Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

"Una gran pasión" de Yang Shih-Ching con Polly Shang-Kuang y Pai Ying. Un rebelde infiltrado en un destacamento manchú debe conseguir una lista secreta para atacar al enemigo. Otra película del ciclo Wuxia en la Filmoteca, en un juego de espionaje, drama y traición.

Oculus

Un par de hermanos reviven los espantosos eventos de su infancia en torno a un espejo antiguo.
Resultó ser una exelente joya para coronar Halloween/Dia de Muertos. No solo como película de miedo, sino como película en general.
Mi unica queja es que pudieron haber jugado con la duda de si realmente ocurria algo sobrenatural o no (No me sorprenderia enterarme que esa era la idea original pero el estudio decidió arruinar la sorpresa)

Only Lovers Left Alive

No hay un hilo narrativo, es simplemente unas noches en la vida decadente de un par de vampiros en Detroit.
Sin embargo consiguió captar mi atención, al menos la mayor parte de su metraje.
La verdad no esta mal, pero no es lo que esperaba.

El Fantasma Del Convento

Tras un accidente en carretera, unos viajeros buscan refugio en un viejo convento habitado por siniestros monjes.
Antigua película de terror mexicana que actualmente da más ternura que miedo. Las actuaciones y dialogos son muy anticuados (y da risa como se esfuerzan por mantener el tono de voz macabro todo el tiempo. A su favor, se aprecia mucho la influencia expresionismo aleman y cuenta con un giro final adelantado a su tiempo.

Iniciado por Mizoguchi

Por ahora, la película de terror que más se me acerca un poco a todas estas es It follows. Pero aún me quedan varias por ver. Las 4 que he dicho igual os parecen horribles, me lo podéis decir, o bien os encantan o directamente no las habéis visto. De ser así, yo lo haría sin dudarlo.

Mis recomendaciones aparte de las que se han mencionado son Al interior, Calvaire, Eden Lake, Déjame entrar, Truco o trato, La casa del diablo, Halloween II, Los extraños, Insidious 1 y 2, La cabaña en el bosque, Tú eres el siguiente, Encontré al diablo, Under the Skin, Goodnight Mommy, La invitación, La cumbre escarlata, Bone Tomahawk, Personal Shopper, No respires, Déjame salir, La cura del bienestar, IT, Múltiple, Hounds of Love y el remake de Maniac.

The Devil Rides Out (Terence Fisher, 1968)



No la he visto en casa, sino en el cine, pero no es un estreno así que lo pongo aquí

Vista en el Phenomena de Barcelona (este fin de semana tocaba terror). No es redonda (sobran, además, algunos minutos pese a durar sólo 96 mins), lo que nos lleva a la situación de la película no está muy claro y algunos otros pero hay pero por lo demás es entretenida, el casting cumple notablemente (con un Christopher Lee solvente, como siempre), la poca acción que hay es mucho más que digna y la dirección de Fisher le da al conjunto un aire de episodio (algo largo, claro) de serie fantástica y/o terror bastante interesante.

"El amanecer del planeta de los simios" de Matt Reeves con Andy Serkis, Jason Clarke y Gary Oldman. Tras la epidemia de un virus mortal han desaparecido casi todos los humanos, excepto algunos inmunes. Los simios liderados por César se han refugiado en los bosques pero un grupo de humanos los descubre buscando una presa que les proporcionará electricidad. Cuando César ayuda a los humanos, Koba siente que les ha traicionado. Secuela de "El origen del planeta de los simios", bien resuelta y entretenida.

Iniciado por Synch

The Devil Rides Out (Terence Fisher, 1968)



No la he visto en casa, sino en el cine, pero no es un estreno así que lo pongo aquí

Vista en el Phenomena de Barcelona (este fin de semana tocaba terror). No es redonda (sobran, además, algunos minutos pese a durar sólo 96 mins), lo que nos lleva a la situación de la película no está muy claro y algunos otros pero hay pero por lo demás es entretenida, el casting cumple notablemente (con un Christopher Lee solvente, como siempre), la poca acción que hay es mucho más que digna y la dirección de Fisher le da al conjunto un aire de episodio (algo largo, claro) de serie fantástica y/o terror bastante interesante.

Jolines, la peli más interesante (para mi) de todas las que estás comentando y le dedicas sólo cuatro líneas!!!!

Iniciado por Mizoguchi

...

No ocurre lo mismo con otros títulos. En su día me recomendaron una película que vi sin saber que incluía maltrato. Era una tal Petit Indi, no sé cómo se escribe, es española y me pareció un coñazo. En cierta escena hay un momento en el que a un zorro lo cogen por la cola y lo sacuden contra el suelo hasta matarlo. No sé si es un muñeco o es real porque no veo el truco, espero que sea falso. También aparecen muertos varios pajaritos, creo que jilgueros, animales que me encantan y me tocó todo ello bastante cierta parte que no quiero nombrar.

En otra película, de Jose Luis Borau, Furtivos, Lola Gaos mata a una perra a palos, se dice en el film que es un loba. A partir de ahí se me atragantó la película.

...

Sí, Petit indi, de Marc Recha. El cine de Recha es ese cine de "prestigio", de festivales, que atesora numerosos premios. Lo de "petit indi" (literalmente, "pequeño indio") proviene de una conocida canción infantil, norteamericana de origen. Vista la fecha de realización (2009) me sorprendería que no se trate de falsas torturas y muertes (la verdad es que no recuerdo la escena, la película no me gustó especialmente, aunque reconozco que tiene un tratamiento del paisaje muy interesante, de las zonas en que la trama urbana barcelonesa desaparece y se convierte en una caótica mezcla de descampados y zonas industriales).

Otra cosa es la conocida (y lamentable) escena de la muerte de la falsa "loba" (en realidad una perra) de Furtivos. Recuerdo que años después Lola Gaos lo recordaba horrorizada. Pero en 1975 todavía no habíamos desarrollado esa comprensible intolerancia hacia la tortura animal. El film, no obstante, es espléndido, yo lo tengo por uno de los mejores de la historia del cine español. Además, también aparecen escenas de caza, donde vemos abatir enormes ciervos, me temo que sin trampa ni cartón.

Iniciado por mad dog earle

Sí, Petit indi, de Marc Recha. El cine de Recha es ese cine de "prestigio", de festivales, que atesora numerosos premios. Lo de "petit indi" (literalmente, "pequeño indio") proviene de una conocida canción infantil, norteamericana de origen. Vista la fecha de realización (2009) me sorprendería que no se trate de falsas torturas y muertes (la verdad es que no recuerdo la escena, la película no me gustó especialmente, aunque reconozco que tiene un tratamiento del paisaje muy interesante, de las zonas en que la trama urbana barcelonesa desaparece y se convierte en una caótica mezcla de descampados y zonas industriales).

Otra cosa es la conocida (y lamentable) escena de la muerte de la falsa "loba" (en realidad una perra) de Furtivos. Recuerdo que años después Lola Gaos lo recordaba horrorizada. Pero en 1975 todavía no habíamos desarrollado esa comprensible intolerancia hacia la tortura animal. El film, no obstante, es espléndido, yo lo tengo por uno de los mejores de la historia del cine español. Además, también aparecen escenas de caza, donde vemos abatir enormes ciervos, me temo que sin trampa ni cartón.

Del director catalán Marc Recha, sólo he visto dos pelis, la comentada, también la encuentro normalita, y "un día perfecto para volar", adulada por la crítica, a mi me pareció un tostón importante de 70 minutos, no me llegó en absoluto.

Iniciado por Synch

Superman II (Richard Lester, 1980)



He revisado la versión oficiosa, no el corte de Donner. Recordemos que ambas películas, Superman y secuela, se rodaron a la vez en 1977, con Donner en la dirección y Lester como productor no acreditado y rodando alguna segunda unidad. Los Salkind (ligados a Warner bajo un contrato negativo, esto es, un estudio financia -a un productor independiente/otra empresa idem- con X condiciones que se alteran si los segundos requieren de más dinero, el cual es ofrecido por los primeros a cambio de mejores condiciones para ellos, como más derechos, distribución, porcentajes etc) tuvieron sus problemas con Donner (o al revés) el cual acabó concentrándose en terminar Superman, para su estreno en 1978, dejando según él, un 75% de la secuela ya rodada.

Cuando en 1979 empezó el rodaje de Superman II, Lester ocupaba la silla de dirección, teniendo que re-rodar buena parte de la película para obtener el crédito de director. Sólo las escenas con Hackman y creo que algunas (o todas?) las del trío antagonista, son del rodaje de 1977.

Creo que donde más se nota el cambio es en la apariencia de Margot Kidder (cuyo nombre en los créditos aparece injustamente tarde) y en el de Reeves. La primera más delgada y el segundo más fuerte.

El punto fuerte de Superman II es que su planteamiento como secuela es potente: villanos ya presentados en la anterior, conectados con el padre de Superman y con una motivación simple pero coherente. Zod quiere gobernar. Es lo que le va. Así que llega a la Tierra y se pone a ello. Y encima puede aniquilar o someter al hijo de quien lo sentenció. Redondo.

Aún mejor es que veamos el avance en la relación entre Lois y Superman: eliminamos el problema de siempre cuando humano/a se relaciona con ser de apariencia humana pero sin serlo o bien distinto el resto. Superman se vuelve humano. Lo hace por amor, bien. Y ello nos lleva a que él mismo, y nosotros, entendamos que no ha sido una buena idea. Superman no puede permitirse ese lujo. Cerrado al final con ese beso.

El problema es que la dirección, el ritmo y hasta la narrativa no acompañan como en el primer film. Ojo que siguen siendo de nota, buenas a mi gusto, pero por debajo de la anterior. Obviando que ya es un poco cogido con pinzas que tras la espectacular escena inicial en París esa detonación, en todo el basto espacio, llegue a los antagonistas (pasaban por ahí?), las escenas de la conversión de Superman en un Clark permanente, usar un bar como ejemplo de que la idea no ha sido demasiado buena (recibe la paliza + ve en TV lo que ocurre en el mundo), no me terminan de convencer.

El final, no obstante, si me gusta. Los FX hacen de la pelea en Metropolis algo un poco arcaico (el problema se resume en como despegan Superman y los otros tres, como a cámara lenta, como si estuvieran debajo del agua) pero tiene su punto que Superman los lleve a una trampa. Pierde un poco esa bondad tontorrona por cierta pericia malota, y eso mola. Aún más cuando, conociendo ya como somos, engaña a Luthor para desposeer al trío antagonista de todos sus poderes.

Lo cierto es que el corte de Richard Donner es MUY superior a la versión final de Richard Lester.

Yo tengo el excelente "pack" británico que incluye:

Disco 1: SUPERMAN THE MOVIE (1978): ORIGINAL 1978 THEATRICAL RELEASE

Disco 2: SUPERMAN THE MOVIE (1978): EXPANDED EDITION

Disco 3: SUPERMAN II (1980): ORIGINAL 1980/81 THEATRICAL RELEASE

Disco 4: SUPERMAN II (1980): THE 2006 RICHARD DONNER CUT

Disco 5: SUPERMAN III (1983)

Disco 6: SUPERMAN IV: THE QUEST FOR PEACE (1987)

Disco 7: SUPERMAN RETURNS (2006)

Disco 8: BONUS DISC

Incluye audio y subtítulos en CASTELLANO.

Iniciado por Alex Fletcher

Jolines, la peli más interesante (para mi) de todas las que estás comentando y le dedicas sólo cuatro líneas!!!!

La vi ayer por primera vez en el cine y siendo cine clásico me gusta revisionar al menos una segunda vez antes de poner tochacos!

Iniciado por Alex Fletcher

"El vigilante nocturno", la buena, o sea la danesa (según FA), tuve la suerte de verla en el cine, suerte, porque me extrañó mucho que se pasara (cines Lauren de Reus, en general films comerciales, era el Palace de Reus donde iban las otras....evidentemente los dos cerrados), y además, seguramente duró muy poco en cartelera, así que bingo....y ostras, es muy disfrutable, después el remake, es un remake puro y duro, no me aportó nada, más bien restó.

Por cierto, Nikolaj Coster Waldau, el fantástico mata reyes en "Game of Thrones", es el prota de dicho film.

La verdad es que del remake he pasado y según lo que dices, acierto. Ya somos dos a los que nos ha gustado la película y estoy seguro de que crecería el número si más gente se decide a verla.

He estado buscando cine de terror noruego y no abundan los títulos destacados o bien ya los he visto. Lo que ocurre es que tanto Noruega como Francia disfrutaron también de unos años dando películas notables del género, como en su día fue Japón. Yo estoy deseando que aparezca una nueva ola de cualquier parte del planeta que nos traiga películas tan interesantes como las ya citadas.

Iniciado por mad dog earle

Sí, Petit indi, de Marc Recha. El cine de Recha es ese cine de "prestigio", de festivales, que atesora numerosos premios. Lo de "petit indi" (literalmente, "pequeño indio") proviene de una conocida canción infantil, norteamericana de origen. Vista la fecha de realización (2009) me sorprendería que no se trate de falsas torturas y muertes (la verdad es que no recuerdo la escena, la película no me gustó especialmente, aunque reconozco que tiene un tratamiento del paisaje muy interesante, de las zonas en que la trama urbana barcelonesa desaparece y se convierte en una caótica mezcla de descampados y zonas industriales).

Otra cosa es la conocida (y lamentable) escena de la muerte de la falsa "loba" (en realidad una perra) de Furtivos. Recuerdo que años después Lola Gaos lo recordaba horrorizada. Pero en 1975 todavía no habíamos desarrollado esa comprensible intolerancia hacia la tortura animal. El film, no obstante, es espléndido, yo lo tengo por uno de los mejores de la historia del cine español. Además, también aparecen escenas de caza, donde vemos abatir enormes ciervos, me temo que sin trampa ni cartón.

Con Petit Indi alcancé cotas de aburrimiento inimaginables, a lo del zorro no le vi el truco pero quiero pensar que lo había precisamente por ser del año que es. Furtivos me siento incapaz de volverla a ver, pero no parecía mala película.

Iniciado por Screepers

Mis recomendaciones aparte de las que se han mencionado son Al interior, Calvaire, Eden Lake, Déjame entrar, Truco o trato, La casa del diablo, Halloween II, Los extraños, Insidious 1 y 2, La cabaña en el bosque, Tú eres el siguiente, Encontré al diablo, Under the Skin, Goodnight Mommy, La invitación, La cumbre escarlata, Bone Tomahawk, Personal Shopper, No respires, Déjame salir, La cura del bienestar, IT, Múltiple, Hounds of Love y el remake de Maniac.

He visto todas las que dices salvo estas:

-Insidious 2 (He visto la primera, no me convenció. La segunda no sé si es mejor o peor)
-Bone Tomahawk
-Personal Shopper
-La cura del bienestar
-It (he visto la serie original y en su día me gustó bastante. Sobre todo teniendo en cuenta lo malas que son muchas adaptaciones a la TV de Stephen King)
-Múltiple
-Hounds of Love
-Maniac (he visto la original y tenía su interés por lo sórdida que era)

De las vistas destacaría y recomendaría:

-Calvaire (Brutal película con proceso de transformación incluido y difícilmente olvidable. Es de lo más destacado que recuerdo en horror rural de los últimos años. Curiosamente la pude ver tras Ils y Haute Tension y me hizo pensar que los franceses eran los nuevos jefazos del cine de terror. Después ninguna otra me acabó de gustar)
-Encontré al diablo (Otra película muy bestia con dos protagonistas, sobre todo uno, estupendos. Tiene un ritmo tan trepidante que compensa que puedas llegar a cansarte de ver tanta prueba tras prueba. Después de Dos Hermanas, la mejor película coreana del género que he visto, aunque sea más bien thriller que terror)

Las que están bien pero tienen algo que no me termina de convencer:

-Eden Lake (El problema que le veo es que se parece tanto a tantas mucho mejores… aún así estuve casi por meterla junto a las dos anteriores)
-Déjame entrar (Está muy bien hecha y es una gran película pero me dejó tan frío como los paisajes que se ven. La encuentro más de bullying que de terror)
-La casa del diablo (Estupenda ambientación ochentera hasta el punto de que colaría como película de esa época. Buenos planos, pero todo lo que promete, que no es poco, se diluye tras la llegada de la chica a la casa. Durante más de 40 minutos no pasa nada y termina con algo más que visto)
-Tú eres el siguiente (Como la anterior, incluso el director de La casa del diablo hace un cameo, se nota la habilidad de estos jóvenes directores pero no me termina de convencer)
-Goodnight Mommy (Lo cierto es que cuando descubres el final te apetece verla de nuevo, porque la verás de otra manera. Aún así tengo pendiente un segundo visionado porque me pareció excesivamente lenta)
-No respires (Me pasa como con La casa del diablo y Tú eres el siguiente, jóvenes directores con talento e ideas interesantes que no terminan de hacer una película redonda. Aunque no descarto que lo consigan. Tiene demasiadas situaciones que resultan totalmente fuera de lógica, aún así es apreciable)
-Déjame salir (Parecida a La casa del diablo, Tú eres el siguiente y No respires. Otra vez un director joven del que espero mejores cosas. Me estaba encantando pero la resolución me decepciona por completo. A quien le haya gustado Déjame salir, y por tan le guste el thriller psicológico/terror, debería ver sin dudarlo una de las noruegas que recomendé, Naboer. Me parece bastante mejor, además se editó en DVD en España, aunque es mejor la copia extranjera, que es anamórfica.

Eres todo un experto en cine de terror, amigo Mizoguchi.

Para mí siempre ha sido un género un tanto desconocido, salvo los clásicos.

Pero últimamente he visto una serie de títulos (que ya he comentado en otras ocasiones) que están francamente bien.

Eso sí, mayoritariamente norteamericanos o (algunos) europeos.

Vista Ocho sentencias de muerte, una comedia negra a mayor servicio del gran Alec Guiness.



El joven Louis es un desheredado cuya madre fue miembro de la poderosa familia Gascoyne, exiliada y repudiada, sin embargo, al casarse por amor y no por rango o estirpe. Muerta su madre, incluso le niegan, con desprecio, el consuelo de ser enterrada en la cripta familiar. A lo largo de su vida el joven Louis va acumulando en su interior una gran ira hacia la poderosa familia, y por otro, una codicia enorme por el título de Duque y todo lo que este conlleva.

Se va tejiendo un enredo, con Louis trepando socialmente al tiempo que elimina poco a poco a los Gascoyne, se coloca, laboralmente hablando, y busca prometerse con una rica viuda de uno de los hombres a los que él mismo ha asesinado.

Lo mejor, sin duda, el tour de force que la película supone para Guiness, que interpreta a los ocho (sí, ocho) miembros de la familia Gascoyne, caracterizado para cada ocasión y aportando a cada personaje una interpretación, gestos, voz... completamente currada. Evidentemente, se come la película.

No sólo una de las mejores comedias del 7º Arte sino una de las grandes obras maestras del cine (británico).

Y con una excelente edición de la mano de (quién si no) A Contracorriente:



Soberbio sin duda el grandísimo Alec Guinness. Pero también destaca sobremanera un Dennis Price absolutamente colosal.

Sólo los británicos podían haber elaborado una pieza tan... británica.

Y, por cierto, también de la Ealing y también (entre otros) con Guinness, imposible no recomendar con el máximo entusiasmo THE LADY KILLERS (1955, EL QUINTETO DE LA MUERTE). Otra colosal muestra de comedia negra (negra) de la mano del gran Alexander Mackendrick.





¿Por qué no harán ahora comedias tan inteligentes como estas...?

“QUE CUARENTA AÑOS NO ES NADA”

Sigo con la revisión de mi videoteca tomando como objeto las películas que han cumplido los 40 años. En esta ocasión comento dos films multipremiados:

Annie Hall, de Woody Allen, obtuvo el Oscar a la mejor película, mejor director, mejor actriz principal (Diane Keaton) y mejor guion original (de Allen y Marshall Brickman). La vi de estreno, en diciembre de 1977, y recuerdo que supuso toda una revolución. El cómico del momento, que nos tenía acostumbrados a las astracanadas, se ponía un poco serio y sentimental, y nos contaba de manera adulta una relación de pareja, aunque sin dejar de lado el humor, perfeccionando su personaje de judío neoyorquino acomplejado y obsesionado por la muerte y el sexo. En su día, especialmente para los espectadores jóvenes como era mi caso, el film resultaba sorprendente: diálogos dirigidos a la cámara; ruptura de la lógica narrativa (cuando el personaje de Allen hace aparecer a McLuhan en la cola de un cine); visitas de los personajes al pasado; libertad, “realismo”, a la hora de contarnos las interioridades de la vida de pareja; diálogos abiertos sobre sexo, etc. Con los años, vas descubriendo que aunque no dejaba de ser un cine fresco para la época, especialmente en el cine norteamericano, en realidad bebía a chorro del cine europeo: Bergman, Fellini y el cine francés (Truffaut, Godard, Rohmer, etc.) sobre todo. Allen ni siquiera esconde sus referencias (quieren ver Face to Face, de Bergman; se discute sobre Fellini en la cola del cine, etc.). El problema es que después de 40 años de ver al personaje de Allen en multitud de películas, lo que resultaba fresco, ingenioso, audaz, ahora me parece más bien reiterativo, verboso en exceso, autoindulgente, ególatra. Con el tiempo Allen-personaje y Allen-actor me han ido dejando de interesar, aunque sigo considerándolo un excelente director de actores. Aquí mismo Diane Keaton está espléndida, y los secundarios funcionan a la perfección (por ejemplo, Carol Kane, Shelley Duvall o el habitual Tony Roberts). El film también nos sorprende con una breve aparición de Jeff Goldblum o de un inquietante Christopher Walken, como el hermano de Annie, o incluso de Paul Simon, metido en funciones de actor por primera vez. Aunque el visionado se sigue con fluidez, con una permanente sonrisa con regusto amargo, me parece un film que ha perdido mucho del interés que tenía en su momento (algo que me temo sea extensible a buena parte de su cine).

Padre padrone, de Paolo y Vittorio Taviani. También la vi de estreno. Era la primera película de los Taviani que veía, y llegaba con el aval de la Palma de Oro de Cannes. En su día recuerdo que tuvo una gran repercusión: era comprensible que una película que denunciaba el autoritarismo paterno y la explotación a la que somete a sus hijos, en una sociedad rural atrasada, inculta y reprimida sexualmente, se recibiera con alborozo cuando el franquismo todavía estaba bien vivo en España por muchas elecciones que se hubieran hecho en junio. Eran tiempos de cambio y de esperanza, permanentemente amenazada, algo que se encarnaba en la frágil figura de Gavino, el protagonista del film, al que vemos primero como niño y después como joven, cuidando del rebaño de ovejas familiar. La película está basada con ciertas libertades en el libro autobiográfico de Gavino Ledda, lingüista sardo que aparece en el prólogo y en el epílogo del film. Hay un interesante elemento lingüístico: el protagonista habla sardo y como es arrancado del colegio para trabajar en el campo no aprende el italiano hasta que va al ejército, donde precisamente se le va a prohibir hablar su idioma. En la versión en DVD que tengo, de DeaPlaneta (de calidad pésima y no anamórfica), este detalle no se aprecia bien, ya que durante toda la primera parte los personajes hablan en italiano, y solo descubrimos que habla sardo cuando cumple el servicio militar, lo cual resulta extraño, porque hasta entonces no hemos oído que lo hablara (a mí me parece recordar que en la película que vi en el momento del estreno se mantenía el sardo en la primera parte del film, pero no estoy seguro). En general, la película queda como un testimonio de una sociedad arcaica, patriarcal, en una geografía torturada, árida, dura como el trato que los padres dan a sus hijos, con venganzas entre familias, ignorancia y avaricia. El tono que le dan al film los Taviani quiere ser un tanto poético (el uso de la música; los supuestos diálogos entre los pastores mediante sus instrumentos: un acordeón y una flauta; los “pensamientos” de los animales, que se subtitulan), y usa algunos elementos de distanciamiento, como la irrupción del propio Ledda en el film. 40 años después ha perdido algo de su contundencia, pero sigue siendo un film estimable, que además nos descubrió a un gran actor, Omero Antonutti, el padre, al que años después veríamos en El sur, de Víctor Erice.



Añado otra película de 1977: La isla del Dr.Moreau, de Don Taylor. En De la literatura al cine he publicado hoy un comentario sobre este film y su relación con la novela de H.G.Wells.

ME apunto ese "Quinteto de la muerte" que no lo conocía y pinta brutal.

De la Ealing también es una de mis películas de terror más apreciadas, me estoy refiriendo a "Al morir la noche", cinta de sketches soberbia, para mí, obra maestra aunque obviamente, como siempre ocurre en las películas de sketches, hay unos fragmentos sorberbios, fragmentos buenos y otros no tan buenos. En cualquier caso, una imprescindible:

Visto un terror noruego más, Rovdyr. Estamos ante otra película que vuelve a imitar el estilo de un film de hace décadas, de hecho nos dicen que transcurre en 1974 desde el comienzo. Por tanto, vestuario y fotografía de acuerdo con la época.

La encontré en un listado entre lo más destacado del horror nórdico, pero no es gran cosa. Ya al inicio nos encontramos con la tónica general de la película, estirar las escenas. Es como un cortometraje alargado todo lo posible para convertirlo en largo, ya que sólo dura 1h 13 minutos aproximadamente. Tenemos entre pre-créditos y créditos iniciales más de 3 minutos, después no pasa realmente nada hasta que se alcanzan los 22 minutos. Los diálogos son además muy escasos y un tanto ridículos. En realidad, gritan más que hablan. El trabajo de sonido tampoco destaca especialmente, siendo muy importante en este género.

El argumento es algo que puede pasar en cualquier sitio, por desgracia; un grupo de jóvenes de excursión son atacados por unos indeseables. Se decía de ella que era La matanza de Texas noruega, ya no sé cuantas veces he visto citar esa película y después una nacionalidad. Pero los resultados suelen dejar que desear. Infinitamente mejor Wolf Creek.

Y como no podía ser de otra manera en este tipo de films ¿quién se salvará al final? ¿un chico o una chica? ¿encontrará una carretera para pedir ayuda haciendo que un coche se detenga? ¿se cumplirán los tópicos? Ahí lo dejo.

Y también terminé de ver Los sin nombre, una de las 2 películas que me faltaban por ver de Balagueró. Como suele ser habitual en este director destaca su ambientación, tiene una fotografía estupenda de Xavi Giménez que 5 años después haría un trabajo extraordinario con El maquinista.

Empieza con una escena a lo Se7en de Fincher, nocturna y con lluvia, que te hace frotarte las manos pensando que vas a ver algo interesante pero al poco tiempo me terminó cansando. Comete gran parte de los errores de las películas españolas que quieren tratar de epatar. Esto es, entre otras cosas, crear situaciones americanizantes y, peor aún, el uso de diálogos plagados de tópicos. Por supuesto, está todo acompañado de una banda sonora que pretende emular a las producciones yanquis consiguiendo evidenciar, aun más, la enorme diferencia de presupuesto.

Las actuaciones no me convencen, encuentro a muchísimos actores totalmente miscast. No me creo a Karra Elejalde en su papel, quizá influya que en las comedias de los apellidos está estupendo y me cueste ahora verle en un papel serio. Pero me parece especialmente horrible mezclar actores españoles con su voz real con extranjeros doblados en nuestro idioma. El contraste de voces es terrible.

Sigo pensando que para este tipo de películas Amenábar ha sido el que mejor se ha acercado al estilo de producción americana sin causar sonrojo. Curiosamente, su, para mí, peor película es la más americana, Regresión y la mejor, la que menos lo es (si es que alguna lo es poco) y la más pobre, Tesis.

Tomorrow Never Dies (Roger Spottiswoode, 1997)



Creo que de esta me voy a olvidar dentro de poco Y eso que, si cabe (por aquello que desde Living Daylights ya era una realidad), aún se actualiza más. Primera de la saga sin Albert Broccoli y con su hija y Michael G Wilson como productores en solitario (aunque la anterior apuesto a que ya era el caso) y siguen apostando por algo totalmente contemporáneo, lo que afecta al diseño de producción, fotografía y sobre todo las escenas de acción. Otro tema son las fantasmadas que parece demanda la saga (la persecución por el parking, la de la moto...).

Mejoramos también, por fin, POR FIN, en la chica Bond. Paris Carver es una conexión emocional, del pasado, con Bond y aunque es más ella quien recae, que no el agente secreto, no llega al punto de la ridícula rendición sentimental ante el héroe. Comparten un pasado y además, aunque el desarrollo de esa relación, o del personaje de Teri Hatcher es casi nulo, lo poco que se dice induce a que Bond se largó en cuanto empezó a enamorarse.

La otra chica Bond, Wai Lin, es algo ya visto: una espia/miembro de otra agencia pero le dice varias veces a Bond que no sueñe con obtener algo de ella. Al final caen, claro, pero por lo menos se pone en evidencia que el héroe sigue siendo el mismo aunque la chica no caiga rendida en segundos.

La trama, sin embargo, si es muy James Bond, pero del Bond sesentero y setentero: un antagonista, probablemente poco cuerdo, con un plan absurdo. En este caso un empresario de éxito mundial en el mundo de las comunicaciones que pretende manipular a UK y China (aquí la saga o bien se toman a cachondeo el dato o bien pecan de inocentes ante la importancia real de UK) para iniciar una III Guerra Mundial y poder obtener resultados de la cobertura mediática de ello. Ein?

También tiene lo que aquellos Bond de antaño: captan lo que se lleva en estadios aún muy primarios lo que le daba a aquellas (y un poco a esta) un punto contemporáneo ante tanta caspa y diseño de producción kitsch: en este caso es la elección de China como superpotencia a tener en cuenta (fue algo en boca de todos más en la entrada del sXXI pero fue en los 90 cuando asomaba ya como realidad de primera potencia en pocos años), el mundo de las comunicaciones globales, no tanto por los satélites (algo muy normal en 1997) sino por el uso del GPS como herramienta (en los coches era algo nuevo a finales de los 90, y una realidad en coches más comunes ya a principios del sXXI) y la presencia de un teléfono móvil de estética similar a lo que irrumpió en esos últimos noventa (y primeros 00s). Curioso, y acertado, que Q (grande!) opte tecnología táctil. Era de esperar pero viendo como es el mundo hoy en día, acertaron de pleno.

El coche, en esta ocasión, es un BMW 750i (BMW firmó por 3 películas). Sigo sin ver a Bond en un BMW. El Z3 era futurista en 1995 pero demasiado tipo coche de capricho para ser de Bond. Y un 750i, joder, es una berlina enorme (conecta con Steve de Stranger Things, que lleva un 733i de 1980-1 ). A Bond le pega un deportivo de altas prestaciones. Los Lotus le quedaban francamente bien. Y los Aston Martin, claro.

Pierce Brosnan sigue siendo un Bond la mar de digno aunque suelta sus chascarrillos de una forma que parecen forzados, fuera del resto de su interpretación (que tiene más a un rudo Bond tipo Dalton). Jonathan Pryce, futuro Septón en Game of Thrones, poco puede hacer ante el manido antagonista con ideas épico-absurdas.

Me aburro soberanamente con las escenas de acción. Sobre todo al final. Será que he visto ese final de un Bond en la guardia hi-tech del antagonista, salvando a la chica, cargándose al malo, salvando al mundo y huyendo de explosiones, tantas, y tantas veces que

Iniciado por mad dog earle

“QUE CUARENTA AÑOS NO ES NADA”

Sigo con la revisión de mi videoteca tomando como objeto las películas que han cumplido los 40 años. En esta ocasión comento dos films multipremiados:

Annie Hall, de Woody Allen, obtuvo el Oscar a la mejor película, mejor director, mejor actriz principal (Diane Keaton) y mejor guion original (de Allen y Marshall Brickman). La vi de estreno, en diciembre de 1977, y recuerdo que supuso toda una revolución. El cómico del momento, que nos tenía acostumbrados a las astracanadas, se ponía un poco serio y sentimental, y nos contaba de manera adulta una relación de pareja, aunque sin dejar de lado el humor, perfeccionando su personaje de judío neoyorquino acomplejado y obsesionado por la muerte y el sexo. En su día, especialmente para los espectadores jóvenes como era mi caso, el film resultaba sorprendente: diálogos dirigidos a la cámara; ruptura de la lógica narrativa (cuando el personaje de Allen hace aparecer a McLuhan en la cola de un cine); visitas de los personajes al pasado; libertad, “realismo”, a la hora de contarnos las interioridades de la vida de pareja; diálogos abiertos sobre sexo, etc. Con los años, vas descubriendo que aunque no dejaba de ser un cine fresco para la época, especialmente en el cine norteamericano, en realidad bebía a chorro del cine europeo: Bergman, Fellini y el cine francés (Truffaut, Godard, Rohmer, etc.) sobre todo. Allen ni siquiera esconde sus referencias (quieren ver Face to Face, de Bergman; se discute sobre Fellini en la cola del cine, etc.). El problema es que después de 40 años de ver al personaje de Allen en multitud de películas, lo que resultaba fresco, ingenioso, audaz, ahora me parece más bien reiterativo, verboso en exceso, autoindulgente, ególatra. Con el tiempo Allen-personaje y Allen-actor me han ido dejando de interesar, aunque sigo considerándolo un excelente director de actores. Aquí mismo Diane Keaton está espléndida, y los secundarios funcionan a la perfección (por ejemplo, Carol Kane, Shelley Duvall o el habitual Tony Roberts). El film también nos sorprende con una breve aparición de Jeff Goldblum o de un inquietante Christopher Walken, como el hermano de Annie, o incluso de Paul Simon, metido en funciones de actor por primera vez. Aunque el visionado se sigue con fluidez, con una permanente sonrisa con regusto amargo, me parece un film que ha perdido mucho del interés que tenía en su momento (algo que me temo sea extensible a buena parte de su cine).

Padre padrone, de Paolo y Vittorio Taviani. También la vi de estreno. Era la primera película de los Taviani que veía, y llegaba con el aval de la Palma de Oro de Cannes. En su día recuerdo que tuvo una gran repercusión: era comprensible que una película que denunciaba el autoritarismo paterno y la explotación a la que somete a sus hijos, en una sociedad rural atrasada, inculta y reprimida sexualmente, se recibiera con alborozo cuando el franquismo todavía estaba bien vivo en España por muchas elecciones que se hubieran hecho en junio. Eran tiempos de cambio y de esperanza, permanentemente amenazada, algo que se encarnaba en la frágil figura de Gavino, el protagonista del film, al que vemos primero como niño y después como joven, cuidando del rebaño de ovejas familiar. La película está basada con ciertas libertades en el libro autobiográfico de Gavino Ledda, lingüista sardo que aparece en el prólogo y en el epílogo del film. Hay un interesante elemento lingüístico: el protagonista habla sardo y como es arrancado del colegio para trabajar en el campo no aprende el italiano hasta que va al ejército, donde precisamente se le va a prohibir hablar su idioma. En la versión en DVD que tengo, de DeaPlaneta (de calidad pésima y no anamórfica), este detalle no se aprecia bien, ya que durante toda la primera parte los personajes hablan en italiano, y solo descubrimos que habla sardo cuando cumple el servicio militar, lo cual resulta extraño, porque hasta entonces no hemos oído que lo hablara (a mí me parece recordar que en la película que vi en el momento del estreno se mantenía el sardo en la primera parte del film, pero no estoy seguro). En general, la película queda como un testimonio de una sociedad arcaica, patriarcal, en una geografía torturada, árida, dura como el trato que los padres dan a sus hijos, con venganzas entre familias, ignorancia y avaricia. El tono que le dan al film los Taviani quiere ser un tanto poético (el uso de la música; los supuestos diálogos entre los pastores mediante sus instrumentos: un acordeón y una flauta; los “pensamientos” de los animales, que se subtitulan), y usa algunos elementos de distanciamiento, como la irrupción del propio Ledda en el film. 40 años después ha perdido algo de su contundencia, pero sigue siendo un film estimable, que además nos descubrió a un gran actor, Omero Antonutti, el padre, al que años después veríamos en El sur, de Víctor Erice.



Añado otra película de 1977: La isla del Dr.Moreau, de Don Taylor. En De la literatura al cine he publicado hoy un comentario sobre este film y su relación con la novela de H.G.Wells.

Coincido plenamente con tu apreción amigo mad dog.

The World Is Not Enough (Michael Apted, 1999)



Si de la anterior iba a olvidarme dentro de poco, de esta igual... Regresamos a la premisa de la anterior y, a la vez, a la habitual de las de Connery y Moore: el antagonista tiene un plan de destrucción masiva sólo para obtener dinero a partir de la nueva situación creada tras dicho caos (viéndolas así seguidas el tema de repetir esquemas se ve de otro modo: es duro ). En este caso, ojo,

Spoiler:

contaminar un mar, matando millones de personas en Turquía, para que el mundo use el oleoducto de la antagonista.

Enorme

Lo pongo en spoiler porque este Bond -y eso lo aprecio- tiene algunas novedades: con

Spoiler:

la

antagonista jugamos al equívoco, de si es, o no es (el héroe se da cuenta antes) con el momento-revelación sí, soy yo quien está detrás de esto! muajajaja que hoy en día está tan sobado. Además la chica Bond número 1, en este caso, es más compleja que las anteriores, misteriosa y, claramente, juega con Bond. Milagro!

El resto vuelve a lo de siempre: escenas de acción muy profesionales y logradas (como todas o casi desde el momento Dalton) pero con inevitables dosis de absurdo debido a la necesidad de mostrar a Bond haciéndolo todo. Se incluye la intro en Bilbao (recuerdo verlo en las noticias) y algo enorme: la parte final la hace Bond vestido impecablemente. Bueno, debe ser en casi todas las entregas, pero en esta luce camisa azul marino y traje claro. Se supone que es un tipo elegante pero pensando en lo incómodo que debe ser, ayer me resultaba todo involuntariamente divertido.

La chica Bond número 2, esa sí, regresa a los Bond de antaño: Denise Richards cuela para pocos papeles pero el de ingeniera especialista ya es el colmo. Supongo que era un tema consciente. Con esos pectorales me ha recordado al cachondeo de I know What You Did Last Summer Tiene ese punto como de peli porno cutre ver al héroe ahí peleando y tal y al lado a la chica esta que, hacer, hace poco (es un coco... pero en lo otro es chica Bond total: protégeme James!) y se convierte en esas tetas pegadas a su parte frontal.

Bonito BMW Z8, sigo sin ver los BMW para un Bond pero era bonito ese modelo.

Ah, me olvidaba de las canciones intro de los últimos Bond: Sheryl Crow y Garbage. Con la primera me di cuenta de que estos Bond son de cuando ya tenía una edad yo (20-22), es algo totalmente contemporáneo para mi.

Vista la que me faltaba de Balagueró, Darkness. Curiosamente he leído buenas críticas hacia Los sin nombre y terribles hacia Darkness, yo la veo de forma contraria. No sólo no la encuentro peor sino que me pareció bastante mejor, sin que sea tampoco un peliculón. Los sin nombre es un intento de imitación de película americana de resultados muy mejorables, con unas interpretaciones que dejan muchísimo que desear. En Darkness, Balagueró directamente se lanza a hacer una película claramente a la americana (aunque con complejos) algo que evidentemente perseguía con la anterior. O lo que es lo mismo, para que sea más cool que Los sin nombre, el reparto en esta ocasión está formado por actores extranjeros (como por ejemplo Lena Olin, ex-actriz de Ingmar Bergman) con excepciones como la de Fele Martínez, que en mi opinión canta un poco (aunque se me olvida según avanza la película). La fotografía sigue siendo de Xavi Giménez, de nuevo estupenda, y la música del mismo que su anterior película, que esta vez la encuentro mucho más adecuada.

Pero hay algo que no cuadra y que sigue siendo absurdo. Primero con Los sin nombre quiere hacer una película española pero que parezca americana y ahora quiere hacer una película americana pero que siga pareciendo española ¿queeeeeeeé? Sabemos que los protagonistas son estadounidenses, se nos dice, y se nos informa (con un letrero al inicio) que todo transcurre en España ¿para qué? Todo lo que leen está en inglés y todo aquel con el que hablen (cuando se nota que lo hacen con alguien de aquí por su aspecto) sabe hablar inglés ¿en qué ciudad española habla tanta gente inglés y están los periódicos en ese idioma? No conozco ninguna. ¿No sería más normal que lo hicieran colar por EEUU, directamente, como en El Maquinista que es de los mismos productores? O como en Los Otros que se rueda en Cantabria y se hace pasar por un país extranjero, no recuerdo si era Inglaterra o EEUU. Es como si hubiera cierta vergüenza a hacer un producto americanazo con pasta española y metieran algo autóctono para pedir disculpas.

Lo cierto es que la película, como no podía ser de otra manera viendo la anterior, tiene sus tópicos y hay situaciones que, por tanto, ves venir de lejos. Si la anterior homenajeaba a Fincher, esta hace lo mismo con Kubrick, pese a todo me pareció entretenida, pero no la volvería a ver. Sigo prefiriendo REC de Balagueró, y Paco Plaza, director este último que tiene una sobre sectas ¿están obsesionados con esto? que pienso ver próximamente.

Darkness no me gustó en su día (Los sin nombre, tampoco; he empezado a valorar a Balagueró con REC). El reparto internacional incluía también a Giancarlo Giannini (que un año antes habíamos visto en Hannibal, de Ridley Scott) y Anna Paquin, la niña de la famosa El piano, de Jane Campion.

Respecto a Los otros, se supone que la acción transcurre en una isla inglesa del Canal de la Mancha. La ambientación, excelente, da el pego.

La de sectas de Paco Plaza debe ser Second Name, ¿no? No la recuerdo muy bien, pero me parece que me gustó más que esos primeros films de Balagueró, del cual la película que más me gusta es Mientras duermes.

Exacto, El segundo nombre en castellano. Parece rodada también en inglés porque se nota claramente doblada. Creo que es de los mismos productores, veremos por tanto si trata de hacer colar todo por EEUU o me vuelvo a encontrar la tontá de decir que transcurre en España y que estén todos los carteles y escritos (cartas, periódicos) en inglés.

Estos productores parece que quisieran emular el estilo Piquer Simón, pero él rodaba en inglés y lo hacía colar como si fuera EEUU, no recuerdo mezclas. No me disgusta nada eso, pero sí las mezclas absurdas.

Sobre Mientras duermes, no me disgustó pero tampoco me gustó. Desde luego que antes que ver a Tosar o a Elejalde me quedo, sin dudarlo en absoluto, con Giannini o Lena Olin. Y si me apuras, con la Paquin, que no me convence demasiado. Otra cosa curiosa del doblaje de Darkness es que hablan susurrando siempre de la misma forma, ya estén en la biblioteca donde piden silencio o en el interior de su casa.

siempre que recuerdo Los si nombres, recuerdo que me molesta bastante el recurso facíl de pegar "estallidos sonicos" para asustar que usa el director en esta película. Que es algo habitual, pero es lo que recuerdo más de ella...

Iniciado por Mizoguchi

Exacto, El segundo nombre en castellano. Parece rodada también en inglés porque se nota claramente doblada. Creo que es de los mismos productores, veremos por tanto si trata de hacer colar todo por EEUU o me vuelvo a encontrar la tontá de decir que transcurre en España y que estén todos los carteles y escritos (cartas, periódicos) en inglés.

...

Yo la vi por televisión (probablemente la 2) en inglés, subtitulada en castellano. Según imdb la versión original es en inglés (adapta una novela del escritor inglés Ramsey Campbell, autor también del texto que adaptó Balagueró en Los sin nombre), algo lógico si se piensa en el reparto, plagado de actores de habla inglesa (aunque por ahí asoma Teresa Gimpera). No me acuerdo de la ambientación ni sé si estaba rodada en España.