta, primero oscuro y con pasajes atonales (“On the circuit”) recordando a Schoenberg, luego triunfante con fanfarri aorquestal (“The sun”), finalmente en una línea post-romántica (“The monument”). La edición discográfica incluye una versión pop de este tema, arreglada por Jimmy Haskell. Por último, destacar un violento tema de acción (“You’re renowed”) por su gran uso del metal.

La quinta colaboración con Franklin J.Schaffner, ISLANDS IN THE STREAM (La isla del adios)(1977), es el score favorito del compositor. Posee un lírico y sutil motivo (“Hudson’s theme”) que preside toda la partitura, definido primero a la trompa (“The island”) y en el corte final (“It’s all true”) al piano. Junto a este tema elegante, compone otro interesante, de carácter latino (“It’s ten too old”) que deriva en una pieza violenta de acción que recuerda “You’re renowed” de “Logan’s run”. Parece excesivo el exagerado aprecio del maestro por este trabajo.

Muchpo menos interesante es su partitura para el film de Robert Aldrich TWILIGHT’S LAST GLEAMING (Alerta misiles!!!)(1977) entrando en el proyecto en sustitución del habitual compositor del director (Frank deVol) componiendo un trabajo digno pero sin temas de gran interés: uno atonal con la percusión y el sintetizador creando efectos en cadencia (“Silo 3”), otro relacionado con el personaje del General con aires de marcha militar y poderosa variación para momentos de acción (“The tanks”) y un único tema lento expuesto por el sintetizador, la flauta y la cuerda (“A reflective interlude”).

Mas tarde, Goldsmith trabajará en dos superproducciones. McARTHUR (McArthur, el general rebelde)(1977), producida por la Universal, era dirigida por Joseph Sargent (en su segunda colaboración con el maestro tras la televisiva “The man” en 1972) contando con Gregory Peck en el papel del General. Goldsmith compone una magnífica marcha jovial y divertida en el diálogo mantenido por tuba y trompeta, presidiendo un score por momentos tenso (“I shall return”), casi siempre trágico y conmovedor (“New era”). Con la superproducción italo-británica de Carlo Ponti THE CASSANDRA CROSSING (El puente de Cassandra)(1977), inicia su colaboración con el pésimo director George Pan Cosmatos. La película narra la pesadilla producida por una incontrolable epidemia, debido al descarrilamiento de un tren por un acto terrorista. El reparto lo encabezaban Sofia Loren, Richard Harris, Martín Sheen, Burt Lancaster y Ava Gardner. El score se caracteriza por el extraño uso de efectos metálicos, con un tema principal de enorme belleza por su romanticismo (del cual realiza una versión pop “It’s all a game”) y varias piezas incidentales de acción de incuestionable fuerza (“Helicopter rescue”) y nerviosa excitación (“Break-in”, donde vuelve a usar material similar al “Is ten too old” de “Islands in the stream” y “You’re renowed” de “La fuga de Logan”). Goldsmith se encargaba de las orquestaciones con la ayuda de Hal Shaper en la versión comercial del tema central. Con él volverá a colaborar en la canción “We’re home again” para THE BOYS FROM BRAZIL (Los niños del Brazil”)(1978 ), nuevo fruto de la unión del tándem Schaffner-Goldsmith. La película narra la obsesiva búsqueda de un judio por encontrar a un torturador nazi y cuenta con un score modélico que le vale una nueva nominación al Oscar. El waltz inicial es inolvidable, al puro estilo straussiano y con aires modernistas en las trompetas formando disonancias. La partitura, en su mayor parte atonal, está dominada por la tensión, con ligeros toques de ambientación sudamericana para recrear el pais que da cobijo al sádico doctor alemán y un hermosísimo tema de honda raiz judía, alimentado por el trombón y las cuerdas.

Sus siguientes trabajos van a seguir inmersos en el cine fantástico. THE SWARM (El enjambre)(1978 ) posee un score lleno de tensión y suspense, de fuerte carácter sinfónico y un magistral tema final. Para CAPRICORN ONE (Capricornio UNO)(1978 ), su primera colaboración con Peter Hyams, utiliza una trepidante marcha, de violenta excitación, con magnífico uso de los timbales y el metal, junto a un bellísimo tema de amor de aire nostálgico (“Bedtime story”) que es versionado para sintetizador y orquesta de forma admirable (“Kay’s theme”).

Posteriormente va a colaborar con el escritor y director Michael Crichton en dos películas casi consecutivas (su premier trabajo juntos se remonta a la televisiva “Pursuit”(1972)). Primero en COMA (Coma)(1978 ) que trata con desigual interés del espinoso tema del comercio de órganos. El score es opresivo, tenso y crispado, de carácter atonal y sin concesiones a la melodía, salvo en su romántico tema de amor (con su inevitable versión pop). La casi ausencia total de score en la primera hora de film, da paso a una segunda mitad dominada por un interesante uso del silencio y por la utilización de efectos en las cuerdas, staccatos y discreto uso de la electrónica. La música presenta similitudes con material precedente: el episodio “The invaders” compuesto para la serie “Twilight zone”, “Los niños del Brazil” en un incidental frenético “Study in anatomy” y “El planeta de los simios” en los iniciales staccatos de “A lucky patient”. Mas interesante resulta THE GREAT TRAIN ROBBERY (El primer gran asalto al tren)(1979) para la que Crichton adapta su propia novela sobre el asalto a un tren en 1855. La aproximación del autor incluye música del siglo XIX en un score muy irónico y festivo que domina otro magnífico waltz (como en “Los niños del Brasil”), y un estupendo corte “The gold arrives” con agudos efectos en la cuerda y potente uso del metal.

Para MAGIC (1979), de Richard Attenborough, el maestro crea otra partitura enigmática y misteriosa, disonante y atonal en su tema principal que se abre con la armónica en nota muy alta y distorsionante, y un bellísimo tema de amor (“Appasionata”) de un lirismo apabullante.

Su reconocimiento definitivo en el campo de la ciencia ficción le llega con los scores para “Alien” y “Star Trek”. La primera le supune sendas nominaciones a los Grammy y al Globo de Oro, la segunda para los premios de la prensa extranjera y su undécima nominación a los Oscars. ALIEN (Alien:el octavo pasajero)(1979), es otra de las obras maestras del compositor. Las tensiones del rodaje y el desprecio del director Riley Scott (que por otro lado logra un film impresionante), no presagiaban ese resultado. El score es terror musical en estado puro, sin concesiones melódicas salvo en el tema inicial (que coincide con el de los títulos finales). Este tratamiento musical, casi “gore”, no convenció al director que acabó usando cortes musicales en escenas distintas para los que habían sido compuestos originalmente, además de eliminar otros a los que sustituye finalmente (primero había intentado que Isao Tomita se encargara del score) por música compuesta por Goldsmith para “Freud”. Esto no obsta para que una escucha pausada de la partitura rescate el genial trabajo del compositor que utiliza el silencio como jamás se había echo antes. El tema inicial que desarrolla la trompeta refleja perfectamente la soledad del espacio exterior y el temor a lo desconocido, y orquestado maravillosamente por Arthur Morton en los títulos de crédito se convierte en un tema de rara y apasionada belleza (sorprendentemente sólo podemos apreciar este tema en la edición discográfica puesto que el director también prescindió de él a favor de la Sinfonía nº 2 de Howard Hanson). Destacar también el magnífico uso del silencio y los efectos en la misteriosa “The alien planet” y los terroríficos y salvajes sonidos que logran exprimir de una orquesta en “Face hugger”, “Breakaway” y “The recovery”. Mas tranquilidad tuvo para componer STAR TREK (Star Trek)(1979), su segundo trabajo junto a Robert Wise (tras “El Yant-sé en llamas”). La partitura es una estupenda incursión en el campo de las aventuras galácticas, puestas de moda tras el éxito de “La guerra de las galaxias”. Siendo un trabajo inferior al precedente, no podemos ignorar tres temas, al menos, de indudable valía: el principal y uno de los mas conocidos de su autor consistente en una marcha de carácter épico, el “Klingon´s theme” de extraños efectos y gran uso de las trompas, y el bellísimo “Ilia’s theme” arrebatador y romántico en el uso del piano y las cuerdas.



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"No quieres venderme pildoras letales. Quieres irte a casa y replantearte la vida" ( Obi Wan Kenobi - Episode II )</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=bu dwhite>BudWhite</A>* fecha: 6/8/02 11:28:52 pm

Excelente, como siempre.

¿Las ediciones en CD de "Logan's Run" y "El Enjambre" son bootlegs, verdad?

Saludos.

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La edición de THE SWARM si es un bootleg de pésimo sonido (para mi gusto). La edición oficial es en disco (Warner bross records K 56541), al menos la inglesa que es la que tengo yo.

En cuanto la "La fuga de Logan", ninguna edición es bootleg. Existen 3 ediciones oficiales. La primera bajo el sello Bay Cities (BCD 3024/A22722), que se descatalogó hace unos años. Luego la editó junto con COMA Chapter III (foto de Bud). Coma también estaba disponible en Bay Cities y se descatalogó al quebar dicha compañía hace unos 10 años. Por último la edición de hace unos meses de Film Score Monthly (limitada a 3000 copias) que incluye mas música y como suele ser habitual en ellos con un magnífico folleto interior de 16 páginas. O sea, la edición definitiva (también en foto Bud).

Un saludo.

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Muchas gracias. "El enjambre" lo ví una vez en LP hace unos años y siempre me he arrepentido de no haberlo comprado, aunque el maravilloso tema final (lo mejor de la película) lo tengo de un recopilatorio.

¿Por cierto, no sabrás si Irwin Allen y John Williams se pelearon verdad? Es extraño que no hiciese esta peli porque Allen impulsó la carrera de Williams y siempre trabajaban juntos.

"La fuga de Logan" la tengo en cinta desde hace unos años porque conocía a una persona que la tenía en CD (pero no sé qué versión era). Incluye la versión pop a la que has hecho referencia.

Yo de FSM tengo "The Towering Inferno", de John Williams. Una excelente edición también.

Miraré a ver esos CDs.

Saludos.

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Todo esto cuando este completito deberia de ir al RINCON CINEFALO...

__________ WITH GREAT POWER COMES GREAT RESPONSIBILITY __________ <a href=http://www.dvdprofiler.com/mycollection.asp?alias=KRYCEK>MIS DVDs</a></p>

Nacho A:

No se pelearon Williams y Allen, simplemente, Williams estaba por entonces haciendo Superman y se encargó de recomendar al propio Goldsmith.

Un saludo.



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Gracias de nuevo.

Tengo previsto escribir un artículo sobre las películas de catástrofe y más en concreto sobre las de Irwin Allen. Tu ayuda -por supuesto si quieres- sería inapreciable en el apartado musical, aunque sean unos breves apuntes.

Más o menos hablaría en mayor o menor profundidad de:

Aeropuerto (1970). Alfred Newman.
La Aventura del Poseidón (1972). John Williams.
Terremoto (1974). John Williams.
El Coloso en Llamas. (1974). John Williams.
Hindenburg (1975). David Shire.
El Puente de Cassandra. (1977). Goldsmith.
El Enjambre (1978 ) . Goldsmith.
El día del fin de mundo. (1980). Lalo Schifrin.

Un saludo.

</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/unachoa.showPublicProfile?language=ES>Nacho A</A> fecha: 6/10/02 10:47:40 pm

Cuenta con ello Nacho, tengo la edición de todas ellas.
El único inconveniente es que desapareceré de este foro entre el 15 y el 29 de Junio. Vacaciones fuera de Spain.
Dime cuando lo quieres desarrollar y hablamos.
Un saludo.

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Vaya alegría que me has dado <img src=http://www.ezboard.com/intl/aenglish/images/emoticons/smile.gif ALT=":)"> <img src=http://www.ezboard.com/intl/aenglish/images/emoticons/smile.gif ALT=":)"> <img src=http://www.ezboard.com/intl/aenglish/images/emoticons/smile.gif ALT=":)">

No hay ningún inconveniente porque yo estoy de exámenes hasta el 28 de Junio, y me pondría con ello a primeros de Julio, espero.

Pues eso, muchas gracias y ya me pongo en contacto contigo después de esa fecha.

Saludos.

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Ok Nacho. Si quieres alguna cosilla, mi dirección de e-mail es:

mychaeldanna@yahoo.es

Un saludo.

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Y CAPITULO III

Goldsmith se toma un ligero respiro para iniciar los 80, componiendo para “Inchon” (que vería pospuesto su estreno un año) y para CABOBLANCO (Caboblanco)(1980), muy flojo film de Jack.Lthompson que transcurre en un pueblecito peruano a mitad de siglo y permite al maestro desarrollar un nuevo score de ambiente latino. La maravillosa partitura se estructura sobre tres temas dominantes: - un delicioso fandango con pizzicatos en la cuerda y staccatos en la trompeta (“Caboblanco’s theme”), - un obsesivo tema asociado al personaje de Jasón Robards, con magnífica percusión y efectos al cello (“Beckdorf’s house”) antes de iniciar otro tema épico de raiz latina, - y el tema de amor, basado en el “The very thought of you” de Roy Noble. Por otro lado el score posee grandes dosis de suspense y acción destacando los disonantes arpegios en las cuerdas de “The diving bell”, amén de otra canción diegética compuesta por Goldsmith con letra y voz a cargo de su esposa Carol Heather.

Para INCHON (1981) va a componer otra magistral partitura para este biopic sobre un personaje histórico que ya había musicado en el cine cuatro años antes: el General McArthur. Sin embargo su acercamiento al personaje difiere bastante del que ofrecía en el film de Sargent. El score es muy rico en melodías, nada menos que cinco importantes: el “Inchon Harbor theme” que abre el film y sirve para la localización coreana de la historia, esta dominado por un poderoso uso de la percusión autóctona (“Prologue”, “The bridge”) como en “The sand Peebles”; el tema asociado a los niños coreanos basado en un tradicional infantil que ya usase con magnífico criterio Frank Skinner en u aproximación al tema en “Battle hymn” (1957) (“The children”, “The church”); el tema de amor, al puro estilo de su autor (“The apology”, “Love theme”); un cuarto tema asociado al personaje de Ben Gazzara, un tanto amanerado (“Lim’s death”) y la marcha principal para McArthur (Laurence Olivier) de tono épico pero tan pegadiza como brusca (“Inchon theme”).

Goldsmith vuelve a la ciencia-ficción de la mano de Peter Hyams con OUTLAND (Atmósfera Cero)(1981). Estructurado en forma de western (se trata de una versión libre se “Solo ante el peligro”) no contiene un leitmotif definido sobre el que se asiente la partitura. Mas bien, estamos ante un catálogo de música de acción y suspense empezando por el tema que abre el film que combina sintetizador y orquesta para mostrar la base de extracción de mineral situada en Io, satélite de Júpiter (“The mines”) donde se va a desarrollar la historia. Cuenta con dos excitantes piezas de acción magníficamente orquestadas (“The air lock” y “Hot water”). El maestro vuelve a dosificar perfectamente el silencio en un score dominado por la atonalidad. Tan solo dos temas se alejan de esta estructura básica, el de amor usado a manera de interludio en “The message” (que deriva en lírico para lleno orquestal en “Final message”) y una pieza diegética futurista para aparato electrónico (“The rec room”). En suma, es un trabajo sin concesiones pero de una extraña atracción.

Para su incursión en el cine británico con THE SALAMANDER (La salamandra roja)(1981) compone también un score tenso y atonal con un tema principal de clima opresivo para una melodía obsesiva en crescendos que identifica al personaje central y un bellísimo tema, con explosión de la cuerda, en los títulos finales con el habitual toque Goldsmith. Su siguiente proyecto le unía por primera vez a la Disney (a través de su filial la Buena Vista) y suponía su última colaboración con Delbert Mann tras “Nido de águilas” y “A girl named sooner” (telefilm del 75). NIGHT CROSSING (Fuga de noche)(1981) trataba la historia de la huida de una familia en globo a través del telón de acero y desde el punto de vista musical destacaba por la obsesión de Goldsmith en el uso de la triple figura. Posee tres motivos de interés: uno de gran fuerza percusiva y con triple ostinato en el metal (“Main title”), un pequeño waltz para acordeón (“The picnic”) y el magnífico y épico tema asociado a la libertad, con un divertido pasaje a la tuba (“First flight”) que tiene una delicada versión como tema lento con predominio de la madera (“The patches”).

El maestro seguía trabajando con intensidad y cerraba el año con otro magnífico score RAGGEDY MAN (El mendigo)(1981) nuevamente de ambientación latina. El tema principal es de los mas arrebatadores del autor, una preciosa melodía que inicia la guitarra y la flauta, continúa la armónica y subraya finalmente la orquesta. Es un claro anticipo de las deliciosas melodías para “Poltergeist” (“Carol-Ann theme”) y “Rudy”. Este tema posee un enorme lirismo en el corte “Henry & Harry” que se inicia con una ranchera y es orquestado a la manera de una polka en “The fite”. El score se articula sobre otro tema principal muy oscuro y con predominio de aparato electrónico, de enorme contraste (“Number please” y “End of Calvin”). Contiene también una deliciosa versión del clásico “Llorona” (“Mexican tune”).

POLTERGEIST (Poltergeist)(1982) es una nueva incursión en el género fantástico que le depara su 12ª nominación a los Oscars. Es un trabajo complejo de enorme brillantez donde domina la música incidental, con grandes piezas de acción en las que sorprende el uso del metal y los efectos. Su único momento de tranquilidad lo aporta el magistral “Carol-Ann theme”, asociado al pequeño personaje que sufre la visita de los molestos espíritus. El tema refleja la inocencia y candidez de la protagonista (Heather O’Rourke) con el arpa precediendo un coro infantil que entona una deliciosa nana realzada por los violines. El presagio de la posesión se intuye en un final de tema misterioso con ecos y risas en los coros. La acción aparece en temas como “Night visitor”, “Scape from Suburbia” con gran uso de la tuba y especialmente en “The night of the beast” con salvaje uso del metal. Un coro adulto surge en “Twisted abduction” y en la emocionante “Rebirth”, que finaliza con el tema de Carol-Ann incluyendo el misterioso eco final que anuncia las posteriores secuelas (Goldsmith solo intervendrá en la segunda).

Otro film que sufrirá el efecto de las secuelas hasta formar una trilogía (en la que participa por completo el maestro) va a ser FIRST BLOD (Acorralado)(1982) que narra la historia de un veterano del Vietnam, John Rambo (Silvester Stallone), que revive sus pesadillas en un pueblocustodiado por un despótico sheriff (Brian Dennehy). El score está dominado por cortes de acción con virtuoso uso del metal (“Hanging on”, “The razor”) con línea melódica básica sugerida por el sintetizador. Otro corte de acción destaca por la utilización de la percusión y un largo trémolo en las cuerdas (“Mountain hunt”). La partitura se abre con el tema principal, una bellísima melodía con un solo de trompeta sobre guitarra, al que se unen gradualmente la cuerda, la madera y las trompas. Este mismo tema tenía previsto cerrar el score (“It’s a long road”) con una magnífica variación que introducia ritmos sincopados, pero fue sustituido a última hora por una versión vocal, mas comercial, con letra de Hal Shaper y a la que ponía voz Dan Hill.

La primera incursión de Goldsmith en el cine de animación tiene lugar en THE SECRET OF NIMH (Nimh, el mundo secreto de la Sra. Brisby)(1982) dirigida por Don Bluth y con resultados magníficos anticipando momentos luego desarrollados en “Legend”. Destaca, de nuevo, por el uso de los coros en un tema principal de gran belleza (“The secret of Nimh”) que emerge a la trompeta y a la cuerda. En la edición discográfica aparecen dos versiones vocales del tema (“Flying dreams”) interpretadas por Sally Stevens y Paul Williams (autor también de la letra), respectivamente. Posee varias piezas interesantes de acción con sorprendente tratamiento solista al contrabajo (“Allergic reaction”, “The tractor”).

Los escarceos del maestro con el género fantástico durante estos años, van a continuar en PSYCHO II (Psicosis II)(1983) y TWILIGHT ZONE: THE FILM (En los limites de la realidad)(1983). La primera utiliza de su precedente únicamente los famosos glissandos de Herrmann para la escena de la ducha. El sintetizador empieza a tener excesiva importancia en la creacción de ambientes y sin llegar a ser una afortunada partitura, cuenta con un brillante tema inicial, asociado a la inocencia de Norman, que inicia el piano y el sintetizador hasta unirse las cuerdas suponiendo el único toque lírico en un score dominado por la atonalidad y el gélido terror que reflejan el lado oscuro de Norman asociado a los recuerdos de su madre (“It’s not your mother”, “Mother’s room”). Mucho mas afortunada es su siguiente incursión en el género. “Twilight zone” es un remake de la serie de los 60 con utilización de efectos especiales inusuales para el medio televisivo, y que presenta cuatro de sus episodios para su estreno en las salas cinematográficas usando como reclamo la fama de sus directores. El acercamiento del compositor difería según el episodio: “Time-out”, dirigido por John Landis, trataba el tema del viaje en el tiempo (argumento cercano al maestro y a la serie, recordemos “Back there”, episodio de la serie original) con obsesivo uso de la percusión y el piano para recrear aires marciales y potente utilización de los timbales; “Kick the can”, dirigido por Steven Spielberg, incluía el tema mas hermoso del score, un delicioso waltz que refleja el deseo de unos ancianos por volver a la niñez; para “It’s a good life”, dirigida por Joe Dante, componía un score descriptivo y con gusto por los momentos atonales para retratar el mundo de un adolescente bastante especial; y por último en el episodio “Nightmare at 20.000 feet”, dirigido por George Miller, construye una magnífica pieza de acción con glissandos y efectos diversos, para cerrar el score con la cabecera original de la serie de los 60, compuesta por Marius Constant.

Jerry Goldsmith volverá a alcanzar la cima con la memorable UNDER FIRE (Bajo el fuego)(1983), partitura cumbre en la historia de la música cinematográfica, que le vale una nueva nominación a los Oscars y que supone el resultado final de los estudios sobre la música sudamericana. El score es para larga orquesta con sintetizador, instrumentación andina (incluyendo flautas de pan y percusión autóctona) y guitarra (magistralmente tocada por Pat Metheny). Es de esos escogidos scores cuya música traspasa las imágenes para tener vida propia. Profundamente melódico, posee un ramillete de magistrales motivos: “Bajo fuego” con una expresiva, profunda y apasionada guitarra reflejando el estado nervioso de los reporteros en plena batalla; “Rebel march” pieza central de la partitura que emerge gloriosa y épica en “Nicaragua” (posiblemente el mejor tema musical para cine de la historia) con la melodía in crescendo gradualmente hasta la fusión completa de los trece instrumentos utilizados; “Sandino” con sus toques oscuros al sintetizador y la unión de los dos temas precedentes; “Sniper” con sus ritmos andinos y con la flauta de pan y la guitarra expresando ideales de fondo; “Alex’s theme” con el piano y el sintetizador proyectando la soledad del personaje; “Fall of Managua” con una nueva melodía localista de tintes épicos; “A new love”, el tema de amor, embriagadoramente romántico al puro estilo del maestro.


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saludos

"No quieres venderme pildoras letales. Quieres irte a casa y replantearte la vida" ( Obi Wan Kenobi - Episode II )</p>Editado por: <A HREF=http://pub32.ezboard.com/bmundodvd43132.showLocalUserPublicProfile?login=bu dwhite>BudWhite</A>* fecha: 6/11/02 6:56:31 pm