Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Sé de más de uno (sin ir más lejos yo mismo, pero reconozco que es un poco una pose para j***r) que "da por terminada" la filmografía de Scorsese con su última colaboración con Schrader, "Al límite" (para más inri, protagonizada por Nicolas Cage). O al menos, la última en la que se reconocía al "viejo" Scorsese hasta que llegó "El lobo de Wall Street".

Halloween 2: Sanguinario

Antes de ponerme con esta saga, me dijeron que a diferencia de la de Viernes 13, aquí no existían elementos sobrenaturales, pero sinceramente, viendo el final de la 1ª película costaba creerlo, pero ahora tras haber visto la 2ª... creo que no hay lugar a dudas: Myers no es humano, personalmente creo que lo que dice el Dr. sobre que es el mal mismo, no es una hipérbole suya, sino la realidad del personaje, de lo contrario no se explica que haya sobrevivido como si nada a 8 disparos a bocajarro y varios apuñalamientos, caminando como si nada. En lo referente a la historia... a ver, me resulta interesante que transcurra inmediatamente despujés del final de la 1ª, ahora bien, no supieron aprovecharlo como es debido, la peli en líneas generales resulta aburrida, lo único interesante argumentalmente hablando, es la rebelación que hacen sobre el personaje de Myers, en la conversación que tienen el Dr. Loomis y la enfermera cerca del final. El personaje de Jamie Lee Curtis se ve relegado a un 2º plano a favor del Dr., en esta primera secuela a penas dice 4 frases en toda la película, básicamente se la pasa durmiendo o drogada XD

En lo referente al trabajo de los actores... sinceramente no destacaría a nadie salvo a Donald Pleasence.

A nivel técnico, la peli se ve mucho más ambiciosa que la original, normal por otra parte, ya que la 1ª costó 300.000 $ y ésta 2,5 millones, ¡casi nada! Destacar las muertes, que se ven guapillas, en especial la escena de la morgue, muy chula en su conclusión y un claro ejemplo de que Halloween 2 contaba con mucho más medios.

Un aspecto negativo que no me gustó nada, fue el cambio en la música, concretamente en el tema principal y que ponen al principio de la peli, durante los créditos iniciales, ¡vomitiva!, sonaba como a un videojuego tipo Comecocos XD , ¡patético!

Y para ir terminando, comentar el tema de las enfermeras que vemos en el hospital, ¡sr.!, que me digan donde hay enfermeras como esas, que voy corriendo a que me curen XD , ¡menudas tetas luce la novia del conductor de la ambulancia en la escena del jacuzzi!

Pese a que la película ingresó mucho menos en la taquilla de EE.UU. que la película original, su bajo presupuesto (2,5 millones) la convierten en un claro éxito económico al ingresar sólo en EE.UU. 25,5 millones.

Nota: 2/10

Iniciado por ChuacheFan

¡Que locura de taquilla!, la peli tan sólo costó 325.000 $ (otras fuentes hablan de 300.000) e ingresó mundialmente la friolera de 70 millones; a eso le llamo yo sacar rendimiento a una inversión.

De hecho Halloween '78 sigue en el podio slasher norteamericano de todos los tiempos, como la 3a de mayor éxito, tras las dos primeras entregas de Scream.

Retomando hilos...

REVISANDO CLÁSICOS: ROGER CORMAN (II).

PIT AND THE PENDULUM (1961, EL PÉNDULO DE LA MUERTE)



Estudio: Alta Vista Productions / American-International Pictures

Productor: Roger Corman.

Guión: Richard Matheson, basado en el cuento “El pozo y el péndulo” (en The Gift: A Christmas and New Year's Present for 1843, Filadelfia, 1842).

Dirección artística: Daniel Haller.

Fotografía: Floyd Crosby (en Pathé Color y Panavision).

Música: Les Baxter.

Reparto: Vincent Price (Nicholas Medina), John Kerr (Francis Barnard), Barbara Steele (Elizabeth Barnard/Medina), Luana Anders (Catherine Medina), Anthony Carbone (Dr. Charles Leon).

Duración: 80 minutos.

Inicio de rodaje: 4 de enero de 1961.

Estreno: 23 de agosto de 1961.

Segunda de las ocho “adaptaciones” de la obra de Edgar Allan Poe por parte del (primero) productor y (luego) director Roger Corman después del fenomenal éxito en taquilla de THE FALL OF THE HOUSE OF USHER (1960, LA CAÍDA DE LA CASA USHER).



Usando el mismo equipo técnico (el excelente (escritor y) guionista Richard Matheson (elaborando una historia de deshonor y venganza a partir del escueto texto de Poe); el imaginativo director artístico Daniel Haller (reutilizando una y otra vez los mismos decorados); la excepcional fotografía en Scope¹ y color del gran Floyd Crosby (que debutó, nada más y nada menos, que de la mano de Murnau en TABU: A STORY OF THE SOUTH SEAS (1931, TABÚ)); la atmosférica música de Les Baxter (que se encargaría de las nuevas bandas sonoras de las películas del maestro Mario Bava estrenadas en los EEUU); la decisiva labor del montador Anthony Carras (probablemente el profesional con el que el director tiene una labor más estrecha); y, por supuesto, el gran protagonista de la mayor parte de esta serie de películas, el inmarcesible Vincent Price, toda una garantía de calidad y de saber estar tras los focos) y habiendo costado sólo 30.000 dólares más que su predecesora, superaría a la misma igualmente en taquilla llegando a los 2.000.000 de dólares de recaudación.

La historia transcurre en nuestro país (al igual que en el relato que toma como base) y la fecha la podemos situar exactamente en 1546.

Al inicio de la proyección observamos la llegada de un carruaje que transporta a nuestro “héroe”, Francis Barnard (un hosco John Kerr), al castillo de Nicholas² Medina (Vincent Price). Sin embargo, al igual que en DRÁCULA (la versión de la Universal con Dwight Frye haciendo de Renfield (en la novela, Harker) o la de la Hammer con John Van Eyssen haciendo (ahora sí) de Harker (en este caso en “off”)) el cochero se niega a aproximarse más y abandona al pasajero y su equipaje en la desolada playa que está próxima al citado castillo.



A través de una niebla espesa como puré de guisantes (y heredada de la primera película del ciclo) Francis llega al castillo de los Medina donde le recibe la hermana de Nicholas, la bella Catherine (Luana Anders).

La misión que ha llevado a Francis desde Inglaterra a España es la misteriosa muerte de su querida hermana Elizabeth (Barbara Steele (aquí, por cierto, incomprensiblemente doblada – al igual que (más lógicamente) en la ópera prima de Mario Bava, LA MASCHERA DEL DEMONIO (1960, LA MÁSCARA DEL DEMONIO) - ).

Al principio se le comunica que su hermana murió por una “enfermedad de la sangre” hace seis meses, algo que sorprende a Francis pues Elizabeth siempre había gozado de una excelente salud.

Durante la cena, la llegada del Dr. Leon (sin acento en la o) le servirá a Francis para inquirir más a fondo sobre la causa de la muerte de su hermana, a lo que el doctor le comunica que murió de un “ataque al corazón” debido a un fuerte “shock”.

Al exigir Francis saber dónde murió Elizabeth es llevado con reticencia a las mazmorras donde el padre de Nicholas y Catherine, Sebastian (sin acento en la a), ejercía su labor como inquisidor, torturando (y disfrutando) de su trabajo.

Al parecer, Elizabeth empezó a obsesionarse con los instrumentos de tortura de Sebastian y finalmente fue encontrada un día encerrada en “la doncella de hierro” (aquí tenemos un “homenaje” a la (justamente) famosa escena inicial de la citada obra maestra de Mario Bava y esa Máscara del Demonio). Una vez liberada de su encierro, “muere” y susurra el nombre de Sebastian. (Ojo, no muere por efecto del instrumento de tortura (un “pequeño” gazapo que se nos pretende colar y que servirá en la resolución de la historia)).



Un Nicholas que se considera culpable (inintencionadamente) de la muerte de su esposa por permitirla bajar a las mazmorras (no se entiende que, simplemente, se cerrara el acceso a las mismas tapiando la entrada).

Y un Francis más convencido de la culpabilidad de Nicholas escuchará de labios de Catherine el motivo por el que su hermano se ve como agente inductor de la muerte de su esposa.

Siendo un niño y desobedeciendo las órdenes de su padre, se internó en las mazmorras sólo con el fin de curiosear un poco y desgraciadamente fue testigo de cómo su enajenado progenitor mataba a golpes a su hermano y luego torturaba hasta la muerte a su joven esposa, acusándoles a ambos de adúlteros.



Sin embargo posteriormente el Dr. Leon completa la explicación, una explicación más atroz todavía que el relato de Catherine: Isabella (la esposa de Sebastian) no fue torturada hasta la muerte sino que fue emparedada en vida.

Abreviando que se acerca la hora de las brujas y los lobos ya están aullando frente a mi puerta.

Finalmente veremos que todo lo que acontece en la película no es más que un montaje de Elizabeth y el doctor, amantes en secreto al igual que Isabella y Bartolome, para enloquecer a un ya inestable Nicholas y quedarse con el castillo y con su fortuna. Pero al final les saldrá el tiro por la culata...





Un final con “sorpresa” que sirve para cerrar una historia que mantiene bastantes concomitancias con HOUSE OF USHER, sustituyendo al más simpático (y guapo) Mark Damon por John Kerr y con similar misión – la llegada del primero en búsqueda de su prometida, aquí el descubrir qué pasó con su hermana -; la catalepsia como vehículo central de la trama; la catársis final con la muerte del sufrido hermano/esposo y, por supuesto, las famosas escenas oníricas o del pasado magníficamente recreadas en un sólo color, marca de la casa.

Ah, y en cuanto al título: el pozo es donde finalmente hallará su muerte el desquiciado Nicholas y el péndulo (sin duda, una escena de suspense notablemente bien diseñada), el instrumento favorito de su padre y que está a punto de costar la vida a nuestro "héroe".



En cualquier caso una muy atractiva película aunque no logra superar los méritos de su predecesora y que sirve para corroborar la tésis de que si hay talento detrás no es tan importante contar con un abultado presupuesto para contar una historia con pasión y sabiduría.

Dulces sueños.



¹ Recordemos que la mencionada HOUSE OF USHER (como también se la tituló) fue la primera película norteamericana de terror rodada en anamórfico y color.

² No deja de ser curioso que pese a estar en España los nombres de los habitantes del castillo (incluido el del doctor) sean ingleses. Y todavía más peculiar es que los mismos se expresen igual de bien en la lengua de Shakespeare que el inquisitivo (que no inquisidor) Francis.



Fuente para el comentario: la espléndida edición en BD de mano de la británica Arrow, dentro de su colección Arrow Video, editada en 2014, con una excelente calidad de imagen y sonido y numerosos y apetitosos extras. Eso sí, subtítulos sólo en inglés.

¿A que no sabíais que Floyd Crosby fue el padre de David Crosby, el de Stills, Nash & Young?

Y el director de fotografía de HIGH NOON (1952, SOLO ANTE EL PELIGRO) de Fred Zinnemann.

Possum,
un Titiritero que parece perdio su trabajo debe volver a su antigua casa donde vivia con sus padres,siempre carga con el lo que parece el origen de su desgracia,una maleta de viaje en la que guarda la Marioneta que hizo que le despidieran.

al parecer no puede deshacerse del engendro que el mismo creo por mas que lo intenta de diversas formas,la Marioneta siempre vuelve a el.

una de esas peliculas especialitas...,el actor principal Sean Harris lo hace realmente bien,la Atmosfera de la pelicula es atsolutamente opresora,muy pocos actores muy pocos escenarios,consigue mantener espectante hasta el final.

como se suele decir "no es pelicula para todo el mundo",imho a poco que te gusten este tipo de dramas Psicologicos te resultara interesante,tiene algo de Terror,escenas impactantes,esta muy bien rodada.

saludos.

Halloween 3: El Dia de la Bruja

Unas horas antes de ponerme a ver esta 3ª parte, supe gracias a mi amigo Predator, que esta 3ª entrega no tenía nada que ver con Jason y es que por lo visto, según me comentó, "la idea original de los productores era hacer una antología de terror con el nombre de Halloween y que cada película fuese una historía independiente y auto conclusiva" y claro, viendo el exitazo que tuvo la 1ª y como pegó el personaje de Myers, dejaron la idea en barbecho y rescataron al personaje para la 2ª parte, pero ya en esta 3ª decidieron volver al planteamiento inicial; grave error.

Halloween 3 es un disparate que mezcla suspense con ciencia-ficción (sí, menudo cambio de tono con respecto a las dos primeras XD). La historia... a ver, no digo que sea mala en su totalidad, tiene elementos interesantes y aprovechables, pero no para una película de Halloween, aquí no pega ni con cola, donde sí lo habría visto interesante es en un capítulo de Expediente X (con algunas modificaciones, claro), incluso habría podido dar para un capítulo doble. El rítmo de la película es desesperante, leeeenta como ella sola, ¡que aburrimiento!

Del reparto, no hay nadie conocido salvo quizás un poquito el prota y el malo, al primero siempre lo asociaré con su participación en Arma Letal, donde daba vida al amigo de Murtagh, aquel veterano de Vietnam que le había salvado la vida y por otra parte, el segundo, quien en Robocop (1987) diese vida al viejales jefe de la OCP. Sinceramente, ninguno de ellos hace un trabajo destacable y eso que son "lo mejorcito" de la peli en cuanto al reparto, con eso lo digo todo. Lástima como desperdiciaron el "talento" de la chica, ¡no se le ve nada!, sin embargo bien que nos enseñan un plano del culo del prota XD , ¡que asco!

La película mantuvo el presupuesto de la 2ª entrega, 2,5 millones, pero lo recaudado fue muy inferior, pasando de los 25,5 millones de la 2ª, a los 14,4 de ésta. Pese a todo, supongo que la peli haría dinero.

Nota: 0/10

Halloween 4: El Regreso de Michael Myers

Hasta el momento, esta 4ª parte ha sido para mí la mejor de la saga o bueno, quizás sería más justo decir la menos mala XD

Para empezar, es sin duda la película que mejor rítmo tiene, hay momentos incluso entretenidos, más que nada en el tramo final, pero aún así, en líneas generales la peli es aburrida, se centran en exceso en el personaje de la hermanastra de la niña y su novio, eso es algo que no me interesa en absoluto, debieron incidir más en Myers y el Dr. y hablando de éste, me resultó interesante como continuaron con la leyenda de Myers, el Dr. Loomis y Laurie (pese aque esta última no aparece). Viendo como termina Myers en esta 4ª entrega, quien me venga a decir que al personaje no le rodea ningún factor sobrenatural... cojo y me lo cargo XD , ¡es imposible!, está claro que el tío es algún tipo de ser maligno con facultades inhumanas, no hay otra explicación para taaaanto aguante XD

En lo concerniente al reparto, creo que todos cumplen, pero quien más me llamó la atención, fue la chiquilla, sinceramente creo que lo hizo muy bien, da mucha pena ver por todo lo que está pasando.

Por ahora, técnicamente hablando es la que mejor luce.

Por cierto, no menudo cuerpazo gasta la rubiaca hija del sheriff, un culo infartante y unas mamelas que prometían mucho, ¡nunca le perdonaré al director que no las mostrase XD!

Para el regreso de Michael Myers a la franquicia, el presupuesto aumento de forma considerable, pasando de los 2,5 millones que habían costado la 2ª y 3ª, a los 5 millones de ésta, aunque también hay que tener en cuenta que esta nueva entrega se hizo en 1988, esdecir 6 años después de la 3ª. Los ingresos del film subieron respecto a la anterior secuela, ascendiendo hasta los 17,7 millones.

Nota: 3/10

Iniciado por Alcaudón

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² No deja de ser curioso que pese a estar en España los nombres de los habitantes del castillo (incluido el del doctor) sean ingleses. Y todavía más peculiar es que los mismos se expresen igual de bien en la lengua de Shakespeare que el inquisitivo (que no inquisidor) Francis.
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Otra curiosidad, o infidelidad a Poe, es que se sitúe el castillo junto al mar, cuando en el relato original la acción transcurre en Toledo, en la época de la invasión napoleónica.

Es que un castillo frente al mar parece más gótico...

Marchándome con los deberes hechos...

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE XIII:

BIGGER THAN LIFE (1956)



Estudio: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Productor: James Mason.

Guión: Cyril Hume y Richard Maibaum, basado en el artículo “Ten Feet Tall” de Berton Roueché (The New Yorker, 10 de septiembre de 1955).

Dirección artística: Lyle R. Wheeler y Jack Martin Smith.

Fotografía: Joseph MacDonald (en color by De Luxe y CinemaScope).

Asesor de color: Leonard Doss.

Música: David Raksin.

Reparto: James Mason (Ed Avery), Barbara Rush (Lou Avery), Walter Matthau (Wally Gibbs), Robert Simon (Dr. Norton), Christopher Olsen (Richie Avery), Roland Winters (Dr. Ruric).

Duración: 95 minutos.

Inicio de rodaje: abril de 1956.

Estreno: 2 de agosto de 1956.

Aunque podría considerarse más una película del actor (y en este caso también productor) James Mason (1909-1984) (que además intervino en el guión final) ya que fue el astro quien adquirió los derechos del artículo de Roueché, Nicholas Ray la llevó a su propio terreno y firmó una excelente cinta, poco recordada tal vez, pero que yo incluiría sin dudarlo entre sus obras maestras.

El artículo original de Roueché se basaba en la historia real de Robert Laurence, un maestro de Long Island, Nueva York, a quien tras numerosas pruebas se le diagnosticó “periarteritis nodosa”, una enfermedad rara que producía una inflamación de las arterias y que en la mayoría de los casos producía la muerte del individuo en menos de un año tras el primer ataque. Para tratarla se usó un nuevo medicamento que estaba en fase de experimentación, la hormona cortisona. Pero, como veremos en la película (que refleja bastante fielmente lo que le pasó a Robert en la vida real), los efectos de dicha droga, si sus dosis no se ajustaban a lo prescrito por los médicos, podían ser devastadoras en la psique del paciente.

Como decíamos, aunque el guión viene firmado por Hume y Maibaum, quienes derivaron la historia hacia la sempiterna dualidad Dr. Jekyll/Mr.Hyde desatada por el consumo incontrolado del medicamento, cosa que no gustaba a Ray ni a Mason, el primero reescribiría en buena parte el mismo con la ayuda de Gavin Lambert (amante por aquella época del director (¡!)) y posteriormente del prestigioso dramaturgo Clifford Odets (que ideó el final), además de aportaciones puntuales del propio actor (por ejemplo, cuando en el primer día de clase tras la salida del hospital el protagonista le pregunta a uno de sus alumnos por qué Casio se refería a Julio César llamándole “coloso” (en referencia a su papel de Bruto en la película de Mankiewicz JULIUS CAESAR (1953, JULIO CÉSAR)), escena aparentemente banal pero que parece presagiar ese estadío de superhombre que alcanzará debido a la sobredosis en la ingestión de la droga (antes de entrar en el colegio le dice a su esposa que se siente como un hombre de “diez pies de altura” (de ahí el título del artículo original de Roueché)).



La película no se anda por las ramas. Tan pronto como finalizan los títulos de crédito, joviales, con los niños saliendo a la carrera de la escuela (la escuela, como símbolo de la educación, tendrá una importancia capital en el desarrollo de la historia) vemos a nuestro protagonista, Ed Avery (un prodigioso James Mason), que sufre un ataque de su todavía por diagnosticar enfermedad y que se ha quedado con el alumno más torpe de la clase (aquel a quien le preguntaría más tarde por la cita de Casio extraída de la obra teatral de Shakespeare) y al que deja marchar tras “ayudarlo” en el sencillo test que le había planteado.



Ed, necesitado de un dinero extra (una alusión nada velada al escaso valor que entonces (y ahora) se le daba (y se le da) a un sector tan absolutamente básico en nuestra sociedad como es la educación (o en mi caso, el de la sanidad, que viene a ser lo mismo)), trabaja en una compañía de taxis atendiendo las llamadas de los clientes.

Tras llegar agotado a casa, le recibe su joven y hermosa esposa, Lou (una excelente y bellísima Barbara Rush) y su hijo Richie (un notable Christopher Olsen) y tras una velada con unos amigos, al retirarse y mientras suben la escalera (la escalera, al igual que en REBELDE SIN CAUSA, tendrá una simbología especial como lugar donde escenificar las escenas más drámaticas) Ed y Lou tendrán una pequeña discusión cuando después de que su esposa le comente que algunos de sus invitados son “aburridos”, Ed le espete que ellos también lo son (lo que parece corroborar la decoración de la casa llena de cuadros y pósters de ciudades y lugares a los que les hubiera gustado visitar, ilusión insatisfecha por una vida monótona y exenta de alicientes). Es entonces, en una magnífica escena en “off” que Ed sufre un desvanecimiento. Después de ser atendido por el médico éste le comunica que debe ingresar en el hospital para que le hagan algunas pruebas para determinar las causas que lo han provocado. Cuando está a punto de salir de casa, Ed sufre un nuevo ataque y en otra escena de notable dramatismo la mano de Ed se queda aferrada al timbre de la puerta de la entrada sin poder soltarlo. Sólo vemos a su esposa tratando de ayudarlo y el brazo de Ed que no puede dejar de tocar el timbre. Una escena admirable en su sencillez.



En el hospital, tras innumerables pruebas (en la primera, mientras le hacen una radiografía, observamos con admiración como el bario ingerido por Ed baja rápidamente por su tubo digestivo (una escena casi divertida si no fuera tan dramática)), le diagnostican la enfermedad referida y tras probar con la cortisona, vemos como los ataques de Ed van progresivamente decreciendo (otra escena magnífica es aquella en la que muestra la gráfica que refleja el suministro de la dosis y la disminución del dolor, superpuesta a los ataques que sufre).

Finalmente, cuando dan con la dosis idónea de cortisona, Ed puede abandonar el hospital como un hombre nuevo, completamente restablecido y con una enorme vitalidad. Eso sí, tendrá que tomar una tableta cada seis horas y nunca podrá dejar el tratamiento. Y además sufrirá revisiones periódicas para hacer un seguimiento del mismo y ver los posibles efectos adversos de un tratamiento todavía en fase de experimentación.

Tan pronto como acaba sus clases y donde vemos a Ed que ya empieza a no controlar si ha tomado o no la tableta, se lleva a su mujer y su hijo de compras. Mostrando ya atisbos de un comportamiento anormal (otra escena formidable, la forma en la que se desenvuelve Ed en la tienda de alta costura, usando ademanes y alzando la voz, cosa impensable en la persona tan educada y correcta (¿aburrida?) que había sido hasta entonces), gasta una enorme suma de dinero en caros vestidos para su esposa (unos vestidos que luce maravillosamente Barbara Rush, el primero naranja/rojizo, color que Ray gusta de destacar siempre en sus películas y que para él tenía una significado especial – dramático – como veremos en el desenlace de la trama) y una bicicleta último modelo para su hijo.





En otra escena maravillosa, cuando Ed le pide a Lou que le traiga cazuelas con agua caliente para darse un baño relajante (su caldera está vieja y necesita reparaciones), abre el armarito donde guarda las medicinas y toma sus “dosis” de cortisona. La imagen que le refleja el espejo es la de alguien distinto, superior y a quien sus incipientes delirios de grandeza comienzan a consumirle. Una Lou cansada del comportamiento despótico de su esposo rompe el espejo en el que éste se miraba. La imagen que reflejan los pedazos rotos del espejo son una metáfora de las grietas que empiezan a resquebrajar la auténtica personalidad de Ed y que harán salir al exterior sus demonios personales * (algo que Roman Polanski llevó a sus extremas consecuencias en REPULSIÓN, película que comentamos recientemente en https://www.mundodvd.com/roman-polan...ulas-147997/3/). La discusión ha desequilibrado a un Ed que toma ahora sus tabletas a puñados y cuando va a la revisión médica le comenta como de pasada al doctor que por una negligencia ha perdido parte de la medicación y que necesita una nueva receta.

* [Y que tendrá su réplica cuando Richie, buscando la medicina que está destruyendo a su progenitor, mueve sin querer el pequeño espejo que había en el aparador y al cerrar los cajones y volver el espejo a su posición inicial vemos el rostro iracundo de Ed, la versión distorsionado de lo que antes era un esposo devoto y un padre ejemplar].



La antológica secuencia de la reunión de los padres de los alumnos y de los profesores en la escuela acaba siendo una ida de olla de Ed quien además de despreciar y de insultar a sus alumnos propone, como si fuese un profeta del Viejo Testamento, una reforma radical en los métodos de enseñanza, olvidando las nuevas técnicas que según él debilitan a los niños y volviendo a los valores tradicionales (trabajo duro, autodisciplina y sentido del deber). Un Ed que fumando un cigarrillo tranquilamente domina el escenario con su autoridad como si de un patricio romano se tratase (¿un nuevo guiño?) y a quien los elogios de un desnortado padre parecen sentar especialmente bien (uno de los raros primerísimos planos que he podido observar en la película. El gesto de satisfacción de Ed parece casi obsceno).

Un Ed al que el mundo (y su antes querido hogar) parece que se le han quedado pequeños y que pretende dedicar el resto de su vida a esa nueva visión que pretende cambiar el sistema educativo de su país. Aunque para ello tenga que abandonar a su mujer y a su hijo.

Cuando parece que Ed ya ha tomado su decisión definitiva de marcharse, la llegada repentina de su hijo provocará un cambio de actitud en él pues se dará cuenta que su proyecto más importante será centrarse exclusivamente en la educación de su vástago. Un hijo al que no dejará en paz hasta que demuestre que es un ser racional, alguien como él y del que sentirse orgulloso. Otra escena admirablemente resuelta en un largo plano, tomado desde abajo, con Richie en el centro de la inmensa pantalla de CinemaScope (por cierto, un espléndido uso del mismo y además muy creativo, teniendo en cuenta que es un formato más agradecido para los espacios abiertos, pero que Ray usa maravillosamente en el espacio cerrado que es el hogar de los Avery) y Ed detrás de él, con su inmensa sombra detrás suyo. Aprovechando que por un momento Ed sale de la habitación, su esposa le lleva un vaso de leche al hambriento Richie. Cuando vuelve Ed y comprueba que su hijo por fin a resulto a su satisfacción el problema propuesto parece que tenemos un momento de paz.



Pero durante la cena, cuando la madre le sirve su vaso de leche a Richie, Ed se da cuenta de que la jarra no está llena. Emulando al Humphrey Bogart de THE CAINE MUTINY (1954, EL MOTÍN DEL CAINE) y su obsesión por las fresas, Ed vuelca todo su odio hacia su esposa, a la que repudia y a la que le dice que sólo seguirán viviendo bajo el mismo techo porque se ha consagrado completamente a la educación de su hijo.



A la vuelta de un servicio religioso en el que vemos a Ed molesto, harto de la palabrería sin sentido de una persona sin educación ni cultura, entramos en la resolución de la historia.



Un Ed que se toma literalmente en serio el pasaje de la Biblia en donde Abraham fue testado por Dios y pretenderá sacrificar a su hijo (y luego suicidarse él y su mujer, pues ya su vida no tendría objeto).





Sólo la llegada de su mejor amigo, el solterón Wally (un Walter Matthau en el inicio de su carrera) logrará detener por la fuerza la descabellada idea de Ed.

De vuelta en el hospital, Ed es sedado y le vuelven a dosificar correctamente la cortisona. Pero también le dicen a su mujer que los daños que ha podido sufrir su mente pueden ser irreversibles y puede que ni siquiera la reconozca a ella y a su hijo.

En ese final escrito sobre la marcha por Clifford Odets, Ed que habla como en sueños de la figura de Abraham Lincoln (una clara referencia al otro Abraham, el de la Biblia), despierta y para satisfacción de todos, vuelve a ser el mismo de antes. Horrorizado porque recuerda en lo que se había convertido por la mala dosificación de la medicina, se abraza a su mujer y a su hijo y un nuevo día se abre ante ellos.

Fin del telón.

Un par de curiosidades cinéfilas.

Barbara Rush (1927), heroína de un par de clásicos de la ciencia ficción como son WHEN WORLDS COLLIDE (1951, CUANDO LOS MUNDOS CHOCAN) [ya comentada en este mismo rincón] e IT CAME FROM OUTER SPACE (1953) [en ], también intervino en tres películas del gran Douglas Sirk: TAZA, SON OF COCHISE (1954, RAZA DE VIOLENCIA), MAGNIFICENT OBSESSION (1954, OBSESIÓN) y CAPTAIN LIGHTFOOT (1955, ORGULLO DE RAZA). Un actriz preciosa y de gran encanto por la que tengo especial devoción...



El niño Christopher Olsen (sin relación conocida con nuestra compañera Jane Olsen ) intervino ese mismo año (ya decía yo que me sonaba su cara) en el “autoremake” de THE MAN WHO KNEW TOO MUCH (1956, EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO) de Sir Alfred Hitchcock.



BIGGER THAN LIFE, calificativo que podría darse al propio director, fue la película que James Mason hizo después de intervenir en tres películas tan aparentemente disímiles como PRINCE VALIANT (1954, EL PRÍNCIPE VALIENTE) [igualmente comentada aquí], A STAR IS BORN (1954, HA NACIDO UNA ESTRELLA) y 20,000 LEAGUES UNDER THE SEA (1954, 20.000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO).

Querido amigo mad dog earle, te leo a la vuelta de mis (merecidas) vacaciones.

Un abrazo a todos.

P. D. Tenemos una reciente (2017) edición en BD de esta película con una excelente calidad de imagen y sonido de la mano de Karma Films.



P. P. D. Creo que esta vez se me ha ido la mano con el comentario. Debe ser la cortisona que tomo habitualmente...

Halloween 5: La Venganza de Michael Myers

Esta 5ª entrega es una secuela de la 4ª, retoman aquella historia justo donde terminó, por tanto y como es lógico, regresan tanto el personaje de la niña, como el de su hermanastra, el sheriff... y como no el del Dr. Loomis. Tras el despropósito de la 3ª, ésta ha sido sin duda la peor entrega hasta la fecha, el nivel ha bajado considerablemente con respecto a la 4ª, si aquella era en ocasiones entretenida, ésta no lo es en ningún momento, decir que es aburrida sería quedarse corto. El film está plagado de estupìdeces, pero el momento que se lleva la palma, es la escena en la que aparecen por 1ª vez los dos ayudantes del sheriff, tras la llamada de Rachel,¿a qué coj... venía esa música de circo?, ¡por Dios!, es que fue de vergüenza ajena, además de no pintar una leche con el tono de estas películas, se carga cualquier tipo de atmósfera de suspense. El único momento mínimamente interesante, es la parte del conducto de aire, al final de la película, el resto duerme a las ovejas.

La chiquilla de la anterior peli, repite aquí otra vez y sin duda su trabajo es lo mejor que tiene la película, resulta muy angustiante ver por la pesadilla que está pasando, los momentos en los que grita sin que de su garganta salga sonido alguno, son muy buenos.

En lo concerniente al presupuesto de esta película, hay muchas variaciones en función de la fuente que uno consulte; por un lado hablan de 3 millones (lo que sería un retroseso respecto de los 5 millones de la 4ª), otros dicen que de 5 y otros subió hasta los 6 millones. Su recaudación en EE.UU. fue de tan sólo 11,6 millones, la más baja de toda la saga.

Nota: 0,5/10

Igual me adelanto a los acontecimientos porque no las ha terminado, pero me voy a arriesgar... me da que a Chuachefan no le va a gustar la saga de Halloween.

No dejais de sorprenderme en este foro.

Iniciado por Narmer

Igual me adelanto a los acontecimientos porque no las ha terminado, pero me voy a arriesgar... me da que a Chuachefan no le va a gustar la saga de Halloween.

No dejais de sorprenderme en este foro.

Pues Narmer, yo aún con todo guardo esperanzas de que las dos de Rob Zombie y la nueva, me gusten , que pase algo así como con el remake-reboot de Viernes 13 (2009), que fue la única de la saga que me moló.

La segunda de Zombie está especialmente bien. Bastante mejor que la primera.

Iniciado por Narmer

Igual me adelanto a los acontecimientos porque no las ha terminado, pero me voy a arriesgar... me da que a Chuachefan no le va a gustar la saga de Halloween.

No dejais de sorprenderme en este foro.

Ojo que el slasher, en sus 3 sagas más representativas, hay muchísima paja. De hecho casi que la gracia del asunto es que son un montón de films idénticos, baratos, de aspecto muchas veces cutre, repitiendo fórmula con mayor o menor fortuna.

De esas tres sagas sólo salvaría, como buenos films, y recomendables para un no-conocedor del género, Halloween '78 (básicamente porque inicia el festival y marca la tendencia definitiva), Friday The 13th (la primera, aunque nos perdemos a Jason (o no ) pero es que el resto... Citaría la sexta por divertida y por ir a saco) y finalmente Nightmare on Elm Street 1 y 3. Y tal vez la 7a porque la premisa mola.

Es decir 4-5 films de 30 entregas!

Sin embargo recomendaría las 4 de Scream (inclusive la 3 sí, ya me gustaría que las menos buenas de citadas sagas tuvieran ese nivel) como un festival de coherencia con la propuesta a base de mantener guionista y director en todas las entregas (salvo el primero en Scream 3), con unos guiones solventes y una dirección cojonuda, divertidas y sobre todo inteligentes.

Y si hablamos de las Final Girl, Sydney Prescott se las come a todas. Tal vez salco del tema a Nancy Thompson, la cual, como buena Final Girl, se muestra inteligente ya en el primer ataque, deduciendo como salir sola de la pesadilla (se quema la mano) pero aún así Sydney... Joder, que puede con todos en 4 films y siempre porque aprende sobre la marcha y, sobre todo, conoce las reglas.

Kevin Williamson es un mesías del slasher

Estos días de puente he aprovechado para visionar los films incluidos en un pack editado por L’Atelier 13 con el sugestivo título de Lionel Atwill. El doctor X: un sádico en Hollywood. Se trata de seis films que tienen como denominador común, además de su brevedad, la presencia de Atwill (1885-1946), actor inglés que destacó como uno de los mad doctors por antonomasia del cine de terror de serie B de la década de los 30 y primera mitad de los 40. Avanzo que en general se trata de buenas copias (salvo la más antigua, en color, que está en peores condiciones). Los seis films responden en general a un mismo patrón: personaje sádico, asesino, o enloquecido; pareja romántica; y alivio cómico, sea el género de terror, de ciencia ficción o de misterio, con cierta tendencia a un planteamiento argumental bajo el esquema del whodunit. Por orden cronológico:

El doctor X (Doctor X) (1932), dirigida por Michael Curtiz, el director más prestigioso con diferencia de todo el lote. Se trata de un film rodado en Technicolor de dos colores (como la posterior Mystery of the Wax Museum). Un periodista neoyorquino (Lee Tracy, que a la vez es el héroe, el personaje romántico y el alivio cómico) investiga por su cuenta y riesgo el caso del llamado asesino de la Luna. Las pistas apuntan a un instituto de investigación dirigido por el doctor Xavier (Atwill) junto a cuatro científicos más. Con ellos vive la hija de Xavier, la chillona Fay Wray (que como es de esperar se enamorará del periodista). Xavier organiza un alucinante experimento para descubrir al asesino (se pone el énfasis en los aparatos del laboratorio), que será uno de sus colegas, personaje que se transforma en una especie de monstruo mediante la aplicación de carne sintética. Argumento delirante, pero como suele ser el caso, simpático. Al parecer se rodó simultáneamente también en blanco y negro que presenta diferencias en los encuadres.



El asesino diabólico (Murders in the Zoo) (1933), de Edward Sutherland. En esta ocasión Atwill es un cazador de animales salvajes, Eric Gorman, que luego vende a los zoológicos. El inicio del film es lo mejor: como castigo al atrevimiento de un hombre que ha besado a su mujer, le cose la boca y lo abandona a su suerte en medio de la jungla, muriendo al poco tiempo. La acción se traslada al barco que lo lleva a él y a su mujer de regreso a Estados Unidos. Durante la travesía, su mujer, Evelyn (la exótica Kathleen Burke) establece una relación con un joven. Ya en tierra, Gorman va a dar salida a sus celos patológicos eliminando al rival. El asesinato será investigado por un periodista borrachín (Charles Ruggles, que aporta los elementos cómicos), con la ayuda de una pareja que trabaja en el laboratorio del zoológico (la pareja romántica de rigor, que son Randolph Scott y Gail Patrick). Gorman, que no se anda con chiquitas, echará literalmente a su mujer a los cocodrilos, aunque él, justicia divina, morirá aplastado entre los anillos de una enorme serpiente.



El hombre que fabricaba monstruos (Mad Made Monster) (1941), de George Waggner. Es quizá el film que me ha parecido más atractivo. Un mad doctor de manual, el Dr.Rigas (Atwill) investiga sobre la capacidad del cuerpo humano de acumular electricidad. Se sirve de Dan McCormick (Lon Chaney Jr.), un hombre que tiene una prodigiosa capacidad de resistir la electricidad y que ha sobrevivido a un accidente en que un autocar se ha estrellado contra una torre de alta tensión. Pero los excesos de Rigas lo convierten en un monstruo eléctrico a su pesar, y lo llevan a un final trágico inevitable. Waggner y Chaney Jr. repitieron poco después en la mítica The Wolf Man.



El médico loco (The Mad Doctor of Market Street) (1942), de Joseph H. Lewis. El mítico director de Gun Crazy entrega aquí un film de serie B a mayor gloria nuevamente de Atwill. El Dr.Benson investiga sobre la muerte, intentando evitarla en los seres humanos. Pero de momento lo que consigue es que mueran sus pacientes, lo cual lo obliga a dejar San Francisco. El barco que lo lleva por el Pacífico naufraga y él y otros miembros del pasaje y de la tripulación recalan en una isla donde los nativos lo adorarán porque consigue “resucitar” a una mujer que parecía muerte. Benson quiere aprovechar su posición para quedarse también con una de las mujeres naufragadas, Patricia (Claire Dodd), que viaja con su tía (Una Merkel, aquí el alivio cómico). Al final, mientras los sobrevivientes logran huir en un avión de rescate, Benson es castigado con la hoguera por los nativos que han descubierto sus engaños.




El extraño Doctor Rx (The Strange Case of Doctor Rx) (1942), de William Nigh. En este discreto film de un director en general tan mediocre como Nigh (por lo que le he visto), el papel de Atwill es secundario. El protagonista es un detective privado, Jerry Church (Patrick Knowles) que investigará una serie de asesinatos cometidos por alguien que firma Rx. Se trata de un claro whodunit porque tenemos diferentes opciones para sospechar, siendo uno de los sospechosos el Dr.Fish (Atwill), pero al final nada resultará como lo que parecía, después de una delirante secuencia en un laboratorio con participación de un gorila, en un giro completamente sorprendente, en cierta forma por absurdo e inconsistente. Aquí el alivio cómico lo pone Horatio, el criado negro de Church.



El monstruo nocturno (Night Monster) (1942), de Ford Beebe. También aquí el papel de Atwill es secundario (es uno de los médicos invitados por el propietario de la mansión). Es el film que se ciñe más claramente al modelo whodunit de todos los comentados: en una mansión aislada en medio de terrenos pantanosos, se reúne un grupo de personajes un tanto estrafalarios invitados por Kurt Ingston (Ralph Morgan) al tiempo que comienzan a producirse una serie de asesinatos. El héroe de la función es Dick Baldwin (Don Porter), que junto a una psicóloga que ha venido a tratar a la hija del patriarca, averiguará finalmente cuál es el secreto de los extraños asesinatos y quién es el culpable (en una resolución que nos aproxima al cine fantástico). Destaca la presencia de Bela Lugosi en un papel secundario como mayordomo.

Iniciado por Alcaudón

La segunda de Zombie está especialmente bien. Bastante mejor que la primera.

Pues fíjate lo que son las cosas, Alcaudón, un colegacho mío (Predator se llama), me dijo el otro día que de las dos de Rob Zombie estaban guapas, pero sobre todo la 1ª, que en la 2ª se le fue un poco la olla , ¡que maravilloso es el contraste de opiniones!, ¿eh?, por eso siempre disfruto leyendo reviews , coincida o no con ellas, mola mucho ver como otras personas se fijan en cosas en las que yo no había caído o les parece bueno algo que a mí me parece malo, etc .

Desde Grecia con amor.

El "pack" de Lionel Atwill me hubiera encantado haberlo conseguido cuando se editó.

En este mismo rincón ya comenté "long time ago" la película de Curtiz así como la otra de él que mencionas, siendo ambas las dos primeras películas fantásticas sonoras rodadas en Technicolor (bicromático).

Iniciado por Alcaudón

Desde Grecia con amor.

El "pack" de Lionel Atwill me hubiera encantado haberlo conseguido cuando se editó.

En este mismo rincón ya comenté "long time ago" la película de Curtiz así como la otra de él que mencionas, siendo ambas las dos primeras películas fantásticas sonoras rodadas en Technicolor (bicromático).

Ni de vacaciones puedes descansar, Alcaudón. Ya que estás en Grecia, ¿qué tal una revisión de la obra de Theo Angelopoulos? Algo ligerito...

El pack todavía se puede conseguir. Lo he comprado hace unos días, junto a otro dedicado a Boris Karloff, Boris Karloff: el doctor Terror, en la tienda de Tallers que Alex conoce bien. Y por 11,99 euros. Aunque ninguno de los títulos sea una maravilla (por cierto, la de color es una producción First National, mientras que las restantes son 1 de Paramount y 4 de Universal), este cine B me suele resultar casi siempre atractivo. Cuando haya visto las de Karloff (8 películas, 8) también les dedicaré un breve comentario.

Sobre Doctor X vale la pena apuntar el dato de que en este film empezó Fay Wray a cimentar su fama de ser "the queen of scream". Su primera aparición ya consiste en un chillido agudo, un tanto exagerado, porque encuentra a su padre, el doctor Xavier, en la biblioteca a oscuras, o sea que antes de decir ni mu, suelta un grito espeluznante. Preparando sus pulmones para el recital de King Kong, supongo,

Iniciado por mad dog earle

Ni de vacaciones puedes descansar, Alcaudón. Ya que estás en Grecia, ¿qué tal una revisión de la obra de Theo Angelopoulos? Algo ligerito...

El pack todavía se puede conseguir. Lo he comprado hace unos días, junto a otro dedicado a Boris Karloff, Boris Karloff: el doctor Terror, en la tienda de Tallers que Alex conoce bien. Y por 11,99 euros. Aunque ninguno de los títulos sea una maravilla (por cierto, la de color es una producción First National, mientras que las restantes son 1 de Paramount y 4 de Universal), este cine B me suele resultar casi siempre atractivo. Cuando haya visto las de Karloff (8 películas, 8) también les dedicaré un breve comentario.

Sobre Doctor X vale la pena apuntar el dato de que en este film empezó Fay Wray a cimentar su fama de ser "the queen of scream". Su primera aparición ya consiste en un chillido agudo, un tanto exagerado, porque encuentra a su padre, el doctor Xavier, en la biblioteca a oscuras, o sea que antes de decir ni mu, suelta un grito espeluznante. Preparando sus pulmones para el recital de King Kong, supongo,

Pues el día 18 de este mes si todo va bien, iré a por ellos sin duda.

Por cierto, "el regreso del Doctor X", peli que por cierto sales tú (Bogart), es una continuación de "Doctor X"?, parece que si, pero en FA no veo nada que diga secuela o algo parecido. La peli, sin ser una maravilla, me gustó.

Iniciado por Alex Fletcher

Pues el día 18 de este mes si todo va bien, iré a por ellos sin duda.

Por cierto, "el regreso del Doctor X", peli que por cierto sales tú (Bogart), es una continuación de "Doctor X"?, parece que si, pero en FA no veo nada que diga secuela o algo parecido. La peli, sin ser una maravilla, me gustó.

No todo Bogart es Mad Dog Earle, y mucho menos ese tipo con un peinado tipo novia de Frankenstein.





No creo que se pueda considerar una secuela, pero tendría que volverla a ver ahora que he visto la de Curtiz. Supongo que se aprovecha la sugerente marca "doctor X", pero nada más.

Además de los packs de Atwill y Karloff había también uno de Lon Chaney Jr., pero ahí me frené.

1. No he visto nunca una película de ese tal Teodoro...

2. La película de Bogart no es una continuación de la de Atwill. Tuve oportunidad de verla recientemente aunque no la comenté en este rincón. Y ciertamente el personaje encarnado por HB es antológico por lo raruno.

3. Qué difícil es escribir en el móvil. Aquí estoy, entre la isla de Hydra y la de Poros, después de una opípara comida a bordo.

Por cierto , ¿para cuándo es crónica de la decimotercera película de Don Nicolás Rayo?

Iniciado por Alcaudón

1. No he visto nunca una película de ese tal Teodoro...

2. La película de Bogart no es una continuación de la de Atwill. Tuve oportunidad de verla recientemente aunque no la comenté en este rincón. Y ciertamente el persona encarnado por HB es antológico por lo raruno.

3. Qué difícil es escribir en el móvil. Aquí estoy, entre la isla de Hydra y la de Poros después de una opípara comida a bordo.
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Pues es un director sumamente interesante que desgraciadamente murió en un accidente (atropellado por un motorista de la policía fuera de servicio) cuando todavía hubiera podido ampliar su filmografía, no especialmente extensa (13 largos... largos) y muy innovadora en el uso del plano secuencia. Su visión de Grecia está totalmente alejada del cliché del mar azul y el cielo luminoso: predomina una Grecia gris, lluviosa y fría, invernal, como un tapiz sobre el cual dibujar una serie de frescos donde se narra la convulsa historia griega del siglo XX, con sus guerras, dictaduras, revoluciones, luchas políticas y represión. En sus últimos años le dio una dimensión más internacional, abrazando el drama de los Balcanes. Su cine no es apto para todos los públicos, demanda una cierta paciencia porque utiliza un ritmo algo moroso y además nos suele coger completamente faltos de referentes históricos, en general la historia contemporánea de Grecia nos es bastante desconocida.

Pero, vaya, eso queda para la vuelta. Ahora a disfrutar.