Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por tomaszapa

Es cuando noto que me llega la crítica. Por ejemplo, bastantes críticas del fallecido Rogert Ebert me han llegado bastante. Cuando alguien pone emoción o vivencia propia en lo que cuenta, es cuando me atrapa.

¿Quieres decir que consideras una buena crítica aquella que desborda pasión por la película? ¿Y si la consideración del film se aleja de la realidad o de la forma que tú la aprecias?

Vista Stonewall en la edición blu-ray de A Contracorriente.

Una película que se aprovecha de un tema loable para hacer una película tremendamente mala y soporífera. La causa noble está burda y falsamente tratada como excusa para presentar la historia ficticia de un insulso y nada creíble Jeremy Irvine, historia que es un batiburrillo de clichés y estereotipos mil veces vistos en películas con personajes homosexuales. El elenco es un tremendo error de casting, todo está tratado de manera superficial, no hay interés, no hay emoción, solo queda sopor, aburrimiento y desear que acabe ya. Así no Roland Emmerich.

Una gran decepción porque la compré a ciegas a A Contracorriente en una edición muy bonita. Deberían replantearse la línea editorial. ¡¿Cómo puede ser que una editora que tiene títulos tan buenos en su catálogo, algunos en plataformas de streaming, y sacan en físico esta película tan mala?!

Lo mejor: lo único bueno, la información al final de la película sobre los hechos reales.
Lo peor: aprovecharse de un tema social, un temazo, para engañar al espectador y hacer una película tan maniquea, falsa y aburrida. Que A Contracorriente, disponiendo de un catálogo brutal y saque esta basura, tan bien editada y presentada.

Mi calificación para esta película es un 0.

Iniciado por DrxStrangelove

¿Quieres decir que consideras una buena crítica aquella que desborda pasión por la película? ¿Y si la consideración del film se aleja de la realidad o de la forma que tú la aprecias?

De partida, las que desbordan pasión, como dices, me gustan mucho. De todas formas, si no opina como yo o no aprecia lo que yo aprecio, la sigo valorando, pero siempre que "se note" que ha visto la película, que la ha sentido. Por ejemplo, en los distintos hilos de directores que hemos ido abriendo, ha habido muchas ocasiones donde disiento de la opinión de otros, y sin embargo, me encanta leer lo que opina o siente por esa película en concreto.

Iniciado por BárbaraMinerva

Vista Stonewall en la edición blu-ray de A Contracorriente.

Una película que se aprovecha de un tema loable para hacer una película tremendamente mala y soporífera. La causa noble está burda y falsamente tratada como excusa para presentar la historia ficticia de un insulso y nada creíble Jeremy Irvine, historia que es un batiburrillo de clichés y estereotipos mil veces vistos en películas con personajes homosexuales. El elenco es un tremendo error de casting, todo está tratado de manera superficial, no hay interés, no hay emoción, solo queda sopor, aburrimiento y desear que acabe ya. Así no Roland Emmerich.

Una gran decepción porque la compré a ciegas a A Contracorriente en una edición muy bonita. Deberían replantearse la línea editorial. ¡¿Cómo puede ser que una editora que tiene títulos tan buenos en su catálogo, algunos en plataformas de streaming, y sacan en físico esta película tan mala?!

Lo mejor: lo único bueno, la información al final de la película sobre los hechos reales.
Lo peor: aprovecharse de un tema social, un temazo, para engañar al espectador y hacer una película tan maniquea, falsa y aburrida. Que A Contracorriente, disponiendo de un catálogo brutal y saque esta basura, tan bien editada y presentada.

Mi calificación para esta película es un 0.

Pues va en la misma linea de críticas que he visto de ella. Esta película la he buscado en estos periodos de rebaja y sin embargo, parece que se agotó en las tiendas físicas (al menos, aquí en Málaga).
Y es lo que dices, una bonita edición de una película bastante floja. Por ahí, me ahorro gasto.

El mejor verano de mi vida (Dani de la Orden, 2018)............................ 9

















Sol a cántaros






Mi comentario:



Leo Harlem ya le vimos de secundario en otra maravilla titulada Villaviciosa de al lado (2016), pero ahora, por fin, ha conseguido su primera película como protagonista. Una comedia apta para toda la familia, la disfrutarán tanto los pequeños como los mayores de la casa, muy entretenida de principio a fin, y con una duración perfecta para el género, una hora y media, minuto arriba minuto abajo. Es un remake de la cinta italiana del año 2013 y que lleva por título Sole a catinelle (cuya traducción sería, más o menos, Sol a cántaros). Harlem como monologuista está genial, pero es que aquí lo borda como un padre de familia llamado Curro que, a pesar de los batacazos que le pega la vida, siempre ve lo positivo de ella. El caso es, que el hombre quiere hacer feliz a su hijo Nico de 9 años y le promete unas vacaciones de verano inolvidables si saca todo sobresalientes al final del curso. Lo que no se espera es que su hijo cumpla con su objetivo. A partir de aquí, los dos, más el niño que él, pasarán unos días geniales, conociendo y haciendo nuevos amigos. Aunque, claro, como en la vida misma, se van a encontrar a cierta gente que se los quiera quitar de encima para sus propios propósitos.
El mejor verano de mi vida es el nuevo film del director Dani de la orden tras El pregón (2016) y, en mi opinión, se ha superado. Una excelente propuesta cinematográfica ahora que estamos en verano, pero, de todas maneras, su visionado sirve para todo el año. Maravillosa y muy apetecible de ver. A pesar de contar con el monologuista y humorista Leo Harlem como cabeza de reparto, junto a él podemos vislumbrar a Toni Acosta (como una mujer sufridora por su trabajo), Maggie Civantos (una de las protagonistas de la serie Vis a Vis y que aquí interpreta a la directora de un resort y a una madre con problemas, para más inri), el catalán Jordi Sánchez (el inolvidable Antonio Recio de La que se avecina), Isabel Ordaz, entre otros. También debo mencionar el trabajo actoral de los dos niños: Nico (Alejandro Serrano) y Laura (Stephanie Gil), que no son esos niños repelentes que aparecen en algunas películas, ellos dos me han resultado muy profesionales, en su manera de actuar. Al menos, para la edad que tienen.
En el apartado musical me ha gustado escuchar un par de canciones: "Tú y Yo" del grupo Ender y la canción que ya se escucha en el tráiler "Ni tú ni nadie" de Alaska y Dinarama. Esta última canción, se te queda pegada en el recuerdo una vez sales de la sala de cine. Aunque ya lo he dicho más arriba, Dani de la Orden ha dirigido una excelente cinta familiar, que consigue hacerte reír mucho más de lo esperado, emocionarte y sacarte alguna lagrimita. Atención a las tomas falsas durante los créditos finales. Para muchos no les parecerá interesante, pero a mí me gustan y encima descubres cómo se ruedan algunas escenas sin antes aplicar los efectos visuales. Y la verdad es que es la mar de curioso. Mi nota final es de 9/10.

Iniciado por tomaszapa

De partida, las que desbordan pasión, como dices, me gustan mucho. De todas formas, si no opina como yo o no aprecia lo que yo aprecio, la sigo valorando, pero siempre que "se note" que ha visto la película, que la ha sentido. Por ejemplo, en los distintos hilos de directores que hemos ido abriendo, ha habido muchas ocasiones donde disiento de la opinión de otros, y sin embargo, me encanta leer lo que opina o siente por esa película en concreto.

Es un planteamiento interesante, pero no sé si realista; quiero decir, una cosa es respetar una crítica profundamente aunque difiera considerablemente de tu opinión, y otra considerarla certera. Evidentemente, en este caso, la puntería es una apreciación subjetiva, pero en el arte, si queremos movernos sobre un terreno mínimamente estable para comunicarnos, debemos jugar con términos manejables que nos ayuden a entendernos, y si “todo vale” la manifestación artística de cualquier disciplina acabaría resultando estéril: no habría ningún destino concreto al que pretende llevarnos la obra.

Iniciado por tomaszapa

Pues va en la misma linea de críticas que he visto de ella. Esta película la he buscado en estos periodos de rebaja y sin embargo, parece que se agotó en las tiendas físicas (al menos, aquí en Málaga).
Y es lo que dices, una bonita edición de una película bastante floja. Por ahí, me ahorro gasto.

Suerte que tienes que al agotarse ya no la puedes comprar, ni la busques siquiera. El color rosa fosforito de su bonita slipcover y su caja blanca del blu-ray son muy atractivos, al igual que la temática del film. Todo un engaño para quien “pique” y luego le toque tragarse las 2horas de semejante despropósito.

Alien vs. Predator 2 (2007)................................ 7







Lucha de Titanes




















Mi comentario:
Después de unos cuantos años sin hacerlo, me he puesto de nuevo Alien vs. Predator 2 (AVPR: Aliens vs. Predator: Requiem, Colin y Greg Strause, 2007), y a pesar de ser inferior a las entregas propias de Depredador y/o Alien (lo reconozco), a mí no me desegrada, ni mucho menos. Entiendo y respeto que haya gente que ponga a parirla, pero bueno, en mi caso se disfruta. Ahora, catorce años después de su estreno, cómo pasa el tiempo, todavía no entiendo ese final que le dieron. No sé, sinceramente, si no sabían si le iban a dar una continuación, no haberlo hecho. Peca de escenas muy oscuras, muchas veces cuesta de distinguir lo que se está viendo en pantalla. El compositor Brian Tyler sabemos que no es Alan Silvestri, pero su partitura me gusta. El guión no es que sea la leche, así que los actores se defienden bastante bien. Esa mezcla de efectos visuales con los prácticos que está muy bien, lo que me lleva a las escena de la piscina, todo un espectáculo. Y para rematar: A día de hoy, alguna que otra muerte (sobretodo, la de cierta chica) me sigue costando de digerir, de asimilar, fue algo así como un daño colateral bien gordo. Mi nota final es de 7/10.

Iniciado por DrxStrangelove

Es un planteamiento interesante, pero no sé si realista; quiero decir, una cosa es respetar una crítica profundamente aunque difiera considerablemente de tu opinión, y otra considerarla certera. Evidentemente, en este caso, la puntería es una apreciación subjetiva, pero en el arte, si queremos movernos sobre un terreno mínimamente estable para comunicarnos, debemos jugar con términos manejables que nos ayuden a entendernos, y si “todo vale” la manifestación artística de cualquier disciplina acabaría resultando estéril: no habría ningún destino concreto al que pretende llevarnos la obra.

Es que creo yo que al final, cada uno de nosotros somos los críticos más certeros. Obviamente, cuando uno va adquiriendo más conocimientos de cine, va sabiendo más de las bondades de las películas y los que intervienen en ellas.
Pero siempre habrá un elemento subjetivo que hará que una misma cosa sea vista de forma diferente por dos personas.
De todas formas, no pretendo en absoluto extrapolar mi experiencia a nadie, porque nadie habita en estas cuatro paredes, en estos cuatro puntos cardinales.... que componen mi cuerpo serrano.

El otro dia vi en Netflix “No tengas miedo”, pelicula que vi en su día pero animada por el comentario de un forero me apeteció revisionarla. No la recordaba de esta manera, quiero decir, me parece una película buena, tremendamente sobria y respetuosa con un tema muy delicado pero el final me decepcionó. Me parece una historia inconclusa y me dejó con sensación de querer saber más de la vida de esos personajes. Especialmente con el personaje de Belén Rueda, que no empatizo en absoluto y no puedo comprenderlo.

Spoiler:

En la última escena con la madre, que es una escena de una comida en un restaurante con su hija, ésta le discute y al final no queda claro si finalmente la madre sabía lo que pasaba en casa o si no lo sabia. Recordaba la película de otra manera. Recordaba que la madre tiene un encuentro con la psicóloga y está le revela una información y la madre se desmorona porque se da cuenta del porqué su hija tiene una existencia tan apagada y gris, ausente y fuera de vida. Pero no, ha sido revisionarla y me ha dejado un pozo amargo. No puedo comprender en absoluto que una madre actúe así. A Belén Rueda poco que objetar, una interpretación muy contenida, sobria y pulcra en la línea de sus papeles.

¿A nadie le ha pasado que recuerda la película de una manera , la vuelve a ver y le acaba desencantando?

Mi valoración para esta película es de un 7. Michelle Jenner solo obtuvo una nominación al Goya y se merecía mucho más. Aparte de su dicción, otros actores como a Nuria Gago, Rubén Ochandiano, Javier Pereira tienen una dicción estupenda, ¡da gusto escucharles! ¿Por qué estos actores no siguen haciendo cine en vez de salir siempre los mismos?

Tomás, volvemos a coincidir. Roger Ebert es mi crítico favorito, sin duda.
Si no lo tienes, te recomiendo (a todo el mundo) el volumen doble de las mejores películas de la historia, una maravilla.
Tiene una gran selección, en la que hay títulos muy habituales y otros que no lo son tanto.
No se cuál es su secreto (en parte es la emoción y los detalles personales que aporta), porque es un lenguaje sencillo y asequible, pero es muy singular.
Críticas repletas de historias que vivió en primera persona, eso se nota.
Saludos

"Godzilla, rey de los monstruos" de Michael Dougherty, con Vera Farmiga, Kyle Chandler y Charles Dance. Una investigadora de la organización Monarch crea un aparato (llamado ORCA) que emite frecuencias para controlar a los titanes que han ido apareciendo por todo el planeta. En una base de la organización hacen la prueba con una oruga de los titanes, Mothra, con buen resultado, pero una organización ecoterrorista secuestra a la doctora y su hija junto al ORCA. El ex-marido de la doctora la buscará rastreando la señal del aparato, pero Godzilla aparecerá de nuevo, enfrentándose a uno de los monstruos cuyo origen descubren en una antigua leyenda. A pesar de mostrarse previsible, se deja ver como una serie B de estupendos efectos especiales, así como las peleas entre monstruos.

Iniciado por sunshine

Tomás, volvemos a coincidir. Roger Ebert es mi crítico favorito, sin duda.
Si no lo tienes, te recomiendo (a todo el mundo) el volumen doble de las mejores películas de la historia, una maravilla.
Tiene una gran selección, en la que hay títulos muy habituales y otros que no lo son tanto.
No se cuál es su secreto (en parte es la emoción y los detalles personales que aporta), porque es un lenguaje sencillo y asequible, pero es muy singular.
Críticas repletas de historias que vivió en primera persona, eso se nota.
Saludos

Explicas muy bien las virtudes de sus críticas. A eso me refería yo cuando hablaba antes con el compañero DrStrangelove. He indagado bastante sobre él (más allá de su cruel enfermedad que acabó con él) y visto trozos de sus programas con su compañero Gene Siskel, también desaparecido antes incluso que Roepert. Ese llamado "Ebert and Siskel at the movies" era estupendo. La gente lo veía porque ambos ponían mucha pasión en sus críticas y bastantes veces, debatían entre ellos opiniones contrarias.

Iniciado por BárbaraMinerva

El otro dia vi en Netflix “No tengas miedo”, pelicula que vi en su día pero animada por el comentario de un forero me apeteció revisionarla. No la recordaba de esta manera, quiero decir, me parece una película buena, tremendamente sobria y respetuosa con un tema muy delicado pero el final me decepcionó. Me parece una historia inconclusa y me dejó con sensación de querer saber más de la vida de esos personajes. Especialmente con el personaje de Belén Rueda, que no empatizo en absoluto y no puedo comprenderlo.

Spoiler:

En la última escena con la madre, que es una escena de una comida en un restaurante con su hija, ésta le discute y al final no queda claro si finalmente la madre sabía lo que pasaba en casa o si no lo sabia. Recordaba la película de otra manera. Recordaba que la madre tiene un encuentro con la psicóloga y está le revela una información y la madre se desmorona porque se da cuenta del porqué su hija tiene una existencia tan apagada y gris, ausente y fuera de vida. Pero no, ha sido revisionarla y me ha dejado un pozo amargo. No puedo comprender en absoluto que una madre actúe así. A Belén Rueda poco que objetar, una interpretación muy contenida, sobria y pulcra en la línea de sus papeles.

¿A nadie le ha pasado que recuerda la película de una manera , la vuelve a ver y le acaba desencantando?

Mi valoración para esta película es de un 7. Michelle Jenner solo obtuvo una nominación al Goya y se merecía mucho más. Aparte de su dicción, otros actores como a Nuria Gago, Rubén Ochandiano, Javier Pereira tienen una dicción estupenda, ¡da gusto escucharles! ¿Por qué estos actores no siguen haciendo cine en vez de salir siempre los mismos?

Creo que soy el culpable

Yep, la peli tiene una resolución curiosa, un interruptus que llega cuando tu cerebro, programado en el Hollywood clásico, espera ese final en el que sucedan los previsibles: ella aterriza en un lugar mejor, algún tipo de condena (no hace falta que sea legal: la soledad o la exposición ya valen) para el agresor, la madre dándose cuenta de lo que ocurría (si es que no lo sabía) y de paso que es una persona que deja mucho que desear.

Pero creo que lo que el director pretendía es, para bien o para mal, dejarnos así. Como mayor y más letal exposición de lo que supone ese trauma para Silvia pero, en concreto, el caso concreto de ese personaje. Parece que la mayor putada es que, efectivamente, el mal ya está hecho, ella está rota y su madre es una imbécil de cuidado.

Del film me encantó, no se porque, esas escenas de Silvia yendo a jugar a las tragaperras, tomándose un cafe con leche, todo con un punto de la adulta que aún no es, incluso de semi noir patrio, triste y caduco. Lo que si dejó un poco a cuadros es cuando ella acude a casa de su padre y se deja tal cual. No lo vi venir y no lo super procesar. Y no lo voy a juzgar. Felizmente no tengo ni idea de lo que supone semejante caso.

Buen y sobre todo necesario film. Pero, yep, curiosa decisión autoral en su resolución.

Iniciado por Synch

Creo que soy el culpable

Yep, la peli tiene una resolución curiosa, un interruptus que llega cuando tu cerebro, programado en el Hollywood clásico, espera ese final en el que sucedan los previsibles: ella aterriza en un lugar mejor, algún tipo de condena (no hace falta que sea legal: la soledad o la exposición ya valen) para el agresor, la madre dándose cuenta de lo que ocurría (si es que no lo sabía) y de paso que es una persona que deja mucho que desear.

Pero creo que lo que el director pretendía es, para bien o para mal, dejarnos así. Como mayor y más letal exposición de lo que supone ese trauma para Silvia pero, en concreto, el caso concreto de ese personaje. Parece que la mayor putada es que, efectivamente, el mal ya está hecho, ella está rota y su madre es una imbécil de cuidado.

Del film me encantó, no se porque, esas escenas de Silvia yendo a jugar a las tragaperras, tomándose un cafe con leche, todo con un punto de la adulta que aún no es, incluso de semi noir patrio, triste y caduco. Lo que si dejó un poco a cuadros es cuando ella acude a casa de su padre y se deja tal cual. No lo vi venir y no lo super procesar. Y no lo voy a juzgar. Felizmente no tengo ni idea de lo que supone semejante caso.

Buen y sobre todo necesario film. Pero, yep, curiosa decisión autoral en su resolución.

Estás inspirado hoy, ¿eh?.


PD: Pásate por el hilo de recomendaciones musicales cuando puedas, porfa.

Iniciado por Synch

Creo que soy el culpable

Yep, la peli tiene una resolución curiosa, un interruptus que llega cuando tu cerebro, programado en el Hollywood clásico, espera ese final en el que sucedan los previsibles: ella aterriza en un lugar mejor, algún tipo de condena (no hace falta que sea legal: la soledad o la exposición ya valen) para el agresor, la madre dándose cuenta de lo que ocurría (si es que no lo sabía) y de paso que es una persona que deja mucho que desear.

Pero creo que lo que el director pretendía es, para bien o para mal, dejarnos así. Como mayor y más letal exposición de lo que supone ese trauma para Silvia pero, en concreto, el caso concreto de ese personaje. Parece que la mayor putada es que, efectivamente, el mal ya está hecho, ella está rota y su madre es una imbécil de cuidado.

Del film me encantó, no se porque, esas escenas de Silvia yendo a jugar a las tragaperras, tomándose un cafe con leche, todo con un punto de la adulta que aún no es, incluso de semi noir patrio, triste y caduco. Lo que si dejó un poco a cuadros es cuando ella acude a casa de su padre y se deja tal cual. No lo vi venir y no lo super procesar. Y no lo voy a juzgar. Felizmente no tengo ni idea de lo que supone semejante caso.

Buen y sobre todo necesario film. Pero, yep, curiosa decisión autoral en su resolución.

¡Sí! Fuiste tú. Benditas contribuciones que haces, entre esa y ahora ésta me has ayudado a entender el punto de vista del director. Totalmente certero en la explicación de los personajes.

Si puedo contribuir en algo.., en cuanto al motivo al por qué Silvia vuelve a casa del agresor en cierto punto avanzado de la película y se deja

Spoiler:

Venos que se comporta como una niña en un cuerpo adulto y no se siente comprendida por su círculo íntimo, por su única amiga, por el chico del casino.., vuelve con el padre porque a su modo (del padre) la quiere y ella necesita afecto aunque sea en desgracia. Esa es la realidad con la que ha crecido y llega a sentirse segura y protegida en las garras del lobo, y se está auto infligiendo dolor porque esa es su realidad diaria y quiere huir de sus problemas, aunque es una paradoja porque ciertamente se mete en la boca del lobo

Por cierto hay otro aspecto que me interesa, la psicóloga averigua lo que le pasa haciéndole una prueba moviendo el brazo , con el dedo índice apuntando de lado a lado en horizontal, ¿tiene algún significado?

¡Muchas gracias por todo!

Iniciado por BárbaraMinerva

¡Sí! Fuiste tú. Benditas contribuciones que haces, entre esa y ahora ésta me has ayudado a entender el punto de vista del director. Totalmente certero en la explicación de los personajes.

Si puedo contribuir en algo.., en cuanto al motivo al por qué Silvia vuelve a casa del agresor en cierto punto avanzado de la película y se deja

Spoiler:

Venos que se comporta como una niña en un cuerpo adulto y no se siente comprendida por su círculo íntimo, por su única amiga, por el chico del casino.., vuelve con el padre porque a su modo (del padre) la quiere y ella necesita afecto aunque sea en desgracia. Esa es la realidad con la que ha crecido y llega a sentirse segura y protegida en las garras del lobo, y se está auto infligiendo dolor porque esa es su realidad diaria y quiere huir de sus problemas, aunque es una paradoja porque ciertamente se mete en la boca del lobo

Por cierto hay otro aspecto que me interesa, la psicóloga averigua lo que le pasa haciéndole una prueba moviendo el brazo , con el dedo índice apuntando de lado a lado en horizontal, ¿tiene algún significado?

¡Muchas gracias por todo!

Pues muy de acuerdo con lo del spoiler. Y eso ya, intentando no simplificar por mi parte semejante situación (es de las que más me cuesta de procesar, en general, de las que sólo pensarlo se me antoja un disparate humano), entraríamos sí en ese terreno de las garras del lobo que mencionas, del mal conocido, hasta de una suerte de síndrome de Estocolmo mezclado con buscar, aunque sea retorcido, un placer conocido antes que seguir intentando ser una chica normal.

(no sé, incluso, si el director pretende decirnos algo con ese noviete que se agencia: como si accediera a ello porque cree que debe hacerlo o por probar) (a lo mejor no, y es algo sincero y real, lo único idem que tiene en su vida, yo que sé).

Del tema psicológico del film he encontrado esto (pero ni idea del momento psicóloga, a ver si lo reviso)
http://www.cineypsicologia.com/2014/...ariz-2011.html

En teoría el jueves pasado terminé mi ciclo de cada X años (5 aprox) de revisión Hitchcock con 16 películas seleccionadas entre lo que hay en Filmin pero el amigo Branagh/Doyle me sugirió, así con cara amable, pero un machete jamonero (¿eso existe?) de 36cms de hoja curva en su mano derecha, que le diera también un repaso a The Wrong Man (1956). Pues lo hice anoche.

Mi TOC habitual por verlo todo en orden cronológico no me afectó porque, además de ser en B/N, se trata de un film distinto al resto de los de la filmografía del inglés por, precisamente, lo que él mismo cuenta en esa intro que ya sirve como cameo (se eliminó, en edición, el que rodó para el film): es una historia real. Eso permite que el espectador afronte Wrong Man sin necesidad de anticipar efectismos, giros o elementos forzados pues la cruda verdad (y asó lo anuncia Hitchcock: es tal-cual) es el gran protagonista del film. Lo que te asombra. Porque 5 minutos de Vertigo son fantásticos, pero es eso, fantasía. 5 minutos de Wrong Man es algo que sucedió y eso ya es otro tema.

Lo primero es el monumental acierto de casting de Hitchcock con Henry Fonda. Jugando con el elemento complicidad y hasta compasión, claro, pero es tan cristalino que de algún modo es intachable: la historia de Manny, su esposa (esa primera escena, con lo de las muelas, es una pequeña delicia y Vera Miles, una proto mujer Hitchcockniana pero dulce e inocente), hijos, empleo pero por encima de todo la cara de buenazo que no te abandona en todo ese largo proceso con los policías y el tono pasivo-agresivo (llamándole por el nombre constantemente) habitual del imaginario policial estadounidense hace décadas y décadas.

Hitchcock dedica decenas de detalles, desde punto de vista de Manny, desde que le mandan a la preventiva hasta que llega la fianza: los pies del resto de reclusos, sonidos etc

La búsqueda de testigos y la caída de su mujer protagoniza la segunda parte del film: es algo apresurado, no queda claro y siempre he creído que Hitchcock era poco sutil con el drama alocado pero por otro lado esos momentos triunfan al darnos cuenta que Manny ve que aún hay algo peor que el juicio: perder a su mujer.

El juicio tiene un momento nuevamente POV en el que vemos como a nadie le importa: todos han decidido ya en contra de Manny. El final, triste, se resuelve con ese texto que, de nuevo, nos enlaza con la historia real de la recuperación total de Rose y su familia, ahora en Florida.

Curiosa BSO De Bernard Herrmann con toques jazzeros (pero del jazz clásico, orquestal clásico, de salón de baile, a lo que se dedica Manny, vaya).

Iniciado por Synch

En teoría el jueves pasado terminé mi ciclo de cada X años (5 aprox) de revisión Hitchcock con 16 películas seleccionadas entre lo que hay en Filmin pero el amigo Branagh/Doyle me sugirió, así con cara amable, pero un machete jamonero (¿eso existe?) de 36cms de hoja curva en su mano derecha, que le diera también un repaso a The Wrong Man (1956). Pues lo hice anoche.

Mi TOC habitual por verlo todo en orden cronológico no me afectó porque, además de ser en B/N, se trata de un film distinto al resto de los de la filmografía del inglés por, precisamente, lo que él mismo cuenta en esa intro que ya sirve como cameo (se eliminó, en edición, el que rodó para el film): es una historia real. Eso permite que el espectador afronte Wrong Man sin necesidad de anticipar efectismos, giros o elementos forzados pues la cruda verdad (y asó lo anuncia Hitchcock: es tal-cual) es el gran protagonista del film. Lo que te asombra. Porque 5 minutos de Vertigo son fantásticos, pero es eso, fantasía. 5 minutos de Wrong Man es algo que sucedió y eso ya es otro tema.

Lo primero es el monumental acierto de casting de Hitchcock con Henry Fonda. Jugando con el elemento complicidad y hasta compasión, claro, pero es tan cristalino que de algún modo es intachable: la historia de Manny, su esposa (esa primera escena, con lo de las muelas, es una pequeña delicia y Vera Miles, una proto mujer Hitchcockniana pero dulce e inocente), hijos, empleo pero por encima de todo la cara de buenazo que no te abandona en todo ese largo proceso con los policías y el tono pasivo-agresivo (llamándole por el nombre constantemente) habitual del imaginario policial estadounidense hace décadas y décadas.

Hitchcock dedica decenas de detalles, desde punto de vista de Manny, desde que le mandan a la preventiva hasta que llega la fianza: los pies del resto de reclusos, sonidos etc

La búsqueda de testigos y la caída de su mujer protagoniza la segunda parte del film: es algo apresurado, no queda claro y siempre he creído que Hitchcock era poco sutil con el drama alocado pero por otro lado esos momentos triunfan al darnos cuenta que Manny ve que aún hay algo peor que el juicio: perder a su mujer.

El juicio tiene un momento nuevamente POV en el que vemos como a nadie le importa: todos han decidido ya en contra de Manny. El final, triste, se resuelve con ese texto que, de nuevo, nos enlaza con la historia real de la recuperación total de Rose y su familia, ahora en Florida.

Curiosa BSO De Bernard Herrmann con toques jazzeros (pero del jazz clásico, orquestal clásico, de salón de baile, a lo que se dedica Manny, vaya).

Iniciado por Branagh/Doyle

Añado dato habitual del tema hombres/edad en pelis de la Golden Age: en el film dice, dos veces, que tiene 38 años... Fonda tenía por entonces unos 50, y no los de ahora, sino los de entonces y, joder, se nota mucho. Tanto que cuando dice 38 hasta me dio una leve risa pensando en que estas cosas las soltaban en las pelis y, oye, si cuela cuela

Pero es que la Miles tenía 26-27. Es otro caso en que los ves y parece MUCHO más padre e hija que marido y mujer. De hecho anoche no recordaba del todo bien la peli (y eso que debía ser como la 3a vez que la vi en mi vida ) y cuando entra en la habitación, al principio cuando a ella le duelen las muelas, pensé que el padre entraba a ver como estaba la hija y acostarla antes de dormir y tal... pero cuando se acerca así muy mucho, cara contra cara, recordé todo lo del drama psiquiátrico de la mujer, y que esa de ahí era su esposa y...

Iniciado por Synch

Añado dato habitual del tema hombres/edad en pelis de la Golden Age: en el film dice, dos veces, que tiene 38 años... Fonda tenía por entonces unos 50, y no los de ahora, sino los de entonces y, joder, se nota mucho. Tanto que cuando dice 38 hasta me dio una leve risa pensando en que estas cosas las soltaban en las pelis y, oye, si cuela cuela

Pero es que la Miles tenía 26-27. Es otro caso en que los ves y parece MUCHO más padre e hija que marido y mujer. De hecho anoche no recordaba del todo bien la peli (y eso que debía ser como la 3a vez que la vi en mi vida ) y cuando entra en la habitación, al principio cuando a ella le duelen las muelas, pensé que el padre entraba a ver como estaba la hija y acostarla antes de dormir y tal... pero cuando se acerca así muy mucho, cara contra cara, recordé todo lo del drama psiquiátrico de la mujer, y que esa de ahí era su esposa y...

Madre mía.

Me encantan los finales abiertos....todo masticadito mehhh

REVISANDO CLÁSICOS: EL MELODRAMA

o

EL COMBATE DEL SIGLO: DAVIS VS. HOPKINS / PRIMER ASALTO:



THE OLD MAID (1939, LA SOLTERONA)



Director: Edmund Goulding.

Producción: First National Pictures, Inc. / Warner Bros. Pictures, Inc.

Distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor: Henry Blanke / Hal B. Wallis.

Guion: Casey Robinson, a partir de la obra teatral de Zoe Akins (Nueva York, 7 de enero de 1935), basada en la novela corta de Edith Wharton (Nueva York, 1924).

Dirección artística: Robert Haas.

Fotografía: Tony Gaudio, en blanco y negro.

Música: Max Steiner.

Montaje: George Amy.

Reparto: Bette Davis (Charlotte Lovell), Miriam Hopkins (Delia Lovell), George Brent (Clem Spender), Donald Crisp (Dr. Lanskell), Jane Bryan (Tina), Louise Fazenda (Dora), James Stephenson (Jim Ralston), Jerome Cowan (Joe Ralston), William Lundigan (Lanning Halsey), Cecilia Loftus (Abuela Lovell).

Duración: 1 h 30 m 49 s. (Copia en DVD editada por Warner en 2008).

Rodaje: del 15 de marzo al 9 de mayo de 1939.

Estreno: 2 de septiembre de 1939, con preestreno en Nueva York el 16 de agosto.



Mientras que para Bette Davis (1908-1989) LA SOLTERONA fue la tercera de las cuatro películas que la actriz estrenó en ese año mítico que fue 1939 (por delante AMARGA VICTORIA y JUAREZ, por detrás THE PRIVATE LIVES OF ELIZABETH AND ESSEX), para Miriam Hopkins (1902-1972) la cinta hoy comentada sería su única aparición en la gran pantalla en dicho año.

Dos actrices que únicamente trabajaron juntas (y siempre la Hopkins por detrás de la Davis en los títulos de crédito – recordemos que la segunda ya tenía en su faltriquera 2 Oscar en la categoría de mejor actriz por PELIGROSA (1935) y por JEZABEL (1938) y los galones mandan... - y en la cartelería) en dos ocasiones, la película hoy comentada y OLD ACQUAINTANCE (1943), de Vincent Sherman (que, lógicamente, formará parte de la segunda – y última - entrega del coleccionable).





Dos actrices que se llevaban como el perro y el gato pero que juntas se complementaban a la perfección y cuya rivalidad delante de las cámaras hacía saltar chispas y que además era alentada por Edmund Goulding (1891-1959), quien dirigió esta y participó (anónimamente) en el libreto de la segunda.



Al parecer la enemistad venía de unos años atrás y estuvo focalizada en el frustrado intento de la Hopkins de protagonizar JEZABEL, la espléndida película de William Wyler y que algunos han querido ver como una especie de embrión de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939), de Victor Fleming.

- Para más inri, al parecer Miriam Hopkins era la Scarlett O’Hara ideal para la escritora Margaret Mitchell, quizás por haber nacido en Savannah, Georgia, aunque finalmente la que se llevó el gato al agua sería la bellísima (y maravillosa) Vivien Leigh… -

La Hopkins era copropietaria de los derechos cinematográficos de la obra de teatro de Owen Davis, Sr. en la que se iba a basar la película de Wyler y luchó a brazo partido por conseguir el papel de Julie pero finalmente este caería en las manos de la Davis.



Con estos antecedentes, sumado al hecho de que Bette Davis había mantenido un breve romance con el (excelente y hoy completamente olvidado) director Anatole Litvak (1902-1974) – con quien la actriz ya había trabajado en LAS HERMANAS (1938) – mientras este estaba casado con Miriam Hopkins (de 1937 a 1939), todo hacía presagiar que se estaba preparando la tormenta perfecta cuando las cámaras empezaron a rodar el 15 de marzo de 1939…



Antes de comentar brevemente la película me gustaría mencionar que es una lástima que una actriz de la belleza y del talento de Miriam Hopkins sea hoy escasamente reconocida a pesar de haber protagonizado grandes clásicos como la que es seguramente la mejor versión de la novela corta de Robert Louis Stevenson “El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde” (1886), la salvaje EL HOMBRE Y EL MONSTRUO (1931), de Rouben Mamoulian o la primera película rodada en Technicolor de tres bandas, LA FERIA DE LA VANIDAD (1935), del mismo director (y que le supondría su única nominación al Oscar a la mejor actriz).



- Curiosamente Bette Davis tuvo una relación de amor-odio con el Technicolor puesto que se negó en redondo a protagonizar la que hubiera sido la primera película en color de la Warner, GOD’S COUNTRY AND THE WOMAN (1937), de William Keighley, porque el guion le pareció una auténtica m… (sic).



Una negativa que le supuso el primero de una serie de enfrentamientos que la temperamental actriz mantendría con la compañía y que se saldaría finalmente en los tribunales. -

Y ahora hablemos un poco de la película.

LA SOLTERONA pese a ser, en mi modesta opinión, la mejor de las cuatro (espléndidas) películas en las que participó el referido año fue la única de todas ellas que no tuvo ni una sólo nominación a los premios de la Academia de Hollywood en 1940.

Una película que pese a tener su origen en la novela (corta) homónima de la famosa escritora Edith Wharton (1862-1937) (publicada originalmente en la colección “Old New York” (Nueva York, 1924) y editada en nuestro país de la mano de Impedimenta…



… aunque ahora mismo esté descatalogada… ) en realidad se basa más en la adaptación teatral que de la misma hizo Zoe Akins (1886-1958) en 1935 y ganadora del premio Pulitzer.

Un historia que tiene unas coordenadas espacio-temporales muy definidas puesto que la misma transcurre en Filadelfia, Pensilvania, entre los años 1861 (inicio de la Guerra de Secesión) y 1881.

Cuatro bodas serán las que marquen el devenir de la narración:

La primera (1 de junio de 1861) entre Delia (Miriam Hopkins) y Jim Ralston (James Stephenson).



La segunda (10 de junio de 1866) – abortada - entre Charlotte (Bette Davis) y Joseph Ralston (Jerome Cowan).



La tercera (15 de enero de 1881) – y que la película pasa de puntillas – entre Dee Ralston (Janet Shaw) y John Ward (William Hopper).



La cuarta (10 de junio de 1881) entre Clementina Ralston (Jane Bryan) y Lanning Halsey (William Lundigan).



Si las dos primeras, las de las primas Delia y Charlotte, no son por amor puesto que ambas aman al mismo hombre, Clem Spender (un George Brent, galán habitual de la Warner y que sería el partenaire favorito de la Davis puesto que trabajaron juntos en 11 películas), prometido de la primera pero cuya ausencia de dos años ha tornado sus favores al más acaudalado Jim Ralston (un James Stephenson que también trabajaría con Bette Davis en uno de los mejores melodramas de William Wyler, LA CARTA (1940)), no ocurre así con las dos segundas, aunque la película, como antes decía, únicamente se centrará en la última de ellas, la de Tina, hija inicialmente ilegítima de Charlotte (a raíz de quedarse embarazada de Clem, una vez ha sido rechazado por Delia y al morir en la contienda) pero finalmente legitimada al ser adoptada por su tía.



Una historia de amor, de celos y de odio, como mandan los cánones y donde los hombres, salvo el personaje del doctor Lanskell (un, como siempre, espléndido Donald Crisp), tienen una escasa relevancia frente al poderío (empoderamiento que dirían ahora) de las mujeres, desde la matriarca, Henrietta Lovell (Cecilia Loftus), pasando por sus nietas, Delia y Charlotte, hasta llegar a sus hijas, Dee y Tina.



- Por cierto, el hermano de Dee y, por tanto, hijo de Delia, es el actor Rand Brooks (1918-2003), el primer (y fugaz) marido de Scarlett O’Hara, Charles Hamilton, el hermano de Melanie (Olivia de Havilland). -



Aunque el espléndido guion de Casey Robinson (1903-1979) (seguramente el libretista favorito de Bette Davis pues a él se deben algunos de sus mejores títulos, incluido el de la obra maestra LA EXTRAÑA PASAJERA (1942), de Irving Rapper) lima algunos de los aspectos más desagradables de la personalidad de Delia, por aquello de hacerla menos antipática a la audiencia, la película deja claro desde un principio que si es la ambición lo que prima en Delia será, por el contrario, el sacrificio, lo que defina al personaje de Charlotte.





Una Charlotte que siempre estuvo a la sombra de su prima, primero al amar en silencio al hombre al que esta rechazó por su arribismo social (a pesar de seguir estando enamorada de él) y luego al hacerse pasar por tía de su propia hija, debido a los valores morales que imperaban en la época.



Y una Delia que, despechada al conocer el hecho de que Tina es la hija de Clem – al que nunca ha dejado de amar – , hará todo lo posible por ganarse el cariño de esta hasta finalmente lograr, con el consentimiento tácito de Charlotte, convertirse en su auténtica madre.



Si los enfrentamientos entre las dos primas nos proporcionan algunos de los intercambios de golpes más atractivos de la época, ese final en el que Charlotte está a punto de revelar a su hija que es ella y no Delia su verdadera madre es capaz de conmover hasta los corazones más rocosos.



Y la reconciliación final entre Charlotte y Delia tendrá su recompensa en ese beso final que Tina le obsequie a su “tía” por consejo de la segunda y que aquella siempre recordará hasta que la muerte llame dulcemente a su puerta.



Uno de los pocos peros que le pongo a esta espléndida película es quizás el exceso de diálogos – por cierto, espléndidos – seguramente debido al origen teatral de la pieza, versión un tanto libre de la novela corta de Wharton.

Un debe menor frente a los muchos haberes que confluyen en esta película, desde la maravillosa banda sonora del gran Max Steiner (1888-1971) – ganador de 3 Oscar aunque curiosamente no por LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ… -, pasando por exquisita fotografía de Tony Gaudio, hasta el trabajo conjunto del director artístico Robert Haas y del diseñador Orry-Kelly, cuyos vestidos realzan la belleza y la elegancia natural de las protagonistas.



Un de los grandes melodramas de preguerra y un papel, el de Charlotte, que en cierta manera sería un prólogo del que Bette Davis encarnaría en la ya citada – y sublime – LA EXTRAÑA PASAJERA.

Balance final:

VICTORIA POR PUNTOS DE DAVIS…



… aunque el combate ha sido muy ajustado.

Buenas noches y, buena suerte.

Vista “Lo que el pulpo me enseñó” en Netflix.

Este documental está causando sensación en Netflix, además su fama se ha visto agravada por su nominación al Oscar al mejor documental.

Es una película de auto realización personal del protagonista gracias a su amor por la naturaleza y el vínculo que establece con un pulpo. La grandeza de este documental y lo que la diferencia de otros documentales del medio natural es que te pellizca, tiene alma. Más que divulgar información o transmitir conocimientos del medio marino -que también lo hace- lo que transmite es una experiencia sensorial y el protagonista pretende hacer llegar al espectador lo que él sintió. Es un documental muy ligero, tiene la duración justa y necesaria -1h 25 min - y es muy fácil de seguir. Su único requisito para verlo es que hay que tener abiertos los sentidos y dejarse llevar. Me ha parecido muy original por su tratamiento y lo recomiendo encarecidamente.

Lo mejor: el vínculo entre el personaje y el pulpo. Sin palabras.
Lo peor: los juicios de valor que pueden emitir personas de mente “cerrada”

Mi puntuación para este film es de un: 7.

Un saludo.

Me gustan mucho (nos gusta: a mi hermana también) los dramones de esa época protagonizados por Bette Davis. Pero le tenemos mucho cariño a Amarga victoria. Ver "humana" a Bette Davis no tiene precio. Por cierto, que le valió la nominación al Oscar a mejor actriz (que todo el mundo sabe, acabó en manos de Vivien Leigh).