Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

A mí ese interludio de Cheyenn Autumn siempre me ha parecido algo artificioso, uno de esos detalles "fordianos" que le aceptamos porque es él, pero que no se acaba de entender muy bien qué pintan. Por cierto, ya que hablamos de Cheyenn Autumn (prefiero el evocador título original que no el de El gran combate), y a raíz de la observación, pertinente, de Abuelo Igor sobre lo rollizo del Doc Holliday de Mature, hay que apuntar que resulta hoy en día algo risible que los actores principales que interpretan personajes indios sean: Ricardo Montalban, Gilbert Roland, Dolores del Río y Sal Mineo, o sea tres mexicanos y un descendiente de italianos, en resumen cuatro "latinos". Ya sé que las convenciones del cine (no solo del hollywoodiense) dan para esto y para mucho más, pero en este caso me rechina tanto que siempre me impide un visionado plácido del film (eso junto a una para mí inapropiadísima banda sonora de Alex North).

Z, la ciudad perdida, de James Gray.
Para no andarme con rodeos, decir que me ha encantado. Soy admirador de la obra de Gray desde su sorprendente primer largo, Little Odessa. Sus películas están teñidas de tristeza. Sus personajes están llenos de misterio y amargura, y Lost city of Z no es una excepción en este sentido. La reflexiones en contra de mi voluntad que hago después de ver sus películas me condenan a la melancolía momentánea. Significa esto que me encuentro ante una gran obra? No lo sé, pero a mi me lo parece. Cuando siento la necesidad de hablar sobre una película que he visto, suele ser porque es buena
Después de esta primera y más espesa aproximación, no creáis que estamos ante una sesuda y agotadora obra. Funciona perfectamente como película clásica de aventuras, el hombre frente a lo desconocido, civilización vs. naturaleza, colonización de culturas ancestrales, etc... También hace una muy buena descripción familiar del personaje, con escasos pero precisos apuntes.
La fotografía es sublime, con un aspecto visual que me recuerda al de películas de aventuras como Greystoke. Tiene un tono pastel y nitidez atenuada, como si fuera borroso sin serlo. Muchas veces no somos conscientes de que la extrema nitidez de la imagen juega en contra de lo que tiene que llegar a nuestros ojos, una imagen de película, no una imagen "real". Cuando se dice sobre una peli en BD ó 4k, "ahora sí que tiene calidad, se ve todo perfectamente", a lo mejor se saca a la luz algo que el director quiso que no se viera, o al menos no con tanta claridad o nitidez, pero bueno, esta es una cuestión que daría lugar a un extenso debate. Como último apunte al respecto, tengo un amigo que trabaja como editor de TV y Cine, muy aficionado, que dice que tiene un punto desenfocado su proyector, porque tanta calidad a veces le saca de la película. Dice que cuando vió Star Wars en BD, le destrozó el visionado "tanta calidad"
Volviendo a Z, el reparto me ha sorprendido, con unos magníficos Charlie Hunnam y Robert Pattinson, muy creíbles en sus papeles (vista en V.O.) Hunnam tiene momentos muy buenos, como el discurso ante la sociedad que financia los viajes (recuerdo, en VO, no se cómo le habrá tratado el doblador)
Un gran obra, con un aroma muy clásico, y genial en todos los apartados técnicos. Un 9 (me ha soprendido la baja nota en filmaffinity, 5,9)
Saludos

PD.: Si tuviera que describirla como el resultado de películas anteriores, diría que es Greystoke+Aguirre, la cólera de Dios
PD 2.: Todavía me sorprende más no haberla visto entre las nominadas en los oscar, globos de oro, etc..., pues me parce muy superior no sólo a otras nominadas, sino incluso a las premiadas.
Yo la hubiera nominado como película, director, actor, actor secundario, actriz secundaria, fotografía, diseño producción, vestuario. Esas ocho como mínimo.

Vista completa por primera vez El beso de la pantera (Cat People), de Paul Schrader, remake (hasta cierto punto) del célebre film de Jacques Tourneur, obra maestra indiscutible de la serie B de la RKO, producido por Val Lewton con guion de DeWitt Bodeen, ahora reescrito por Alan Ormsby (y por el propio Schrader sin acreditar). Como suele pasar en los remakes de films clásicos, Schrader partió del original y dobló la apuesta. Lo que en Tourneur era una misteriosa y sensual historia fantástica sobre la sexualidad femenina y el miedo a la pérdida de la virginidad, narrado entre sombras y con un tacto exquisito, en Schrader se torna algo explícito (casi al nivel de lo explícito que era el mundo del porno en su Hardcore). Aquí, para aumentar el reto, a ese miedo a perder la virginidad de Irena (una bella Nastassja Kinski) se añade el incesto, por medio de la figura del hermano, Paul (el inevitable Malcolm McDowell). Ambos pertenecen a un pueblo de humanos que se convierten en panteras cuando mantienen relaciones sexuales con humanos. Su única salida (se entiende que para follar y no “panterizarse” en el intento, y de paso procrear) es montárselo entre ellos. De ahí la presión de Paul por acostarse con Irena, algo que ella rechaza, más cuando el encargado del zoo, Oliver (un sosísimo John Heard), le ha hecho tilín.

La película mantiene más o menos el interés hasta el último tercio, cuando cae en el desmadre y las debilidades del guion se hacen más evidentes. Con todo, aún nos reserva un tour de force para el final:

Spoiler:

En un más difícil todavía argumental, Irena se somete a una sesión de bondage para unirse a Oliver y convertirse en pantera sin matarlo (como respuesta a la petición de Irena de que “la libere”). El premio no puede ser más cruel: a la jaula de cabeza, ya le dará Oliver algún cachito de carne para comer y alguna caricia de vez en cuando. No hace falta ser muy suspicaz para leer entre líneas un mensaje machista de lo más repulsivo… o eso me ha parecido a mí.

El film tiene momentos de cierta belleza y la presencia de la Kinski es de agradecer, pero en conjunto a mi parecer naufraga por un argumento torpe y una dirección confusa. No ayuda la música de Giorgio Moroder, muy del tiempo. Queda como curiosidad que el tema musical que suena con los títulos de créditos finales es “Putting Out Fire”, de David Bowie, que el británico regrabó para su álbum “Let’s Dance”, música cien por cien ochentera.

In the Line of Fire (Wolfgang Petersen, 1993)



Por algún motivo me dio ayer por revisar esta película, otra de esas que te sabes de memoria aunque hacía un tiempo que no la revisaba.

Parece que la idea partió del productor, Jeff Apple, a raíz de un recuerdo de conocer a Lindon B. Johnson rodeado de agentes secretos mezclado con la intriga del asesinato de Kennedy. Añado que siendo rodada en 1992, y estrenada en 1993, el tema estaba de moda por un lado por el 30 aniversario del asesinato y por otro por la película de Oliver Stone, JFK, que soltaba bastantes dudas sobre lo ocurrido aquel día.

Frank Horrigan (Clint Eastwood) es un agente bastante veterano del servicio secreto, lo suficiente como para estado aquel día de 1963 con Kennedy en Dallas. Ahora trabaja en asuntos alejados de la protección del Presidente hasta que investigando una de las múltiples posibles amenazas hacia el actual se da cuenta de que en este caso puede ir en serio. El asunto se confirma cuando el amenazante, Mitch Leary (John Malkovich) contacta con él por teléfono. Horrigan usa sus contactos para entrar de nuevo en la protección personal del Presidente, algo que chocará con su edad, con su joven jefe pero que le permite seguir de cerca el caso al tiempo que Leary sigue contactando con él e intenta ligarse a la agente Lily Raines (Rene Russo). Los avances en el caso permiten al servicio secreto dar con la identidad del amenazante aunque no es hasta el final cuando Horrigan ata cabos y consigue detener el disparo que Leary realiza en una cena benéfica en Los Ángeles.

Siempre me ha gustado y anoche mantuve esa idea. Frank Horrigan responde también a ese cuadro que el propio Eastwood cimentó en Dirty Harry y que solemos ver en el cine de acción policial: agente solitario, con un pasado oscuro, separado, problemático pero de gran talento natural. Y por supuesto, choque con los mandos superiores y con las normas. Horrigan choca aquí con su jefe más cercano y con el de gabinete de la Casa Blanca aunque no con su jefe digamos natural, tal vez porque es quien mejor le conoce. El guión y tal vez Petersen consiguen que la película no sea víctima de esos tópicos ya que hasta cierto punto tienen sentido: Frank pide cambios muy complicados en una agenda como la del Presidente y su paranoia y edad son reales ya que tiene un fallo en un acto y termina enfermando debido a que no tiene el estado físico adecuado para el puesto. Una nueva salida de tono es la que le lleva, por segunda vez, fuera del alcance del Presidente y de rebote a resolver el caso.

Posiblemente lo mejor sea el equilibrio que consigue Petersen entre el habitual film procedimental con amenaza que investigar, el toque personal de la batalla entre Horrigan y Leary, y sobre todo el toque personal con un certero aire crepuscular sobre la figura del veterano agente: aunque 1993 nos quede ahora casi tan lejos como entonces 1963, Horrigan es de otra época, demasiado veterano para una amenaza de ese tipo y con la sombra de haber perdido a un Presidente en un día en el que saltaron muchas dudas sobre todo lo ocurrido en el tiroteo. Los avances en la investigación suponen nueva información para nosotros aunque ya sepamos que cara tiene Leary y como actúa, lo cual es narrativamente interesante. De esa forma el hecho de que los servicios secretos vayan bastante por detrás de Leary (tan sólo se acercan a él un par de veces y debido a las llamadas telefónicas) no implica que no podamos disfrutar de esas escenas ya que con ellas rellenamos el espacio que hay entre el Leary que hemos conocido y el que le llevó a su estado actual. Un asesino con un plan muy preciso, complejo y muy bien ejecutado, pese a que Leary muestra una innegable inestabilidad emocional en cuanto los avances en el caso permiten a Horrigan entrar en terreno personal.

Las charlas entre ambos sé que son otro de los fuertes de la película aunque a mi no me van demasiado: tienen ese punto malsano del amenazante tomándose el asunto como un juego en el que su rival se convierte en un problema pero a la vez en una necesidad, no dejando que le atrape pero a la vez dejándole migas para que siempre esté cerca. Una necesidad también de ser honesto con él o de entender que ambos se parecen aunque en ningún momento parece que Horrigan esté realmente afectado ni sabemos si Leary está en sus cabales. Mucho mejor es el dibujo de Horrigan como un agente que, pese a todo, vive con la misma calma con la que toca el piano en los bares.

Por cierto: viendo la escena inicial, la clásica de incógnito, sigo convencido de que Eastwood dispara (simula, claro) de una forma y nadie debe decirle nada. Es decir, es similar a Dirty Harry y sin duda es un estilo muy western, a una mano, sin demasiada flexión y, con perdón, pero un poco lento y poco creíble. Suerte que sólo es esa escena! (me imagino que Eastwood lo quería así y los directores no le decían o no podían decir nada.

Huelga decir que Eastwood y Malkovich aportan quilates en el resultado final y una mezcla curiosa de estilos, más tradicional en el primer caso, más metódica y moderna en el segundo. Russo, como siempre, es un valor seguro. Tiene un don para que te creas sus papeles o soy yo?

El guión ofrece diálogos habituales en este tipo de films pero hay una joya al final. Antes, Horrigan comenta que después de vivir en NY le gusta usar el transporte público. Más tarde, al final:

Frank, the president sent his limo for you.

I love public transportation.



Si algo tiene In the Line of Fire es una parte final vibrante, redonda: Horrigan es trasladado a la avanzadilla de la siguiente parada del Presidente, en San Diego, por lo que se dispone a dejar Los Ángeles (adonde el Presidente tiene una cena de gala en un hotel de lujo y donde Leary pretende matarle), y por una de aquellas casualidades da con la resolución de una pista que le llevará, finalmente, a obtener el nombre falso que ha usado Leary para colarse en la cena como un jefazo de una empresa tecnológica que aporta su dinero a la causa.

Horrigan regresa a tiempo (merced a un taxista que tiene pinta de verse motivado al ayudar al servicio secreto), entra en la cena, le dan la lista de los invitados y localiza a Leary en una mezcla de imágenes en las que vamos viendo como este monta su arma especial, diseñada y fabricada por él mismo con materiales que le han permitido el paso por el arco de seguridad. Horrigan se da cuenta de que Leary está a punto de disparar y se lanza a salvar, ahora sí, al Presidente recibiendo una bala por él.

Leary se lleva a un Horrigan herido leve (llevaba chaleco) a uno de los ascensores mientras Raines dirige a los tiradores de élite en su intento de acabar con la amenaza. Leary deja a oscuras el ascensor por lo que Horrigan usa el comunicador para hablar con Raines y poder decirle donde apuntar para terminar con la amenaza. Al final es Horrigan quien, en un forcejeo poco logrado (insisto, Eastwood es como lento), deja a Leary listo para que se deje caer al vacío.

La escena:





La BSO de Ennio Morricone, muy clásica, es otro de los ingredientes esenciales de un film muy logrado por parte de Wolfgang Petersen.

Iniciado por mad dog earle

A mí ese interludio de Cheyenn Autumn siempre me ha parecido algo artificioso, uno de esos detalles "fordianos" que le aceptamos porque es él, pero que no se acaba de entender muy bien qué pintan. Por cierto, ya que hablamos de Cheyenn Autumn (prefiero el evocador título original que no el de El gran combate), y a raíz de la observación, pertinente, de Abuelo Igor sobre lo rollizo del Doc Holliday de Mature, hay que apuntar que resulta hoy en día algo risible que los actores principales que interpretan personajes indios sean: Ricardo Montalban, Gilbert Roland, Dolores del Río y Sal Mineo, o sea tres mexicanos y un descendiente de italianos, en resumen cuatro "latinos". Ya sé que las convenciones del cine (no solo del hollywoodiense) dan para esto y para mucho más, pero en este caso me rechina tanto que siempre me impide un visionado plácido del film (eso junto a una para mí inapropiadísima banda sonora de Alex North).

John Ford era el más grande pero también una persona muy contradictoria en sus declaraciones.

CHEYENNE AUTUMN era una película de la que no se sentía muy orgulloso debido a la interferencia de los productores (se entiende los jefazos de la Warner Bros. que distribuían la película, ya que tanto ésta como la siguiente (7 WOMEN (1966, SIETE MUJERES)) fueron co-producciones entre la compañía de John Ford y la de Bernard Smith (que ya había hecho saltar las taquillas con HOW THE WEST WAS WON (1962, LA CONQUISTA DEL OESTE), primera película en Cinerama)).

Para juzgar en toda su grandeza este western (que, ciertamente, no está en el grupo de sus obras maestras) hay que ver la película en su integridad. Hay que tener en cuenta que es la película más larga de su filmografía (en solitario, excluyo la citada LA CONQUISTA DEL OESTE)) y que sólo está disponible en su versión completa en la edición norteamericana en DVD (que afortunadamente poseo)).

También Ford destestaba la música del gran Alex North.

Sin embargo, destaca el reparto, encabezado por la guapa Carroll Baker y por el siempre excelente Richard Widmark (con el que ya había trabajado en TWO RODE TOGETHER (1961, DOS CABALGAN JUNTOS)).

Es curioso que en las dos últimas películas firmadas por John Ford el protagonismo recaiga en las mujeres (y, especialmente, en (lógicamente) 7 WOMEN). Mujeres por las que el director sentía un gran respeto pero que nunca tenían el protagonismo de los hombres.

Iniciado por mad dog earle

Vista completa por primera vez El beso de la pantera (Cat People), de Paul Schrader, remake (hasta cierto punto) del célebre film de Jacques Tourneur, obra maestra indiscutible de la serie B de la RKO, producido por Val Lewton con guion de DeWitt Bodeen, ahora reescrito por Alan Ormsby (y por el propio Schrader sin acreditar). Como suele pasar en los remakes de films clásicos, Schrader partió del original y dobló la apuesta. Lo que en Tourneur era una misteriosa y sensual historia fantástica sobre la sexualidad femenina y el miedo a la pérdida de la virginidad, narrado entre sombras y con un tacto exquisito, en Schrader se torna algo explícito (casi al nivel de lo explícito que era el mundo del porno en su Hardcore). Aquí, para aumentar el reto, a ese miedo a perder la virginidad de Irena (una bella Nastassja Kinski) se añade el incesto, por medio de la figura del hermano, Paul (el inevitable Malcolm McDowell). Ambos pertenecen a un pueblo de humanos que se convierten en panteras cuando mantienen relaciones sexuales con humanos. Su única salida (se entiende que para follar y no “panterizarse” en el intento, y de paso procrear) es montárselo entre ellos. De ahí la presión de Paul por acostarse con Irena, algo que ella rechaza, más cuando el encargado del zoo, Oliver (un sosísimo John Heard), le ha hecho tilín.

La película mantiene más o menos el interés hasta el último tercio, cuando cae en el desmadre y las debilidades del guion se hacen más evidentes. Con todo, aún nos reserva un tour de force para el final:

Spoiler:

En un más difícil todavía argumental, Irena se somete a una sesión de bondage para unirse a Oliver y convertirse en pantera sin matarlo (como respuesta a la petición de Irena de que “la libere”). El premio no puede ser más cruel: a la jaula de cabeza, ya le dará Oliver algún cachito de carne para comer y alguna caricia de vez en cuando. No hace falta ser muy suspicaz para leer entre líneas un mensaje machista de lo más repulsivo… o eso me ha parecido a mí.

El film tiene momentos de cierta belleza y la presencia de la Kinski es de agradecer, pero en conjunto a mi parecer naufraga por un argumento torpe y una dirección confusa. No ayuda la música de Giorgio Moroder, muy del tiempo. Queda como curiosidad que el tema musical que suena con los títulos de créditos finales es “Putting Out Fire”, de David Bowie, que el británico regrabó para su álbum “Let’s Dance”, música cien por cien ochentera.

A mi siempre me pareció un título más que interesante, aunque no puede competir (y yo creo que ni siquiera lo intenta) con su original, más allá del esqueleto del argumento y de alguna escena (como el conato de ataque en la piscina).

Me gusta mucho la contraposición que hacen entre el mundo normal y el mundo anormal: por un lado, el citado cuidador del zoo y su novia, una pareja liberal y sana, y por el otro lado, Paul e Irena, que representan todo lo que los primeros no son (represión sexual, prostitución, incesto, violación). Siempre me gustó como enfoca el director esa dicotomía.

Mi escena favorita, y que creo, por sí sola, justifica la existencia de esta película, es esa especie de viaje onírico de Irena hacia el mundo panteril donde habla con su hermano. Que, tiene todo el sentido del mundo, empieza en un aeropuerto (de donde ella piensa huir, de la verdad sobre sí misma que ahora sabe, de Oliver, del recuerdo infausto de su hermano) para, finalmente, decidir quedarse donde estaba aunque eso no tenga ya vuelta atrás.

McDowell me parece bastante interesante como un personaje que se sabe condenado, patético y digno de lástima y al mismo tiempo, repulsivo y totalmente psicópata. En algo me recuerda su personaje a los clásicos hombres-lobo de la Universal, o de Paul naschy.

La banda sonora me parece increíble, por otro lado. Y respecto al final aunque es cierto que en el tramo final

Spoiler:

la película queda cojísima, como si no supieran bien como rematarla, y queda extremadamente raro ese final, creo que es por otra parte coherente con lo que nos han mostrado, en el sentido de que Irena no quería vivir como su hermano, y elige un término medio sabiéndose la última de su familia.

Yo la vi la semana pasada casualmente y me gustó

En su día debió ser bastante escandalosa pero hoy está muy superada

El tema de David Bowie lo reutilizó Tarantino en Malditos bastardos

Iniciado por Synch

In the Line of Fire (Wolfgang Petersen, 1993)



Por algún motivo me dio ayer por revisar esta película, otra de esas que te sabes de memoria aunque hacía un tiempo que no la revisaba.

Parece que la idea partió del productor, Jeff Apple, a raíz de un recuerdo de conocer a Lindon B. Johnson rodeado de agentes secretos mezclado con la intriga del asesinato de Kennedy. Añado que siendo rodada en 1992, y estrenada en 1993, el tema estaba de moda por un lado por el 30 aniversario del asesinato y por otro por la película de Oliver Stone, JFK, que soltaba bastantes dudas sobre lo ocurrido aquel día.

Frank Horrigan (Clint Eastwood) es un agente bastante veterano del servicio secreto, lo suficiente como para estado aquel día de 1963 con Kennedy en Dallas. Ahora trabaja en asuntos alejados de la protección del Presidente hasta que investigando una de las múltiples posibles amenazas hacia el actual se da cuenta de que en este caso puede ir en serio. El asunto se confirma cuando el amenazante, Mitch Leary (John Malkovich) contacta con él por teléfono. Horrigan usa sus contactos para entrar de nuevo en la protección personal del Presidente, algo que chocará con su edad, con su joven jefe pero que le permite seguir de cerca el caso al tiempo que Leary sigue contactando con él e intenta ligarse a la agente Lily Raines (Rene Russo). Los avances en el caso permiten al servicio secreto dar con la identidad del amenazante aunque no es hasta el final cuando Horrigan ata cabos y consigue detener el disparo que Leary realiza en una cena benéfica en Los Ángeles.

Siempre me ha gustado y anoche mantuve esa idea. Frank Horrigan responde también a ese cuadro que el propio Eastwood cimentó en Dirty Harry y que solemos ver en el cine de acción policial: agente solitario, con un pasado oscuro, separado, problemático pero de gran talento natural. Y por supuesto, choque con los mandos superiores y con las normas. Horrigan choca aquí con su jefe más cercano y con el de gabinete de la Casa Blanca aunque no con su jefe digamos natural, tal vez porque es quien mejor le conoce. El guión y tal vez Petersen consiguen que la película no sea víctima de esos tópicos ya que hasta cierto punto tienen sentido: Frank pide cambios muy complicados en una agenda como la del Presidente y su paranoia y edad son reales ya que tiene un fallo en un acto y termina enfermando debido a que no tiene el estado físico adecuado para el puesto. Una nueva salida de tono es la que le lleva, por segunda vez, fuera del alcance del Presidente y de rebote a resolver el caso.

Posiblemente lo mejor sea el equilibrio que consigue Petersen entre el habitual film procedimental con amenaza que investigar, el toque personal de la batalla entre Horrigan y Leary, y sobre todo el toque personal con un certero aire crepuscular sobre la figura del veterano agente: aunque 1993 nos quede ahora casi tan lejos como entonces 1963, Horrigan es de otra época, demasiado veterano para una amenaza de ese tipo y con la sombra de haber perdido a un Presidente en un día en el que saltaron muchas dudas sobre todo lo ocurrido en el tiroteo. Los avances en la investigación suponen nueva información para nosotros aunque ya sepamos que cara tiene Leary y como actúa, lo cual es narrativamente interesante. De esa forma el hecho de que los servicios secretos vayan bastante por detrás de Leary (tan sólo se acercan a él un par de veces y debido a las llamadas telefónicas) no implica que no podamos disfrutar de esas escenas ya que con ellas rellenamos el espacio que hay entre el Leary que hemos conocido y el que le llevó a su estado actual. Un asesino con un plan muy preciso, complejo y muy bien ejecutado, pese a que Leary muestra una innegable inestabilidad emocional en cuanto los avances en el caso permiten a Horrigan entrar en terreno personal.

Las charlas entre ambos sé que son otro de los fuertes de la película aunque a mi no me van demasiado: tienen ese punto malsano del amenazante tomándose el asunto como un juego en el que su rival se convierte en un problema pero a la vez en una necesidad, no dejando que le atrape pero a la vez dejándole migas para que siempre esté cerca. Una necesidad también de ser honesto con él o de entender que ambos se parecen aunque en ningún momento parece que Horrigan esté realmente afectado ni sabemos si Leary está en sus cabales. Mucho mejor es el dibujo de Horrigan como un agente que, pese a todo, vive con la misma calma con la que toca el piano en los bares.

Por cierto: viendo la escena inicial, la clásica de incógnito, sigo convencido de que Eastwood dispara (simula, claro) de una forma y nadie debe decirle nada. Es decir, es similar a Dirty Harry y sin duda es un estilo muy western, a una mano, sin demasiada flexión y, con perdón, pero un poco lento y poco creíble. Suerte que sólo es esa escena! (me imagino que Eastwood lo quería así y los directores no le decían o no podían decir nada.

Huelga decir que Eastwood y Malkovich aportan quilates en el resultado final y una mezcla curiosa de estilos, más tradicional en el primer caso, más metódica y moderna en el segundo. Russo, como siempre, es un valor seguro. Tiene un don para que te creas sus papeles o soy yo?

El guión ofrece diálogos habituales en este tipo de films pero hay una joya al final. Antes, Horrigan comenta que después de vivir en NY le gusta usar el transporte público. Más tarde, al final:

Frank, the president sent his limo for you.

I love public transportation.



Si algo tiene In the Line of Fire es una parte final vibrante, redonda: Horrigan es trasladado a la avanzadilla de la siguiente parada del Presidente, en San Diego, por lo que se dispone a dejar Los Ángeles (adonde el Presidente tiene una cena de gala en un hotel de lujo y donde Leary pretende matarle), y por una de aquellas casualidades da con la resolución de una pista que le llevará, finalmente, a obtener el nombre falso que ha usado Leary para colarse en la cena como un jefazo de una empresa tecnológica que aporta su dinero a la causa.

Horrigan regresa a tiempo (merced a un taxista que tiene pinta de verse motivado al ayudar al servicio secreto), entra en la cena, le dan la lista de los invitados y localiza a Leary en una mezcla de imágenes en las que vamos viendo como este monta su arma especial, diseñada y fabricada por él mismo con materiales que le han permitido el paso por el arco de seguridad. Horrigan se da cuenta de que Leary está a punto de disparar y se lanza a salvar, ahora sí, al Presidente recibiendo una bala por él.

Leary se lleva a un Horrigan herido leve (llevaba chaleco) a uno de los ascensores mientras Raines dirige a los tiradores de élite en su intento de acabar con la amenaza. Leary deja a oscuras el ascensor por lo que Horrigan usa el comunicador para hablar con Raines y poder decirle donde apuntar para terminar con la amenaza. Al final es Horrigan quien, en un forcejeo poco logrado (insisto, Eastwood es como lento), deja a Leary listo para que se deje caer al vacío.

La escena:





La BSO de Ennio Morricone, muy clásica, es otro de los ingredientes esenciales de un film muy logrado por parte de Wolfgang Petersen.

Lo curioso de esta película es que a Clint Eastwood no le dobló Constantino Romero debido a la huega de profesionales de ese año por lo que cuando la ví en su época en cine me resultó harto oirle al bueno de Clint (que por cierto se me olvidó mencionar que en REVENGE OF THE CREATURE (la continuación de CREATURE FROM THE BLACK LAGOON) hizo su debut en la gran pantalla como ayudante de laboratorio del protagonista) con una voz que no era la suya.

Iniciado por Alcaudón

Lo curioso de esta película es que a Clint Eastwood no le dobló Constantino Romero debido a la huega de profesionales de ese año por lo que cuando la ví en su época en cine me resultó harto oirle al bueno de Clint (que por cierto se me olvidó mencionar que en REVENGE OF THE CREATURE (la continuación de CREATURE FROM THE BLACK LAGOON) hizo su debut en la gran pantalla como ayudante de laboratorio del protagonista) con una voz que no era la suya.

Cierto, algunas películas de 1993 tenían doblajes distintos debido a la huelga (Jurassic Park, Last Action Hero entre ellas).

Esta vez la he visto en V.O. El caso de Eastwood, con o sin Romero, considero que es de los que más alteran la labor del actor pues Eastwood tiene una voz más bien suave y una dicción muy concreta. De hecho esta genial (genial!!) imitación de Jim Carrey supongo que no triunfaría en España debido a los doblajes:

Aunque yo siempre veo las películas en V.O.S.E. reconozco que algunos doblajes mejoran las voces originales (caso de Humphrey Bogart o (especialmente) Marlon Brando). Curiosamente, un actor como John Wayne (que normalmente ha sido siempre bien doblado) tenía una voz espléndida y una dicción impecable. Sin duda, uno de los actores más maltratados por la crítica pero que yo considero como uno de los grandes. Y debería haber merecido, al menos, una mención a los Oscar por su papel de Ethan Edwards en CENTAUROS DEL DESIERTO, una de las obras capitales de la Historia del Cine.

Iniciado por Alcaudón

John Ford era el más grande pero también una persona muy contradictoria en sus declaraciones.

CHEYENNE AUTUMN era una película de la que no se sentía muy orgulloso debido a la interferencia de los productores (se entiende los jefazos de la Warner Bros. que distribuían la película, ya que tanto ésta como la siguiente (7 WOMEN (1966, SIETE MUJERES)) fueron co-producciones entre la compañía de John Ford y la de Bernard Smith (que ya había hecho saltar las taquillas con HOW THE WEST WAS WON (1962, LA CONQUISTA DEL OESTE), primera película en Cinerama)).

Para juzgar en toda su grandeza este western (que, ciertamente, no está en el grupo de sus obras maestras) hay que ver la película en su integridad. Hay que tener en cuenta que es la película más larga de su filmografía (en solitario, excluyo la citada LA CONQUISTA DEL OESTE)) y que sólo está disponible en su versión completa en la edición norteamericana en DVD (que afortunadamente poseo)).

También Ford destestaba la música del gran Alex North.

Sin embargo, destaca el reparto, encabezado por la guapa Carroll Baker y por el siempre excelente Richard Widmark (con el que ya había trabajado en TWO RODE TOGETHER (1961, DOS CABALGAN JUNTOS)).

Es curioso que en las dos últimas películas firmadas por John Ford el protagonismo recaiga en las mujeres (y, especialmente, en (lógicamente) 7 WOMEN). Mujeres por las que el director sentía un gran respeto pero que nunca tenían el protagonismo de los hombres.

Lo cierto es que aunque el tratamiento que da Ford a las mujeres nos pueda parecer a menudo un tanto caduco, "de otra época", sus mujeres siempre suelen ser personas fuertes, centrales en la comunidad, aunque no las protagonistas, no ocupan la primera fila pero son esenciales. Ahí las madres de Las uvas de la ira o ¡Qué verde era mi valle!, o esas mujeres sufridas pero con muchas agallas que solía interpretar Maureen O'Hara. Curiosamente, Ford terminó su carrera con esa espléndida Siete mujeres, donde además aparece un personaje tan aparentemente distinto a sus mujeres habituales como es el que interpreta Anne Bancroft, con ese final trágico casi de ópera de Puccini. Lástima que no tengamos una buena edición en BD o incluso en DVD de este film (la que tengo es de lo peor de mi videoteca). ¿Hay algo en USA o en UK, Alcaudón, tú que frecuentas esos mercados?

Iniciado por Alcaudón

Lo curioso de esta película es que a Clint Eastwood no le dobló Constantino Romero debido a la huega de profesionales de ese año por lo que cuando la ví en su época en cine me resultó harto oirle al bueno de Clint (que por cierto se me olvidó mencionar que en REVENGE OF THE CREATURE (la continuación de CREATURE FROM THE BLACK LAGOON) hizo su debut en la gran pantalla como ayudante de laboratorio del protagonista) con una voz que no era la suya.

El mismo año aparecía como piloto de avión militar en Tarántula, también de Jack Arnold:

Iniciado por Alcaudón

Aunque yo siempre veo las películas en V.O.S.E. reconozco que algunos doblajes mejoran las voces originales (caso de Humphrey Bogart o (especialmente) Marlon Brando). Curiosamente, un actor como John Wayne (que normalmente ha sido siempre bien doblado) tenía una voz espléndida y una dicción impecable. Sin duda, uno de los actores más maltratados por la crítica pero que yo considero como uno de los grandes. Y debería haber merecido, al menos, una mención a los Oscar por su papel de Ethan Edwards en CENTAUROS DEL DESIERTO, una de las obras capitales de la Historia del Cine.

¿Mejoran? ¿Meaning? ¿Qué quiere decir "mejorar la voz"? La voz es la que es, y las de Bogart y Brando, nos gusten más o menos, son absolutamente inconfundibles y personalísimas, y eso no hay doblaje que lo mejore. Precisamente si un defecto tiene el doblaje es que al final solo acabamos oyendo unas pocas docenas de voces, todas muy pulidas y con buena dicción, pero que pueden estar falseando completamente la voz original (y de paso el personaje, el esfuerzo del actor y la intención del director).

En este asunto siempre cito un caso con el que nos podemos encontrar a menudo: el doblaje de muchos actores españoles ... al castellano. Si uno ve películas españolas de los 50, acaba oyendo siempre las mismas voces, sean los actores los que sean, aunque esos mismos actores tengan una buena voz, algo que se siguió haciendo al menos en los 60 y en los 70.

Yo soy un amante del doblaje clásico, creo que es una profesión muy bonita y que, durante muchos años, cumplió una función esencial al no estar el estudio de los idiomas al alcance de casi nadie. Soy admirador absoluto de algunos dobladores (en especial, Carlos Revilla, Rogelio Hernandez y Rosa Guiñón).

Sin embargo, rara vez veo una película solo doblada. Hay que dar siempre una oportunidad a la VO, que es, al fin y al cabo "la película". No veo incompatibles ambas cosas, por cierto, que a menudo generan debates espinosos yo, si veo una peli por primera vez, la veo en VOSE. Si es un clásico y no está redoblado, el segundo visionado siempre doblado. Y si ya la he visto, y la vi doblada, el segundo visionado en VOSE.

Al fin y al cabo, es disfrutar del trabajo de profesionales, ya sea en un ámbito o en otro.

Por cierto, que cuando se doblaba voz en España eran siempre las mismas, sí. ¡Sobre todo con los niños! Te ves películas de los 70 / 80 y a menudo eran las mismas dos o tres voces para todos los críos que salían.

Yo tengo una opinión muy parecida a la tuya, Charles. Disfruto de ambas cosas, pero en los doblajes en mi caso, estoy seguro de que es por nostalgia. Todas las películas que descubrí con buenos doblajes, las sigo disfrutando actualmente, aunque todo lo que veo sólo, suele ser en VO. Hace poco vi "Sopa de ganso" en VO, y me encantó verla así, pero lo que yo disfruté esa película doblada cuando era niño viéndola con mi abuelo como 20 veces no se volverá a repetir. Los doblajes de los hermanos Marx, salvo dos o tres chorradas (aún recuerdo en "Un día en las carreras" que mencionan a Fidel Castro, en una peli del 37, 22 años antes de la revolución ), me gustan mucho.
Desde que vi "Rocco y sus hermanos" en VO, de madrugada, impresionado por la que me pareció una de las más grandes películas que había visto, mi universo cinéfilo dio un giro. Cuando posteriormente empecé a verla en el programa de Garci doblada, tuve que dejarla. Era otra película, y muy inferior. No había emoción.
Luego, en 1999, vi en un cine en V.O. "Sunshine", de Istvan Szabó. La película me conmovió profundamente, sobre todo la historia del esgrimista olímpico. Aquella película en gran pantalla y VO fue una experiencia irrepetible. Después, en familia, y doblada, pues era otra película, no la que yo vi en 1999.
Hay películas que he visto en VO y que jamás veré dobladas, y hay doblajes que visitaré con frecuencia, qué le voy a hacer.
Cada uno tiene su historia con los doblajes y las V.O.s, pero esta es la mía
Saludos

Yo apuesto siempre por la versión original a pesar de todos los pesares. Reconozco que hay doblajes clásicos al castellano de gran calidad, pero no siento ninguna nostalgia por volverlos a oír (y soy de una generación curtida en las sesiones dobles de los cines del barrio con el 100% de películas dobladas al castellano). Una vez descubres la voz original, de Bogart, Brando o Groucho Marx, no puedes volver a oír el doblaje, por bueno que sea.

Ahora bien, sobre las versiones originales hay mucho que hablar, porque precisamente sunshine pone un ejemplo paradigmático, extrapolable a muchos films clásicos italianos: en Rocco y sus hermanos, que creo que hay que ver en VO, desde luego, tanto Alain Delon y Annie Girardot (ambos franceses) como Katina Paxinou (griega) están doblados, algo muy habitual en el cine de Visconti, pero también en Fellini, Antonioni, Rossellini o tantos otros. Pero aunque las voces de la VO no sean las de los actores, es la que el director (en el mejor de los casos) ha elegido, y por tanto es la que corresponde al film. El doblaje, por bien hecho que esté, desnaturaliza la película. En algunos casos (tantas y tantas coproducciones europeas de los 60 y 70, sobre todo) quizá el doblaje no sea algo grave, porque al final no se sabe si hay o no una versión original y dudo que en muchos casos el director haya tenido demasiada capacidad de decisión sobre el resultado final, pero en general, y por norma, creo que siempre es preferible la VO.

Y lo de la falta de dominio de idiomas creo que no es excusa. Nunca me he planteado aprender japonés, por ejemplo, o ruso, pero eso no quita que prefiero ver las películas de esas cinematografías en VO. Más bien pienso lo contrario: la falta de dominio de otros idiomas, mal endémico hispano, tiene en los doblajes, sino la causa (eso sería exagerar), si uno de sus puntales.

Iniciado por mad dog earle

Lo cierto es que aunque el tratamiento que da Ford a las mujeres nos pueda parecer a menudo un tanto caduco, "de otra época", sus mujeres siempre suelen ser personas fuertes, centrales en la comunidad, aunque no las protagonistas, no ocupan la primera fila pero son esenciales. Ahí las madres de Las uvas de la ira o ¡Qué verde era mi valle!, o esas mujeres sufridas pero con muchas agallas que solía interpretar Maureen O'Hara. Curiosamente, Ford terminó su carrera con esa espléndida Siete mujeres, donde además aparece un personaje tan aparentemente distinto a sus mujeres habituales como es el que interpreta Anne Bancroft, con ese final trágico casi de ópera de Puccini. Lástima que no tengamos una buena edición en BD o incluso en DVD de este film (la que tengo es de lo peor de mi videoteca). ¿Hay algo en USA o en UK, Alcaudón, tú que frecuentas esos mercados?

Na de na...

LA MASCHERA DEL DEMONIO (1960, LA MÁSCARA DEL DEMONIO) de Mario Bava.

Versión original en italiano:



Versión doblada al inglés:

Ese es otro ejemplo: en la original, Barbara Steele está doblada, como lo estaba Ingrid Bergman en los films de Rossellini o Anthony Quinn y Richard Basehart en La Strada de Fellini (o el mismo Basehart en Los jueves, milagro de Berlanga), o siguiendo con Bava, Joseph Cotten en Orgía de sangre, siempre que consideremos que la versión italiana es la original. En especial, en el cine italiano de los 50 y 60, con tantísimas coproducciones y actores internacionales, es algo difícil hablar de versiones originales, porque ya de inicio se solían proyectar diversas versiones, aunque en algunas para el mercado internacional había actores anglosajones que se doblaban también en inglés, caso por poner un ejemplo del gran Christopher Lee en Hércules en el centro de la Tierra.

Lo más agracioso es que Barbara Steele ¡también está doblada en la versión inglesa!

Entrevistador: "En tus películas italianas tu voz siempre estaba doblada. Lo mismo que en la versión italiana y en la inglesa de LA MÁSCARA DEL DEMONIO. ¿Te molestaba esto?

Barbara Steele: "Es algo horrible ser doblada. Pero los rodajes en Italia son tan ruidosos que se dobla absolutamente todo."

Yo siempre lo intento ver todo en VO, y a poder ser, sin rótulos. Y éso que yo empecé a ver cine de esta manera de un modo muy tardío, y también me curtí con sesiones de tarde en que muchos de esos clásicos del cine aparecían con doblajes también clásicos. Desgraciadamente, esto también me limita mucho . Como decía Terenci Moix, o no sé quién, procuro ver sólo películas en idiomas que más o menos entiendo (francés, inglés, alemán, italiano...), pero por otra parte, sólo tengo una vida que vivir, y ¡hay tantísimo cine..!

El caso de Christopher Lee es especialmente sangrante. No sólo tenía una voz asombrosa (hasta el punto de que estoy pensando en considerarle el mejor Fantasma de la Ópera de la historia sólo por el audiolibro; no entiendo que no interviniera en ningún musical, y que sólo de manera tardía grabara discos donde cantaba), sino que además, hablaba tanto inglés como italiano (su madre era una especie de condesa italiana). Bueno, pues en películas como La frustra e il corpo, o la que cita Mad Dog de Hércules, su voz está doblada por otros actores tanto en la versión italiana como en la inglesa ...





No consigo encontrar vídeo del monólogo final del Fantasma, pero os aseguro que, leído por él, hace brotar lágrimas

DRACULA (1958, DRÁCULA) de Terence Fisher.

La primera presentación del personaje, todo un prodigio de contención por parte de Christopher Lee y de puesta en escena por parte de Terry Fisher:

Iniciado por Synch

In the Line of Fire (Wolfgang Petersen, 1993)



Por algún motivo me dio ayer por revisar esta película, otra de esas que te sabes de memoria aunque hacía un tiempo que no la revisaba.

Parece que la idea partió del productor, Jeff Apple, a raíz de un recuerdo de conocer a Lindon B. Johnson rodeado de agentes secretos mezclado con la intriga del asesinato de Kennedy. Añado que siendo rodada en 1992, y estrenada en 1993, el tema estaba de moda por un lado por el 30 aniversario del asesinato y por otro por la película de Oliver Stone, JFK, que soltaba bastantes dudas sobre lo ocurrido aquel día.

Frank Horrigan (Clint Eastwood) es un agente bastante veterano del servicio secreto, lo suficiente como para estado aquel día de 1963 con Kennedy en Dallas. Ahora trabaja en asuntos alejados de la protección del Presidente hasta que investigando una de las múltiples posibles amenazas hacia el actual se da cuenta de que en este caso puede ir en serio. El asunto se confirma cuando el amenazante, Mitch Leary (John Malkovich) contacta con él por teléfono. Horrigan usa sus contactos para entrar de nuevo en la protección personal del Presidente, algo que chocará con su edad, con su joven jefe pero que le permite seguir de cerca el caso al tiempo que Leary sigue contactando con él e intenta ligarse a la agente Lily Raines (Rene Russo). Los avances en el caso permiten al servicio secreto dar con la identidad del amenazante aunque no es hasta el final cuando Horrigan ata cabos y consigue detener el disparo que Leary realiza en una cena benéfica en Los Ángeles.

Siempre me ha gustado y anoche mantuve esa idea. Frank Horrigan responde también a ese cuadro que el propio Eastwood cimentó en Dirty Harry y que solemos ver en el cine de acción policial: agente solitario, con un pasado oscuro, separado, problemático pero de gran talento natural. Y por supuesto, choque con los mandos superiores y con las normas. Horrigan choca aquí con su jefe más cercano y con el de gabinete de la Casa Blanca aunque no con su jefe digamos natural, tal vez porque es quien mejor le conoce. El guión y tal vez Petersen consiguen que la película no sea víctima de esos tópicos ya que hasta cierto punto tienen sentido: Frank pide cambios muy complicados en una agenda como la del Presidente y su paranoia y edad son reales ya que tiene un fallo en un acto y termina enfermando debido a que no tiene el estado físico adecuado para el puesto. Una nueva salida de tono es la que le lleva, por segunda vez, fuera del alcance del Presidente y de rebote a resolver el caso.

Posiblemente lo mejor sea el equilibrio que consigue Petersen entre el habitual film procedimental con amenaza que investigar, el toque personal de la batalla entre Horrigan y Leary, y sobre todo el toque personal con un certero aire crepuscular sobre la figura del veterano agente: aunque 1993 nos quede ahora casi tan lejos como entonces 1963, Horrigan es de otra época, demasiado veterano para una amenaza de ese tipo y con la sombra de haber perdido a un Presidente en un día en el que saltaron muchas dudas sobre todo lo ocurrido en el tiroteo. Los avances en la investigación suponen nueva información para nosotros aunque ya sepamos que cara tiene Leary y como actúa, lo cual es narrativamente interesante. De esa forma el hecho de que los servicios secretos vayan bastante por detrás de Leary (tan sólo se acercan a él un par de veces y debido a las llamadas telefónicas) no implica que no podamos disfrutar de esas escenas ya que con ellas rellenamos el espacio que hay entre el Leary que hemos conocido y el que le llevó a su estado actual. Un asesino con un plan muy preciso, complejo y muy bien ejecutado, pese a que Leary muestra una innegable inestabilidad emocional en cuanto los avances en el caso permiten a Horrigan entrar en terreno personal.

Las charlas entre ambos sé que son otro de los fuertes de la película aunque a mi no me van demasiado: tienen ese punto malsano del amenazante tomándose el asunto como un juego en el que su rival se convierte en un problema pero a la vez en una necesidad, no dejando que le atrape pero a la vez dejándole migas para que siempre esté cerca. Una necesidad también de ser honesto con él o de entender que ambos se parecen aunque en ningún momento parece que Horrigan esté realmente afectado ni sabemos si Leary está en sus cabales. Mucho mejor es el dibujo de Horrigan como un agente que, pese a todo, vive con la misma calma con la que toca el piano en los bares.

Por cierto: viendo la escena inicial, la clásica de incógnito, sigo convencido de que Eastwood dispara (simula, claro) de una forma y nadie debe decirle nada. Es decir, es similar a Dirty Harry y sin duda es un estilo muy western, a una mano, sin demasiada flexión y, con perdón, pero un poco lento y poco creíble. Suerte que sólo es esa escena! (me imagino que Eastwood lo quería así y los directores no le decían o no podían decir nada.

Huelga decir que Eastwood y Malkovich aportan quilates en el resultado final y una mezcla curiosa de estilos, más tradicional en el primer caso, más metódica y moderna en el segundo. Russo, como siempre, es un valor seguro. Tiene un don para que te creas sus papeles o soy yo?

El guión ofrece diálogos habituales en este tipo de films pero hay una joya al final. Antes, Horrigan comenta que después de vivir en NY le gusta usar el transporte público. Más tarde, al final:

Frank, the president sent his limo for you.

I love public transportation.



Si algo tiene In the Line of Fire es una parte final vibrante, redonda: Horrigan es trasladado a la avanzadilla de la siguiente parada del Presidente, en San Diego, por lo que se dispone a dejar Los Ángeles (adonde el Presidente tiene una cena de gala en un hotel de lujo y donde Leary pretende matarle), y por una de aquellas casualidades da con la resolución de una pista que le llevará, finalmente, a obtener el nombre falso que ha usado Leary para colarse en la cena como un jefazo de una empresa tecnológica que aporta su dinero a la causa.

Horrigan regresa a tiempo (merced a un taxista que tiene pinta de verse motivado al ayudar al servicio secreto), entra en la cena, le dan la lista de los invitados y localiza a Leary en una mezcla de imágenes en las que vamos viendo como este monta su arma especial, diseñada y fabricada por él mismo con materiales que le han permitido el paso por el arco de seguridad. Horrigan se da cuenta de que Leary está a punto de disparar y se lanza a salvar, ahora sí, al Presidente recibiendo una bala por él.

Leary se lleva a un Horrigan herido leve (llevaba chaleco) a uno de los ascensores mientras Raines dirige a los tiradores de élite en su intento de acabar con la amenaza. Leary deja a oscuras el ascensor por lo que Horrigan usa el comunicador para hablar con Raines y poder decirle donde apuntar para terminar con la amenaza. Al final es Horrigan quien, en un forcejeo poco logrado (insisto, Eastwood es como lento), deja a Leary listo para que se deje caer al vacío.

La escena:





La BSO de Ennio Morricone, muy clásica, es otro de los ingredientes esenciales de un film muy logrado por parte de Wolfgang Petersen.

Esta recuerdo que comentaste que te gustó; y suscribo coma por coma tu crítica. In the Line of Fire podría ser de las mejores (sino la mejor) película de Clint Eastwood no acreditado ni en la dirección o via producción (al menos oficialmente, que este es como Spielberg, puede hacer lo que le de la real gana). Un grandísimo thriller de acción, que efectivamente la clave está, a parte de Eastwood y Malkovich, en el buen tino de Wolfang Petersen en lograr el equilibrio tanto en personajes como historia. Eso sí, lo único que siempre me ha chocado un poco es que el Servicio Secreto se encargue de una operacióde falsificación de billetes; ignoro si podría ser una competencia propia, pero sería más adecuado para la policía, federales o FBI. En el contexto de la película encajaría más a un Callahan o Riggs, pero bueno, podemos aceptar pulpo porque la película es muy, muy buena, a mí me encanta, y eso que la habré visto cientos de veces.

Y, por cierto, hay algo también de trabajo vía CGI (como en el mitín del Presdiente y en alguna otra escena).

CHEYENNE AUTUMN era una película de la que no se sentía muy orgulloso debido a la interferencia de los productores (se entiende los jefazos de la Warner Bros. que distribuían la película, ya que tanto ésta como la siguiente (7 WOMEN (1966, SIETE MUJERES)) fueron co-producciones entre la compañía de John Ford y la de Bernard Smith (que ya había hecho saltar las taquillas con HOW THE WEST WAS WON (1962, LA CONQUISTA DEL OESTE), primera película en Cinerama)

Me creerás si te digo que Cheyenne Autumn es la única película de John Ford que se me hace un poco larga y aburrida; encuentro un poco a Ford a rebufo, como haciendo la película obligado; no veo interesés en los personajes (el de Widmarck desaparece media hora y no se sabe bien por qué); el Wyatt Earpp de James Stewart es totalmente prescincible, y no sé qué pinta en la historia, ni el perfíl de pasota que le da Ford.

Y te doy la razón, Alcaudón, El Duque era un grande, muy buen actor, al que le perjudicó el encasillamiento en el Western, pero demostró que se sabía encajar papeles muy variados a lo largo de su carrera.

Iniciado por sunshine

Yo tengo una opinión muy parecida a la tuya, Charles. Disfruto de ambas cosas, pero en los doblajes en mi caso, estoy seguro de que es por nostalgia. Todas las películas que descubrí con buenos doblajes, las sigo disfrutando actualmente, aunque todo lo que veo sólo, suele ser en VO. Hace poco vi "Sopa de ganso" en VO, y me encantó verla así, pero lo que yo disfruté esa película doblada cuando era niño viéndola con mi abuelo como 20 veces no se volverá a repetir. Los doblajes de los hermanos Marx, salvo dos o tres chorradas (aún recuerdo en "Un día en las carreras" que mencionan a Fidel Castro, en una peli del 37, 22 años antes de la revolución ), me gustan mucho.
Desde que vi "Rocco y sus hermanos" en VO, de madrugada, impresionado por la que me pareció una de las más grandes películas que había visto, mi universo cinéfilo dio un giro. Cuando posteriormente empecé a verla en el programa de Garci doblada, tuve que dejarla. Era otra película, y muy inferior. No había emoción.
Luego, en 1999, vi en un cine en V.O. "Sunshine", de Istvan Szabó. La película me conmovió profundamente, sobre todo la historia del esgrimista olímpico. Aquella película en gran pantalla y VO fue una experiencia irrepetible. Después, en familia, y doblada, pues era otra película, no la que yo vi en 1999.
Hay películas que he visto en VO y que jamás veré dobladas, y hay doblajes que visitaré con frecuencia, qué le voy a hacer.
Cada uno tiene su historia con los doblajes y las V.O.s, pero esta es la mía
Saludos

El tema de la nostalgia en los doblajes es algo que a mi me pasa con muy pocas películas. En general veo encantado películas de mi época en VO (ya sea Star Wars, Superman, Tiburón...) no tengo problema.

A mi me pasan cosas en ambos sentidos. Por una parte, hay doblajes que me gustan especialmente (por ejemplo, los de Ben-Hur, La ventana indiscreta de Hitchcock, 20.000 leguas de viaje submarino...) me gustan, como digo, por su doblaje. Algunas las vi en mi infancia y otras de adulto (como 20.000 leguas... que la vi ya veinteañero y en DVD).

Respecto a la nostalgia, creo que solo hay un doblaje que realmente me parezca "insustitutible" por nostalgia, el de la primera película qe vi en mi vida, el King Kong de 1976. La he visto en VO, cuando compré el DVD, pero creo que esa película la veré siempre doblada.

Pero también me pasa lo que dice Jane. Hay actores que no puedo ver doblados. Casi todos los "fantásticos", pero especialmente Vincent Price (alguien dijo una vez que ver a Price doblado es como comerse el cucurucho sin helado, y estoy plenamente de acuerdo) Boris Karloff, Christopher Lee y Peter Cushing.

Y lo de la falta de dominio de idiomas creo que no es excusa. Nunca me he planteado aprender japonés, por ejemplo, o ruso, pero eso no quita que prefiero ver las películas de esas cinematografías en VO. Más bien pienso lo contrario: la falta de dominio de otros idiomas, mal endémico hispano, tiene en los doblajes, sino la causa (eso sería exagerar), si uno de sus puntales.

Bueno mad, hoy en día no es excusa, pero yo creo que hasta hace unos 20-25 años, ver películas en VOSE en España era casi imposible. Por un lado, su disponibilidad era limitadísima a los cuatro festivales que hubiese y a un par de cines de arte y ensayo en las principales capitales; y por otro, lamentablemente, el índice de alfabetización de nuestro país no era para estar muy orgulloso. Y conforme retrocedemos, peor es el panorama.

Creo que fue en los 80/90 cuando La2 empezó a emitir películas en VOSE, maravillosa iniciativa (así vi en su idioma original películas como La naranja mecánica, El club de los cinco o La escalera de caracol). Más adelante, con la llegada del láser disc empezó a democratizarse el asunto (aunque el láser disc fue totalmente anecdótico en nuestro país) y desde que apareció el DVD, sí que no hay excusa.

Respecto a la nostalgia, creo que solo hay un doblaje que realmente me parezca "insustitutible" por nostalgia, el de la primera película qe vi en mi vida, el King Kong de 1976. La he visto en VO, cuando compré el DVD, pero creo que esa película la veré siempre doblada.

Es como el redoblaje de Tiburón, horrible. El doblaje originario lo conservaba la primera edición en DVD, actualmente descatalogada. Eso sin hablar del doblaje de los Hermanos Marx, que se carga todos los matices y se inventan palabras de los chistes de Groucho, entre él y Chico, o las traducciones de Chico a Harpo. Eso sin entrar en el redoblaje de Sopa de Ganso, infinitamente peor al primero.