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Tema: Joss Whedon

  1. #126
    Cine en V.O. Avatar de manudchief
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Menudo pepino si se marcase un James Bond
    Synch y Branagh/Doyle han agradecido esto.

  2. #127
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Buffy The Vampire Slayer (Fran Rubel Kuzui, 1992) (guión de Joss Whedon)

    En pleno proceso de analizar los trabajos que tengo pendientes de Joss Whedon, anoche tocaba Buffy The Vampire Slayer. La historia parece lo suficientemente extendida: Whedon vendió el guión (en otoño de 1991, parece ser) a la productora Sandollar (de Dolly Parton!) y junto a Kuzui Entreprises dieron luz verde a la producción con Fran Rubel Kuzui en la dirección.

    La idea de Whedon partía de una figura cómicamente trágica: la rubia tonta que siempre muere a las primeras de cambio en las películas del género slasher. Su intención era darle protagonismo precisamente a dicho personaje, haciéndole responsable de ser la asesina de vampiros en un mundo plausible pero plagado de vampiros y con la ayuda de un mentor que guía a las asesinas o cazadoras.

    Y eso es todo. El guión fue masacrado por Kuzui y cía en un despropósito del que se salva bien poca cosa. La dirección e interpretaciones apenas son dignas de un telefilm y la edición final termina de destrozar la cinta, avanzando sin sentido de la narrativa y sin importar un comino los personajes. Pulula Kristy Swanson como Buffy, el por entonces famoso Luke Perry (Dylan McKay de 90210) y un Donald Sutherland tan desaprovechado que me parece hasta más difícil conseguir tal desastre que no algo más digno. Como secundarios están David Arquette, Hillary Swank o PaulReubens. Y como antagonista un Rutger Hauer que, sinceramente, duele ver tan mal dirigido y con esos diálogos.

    Ignoro que clase de amputaciones sufrió el guión de Whedon pero es obvio que la cinta necesitaría, de entrada, algunas escenas más, para que la chica pase con mejor credibilidad de la tonta-animadora (que es parte de la premisa cachonda del autor) a su rol de cazadora; para que el mentor se dibuje un poco-bastante más; para que su relación tenga un sentido y para que el inevitable romance con el personaje de Perry no sea un absurdo. Si a eso le añadimos una mejora en las mencionadas carencias de dirección, interpretaciones y edición, casi podríamos aprobar.

    Ni siquiera supieron cazar el tono necesario: esto debía ser un Scream, una película de terror que subvirtiera el género, una reescritura del mismo, y se queda en nada.

    Por suerte, tres-cuatro años más tarde alguien se dirigió a Whedon para que retomara Buffy pero esta vez en TV. Y el resto es historia: todo lo que es la serie, toda su mitología, su papel como referente del género y de la actual edad de oro de las series, toda su innovación e influencia, todo su estudio académico, es todo lo que no es la película.

    Lo dicho. Si quieres tener tu obra, lo primero es obtener la mayor libertad posible.
    Branagh/Doyle ha agradecido esto.
    Bottom line is, even if you see 'em coming, you're not ready
    for the big moments.No one asks for their life to change, not really. But it
    does.So what are we, helpless? Puppets? No. The big moments are
    gonna come. You can't help that. It's what you do afterwards that
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    Whistler (Buffy The Vampire Slayer - 2x21 Becoming, Part One - Joss Whedon)

  3. #128
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Añado info sobre la participación de Joss Whedon en la película de Buffy extraída de una entrevista en AV Club en 2001:

    O: How closely were you involved with the making of the Buffy movie?

    JW: I had major involvement. I was there almost all the way through shooting. I pretty much eventually threw up my hands because I could not be around Donald Sutherland any longer. It didn't turn out to be the movie that I had written. They never do, but that was my first lesson in that. Not that the movie is without merit, but I just watched a lot of stupid wannabe-star behavior and a director with a different vision than mine—which was her right, it was her movie—but it was still frustrating. Eventually, I was like, "I need to be away from here."


    De los problemas con Shuerland durante el rodaje:

    O: Was it a personality conflict between you and Sutherland, or was he just not what you'd envisioned in that role?

    JW: No, no, he was just a prick. The thing is, people always make fun of Rutger Hauer [for his Buffy role]. Even though he was big and silly and looked kind of goofy in the movie, I have to give him credit, because he was there. He was into it. Whereas Donald was just... He would rewrite all his dialogue, and the director would let him. He can't write—he's not a writer—so the dialogue would not make sense. And he had a very bad attitude. He was incredibly rude to the director, he was rude to everyone around him, he was just a real pain. And to see him destroying my stuff... Some people didn't notice. Some people liked him in the movie. Because he's Donald Sutherland. He's a great actor. He can read the phone book, and I'm interested. But the thing is, he acts well enough that you didn't notice, with his little rewrites, and his little ideas about what his character should do, that h
    e was actually destroying the movie more than Rutger was. So I got out of there. I had to run away.

    De Paul Reubens:

    O: What was Paul Reubens like? He seems to be the actor people remember most from the movie.

    JW: [Adopts weepy, awed voice.] He is a god that walks among us. He is one of the sweetest, most professional and delightful people I've ever worked with. [Normal voice.] He was my beacon of hope in that whole experience, that he was such a good guy, and so got it. I mean, most of the people were sweet. Most of them were actively out there trying... They were good people. Paul was a delight to be around, trying to make it better. He actually said to me, "I'm a little worried about this line, and I want to change it. I realize that it'll change this other thing, so if that's a problem..." I'm like, "Did I just hear an actor say that?"


    http://www.avclub.com/article/joss-whedon-13730
    Última edición por Synch; 06/03/2017 a las 00:53
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  4. #129
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    De la misma entrevista, sobre la serie:

    (es de septiembre 2001, así que es justo antes de la sexta temporada):

    O: How do you think the move to UPN will affect the series?

    JW: I don't think it'll affect it one iota. Any change that happens in the show will happen naturally because the show evolves. UPN has never said, "Skew it this way, do this thing," and they never will, because I'm not going to do it. I've had an unprecedented amount of control over the show, even for television, considering the show is a cult show. From the very start, The WB left me alone. You know, they collaborated, they didn't disappear, but they really let me do what I wanted. They trusted me. And UPN is on board for letting me do the show the way that works. I don't think anything will change. I mean, there'll be wrestling. But tasteful wrestling. Wrestling with a message behind it.


    O: Have you gotten good at delegating, or do you really want to be doing all the writing yourself?

    JW: No, I have, and that was really hard for me. It was hard because I had such a specific vision, and nobody was seeing it. And so you have to do everything—props, costumes. Gradually, you surround yourself with people who do see it your way. I've worked for producers, and I know producers, who are true megalomaniacs, and need to write everything, and be responsible for everything, and get all the credit. And, although I am something of a control freak, if somebody does something right, I will not change a word. If the script works, if a costume is right, if an actor gets it, I'm not going to get in there just so I can have gotten in there. I've spent five years culling the most extraordinary staff, which I trust to share my vision and my experience. So if somebody gets it right, I leave it alone.


    O: Do you think you'd ever be able to completely let go of a Buffy spin-off, leave it totally in someone else's hands?

    JW: It's possible. It's possible that I could. A while ago, I would have said, "No." But now I'm working on what will be four Buffy shows and three Buffy comics, and eventually you sort of go, "Uh, maybe somebody else could do that other thing." Would I be able to not have any hand in it at all? I think I just said "yes" and meant "no." I don't want it to have my name on it if it doesn't reflect what I want to say. Because once you get to the position of actually getting to say something, which is a level most writers never even get to, and is a great blessing, you then have to worry about what it is you're actually saying. I don't want some crappy reactionary show under the Buffy name. If my name's going to be on it, it should be mine. Now, the books I have nothing to do with, and I've never read them. They could be, "Buffy realized that abortion was wrong!" and I would have no idea. So, after my big, heartfelt, teary speech, I realize that I was once again lying. But I sort of drew the line. I was like, "I can't possibly read these books!" But my name just goes on them as the person who created Buffy.


    O: If you had Buffy to do over from the start, this time knowing how popular it would get, would you do anything differently?

    JW: Not in terms of popularity. I mean, there were certain things on the show that I learned the hard way, but not really. I love the show, and I love the people. I love the stories we told. I mean, I'm angry about every single edit, and line, and costume change, and rewrite, but that's part of the business. So ultimately, I wouldn't change anything.
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  5. #130
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    En plan diversión con doble motivo estoy volviendo a ver las películas en las que colaboró Whedon como Script Doctor. Digo doble motivo porque por un lado reviso esas pelis (la mayoría hacía la tira que no veía) y de paso me fijo en los diálogos/trama/personajes.

    Cuelgo los tochos del otro hilo y así lo tenemos aquí reunido:

    ---

    Speed (Jan de Bont, 1994)

    Sigo con mi particular revisión de la obra de Joss Whedon. En este caso se trata de un trabajo no acreditado: la práctica totalidad de los diálogos de Speed son suyos.

    Speed partió de una idea y guión de Graham Yost e intentó vender la misma a la Paramount, la cual encontró el proyecto como, lo que realmente es, una Die Hard/Jungla de cristal con un autobus, y sugirió al director de fotografía de aquella como director para la película, Jan De Bont. Guionista y director llevaron entonces el proyecto a la Fox donde si obtuvieron luz verde, con un presupuesto notable, un casting de esos tan de los 90 (la última era en la que una película podía basarse en grandes nombres a nivel actoral) con dos estrellas juveniles y guapas emergentes (Reeves y Bullock) y el gancho maduro con Dennis Hopper.

    Una semana antes del inicio del rodaje (septiembre de 1993), De Bont llamó a Joss Whedon para que reescribiera partes del guión, lo que venía siendo su trabajo como Script Doctor. Aunque su trabajo se centró en los diálogos, al final contribuyó decisivamente en el argumento: a petición de Keanu Reeves, Whedon cambió el papel de Jack Traven de policía más a lo habitual del género (supongo que más a lo Bruce Willis en Die Hard), con sus propios métodos, problemático y demás (un clásico del género: el propio Willis en Die Hard, Gison en Lethal Weapon, Eastwood en Dirty Harry, Douglas en Basic Instinct) por lo opuesto: un agente cumplidor, entregado totalmente a su trabajo y muy correcto. También contirbuyó con la muerte de Harry Temple y cambiando uno de los pasajeros originales, un abogado, por un turista.

    Según Graham Yost, el guionista oficial, Whedon escribió el 98.9% de los diálogos.

    "Joss Whedon wrote 98.9 percent of the dialogue. We were very much in sync, it's just that I didn't write the dialogue as well as he did."

    El asunto es que la Fox/producción si le otorgó un crédito a Whedon pero por temas del sindicato no pudo ser.

    I did not get a credit on [Speed]. The studio gave me one, but then the Writers Guild of America took it away, and I was pretty devastated. … It has to do with WGA bylaws. You can come in and rewrite all of the dialogue, and still not get credit. They didn't think I made big enough changes to the plot. I actually did a lot of overhaul, but much of it was to a later draft, so it went back to what Graham originally had.

    Anoche revisé Speed, la cual hacía lo suyo (años) que no la veía. Y sin embargo recordaba todas sus escenas. Todas. Creo que en su momento la vi en el cine y posteriormente la volví a ver varias veces en TV, en VHS... Efectivamente es una Die Hard pero en una secuencia triple de unidades de acción: ascensor, autobús y metro. Un terrorista bastante plano y tópico, un policía de una unidad especial, personajes inocentes y mucha acción.

    Me gusta. No me fascina, ni siquiera hay demasiado margen en el género como para que se pueda convertir en algo más que un entretenimiento, pero si nos centramos en la acción, y en el modelo que asentaron 48 Hrs, Lethal Weapon o la propia Die Hard, las hay muy decentes y las hay que uno necesita mucho alcohol y horas libres para soportarlas. Speed estaría en el primer grupo. Para empezar, o mejor dicho, para terminar es un producto bastante bien rematado: van a lo que van, no sobra ninguna escena, ni en la edición ni en la longitud de las mismas, por lo que el resultado final es una película muy vibrante e intensa -tal vez demasiado pero le sienta bien- y lo mejor de todo ello es que De Bont consigue un ritmo narrativo la mar de decente, dejando todas lo absurdo para lo inevitable de las imposibles escenas de acción.

    Reeves, Bullock y Hopper están bastante bien, dentro de las limitaciones de la propuesta. Reeves hace creíble la exagerada devoción y concentración laboral de Traven, Bullock funciona como ciudadana random de Los Ángeles y Jeff Daniels hace buena su labor de secundario con garantías. No obstante hay que poner de nuestra parte para tragarte las convenciones del género: Traven es un policía de póster; Bullock es Bullock, que no es que a mi me guste demasiado (ni como actriz ni como mujer) pero es aquello que ya es casualidad que dos desconocidos, en dicha situación, sean la mar de guapos y atractivos. Y lo de Hopper sólo se salva por lo original de su petición de 3.7 millones $ como compensación laboral. El resto es un tópico andante: un villano plano, destinado a morir, sin más doblez que un par de concesiones (sacar al conductor herido y al popio Traven para negociar).

    La acción y el rodaje de la misma es de nota. Es todo un absurdo pero va tan a saco que te divierte y entras al juego. Casi que veo más chorrada que tarden tanto en pensar que el terrorista tiene una cámara dentro del bus o el periodista de TV sabiendo detalles que no son factibles desde una cámara en un helicóptero. El resto, lo que es la acción acrobática, es contundente: las escenas del ascensor y metro con miniaturas; las tomas aéreas del bus y la autopista (espectacular cuando llega el salto y los coches y motos de la policía se apartan para dejar el autobús a merced de un salto imposible). De Bont sabe atinar -dentro de lo absurdo- y soluciona la mayoría de las escenas. La única chorrada prescindible es el salto de un coche de policía al inicio de la película. Parecía una parodia a lo Agarralo como puedas, o Kung Fury.

    De Bont cumple con el cometido del género y de la propuesta, lo cual no es poco, pero la película en ese aspecto es profundamente previsible: no hay marca personal, nada visualmente distinto o novedoso, y mucho menos un intento de personalización. Si aceptamos esto como una montaña rusa de acción, tipo guapo, chica fuerte pero con sus momentos de entrega al machote, malo maloso y Los Angeles a tutiplen, pues De Bont cumple. En el lo más positivo y a la vez negativo del asunto.

    La BSO de Mark Mancina ayuda a esa sensación de acción sin freno aunque me parece que es como que muy similar a la de Bad Boys (también firmada por Mancina)



    No diré que siempre pensé que los diálogos/trama de Speed eran lo mejor y que ahora (bueno, hace un tiempo) que sé que son de Joss Whedon, todo cuadra y tal. No. Pero algo de eso hay. Ciertamente Jack Traven no es el habitual machote hortera de otras del género y amen del buen hacer general de Reeves, tiene momentos muy Whedon como cuando se muestra correcto y educado, corporativo incluso, cuando se da la clásica retención de un vehículo particular (un precioso Jaguar verde cuyo conductor es un habitual de la TV). El mencionado turista tiene su momento cuando al llegar al aeropuerto dice que ya ha estado ahí.

    Y lo mejor es el teniente de la unidad especial, cuando al saber que la autopista está cortada, dice despedirlos a todos

    Zack ha agradecido esto.
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    Whistler (Buffy The Vampire Slayer - 2x21 Becoming, Part One - Joss Whedon)

  6. #131
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    The Quick and the Dead/Rápida y mortal (Sam Raimi, 1995)

    Sigo con mi revisión de la etapa de Joss Whedon como Script Doctor. Si en Speed se le atribuye el 98.9% de los diálogos e importantes mejoras en la trama y personajes, en Rápida y mortal parece deducirse que Raimi pidió al estudio (TriStar) un escritor en pleno rodaje ya que el final no terminaba de funcionar:

    In 1994, I was making The Quick And The Dead and having a script problem, and I came to the studio and said, ‘Can you find me a writer? I’ve shot this movie, and the end isn’t working.’ And ultimately, the movie didn’t quite work. But they suggested Joss Whedon, who was doing Buffy, so I met Joss and he saw the movie, and he helped me solve this ending in one afternoon. I thought, ‘Damn, you’re a good writer. I wish I could have had you rewrite the whole movie and save this picture.

    (añado: tema Buffy, casi imposible ya que la película que nos ocupa se tuvo que filmar en 1994 y Buffy -la serie- no empezó como proyecto hasta 1996, tal vez 1995).

    Según un artículo en Den Of Geek:

    Whedon describes his role on the film as ‘looplines and punch-ups,’ meaning additional dialogue added after the shoot (normally when a character’s back is turned) to spruce things up a bit.

    Obviamente Whedon no recibió crédito por ello. Mismo motivo que en Speed, imagino, aunque menos grave ya que aquí hizo la función explícita de Script Doctor. Recuerdo que cuando leí (dos veces) la biografía no autorizada de Steven Spielberg, casi cada película tenía un Spielberg llamó a tal para que reescribiera algunas escenas. Es un trabajo curioso. El crédito se lo lleva uno/a o unos/as pero al final es una mezcla del original y de los que lo retocan.

    En junio de 1995 fui al cine a ver Rápida y mortal. Recuerdo salir diciendo que era mala. Pero retuve bastante de ella en mi memoria, lo cual debe ser positivo, no? En 1995 y 2017 la habré visto, mínimo una vez (a lo mejor sólo esa), y la verdad es que pocas escenas me han resultado desconocidas. Será la edad, la calma o la atención al guión pero esta vez m ha gustado bastante más.

    Esta película, al igual que Speed, salió de la mente de su guionista acreditado, Simon Moore, siendo Sony quien compró el proyecto. Se trata de uno de esos tantos casos en los que el director, Sam Raimi, llegó cuando estaba todo en marcha. Sony fichó a la por entonces estrella absoluta, y sex symbol, Sharon Stone, la cual no sólo firmó como protagonista sino como productora. El casting se completó con la carta segura de Gene Hackman, la estrella emergente Leonardo DiCaprio y con la no menos emergente de Russel Crowe. Cabe destacar que estos dos últimos no eran, ni cerca, de ser lo que fueron 2-5 años más tarde respectivamente.

    The Quick and the Dead homenajea y a la vez perpetúa el género, a caballo entre lo mil veces visto y la actualización a un estilo más realista y depurado. Los golpes, los sonidos, la acción, los detalles, son propios de quien quiere que este western resulte creíble y serio. El problema es que Raimi lo completa con recursos que, a menos que se me escape alguna meta referencia (no es Tarantino esto), casan torpemente: esos zooms, primeros planos etc O actualizas el género, o haces un homenaje, pero si pretendes un híbrido, ah! Entonces se requiere mucha mano, mucho Eastwood en Unforgiven, vaya.

    La premisa es harto tópica: una venganza. Un pistolero -en este caso pistolera- que acude a un pueblo random del Oeste a saldar dicha venganza matando al caudillo del pueblo, un eficiente Gene Hackman (lo dicho, valor seguro), el cual mató a su padre (Gary Sinise, entre Forrest Gump y Apollo XIII, relegado a los flashbacks) etc etc Más destacable es que la chica acude para un torneo, organizado por dicho caudillo, Herod, para disfrute personal ya que siempre gana, siendo como es más que nadie en esto de disparar.

    La presentación de los candidatos es particularmente acertada: Herod, el joven impetuoso y extremadamente rápido y seguro de si mismo (un DiCaprio que resulta ser hijo del primero), un predicador y ex pistolero de igual virtud (Crowe), un as reconocido en el asunto (Lance Henriksen), secundarios entre random y algo más dibujados y, claro, Sharon Stone.

    Su elección por parte de Sony fue todo un acierto. De las grandes estrellas del momento, ella era la adecuada. Era guapa, el físico acompañaba y demás, pero era el tipo de físico y su actitud lo que fue determinante. No es que diera la imagen de ser poco femenina pero lo era mucho menos que otras estrellas del momento. Sus facciones, incluso su cuerpo delgado y sin demasiadas curvas, su imagen de tia dura, todo iba a favor de ese papel. Cualquier otra, por mucha caracterización que llevara, podría caer en el ridículo. Hay papeles que requieren de algo que se lleva dentro, que se tiene o no se tiene. Y la Stone de esta película es la de Insinto Básico: dura, chula, misteriosa y letal. Así que el purito, el sombrero, el revolver, los pantalones de cuero y las botas le quedan de fábula. Lo que sí que ya no cuadra es que en una época en la que la higiene personal escaseaba, Stone luce perfecta y a poco que pienses...





    Por lo demás la película no está mal. Los combates a muerte se suceden y pese a que se nota bastante que hubo trabajo en edición para recortar escenas y trama, el resultado final es aceptable. La narrativa cumple pero no sorprende, las interpretaciones son el mínimo esperado y las segundas lecturas no tienen oportunidad: Herod es un villano de manual, absurdamente malo, caudillo de un pueblo en contraste con la buena gente que lo habita. Stone y Crowe tienen el romance preceptivo (buena escena ahí), DiCaprio resuelve bien como un portento disparando y, sobre todo, alucinando con lo rápido que ha sido su padre al disparar.

    Cuando Herod observa la muerte de su hijo, el libreto acierta en otorgarle ahí una relativa humanidad al decir que no estaba claro que fuera hijo suyo. No mostrar remordimiento hubiera sido demasiado y el asunto de que tal vez no fuera hijo suyo, aunque algo deus ex machina para suavizar lo bestia de que mate a su hijo, sirve. En cuanto al flashback en el que vemos que la Stone de niña, queriendo ayudar a su padre, acabó matándolo... Ignoro si esto fue obra de Whedon pero, aunque tiene su punto macabro, se sale por completo de la película. Es incluso terreno Tarantino

    BSO para cumplir aunque Silvestri se saca un tema comodín, con guitarra en plan atardecer en Arizona, que mola.

    Una película poco atractiva, cercana a lo fallido, pero finalmente decente.

    ---

    Edito para añadir lo que dice Whedon en la entrevista que he quoteado antes sobre esta película:

    I also did a couple of days of looplines and punch-ups for The Quick And The Dead, just to meet Sam Raimi.

    De todos esos trabajos pre-Buffy (serie), parece este el más dudoso en cuanto a la cuantía de la participación de Whedon.
    Última edición por Synch; 06/03/2017 a las 01:08
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Waterworld (Kevin Reynolds, 1995)

    Sigo con mi revisión de la etapa Script Doctor de Joss Whedon. Según una entrevista en The AV Club sobre su participación en Waterworld:

    Waterworld was a good idea, and the script was the classic, "They have a good idea, then they write a generic script and don't really care about the idea." When I was brought in, there was no water in the last 40 pages of the script. It all took place on land, or on a ship, or whatever. I'm like, "Isn't the cool thing about this guy that he has gills?" And no one was listening. I was there basically taking notes from Costner, who was very nice, fine to work with, but he was not a writer. And he had written a bunch of stuff that they wouldn't let their staff touch. So I was supposed to be there for a week, and I was there for seven weeks, and I accomplished nothing. I wrote a few puns, and a few scenes that I can't even sit through because they came out so bad.

    Al igual que en Speed y en The Quick and the Dead, Whedon hizo honor a lo que es un Script Doctor y acudió en poco antes o durante el rodaje (en este caso, durante, parece ser) para arreglar lo que no funcionaba. Si en la anterior Stone ejercía de co-productora y tenía mano en la película (ignoro, no obstante, si llegó a vetar o cambiar algo del guión), en este caso tenemos a un Costner, también productor, y dando instrucciones a Whedon. Este, que sin llegar a resultar desagradable, suele ser sincero en sus entrevistas, repite bastante lo de no era/es escritor para referirse a la gente, dentro de una producción, que aunque puedan dado su cargo, meter mano, no deberían ya que no son aptos para ello, por mucho que si lo crean.

    Recuerdo muy bien Waterworld. Las noticias de un proyecto megalómano de Costner-Reynolds (aunque en su momento lo que recuerdo es como si todo fuera una enorme ida de pinza de Costner, como si quisiera hacer su película para la historia, con mil premios y reverenciada, o algo así), de rodaje tormentoso y presupuesto disparado. Esos 175 millones en 1995 eran una barbaridad (un año antes se hizo Speed por esos 35 que comentaba el otro día, y era un blockbuster) y además, al contrario que la futura Titanic, con la que compartía el asunto del tamaño, problema y presupuesto de rodaje, ni la premisa ni el casting (Costner y Hopper no estaban nada mal como reclamo, pero no para 175 mill en plena época de grandes castings) parecían oler a éxito.

    Esta también la vi en el cine e igualmente recuerdo salir del mismo contrariado. Tal vez más por no saber que pensar que por creer que no era una buena película. Sin duda era lo que parecía: larga, excesiva, rara, Costner todo el rato etc

    Efectivamente costó una barbaridad, fue complicada de rodar y a saber que pudo meter Whedon ahí y, sobre todo, como trataron sus líneas. Viéndola hoy (creo que no la veía desde el cine y de hecho recordaba muy poco, casi nada, tal vez la niña) no puedo decir que me haya aburrido ni que no me haya gustado. Más o menos como The Quick and the Dead: más que decente aunque sus fallos son, curiosamente, los que la alejan de un mejor producto y no tanto los que la convierten en uno deficiente.

    Si Speed era Die Hard en un autobús, Waterworld es Mad Max en el agua (comparten director de foto y los guionistas admiten la inspiración, en la secuela para ser precisos). En un futuro lejano (suponemos que unos cientos de años),la tierra ha quedado anegada por el mar (buena la de usar la intro de la Universal versión 90s para introducirnos en ello) y nuestro protagonista, un estilizado Costner (marcando músculo, luciendo una melena rubia surfera y tan de los 90), interpreta a un solitario y misterioso tipo que vive en su trimarán convenientemente tuneado para la superviviencia (puede potabilizar su propia orina!).

    La premisa es la mar (je!) de interesante y gustándome como me gusta el mar es de agradecer las secuencias aéreas mostrando el océano. La trama se adentra ya en lo Mad Max: la gente busca algo y luchan por ello. En este caso buscan tierra firme. El personaje de Costner llega a una instalación/villa flotante la cual será atacada por los villanos de turno y se verá en huida con una mujer y una niña, la cual tiene un tatuaje en su espalda que, dicen, marca la situación de la tierra firma. Bueno, la trama no mola tanto como la premisa, pero bueno, eso no hace buena ni mala a Waterworld.

    Los problemas son notorios. Se debió rodar la tira de metraje (señal, muchas veces, de que algo falla) y se nota en la narrativa y en el ritmo pese a que la edición de Peter Boyle es más que decente pese a ser demasiado convencional (se entiende tanto que Tarantino la liase de esa forma con Pulp Fiction...). La primera escena de acción, en dicha villa flotante, es demasiado larga. Acción por acción suele dar mal resulta y sugiere que no se tiene claro como se quiere mostrar algo, sólo el que.

    La conveniencia mediante la habitual causalidad del cine de unir a Costner con esa mujer y esa niña es... Ya es lotería, eh? Por un lado está la magia del cine, desde la comedia romántica de la Golden Age en los años 30, en la que tendrás la potra de que tu compañera improvisada será más o menos de tu edad y ambos seréis igual de atractivos, un match total en cuanto a pareja. En este caso una Jeanne Tripplehorn conocida por su buen papel de psicóloga en Instinto Básico. La niña es Tina Majorino, la cual conozco de su papel en la futura y siempre fresca Veronica Mars. Peor es que The Mariner (llamemos al personaje con su apodo) no busca tierra firme, así que su unión con dicha pareja y el cuadro familiar, instantáneo, que forman, es demasiado aunque tal vez sea cosa mía.



    La transición entre la inicialmente lograda personalidad tosca de Mariner (llega a tirar a la niña al mar!) y la inevitable caída hacia el romance con la mujer y la figura paterna con la niña, es abrupta (de nuevo, a saber cuanto material cortaron). Cuando al final la lía parda por rescatar a la niña y le dice que la quiere...Mejor cortar 5 minutos de la escena que comentaba antes y añadir un par más que muestren esa transición.

    Lo peor son los villanos. Ahí se hunde (je!) la película. Son tan random, tan nada, que sólo quedaría la nota de humor pero ni de eso hay. Hopper interpreta a otro villano plano, algo zumbado, pero una vez lo ves por primera vez, ya es suficiente, todo el rato es lo mismo. Y sus minions son totalmente prescindibles. La escena en la que manejan cadáveres para que parezca que están saludando y atraer a Mariner... Es propia de Solo en casa y de Kevin McCallister

    En los absurdos de la trama ya ni entro al detalle (de dónde sacan el combustible para los coches y motos acuáticas si hace muchos, muchos años que todo se fue a la mierda? Y el tabaco y bebida de formato oficial (rubio y Jack Daniels, respectivamente) ?

    La BSO es de James Newton Howard pero leo en la wiki que empezó Mark Isham pero se fue debido a que producción no estaba satisfecha con su música -según se deduce- new age. Ignoro si todo lo que se escucha es de Newton Howard. Los temas más movidos no me han convencido, nada nuevo, incluso casa problemáticamente con las escenas. Sin embargo en la que Costner enseña a nadar a la niña, suena un tema new age, y no sé si es de Newton Howard o es de Isham. Pero ese sí es el tono que a mi me va para esa película, para el mar. Es muy, bastante, a lo Big Blue de Eric Serra.



    Es efectismo puro pero le sienta de maravilla a ese momento y a esa película.

    La foto no me va. Tiene ese aire a lo Mad Max, sí. Pero cuando tienes el océano y no le sacas todo el partido... King Kong del 76 es 19 años anterior y el océano ahí luce de maravilla. La mencionada Big Blue es de 1988 e idem. Waterworld podría, almenos, haber sido preciosista en lo visual. Sería un mínimo totalmente plástico pero agradecido. Si a eso le añadimos una BSO en consonancia con ese Swimming del vídeo, Waterworld podría ser otra Big Blue. Rara en sus personajes y trama pero todo un ejercicio audiovisual. Pero no lo es.

    La resolución pues... La esperada. Del trasto volador a lo Da Vinci/Young Sherlock Holmes, no digo nada. Por supuesto los villanos raptan a la niña. The Mariner la rescata en solitario, se carga el solito a todos los de Hopper y gracias a Da Vinci dan con tierra firme (paraje en Hawaii). Que The Mariner no esté a gusto ahí era de esperar: la catarsis no ha sido tan grande. Y además tiene branquias y escamas, es un mutante náutico, no está hecho para tierra firme. Es de agradecer que su despedida de la niña sea la mar de corta, incluso algo fría. Va con la película.

    Lo dicho, es decente, mejor de lo que recordaba, pero no supieron hacerla buena, incluso resultona (esa música, esa foto, esos villanos), dando por sentado que guión, dirección y demás son parte intrínseca de su endeble mérito artístico.
    PrimeCallahan y Branagh/Doyle han agradecido esto.
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    for the big moments.No one asks for their life to change, not really. But it
    does.So what are we, helpless? Puppets? No. The big moments are
    gonna come. You can't help that. It's what you do afterwards that
    counts. That's when you find out who you are. You'll see what I mean.

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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Toy Story (John Lasseter, 1995)

    Siguiendo con mi revisión de los trabajos de Joss Whedon como guionista pre-Buffy, toca el turno de Toy Story. En esta ocasión fue guionista de pleno, con crédito y nominación al Oscar (mejor guión), inclusive.

    La película no necesita demasiada presentación. Un hito no ya de la animación debido a ser el primer largo realizado por completo mediante CGI, sino de la historia del cine. Inauguró el uso masivo de esa técnica para la animación, contribuyó al uso de la misma en el cine y dio el pistoletazo de salida a un estudio que ya es un mito plenamente reconocido.



    La génesis de Pixar nació, literalmente, de los millones de fans que acudieron a ver Star Wars a finales de los años 70. En los famosos contratos que firmó George Lucas con la Fox no sólo se contemplaba quedarse con los derechos de las secuelas, sino con los del merchandising y con el 40% de los beneficios. Una vez empezó a obtener dinero puso en marcha su idea: ser independiente. No sólo compró el terreno del futuro Skywalker Ranch, o invirtió en la ILM, sino que empezó a invertir en tecnología aplicada al cine. Entre ellas la animación por ordenador. Así nació el Graphics Group, una tercera parte de la Computer Division de Lucasfilm, fundada en 1979. Con Ed Catmull al mando empezaron a trabajar en animación.

    Años más tarde Catmull fichó a John Lasseter, recién despedido de Disney por.. Intentar realizar CGI! En Lucasfilm encontró su sitio, realizó sus primeros cortos e incluso ayudó a la ILM y a Dennis Muren en un efecto que les creaba muchos problemas: el caballero de la vidrera de Young Sherlock Holmes (1985).

    Poco después, tras la caída de licencias de Star Wars una vez estrenada la última película (Retorno del Jedi, 1983), el divorcio y demás, Lucas vendió su división a un Steve Jobs recién despedido de Apple. La idea era fomentar el software del grupo pero Lucas ya le advirtió que esa gente querían hacer cine. Así nacía Pixar, oficialmente, en 1986.

    Catmull y Lasseter siguieron haciendo cortos con la idea de promocionar el software y con ello llegó Tin Toy, un Oscar y la fama para Pixar. Disney se interesó por Lasseter, ofreciéndole dirigir una película sobre juguetes, con CGI! Lasseter se negó, por fidelidad a Pixar, y entonces Disney fue a por Pixar al completo y les ofreció la película. Tras muchas negociaciones firmaron en 1991: la película iba a llamarse Toy Story, con Disney financiando y quedándose con casi todo.

    El equipo creativo de Pixar, formado por los futuros pesos pesados John Lasseter, Andrew Stanton y Pete Docter, no tenían experiencia en la elaboración de guiones. Un tema era realizar cortos, pequeñas historias, pero un largo era otro asunto. Es difícil saber la implicación exacta de Joss Whedon. Disney contrató tres guionistas (todos ellos finalmente acreditados) par ayudar en la escritura: Joel Cohen, Alec Sokolow y Joss Whedon. Cruzando varias fuentes (incluyéndole a él mismo), parece que trabajó con ellos en dos periodos, antes y después del famoso shutdown de la producción en noviembre de 1993, cuando Disney quedó horrorizada con el avance que les mostró Pixar. Uno de esos periodos pasó de unas semanas a cuatro o seis meses de trabajo.

    Según una fuente Whedon ayudó a cohesionar todo el guión, aportando lo suyo en los diálogos. Se le suele atribuir también el personaje del T-Rex, así como la idea de usar a Barbie (algo que no fue posible por problemas de licencia con Mattel). Finalmente parece que trabajó en el aspecto clave de la película como una buddy movie:

    Joss worked closely with Pixar’s team as everyone got their heads around the idea of Toy Story as a buddy picture. Buzz Lightyear had always been conceived as a Dudley Do-Right: dim-witted but cheerful and self-aware. Joss helped them reenvision the character as an action figure who isn’t aware that he’s a toy, and who therefore takes his job as an Intergalactic Space Ranger quite seriously. It was a huge epiphany that turned the whole movie around and created the chemistry in Toy Story.

    (http://www.businessinsider.com/joss-...y-story-2014-9)

    No vi Toy Story en el cine y, de hecho, no la había visto si quiera cuando fui a ver la tercera parte. Vamos que la vi por primera vez con +30 años, no tengo conexión emocional con ella. Y las dos veces que la he visto (hoy ha sido la segunda) he disfrutado como un enano. En si misma es, a ojos de 2017, algo escasa, 80 minutos y una historia que parece más una pequeña aventura que no una película al uso pero en 1992-1995 aquello fue extraordinario ya que el guión estaba limitado por la animación, que costaba mucho -en tiempo y dinero- y tampoco podían extenderse mucho más.

    Toy Story es fresca, divertida, una buddy movie capaz para todas las edades. La llegada de Buzz y toda su historia toca temas como el sentimiento de reemplazo (tan humano, tan real) o la identidad, el quienes somos. Detalles como que Lasseter y cía se decidan por un cuadro familiar en el que, en apariencia, falta un padre, con juguetes que sienten ansia, estrés, celos y lucha de egos, por lo que Toy Story permite nuevas lecturas si se ha disfrutado de niño y se revisa siendo un adulto.

    Genial toda la parte con el vecino. La llegada a su casa, tanto por la música como por la imagen, tiene un aire a lo Tim Burton y el diseño de esos juguetes terroríficos confirman esa inspiración. Sin olvidarme de las evidentes de Star Wars (la misión de Buzz es la de R2D2!) y en general una historia acertada, un éxito que no hubiera sido tal si a esa prominente animación no le hubiera acompañado una historia, unos personajes, diálogos y humor a la altura. El potato, Rex, los soldados... Humor inteligente, sano, de unos tipos jóvenes y con las ideas claras.

    Hoy en día ese CGI se ve tosco, por supuesto, pero hablamos de 1995, aquello fue sorprendente (no la vi en los cines pero si asistí al fenómeno), y además al ser casi todo basado en juguetes, no queda del todo mal que se muevan de esa forma.
    Última edición por Synch; 13/03/2017 a las 14:08
    Zack ha agradecido esto.
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Una lista con los mejores episodios finales de las series de Joss Whedon. No siempre escribe y dirige los mismos (salvo en Buffy, donde lo hizo en 6 de las 7 temporadas) pero como showrunner o bien productor ejecutivo, son sus series, por lo que en todos esos finales está todo lo que él ha querido.

    Según esta página:

    17. Angel 3a temporada
    16. Buffy 1a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
    15. Angel 4a temporada
    14. Buffy 4a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
    13. Angel 1a temporada
    12. Firefly (escrito y dirigido por Whedon)
    11. Dollhouse 1a temporada
    10. Agents of SHIELD 1a temporada
    9. Buffy 2a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
    8. Angel 2a temporada
    7. Agents of SHIELD 2a temporada
    6. Buffy 7a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
    5. Dollhouse 2a temporada
    4. Angel 5a temporada (co-escrito por Whedon)
    3. Buffy 6a temporada
    2. Buffy 3a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
    1. Buffy 5a temporada (escrito y dirigido por Whedon)
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    Predeterminado Re: Joss Whedon

    Añado un par de tochacos más sobre su etapa como guionista/script doctor y así reunimos material aquí:

    ----

    Twister (Jan De Bont, 1996)

    Sigo con mi revisión de la carrera de Joss Whedon, en este caso con otro trabajo de script doctor no acreditado.

    Twister nace de un tratamiento de Jeffrey Hilton presentado en 1992 a Amblin. Spielberg vio potencial en esa idea y se la pasó a Michael Crichton, el cual, junto a su esposa, escribieron el guión. Jan De Bont firmó como director tras abandonar Godzilla y entró en un proyecto complicado desde la pre-producción. Whedon estuvo presente para reescrituras del guión en dos ocasiones: a principios de la primavera de 1995, abandonando por una bronquitis, y poco antes del inicio del rodaje en mayo, marchándose entonces tras su boda. Se trata de un trabajo muy similar al que hizo en Speed y Waterworld: con la producción en marcha y el inicio de rodaje muy cerca, director o productores contratan a un script doctor para que arregle el guión. Siendo la segunda vez que Whedon trabajaba con De Bont, podría ser que fuera este el reclamara su presencia.

    Twister se inscribe en el renacido género de los desastres/grandes amenazas surgido en la segunda mitad de los 90, similar a la moda de los 70, y sin duda impulsado por la explosión de los efectos digitales, que permitían la recreación de todo tipo de fenómenos.

    Nunca la había visto. Me sorprendió -negativamente- el aire a telefilm en las escenas más íntimas o, en cualquier caso, las desprovistas de acción. Será una mezcla de vestuario y peluquería, de la fotografía... True Lies es de 1994 y se ve mucho más moderna, estilizada y fuerte que Twister, siendo dos años más moderna. Lo mismo ocurre en Independence Day. Tal vez deberíamos culpar más al buen ojo de Cameron y su atención a la fotografía y estilismo, que no a lo contrario de De Bont, pero si en 1994 se podía hacer un True Lies, en 1996 se podía lograr un Twister con mejor empaque formal.

    Tampoco ayuda lo tibio de su premisa: un matrimonio virtualmente divorciado. Él, Bill Paxton, ha escapado de su vida en Oklahoma como científico que estudia los tornados y vuelve a su antiguo hogar para sellar dicho divorcio y poder casarse con su futura esposa, la cual le acompaña (una Jami Gertz fatalmente caracterizada como médico urbanita). Ella, Helen Hunt, es el mismo personaje de Jodie Foster en Contact, un año más tarde: científica motivada, individual y líder, impulsada por los acontecimientos de su niñez con su padre, un trauma que impulsó su carrera profesional.

    Sin embargo podría haber sido peor. Me sorprendió que Twister va bastante a saco: el inevitable flashback inicial es rápido; nada más llegar Paxton y esposa, se ven metidos en una persecución, varias de hecho, a varios tornados. El desarrollo de la premisa, que es lo más telefilm de todo, es tan sencillo y manido que huelga comentarlo (obviamente Paxton recupera las emociones de perseguir tornados y a cada minuto que pasa se aleja más de su pareja y se acerca a su, todavía, esposa).

    Pese a la ambientación rural, De Bont consigue darle cuerpo a la importancia devastadora de los tornados tan sólo con el grupo que trabaja con la protagonista, su tia y la ciudad donde vive. La idea del tornado llegando casi sin avisar, la inmediatez del desastre que llega en forma de turbulencias masivas, está logrado. Y lo mejor de la película son los efectos visuales de la Industrial Light & Magic, que además contaban con Dennis Muren (el artista visual más premiado de todos los tiempos en los Oscar y en general el artista vivo con más premios; único del mundo de los FX con estrella en el paseo de la fama) como consultor creativo.

    Es difícil saber que pudo Joss Whedon rascar en todo ello. Podría ser por ejemplo la escena en la que Jo (Hunt) se muestra tajante en no ir a casa de su tia y acto seguido están todos ahí. En Buffy ese recurso es todo un clásico. Incluso toda la escena de la comida (un receso sencillo pero funciona en la narrativa) podría ser suya. Quien sabe, ese trabajo de script doctor es muy opaco. Whedon siempre dice que la historia se repite: tienen una buena idea y no se preocupan del guión. Cuando todo para lograr una buena película debe salir de ahí.

    La BSO de Mark Mancina cumple mientras que la selección de canciones, bueno, una lista como otra. Pero me quedé a cuadros con los créditos finales con el Respect The Wind de Van Halen!!! Le dan un aire etéreo, new age y melancólico a los créditos que me dejó muy buen sabor de boca.

    Spielberg, Whedon, Muren y Eddie Van Halen en una misma película. Joder.



    Al igual que Speed, De Bont logró todo un pepino comercial, tanto en casa como fuera.

    -----------------------

    Alien: Resurrection (Jean-Pierre Jeunet, 1997) (guión de Joss Whedon).

    Sigo con mi revisión de los trabajos de Joss Whedon en su etapa como guionista previa a su consagración con Buffy. En este caso debió coincidir con algo de la serie, tal vez montando su productora Mutant Enemy (1995) o ya con todo el proceso con la Fox (1995?, 1996) e incluso con el piloto (1996). Y en esta ocasión se trata de un trabajo acreditado pero distinto a los otros dos previos: en Buffy -la película- vendió un guión basada en una idea original y en Toy Story acudió por mediación de Disney a trabajar en el guión. En este caso se trata de un encargo.

    Alien siempre fue una saga que tocaba todos los palos del modelo de creación de películas. La original, surgida de la colaboración de Dan O'Bannon y Ronald Shusett, con guión acreditado al primero, fue comprada por la productora Brandywine, asociada con la Fox. Un modelo similar al de Jaws/Tiburón salvo que aquella provenía de un libro. Al final ambas encontraron sitio en una productora asociada a una major y luego buscaron un director. La diferencia es que en Alien los de la productora toquetearon mucho el guión. Así pues Alien nació ya como una saga con múltiples padres y llegada la cuarta parte Joss Whedon se metió, de nuevo, en el fabuloso mundo del guionista que no escribe lo que los de arriba quieren o desean.

    Tras Aliens, con guión de Cameron (siendo así la única de la saga con autoría de un mismo cineasta en la dirección y guión, aunque los de Brandywine se acreditan en el argumento), Alien 3 contó con guión de casa mientras que en Resurrection la Fox, impresionada por los trabajos de Joss Whedon, lo fichó como guionista. Pero como digo, dada el historial de la saga, es un encargo. Con esto huelga decir que Whedon escribió a lo serie de TV: le dijeron la película debe ir sobre esto, que ocurra tal. El estudio (o Brandywine?) tenía en mente que un clon de Newt, de Aliens, protagonizara la película. Whedon escribió sobre eso. Lo hizo. El estudio estaba contento pero entonces le dijeron que habían cambiado de idea: ahora sería un clon de Ripley. Así que Whedon cambió el guión. El guión inicial tenía un final en la Tierra y Whedon llegó a escribir 5 versiones del final.

    Sigourney Weaver no tenía, parece, intención de regresar pero le impresionó el guión de Whedon y aceptó. Además firmó como co-productora.

    Es la segunda vez que veo Alien Resurrection y me ha gustado un poco más que la primera vez. Sin duda no resiste comparación con las dos primeras siendo estas, además, obras de referencia del género y de la historia del cine. Sigo pensando que Resurrection, con esa idea del estudio de devolver a Ripley, fue innecesaria. Nació coja desde el principio porque era muy difícil que eso saliera bien. La suma del guión de Whedon y la dirección de Jeunet es la de un slasher a lo Halloween o Viernes 13: grupo variado de personajes pereciendo por la criatura maligna de turno. Sin embargo ese era uno de los géneros de la original de 1979. O'Bannon dice:

    "I knew I wanted to do a scary movie on a spaceship with a small number of astronauts"

    Y de hecho vendieron la idea como un Jaws en el espacio. Alien tiene mucho de slasher. En ese sentido Resurrection es la secuela que más se concentra en ese espíritu. Como historia aparte, como epílogo, no está nada mal. Whedon dice que los actores dicen sus palabras pero no como él pretendía. Ignoro que ocurrió (en general Whedon me parece que está lejos de mentir o de ser un tipo deshonesto, sobre todo cuando habla de su trabajo y de la industria) pero creo que es justo reconocer que Resurrection no pasa de correcta, incluso de agradecida, debido a que no podía aspirar a mucho más. Tal vez esa sea la mejor defensa de Whedon y Jeunet: con esa base era factible quedarse algo cortos.

    Repetir esquemas en un slasher es, no lo habitual, sino lo que se demanda. Es un género divertido y fresco pero basado en una consciente repetición de ideas. Resurrection, más seria, sufre letalmente porque toda la premisa es un absurdo: tras 3 veces en que se ha demostrado que Alien = masacre, vuelven a intentarlo. Inclusive con unas jaulas con un suelo vulnerable al ácido. Genial. Premio Darwin.

    La idea de la clon de Ripley podría haber sido peor mientras que el mejor acierto me parece el de la excusa de la nave de mercenarios/ladrones que acude, por trabajo, a la nave protagonista. Ahí hay algo de esa futura Firefly de Joss Whedon, sin duda. La única chorrada es la del tipo que dispara haciendo rebotar las balas. El resto es bastante decente, no da vergüenza ajena, la película es agradablemente corta y va a saco desde el minuto 20 o por ahí. Puro slasher.

    La escena en la que Ripley encuentra los 7 intentos previos de su clonación es horrible, dura, muy conseguida. Y lo mejor para mi es el xenomorfo híbrido. Muy logrado con ese cráneo humanoide, matando a la reina (su madre!) nada más nacer y con esos ojos llenos de vida. Y su muerte es otro acierto, bien producido y con una lograda carga emocional con Ripley sintiéndose culpable (no obstante, es medio alien ya) y la criatura mirándola con incredulidad y dolor.

    Según Whedon:

    "Yeah - you don't ever get over it. When you are making a movie you are making something that is going to last forever, especially now with the internet. So there is always going to be a shitty Alien movie out there. A shitty Alien movie with my name on it."

    No me parece para tanto salvo cuando uno piensa en la oportunidad de escribir en la saga Alien y con esas predecesoras y entonces, sí, debe joder. Sobre todo cuando tenía capacidad para igualar lo que fuera. No obstante el encargo, los requerimientos de los de arriba y la dirección aseguran, siempre, que el guión original -la intención del autor primario- quede desdibujado.
    Zack, PrimeCallahan y Branagh/Doyle han agradecido esto.
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