Tema: Nicholas Ray: revisando sus películas

Iniciado por tomaszapa

Parece ser que Ava llegó varias veces borracha al rodaje, lo que provocaba discusiones constantes con Ray y el desagrado de Heston, entre otros. La Gardner alegó que padecía una crisis nerviosa crónica, pero desde luego, la bebida no ayudaba.

Según Heston después de una fiesta, habiendo ella ya acabado su papel, acabó la noche toreando a los taxis en las calles de Madrid, con su abrigo.

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, nadie recuerda que la primera producción Bronston en nuestro país NO fue REY DE REYES sino EL CAPITÁN JONES (1959), de John Farrow, el padre de Mia.

Se rodó en Denia en parte.
Y fue la primera en tener permiso para rodar en el palacio Real. La siguiente fue "Esquilache" creo.

Iniciado por tomaszapa

Hablando de fracaso taquillero, esta 55 días en Pekín no fue para nada un éxito. Dejó algo tocado a Bronston, pero el remate viene un año después con La caida del imperio romano, que fue un desastre total económico y mandó al limbo la productora de este Samuel Bronston.

En realidad salvo "El Cid" que si que reventó taquillas todas las demás tuvieron un paso discreto por las salas.
"El capitan Jones" (producida para Warner y asociado con Cesáreo Gonzalez)pasó bastante desapercibida.
"Rey de Reyes" fue comprada por MGM cuando estaba casi terminada, y a pesar de rodar nuevas escenas no consiguieron su objetivo (los de MGM) que no era otro que emular a Ben-Hur.
"El Cid" según fuentes fue la tercera más taquillera del año después de "West side story" y "Los cañones de Navarone".
"55 días en Pekín" no fue el éxito esperado desde luego.
"La caída del imperio romano" está o estaba en el Guinness como el mayor decorado de la historia. Pero figura en todas las listas de los mayores fiascos financieros de todos los tiempos.
"El fabuloso mundo del circo" desde luego, a parte de ser de las más flojas tampoco hizo mucho en taquilla.

En realidad el problema de estas películas es que los productores no tenían un porcentaje sobre los beneficios, si no un porcentaje sobre el presupuesto*, a cuenta del pringado de turno. En este caso Pierre S. Dupont III, el rey del Nylon.

A mi me gustan casi todas.


*Esto lo afirma Richard Fleischer después de su experiencia en la preparación del film nunca realizado "Nightrunners of Bengal"

Ah, por cierto. Ray se mostró entusiasmado (según Erice-Oliver y García de Dueñas también creo) con el invento de Manuel Berenguer y Franz Planner de unas lentes bifocales que daban una gran profundidad de campo cuando eran usadas, acentuando el dramatismo de algunas escenas.
En "Rey de reyes" se hace evidente, y también se usaron en "55 días..." aunque no tan profusamente.
Mann y Krasker también las usaron adecuadamente en "El Cid" y "La caída...".

Iniciado por jmac1972

Ah, por cierto. Ray se mostró entusiasmado (según Erice-Oliver y García de Dueñas también creo) con el invento de Manuel Berenguer y Franz Planner de unas lentes bifocales que daban una gran profundidad de campo cuando eran usadas, acentuando el dramatismo de algunas escenas.
En "Rey de reyes" se hace evidente, y también se usaron en "55 días..." aunque no tan profusamente.
Mann y Krasker también las usaron adecuadamente en "El Cid" y "La caída...".

Sobre esta cuestión debatimos largo y tendido en su día en el hilo donde publicamos originariamente estos comentarios de la filmografía de Ray. Hubo quien criticaba el sistema porque tiende a desenforcar una parte central del plano, lo cual produce una sensación un tanto extraña.



Pero hay que tener en cuenta en que el sistema era nuevo, se estaba probando. A mí me parece que ya en King of Kings el resultado es interesante.

Aquí algunos de los comentarios sobre la materia:

Iniciado por mad dog earle

Sí, a esos planos me refiero. Hay que tener en cuenta que con anterioridad muchos planos de este tipo (por ejemplo, en el cine de Hitchcock) se filmaban superponiendo dos imágenes. Se nota que en la película están experimentando con la óptica, porque se repite este tipo de planos en muchísimas ocasiones. Que ahora nos pueda parecer algo deficiente no le quita mérito, de la misma manera que en muchas películas filmadas en cinemascope se deformana notablemente las imágenes. La técnica tiene sus limitaciones según la época: estamos ante un film de 1961, o sea de hace casi 60 años. A mí me han parecidos planos muy bien integrados en la película, no me han molestado en absoluto, todo lo contrario.

Como apuntó Branagh/Doyle se trata de la técnica split diopters. Aquí se habla extensamente de Manuel Berenguer.

Iniciado por mad dog earle

Edito: hay un interesante artículo en la Wikipedia sobre el "deep focus" (esa profundidad de foco utilizada con anterioridad en muchos films, ciertamente por Welles, pero también muy a menudo por Jean Renoir, por ejemplo, sin contar con Gregg Toland y en una cinematografía menos avanzada tecnológicamente como la francesa). Pero ese split-focus diopter es una nueva técnica para conseguir ese efecto de profundidad de campo según parece inventada por Franz Planer y Manuel Berenguer y presentada por primera vez en King of Kings. Luego se ha convertido en una técnica muy utilizada, pero en el film de Ray estaríamos ante la primera muestra. Aquí se explica muy bien ese pequeño efecto de desenfoque en la mitad del plano.

Ah, coincido con Alcaudón en que en la filmografía de Ray hay excelentes contribuciones visuales, aunque quizá no fuera un perfeccionista, ni un técnico en la materia, ni pudo controlar con libertad muchos de sus proyectos.

Segundo apócrifo:

Iniciado por Alcaudón

Aprovechando que el Nervión pasa por Bilbao (o sea el estupendo comentario del compañero mad dog earle de SANGRE CALIENTE de Ray y la Russell) qué mejor que aprovechar la ocasión y ofrecer la nueva y apasionante entrega de...

LOS APÓCRIFOS DE NICHOLAS RAY / PARTE II:

MACAO (1952, UNA AVENTURERA EN MACAO) de Josef von Sternberg (y Nicholas Ray)



Estudio: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Alex Gottlieb.

Guión: Bernard C. Schoenfeld y Stanley Rubin, a partir de una historia de Robert Creighton Williams.

Directores artísticos: Albert S. D’Agostino y Ralph Berger.

Fotografía: Harry J. Wild.

Música: Anthony Collins.

Reparto: Robert Mitchum (Nick Cochran), Jane Russell (Julie Benson), William Bendix (Laurence C. Trumble/Teniente Brian), Thomas Gomez (Teniente Sebastian), Gloria Grahame (Margie), Brad Dexter (Vincent Halloran).

Duración: 81 minutos.

Inicio de rodaje: 22 de agosto de 1950.

Estreno: 30 de abril de 1952.

Si en la anterior entrega de esta serie de cuatro capítulos (véase THE RACKET (1951) de John Cromwell (por cierto y como ya dije, otro director a reivindicar)) se hacía complicado qué parte de la misma había sido dirigida o rehecha por Ray en este caso nos encontramos aun con mayores dificultades.

Situada cronológicamente dentro de la filmografía de Ray entre ON DANGEROUS GROUND (1951) – o sea, una de sus obras máximas - e INFIERNO EN LAS NUBES (1951) – creo que el compañero mad dog earle coincide conmigo su peor película (salvo que opte por la recién comentada SANGRE CALIENTE) – UNA AVENTURERA EN MACAO (y no UNA AVENTURA EN MACAO como se empeña en proclamar la (in)falible IMDb) sería el segundo de los dos títulos con que el otrora grandioso Josef von Sternberg (1894-1969) [cuyas siete películas con Marlene Dietrich (de DER BLAUE ENGEL (1930, EL ÁNGEL AZUL) a THE DEVIL IS A WOMAN (1935, EL DIABLO ES UNA MUJER) son auténticos monumentos del Séptimo Arte] finiquitaría su compromiso con el estudio del magnate Howard Hughes, sin duda, una auténtica tortura para un cineasta de su talento.

[Por cierto, el primero de esos dos títulos sería la “célebre” JET PILOT (1957, AMOR A REACCIÓN), que será la última entrega de este miniciclo (y su única película en (Techni)color). Una película tan demencial que ya me dan escalofríos sólo de pensar en su revisión… ].

Un Sternberg que llevaba años sin dirigir ningún proyecto (su estilo barroco y la elegancia de su puesta en escena se daba de bruces con el cine que por aquellos años se producía en Hollywood – no digamos en un estudio como la antaño prestigiosa RKO (la cuna de CIUDADANO KANE) ahora pasto de los despropósitos del orate Hughes -), en concreto, desde THE SHANGHAI GESTURE (1941, EL EMBRUJO DE SHANGHAI), con la siempre fascinante Gene Tierney.

Lógicamente, como su título indica, la trama acontece en la antigua colonia portuguesa de Macao (desde 1557 hasta 1999), la última de un país europeo en China.

La trama es sencilla pero se deja ver con notable soltura probablemente por los ingeniosos diálogos y el buen hacer del elenco actoral.

La llegada simultánea a la citada colonia de tres forasteros (Nick Cochran (un siempre excelente Robert Mitchum – y al que su contrato con Hughes le obligaba a rodar de forma estajanovista día y noche -) un ex-combatiente un tanto cínico pero honesto (aparentemente) en busca de fortuna y (aparentemente) huyendo de un pasado un tanto turbulento; Julie Benson (la hermosa (y mejor actriz de que se suele considerar) y espectacular Jane Russell, una aventurera – como indica el título en castellano – y cantante, un tanto cínica y a la que la vida no le ha regalado nada y Lawrence (Cicerone (¡!)) Trumble (William Bendix, uno de esos excelentes secundarios (o actores de reparto – que ahora suena más políticamente correcto -) que poblaban el cine clásico norteamericano), un (presunto) viajante y siempre de buen humor) provocará el nerviosismo del gánster Vincent Halloran (el siempre inquietante Brad Dexter) que controla todos los negocios, sean limpios o sucios, de la colonia, dado que se ha enterado por su compinche (o asalariado), el teniente Sebastian (Thomas Gomez, otro secundario de lujo) de que la policía de Nueva York ha enviado de incógnito a un agente para atrapar y llevar de vuelta a los EEUU a Halloran si logra que éste salga del límite marítimo de las tres millas.







Las sospechas caerán rápidamente del lado de Cochran pero…

… y hasta aquí puedo leer.

Evidentemente lo que parece no es es siempre lo que es.



Como bien dije es harto complicado señalar qué parte de la cinta puede corresponder a Ray aunque yo, tal vez por lógica, me decantaría por las (breves) escenas en las que aparece su mujer en aquellos años, la siempre encantadora Gloria Grahame. Unas escenas que recuerdan en cierta medida a la de aquellas mujeres hawkasianas como las encarnadas por la igualmente fascinante Lauren Bacall.



Y por rizar el rizo Robert Mitchum volvería a trabajar con Ray en la maravillosa THE LUSTY MEN (1952), otra de las grandes obras maestras del director de Wisconsin.

De cualquier forma una entretenida película bien dirigida (pero sin lustre) por el gran Stenberg (no podría haber dos caracteres más contrapuestos que el director austríaco y el magnate Hughes – salvo que los dos eran unos obsesos aunque en campos distintos... -) y donde destaca la buena química entre Mitchum y Russell (que ya habían trabajado juntos en HIS KIND OF WOMAN (1951, LAS FRONTERAS DEL CRIMEN)), los afilados diálogos y la sorna con la que ambos asumen sus personajes que parecen salidos de aquellas maravillosas tiras de prensa de los años '30, como la magnífica TERRY Y LOS PIRATAS de Milton Caniff.



Y un Sternberg que acabaría su (repito, espléndida) filmografía con su obra más querida, ANATAHAN (1953), de la que podemos disfrutar en una magnífica edición en BD de la mano de la británica Eureka! dentro de su colección The Masters of Cinema (https://eurekavideo.co.uk/movie/the-saga-of-anatahan/).

Bien está lo que bien acaba.

Feliz noche a tod@s.

Iniciado por jmac1972

Según Heston después de una fiesta, habiendo ella ya acabado su papel, acabó la noche toreando a los taxis en las calles de Madrid, con su abrigo.

No me extraña. Aprendió muchos pases e incluso entrar a matar con Mario Cabré, Luis Miguel Dominguín y algún que otro torero guapetón de la época. Le encantaba una corrida como a nadie. Y después, se iba a los toros.

Estuve un rato leyendo el otro día sobre los gastos desorbitados en las películas de Bronston. Aparte de pagar muy bien a sus estrellas, como comenté (quizá demasiado, pero seguramente, era el único modo de traerlas una temporada por aquí), había detalles como que bastantes de ellas tenían a su disposición una limusina para ir y venir.
Me imagino que había un control poco o nada riguroso del presupuesto y eso no ayudaba a cumplirlo. Vamos, que lo del Moreno ya se hizo hace mucho tiempo. Pero aquí al menos, sí se hacían las películas.

Iniciado por mad dog earle

Como apuntó Branagh/Doyle se trata de la técnica split diopters. Aquí se habla extensamente de Manuel Berenguer.:

Interesante articulo sobre Berenguer.
Aunque confunde el autor a Milton Krasner (Rey de Reyes) con Robert Krasker (El Cid, La Caída)

Iniciado por jmac1972

Según Heston después de una fiesta, habiendo ella ya acabado su papel, acabó la noche toreando a los taxis en las calles de Madrid, con su abrigo.

Ava, como tantos otros, sintió la soledad del artista y los desengaños profesionales, dudas y relaciones personales resbaladizas que suele marcar a la gente cuando ya se entra en la madurez y comienza a haber menor margen de error de cara al futuro. El alcohol fue su refugio para su particular calvario. Más adelante, hacia finales de los 70', es cuando encontró una mayor tranquilidad personal y, según leí por ahí, teóricamente comenzó a cuidarse más y a hacer algo de ejercicio, aunque con todo lo que había acumulado previamente de excesos su organismo llegó un momento en el que dijo "no puedo más". De hecho, creo que en "Terremoto" Heston y Gardner mantuvieron buena relación al contrario que en "55 días".

Tercer apócrifo:

Iniciado por Alcaudón

LOS APÓCRIFOS DE NICHOLAS RAY / PARTE III (de IV):

ANDROCLES AND THE LION (1952, ANDROCLES Y EL LEÓN) de Chester Erskine (y Nicholas Ray)



Estudio: G(abriel) P(ascal) Productions, Inc. / RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Gabriel Pascal.

Guión: Chester Erskine y Ken Englund, basado en la obra teatral homónima de George Bernard Shaw (Berlín, 25 de noviembre de 1912 / Londres, 1 de septiembre de 1913).

Diseño de producción: Henry Horner.

Directores artísticos: Albert S. D’Agostino y Charles F. Pyke.

Fotografía: Harry Stradling.

Música: Frederick Hollander.

Reparto: Jean Simmons (Lavinia), Victor Mature (Capitán), Robert Newton (Ferrovio), Maurice Evans (Emperador), Alan Young (Androcles).

Duración: 98 minutos.

Inicio de rodaje: septiembre de 1951.

Estreno: 30 de octubre de 1952.

Si en las dos entregas anteriores (THE RACKET (1951) y UNA AVENTURERA EN MACAO (1952)) era ya harto difícil saber qué parte (o partes) había dirigido (o más bien rehecho) Ray, en este caso la cosa es todavía más compleja puesto que al parecer el director de Wisconsin fue especialmente aleccionado por el mismísimo Howard Hughes para rodar una escena en la que estaba particularmente interesado: el baño de las sacerdotisas vírgenes de la diosa Vestal. Escena que, finalmente, sería descartada (lógicamente, dado el Código de Producción imperante en la época) del montaje final (aunque, curiosamente, en los pósters de la película se hace explícita referencia a ella).

Así que si eliminamos a Nicholas Ray de la ecuación (que es, en realidad, el Mac Guffin que me sirve para comentar estas películas que si no tal vez acabarían en el baúl de los recuerdos cinematográficos), ¿qué nos queda?

Pues una película francamente entretenida cuyos mayores méritos se sostienen primero en el texto de base del que procede la adaptación fílmica o sea la obra teatral del genial George Bernard Shaw y segundo en el excelente elenco actoral.

Pero antes hablemos un poco del productor Gabriel Pascal.

Antes de la película hoy comentada Pascal ya había llevado a la gran pantalla varias obras del autor irlandés (PYGMALION (1938, PYGMALIÓN), MAJOR BARBARA (1941), CAESAR AND CLEOPATRA (1945, CÉSAR Y CLEOPATRA)) con el que le unía una excelente relación profesional.

Shaw moriría en 1950 (¡a los 94 años!) o sea, antes del inicio del rodaje de la presente película.

Los herederos de Shaw obligaron por contrato a que no más del 10% del texto original fuera alterado en la adaptación.

No obstante y dado la brevedad de la pieza (sólo dos actos) Pascal consiguió que el límite subiera al 25%.

A tal menester se dedicaría el propio director Chester Erskine (cuyo título más famoso sería la muy exitosa THE EGG AND I (1947, EL HUEVO Y YO), la 8ª película más taquillera de 1947 (¡5.750.000 dólares!)) y Ken Englund.



La película (como tantas de las producciones de la RKO bajo la égida de Howard Hughes) pasó por múltiples vicisitudes, entre ellas un inicio de rodaje al frente del cual se situaría H. C. Potter y con un reparto (salvo la Simmons) distinto del final visto en la gran pantalla, así como buena parte del equipo técnico.

Como no me quiero alargar hablemos un poco de la película que anoche tuve el placer de visionar.

No deja de ser curioso que dos películas tan disímiles entre sí como son QUO VADIS (1951, ídem) de Mervyn LeRoy y la hoy comentada compartan no sólo escenarios (no me refiero a los decorados sino a que acontecen en Roma) sino también personajes muy parejos. Si en aquella teníamos a Ligia (Deborah Kerr) y a Marco Vinicio (Robert Taylor) aquí tenemos a Lavinia (Jean Simmons) y “el capitán” (Victor Mature). O sea, dos mujeres cristianas y sus enemigos declarados, dos soldados romanos. Y donde el amor juega un papel primordial.





Y tampoco es descabellado plantear una similitud entre la puesta en escena de ambas películas aunque mientras en QUO VADIS se recrearon a escala los monumentos de la época, en ANDROCLES se aprecia claramente que son simples fondos pintados (tal vez recordando su origen teatral o simplemente por la carestía del presupuesto).

Dentro del excelente reparto destacar muy especialmente a una jovencísima e increíblemente hermosa Jean Simmons (en su primera película en Hollywood) que aporta a su personaje todo el encanto que desprende su persona (sólo igualado posteriormente por la maravillosa Audrey Hepburn).

[Por cierto, Jean Simmons fue objeto de acoso por el abusador Howard Hughes (como solía hacer con todas sus actrices) pero la menuda actriz (que por entonces estaba casada con el galán Stewart Granger) ni corta ni perezosa le mando a t… por c…. ¿Y os extraña que sea una de mis favoritas... ?].



De Victor Mature, un actor del que todo el mundo echa pestes (y muchas veces con razón), hay que decir que tiene el mérito de que cuando se trata de una comedia (como es el caso) actúa como si fuera un drama y viceversa (véase al respecto sus papeles en clásicos como SAMSON AND DELILAH (1949, SANSÓN Y DALILA) o THE ROBE (1953, LA TÚNICA SAGRADA)). Y que tiene el suficiente empaque como para recitar el texto de Shaw como si de Shakespeare se tratase (¿quizás ecos de (tal vez) su mejor papel, la magistral MY DARLING CLEMENTINE (1946, PASIÓN DE LOS FUERTES) de John Ford?).



El gran (en todos los sentidos) Robert Newton (el mejor Long John Silver de la historia) borda su papel del arrepentido (pero violento) Ferrovio que nos proporciona alguna de las escenas más divertidas de la película.



A Maurice Evans que hace del Emperador (la acción transcurre en el año 161 A. D.) le recordaremos siempre (aunque no le reconozcamos) por su papel de Dr. Zaius en la inmortal PLANET OF THE APES (1968, EL PLANETA DE LOS SIMIOS).



Y al bueno de Alan Young, que encarna al (supuesto) protagonista, Androcles, le podemos ver como el amigo más fiel de el Viajero a través del Tiempo en la estupenda THE TIME MACHINE (1960, EL TIEMPO EN SUS MANOS), recientemente comentada en este mismo rincón.



En resumen, una película harto simpática con un excelente plantel de actrices/actores y donde la fina ironía y el humor socarrón del gran Bernard Shaw brillan ahora al igual que cuando fue estrenada allá por el siglo pasado.

Feliz tarde a tod@s.

Para el papel de Androcles, el protagonista, que finalmente recayó en el desconocido Alan Young (casi todo lo que hizo fue televisión), se pensó en varios nombres. Desde Harpo Marx (hubiese estado muy bien), hasta José Ferrer, pasando por Barry Fitzgerald.

Iniciado por tomaszapa

Para el papel de Androcles, el protagonista, que finalmente recayó en el desconocido Alan Young (casi todo lo que hizo fue televisión), se pensó en varios nombres. Desde Harpo Marx (hubiese estado muy bien), hasta José Ferrer, pasando por Barry Fitzgerald.

No hubiese desentonado demasiado en el final del film, que es resolutivamente muy marxiano. Enormes Simmons (enamorada de la vida y un festival de sonrisas que acomplejan al personaje de Mature, que se va enamorando de la entusiasta joven y tratará de salvarla de su destino), Robert Newton (está colosal como una especie de Pepito Grillo barrabasiano), Maurice Evans (en el último acto), Elsa Lanchester (lo poquito que sale). Un film que me dejó un muy buen sabor de boca contagiado por la alegría que desprende Jean Simmons y la virtuosa ira anti-hipócritas de Robert Newton.
En este conjunto hasta Mature sale reforzado como contrapeso serio y moderadamente escéptico ante tanta felicidad, gracia y honestidad, y cómo se va yendo atraído sin poder evitarlo por la muchacha pese a que élla es una prisionera y sobre él se cierne la sospecha de sus correligionarios romanos sobre la posible atracción. Una pequeña joya con diálogos brillantes abundantes.
Muy recomendable para pasar un buen rato.

Por cierto, ya que estamos con Jean Simmons, Eleanor Parker fue una actriz elusiva de la fama de Hollywood y que pocas veces se dejó ver en actos de la industria, fiestas y tal (lo que no fue óbice para que unos más jóvenes Roger Moore y Christopher Plummer se enamoraran de élla platónicamente), el caso es que tuvo una vida personal de lo más discreta y prácticamente no habló mal de nadie, excepto de una persona, su coprotagonista en "Scaramouche", Stewart Granger.
Y es que uno de los recuerdos que Parker tenía de Granger era que trataba mal a Simmons, con poca delicadeza, y la que hizo llorar tras una visita suya al set de rodaje del film de capa y espada, dicho por élla en una entrevista radiofónica que escuché no hace demasiados meses.
La propia Simmons mucho más tarde al hablar de sus dos maridos, respondió en lo concerniente a Granger que ante todo quería que siempre estuviese guapa para poder exhibirla, de ahí que en cuanto declinó la estrella de él y fue sobrepasada por la de élla acabaran divorciándose. No podía ser de otra manera, tiene sentido.

Eleanor Parker me encanta, si es verdad que se sabe bien poco de su vida personal.
Nunca fue una gran estrella pero si una muy buena actriz, y además bellísima...

A mi también me gusta mucho. Me parece que era una muy buena actriz, sobre todo en el drama. En Sin remisión, aquella película carcelaria, sufría muchísimo, pero lucía sus dotes interpretativas de forma magistral. Igualmente en Brigada 21. Y tantas otras.

Cuarto y último apócrifo:

Iniciado por Alcaudón

Retomando hilos sueltos…

… y aprovechando que este es mi comentario n.º 6.666 (y yo nací en 1966) qué mejor que hablar de una película que, sin lugar a dudas, se ha convertido en todo un clásico del Séptimo Arte…

LOS APÓCRIFOS DE NICHOLAS RAY / PARTE IV (DE IV):

JET PILOT (1957, AMOR A REACCIÓN) de Josef von Sternberg (y Nicholas Ray)



Estudio: RKO Teleradio Pictures, Inc. / Universal Pictures Co., Inc.

Productor: Jules Furthman.

Guión: Jules Furthman.

Diseño de producción: Albert S. D’Agostino y Feild Gray.

Fotografía: Winton C. Hoch (en 1.37:1 y Technicolor) [Estrenada en RKO-Scope].

Asesor de color: Francis Cugat.

Música: Bronislau Kaper.

Reparto: John Wayne (Coronel Jim Shannon), Janet Leigh (Teniente Anna Marladovna/Olga Orliev).

Duración: 113 minutos.

Rodaje: 8 de diciembre de 1949 / 8 de febrero de 1950.

Estreno: 25 de septiembre de 1957.

Para acabar con el cuarteto de películas en las que el nunca suficientemente ponderado Nicholas Ray (1911-1979) intervino ya sea rodando nuevas escenas o en la sala de montaje (y que además me sirve para hablar de películas a las que de otra forma uno no tendría ocasión de acercarse) qué mejor que esta “mítica” película del orate Howard Hughes quien durante el período en que gobernó con mano de hierro la mítica RKO (de 1948 a 1955) no sólo desmanteló el estudio que viera nacer CIUDADANO KANE sino que se enfrascó en eternos rodajes donde dio rienda suelta a sus enfermizas obsesiones y a su megalomanía.

AMOR A REACCIÓN aparece listada siempre como la obra postrera del gran director austríaco Josef von Sternberg (1894-1969) y si bien tal cosa es cierta desde el punto de vista de su fecha de estreno no lo es si nos fijamos en las fechas de rodaje de la misma (1949/1950). En realidad tal privilegio le corresponde a ANATAHAN (1953) [de la que disponemos de una espléndida edición de la británica Eureka! (The Masters of Cinema n.º 168, 2017) y que el propio director consideraba su mejor película…



https://eurekavideo.co.uk/movie/the-saga-of-anatahan/

… aunque uno no puede sino discrepar teniendo en cuenta el regalo que otra editora británica nos tiene preparado para el mes que viene (y que ya tengo reservado)...



https://www.powerhousefilms.co.uk/co...t-1930-1935-le

].

Fueron todo un vía crucis los últimos años de la carrera de Sternberg teniendo que bregar con un energúmeno como Hughes (con el que ya había trabajado en UNA AVENTURERA EN MACAO (segunda entrega de este coleccionable… )) y ya lejanos sus trabajos con Marlene Dietrich que le encumbraron como uno de los más grandes (y barrocos) directores del Hollywood clásico.



- Marruecos (1930) -

Como decía AMOR A REACCIÓN dilató extraordinariamente su estreno por la obsesión de Hughes de conseguir el plano perfecto para la que el consideraba su magnum opus. Y dado que el dinero no era un problema para él se tiró meses y meses (o más bien años, dado que aunque el rodaje oficial se dio por terminado en 1950 se siguieron filmando numerosas escenas aéreas – la aviación era la gran afición del magnate (aparte de las mujeres, como veremos a continuación) - buscando las formaciones de nubes perfectas que necesitaba (según él) y que le servían (según él) como metáfora o símil (no sé por cuál de ellas decantarme) de la tumultuosa relación (sexual) entre los protagonistas.



Porque como decía si a Hughes le apasionaban los aviones también es cierto que su afición por las mujeres (hermosas) era igualmente legendaria.

Y lo cierto que esta historia, por otra parte bastante entretenida e incluso a veces notablemente simpática pese a su notable carga anticomunista y que viene a ser una versión moderna de la NINOTCHKA (1939) del maestro Lubitsch, es toda una loa a los caracteres sexuales secundarios femeninos (cómo se nota mi formación de biólogo… ) o sea a los encantos naturales de la bellísima (y jovencísima) Janet Leigh (1927-2004) [ya lo siento, amigo mizoguchi... ] a la que podemos admirar en toda su espléndida hermosura y además en rutilante Technicolor (aunque ya habíamos tenido oportunidad de hacerlo previamente en la deliciosa MUJERCITAS (1949) de Mervyn LeRoy, para el que esto firma, la mejor de las versiones de la novela de Louisa May Alcott).



Y pese a que Sternberg contara en el libreto (y en la producción) con un guionista del talento de Jules Furthman (1888-1966) [si ya decía yo que el 66 tiene algo mágico...] (que había trabajado con él desde los tiempos de MARRUECOS (1930) y que igualmente sería uno de los favoritos de Howard Hawks (no Hughes )) que se volcó a la hora de elaborar unos diálogos subidos de tono y con un marcado doble sentido (a veces más sutil, a veces menos) el director se centró especialmente en la puesta en escena, especialmente en el aspecto cromático de la misma (y para lo que contó con la ayuda de uno de los mejores directores de fotografía de la época, el gran Winton C. Hoch) de forma que ambos intérpretes (y protagonistas cuasi absolutos de la cinta) luzcan siempre impecables y, especialmente, Janet Leigh tan bella como un sueño.



Por tanto, desde el punto de vista estético (olvidémonos del argumento, aunque luego lo comentaré brevemente) AMOR A REACCIÓN es una bella película, donde se funden con armonía las (numerosas) escenas de los aviones a reacción (filmadas por las numerosas segundas (y terceras y hasta cuartas unidades)) que le sirven al productor (que no al director) para reflejar esa atracción que sienten los protagonistas cuyos vuelos parecen más bien pasos de baile (u otra cosa algo más oscura que estaba en la mente del magnate ) con la extravagante relación de amor/odio entre un americano y una soviética en plena Guerra Fría.



[El único pero que podemos poner a la imagen es que aunque se rodó en 1.37:1 (el Scope no llegó hasta 1953) la película se estrenaría en RKO-Scope, un proceso que permitía rodar con lentes esféricas (no anamórficas) pero que luego podría anamorfizarse (¿tal palabro existe? ) durante la proyección. Pese a ello el efecto en la gran pantalla es apenas perceptible, lo cual es de agradecer].

Porque la película no es más que una comedia romántica, como decía con una notable carga antisoviética (Hughes y Wayne, aparte de ser buenos amigos, eran dos furibundos anticomunistas), donde asistimos a la historia de amor entre el coronel Jim Shannon (encarnado con convicción por un John Wayne (1907-1979) que estaba en su mejor momento – entre LA LEGIÓN INVENCIBLE (1949) y RÍO GRANDE (1950), ambas del maestro John Ford -) y la teniente Anna Marladovna, ambos pilotos de caza.



La llegada del avión pilotado por la teniente a la base de Alaska donde se encuentra Jim en un aparente intento de huir del Telón de Acero se convertirá en realidad en un plan del gobierno soviético por descubrir el secreto de los aviones norteamericanos, más avanzados que los suyos. Y qué mejor que enviar a la bellísima Anna (me reitero, una absolutamente deslumbrante Janet Leigh ), en realidad una espía cuyo nombre real es Olga Orliev para camelarse a un oficial norteamericano (en este caso, un igualmente apuesto John Wayne) y así conseguir sonsacarle sus secretos.

Como decía una trama absolutamente delirante y con momentos tan épicos como la llegada de Anna a la base norteamericana que deja patidifusos a los militares que salen a recibirla.



Y lo cierto es que pese a mis iniciales recelos (además de que el metraje de 113 minutos se antoja harto excesivo) la película es muy entretenida y además se nota que tanto Wayne como Leigh se lo pasaron muy bien y además hay una excelente química entre ellos.



Seguro que más de uno se estará pensando qué demonios pinta Nicholas Ray en todo esto. La respuesta es sencilla…

… no tengo ni idea.

Lo cierto es que al igual que en UNA AVENTURERA EN MACAO la labor de Ray es imposible de destacar y yo me inclinaría más por alguna escena de amor entre los protagonistas (no olvidemos que Ray era uno de los últimos románticos del cine clásico norteamericano… ) o tal vez en post-producción en la sala de montaje.

De cualquier forma aquí acaba este poker de títulos, unos mejores, otros peores, pero que se ven con notable facilidad y además no insultan la inteligencia del aficionado (bueno, tal vez en este caso, habría cierta discrepancia… ) y que resultan un entretenimiento de lo más agradable.

Quién pudiera pedir más.

P. D. Y esta noche prometo, amigo mad dog earle, ver GALLIPOLI y espero comentarla el jueves. Y, por supuesto, y dado que me voy (de nuevo) de vacaciones unos días dejar lista la entrega n.º 12 de Don Alfredo. Si no sabéis de qué hablo, ya os vale.

Feliz tarde/noche.

Y con este cuarto apócrifo, que no he visto nunca (de los cuatro, solo he visionado The Racket y Macao, pero en ambos casos hace muchos años), se acaba este refrito de comentarios publicados originalmente en el hilo Las últimas pelis que has visto en casa, que he ido desenterrando a petición del respetable.

De paso, queda abierto un hilo específico para Nicholas Ray, ese "último gran romántico del cine clásico norteamericano", como en su día lo bautizó Alcaudón. Seguro que nos esperan muchos revisionados de su obra en el futuro, e incluso, si hay la oportunidad, un primer visionado de su "invisible" We Can't Go Home Again. En aquella revisión no hubo cuestionario Fletcher, pero si alguien se atreve ahora, ni que sea con una breve lista de preferidas, ¡adelante! Por mi parte, si me tuviera que quedar con cinco de sus films, eligiría los siguientes (por orden cronológico):

The Lusty Men
Johnny Guitar
Rebel Without a Cause
Bigger Than Life
Party Girl

Aunque me dejo otros cuatro o cinco que me parecen indispensables.

Espero que os haya sido de utilidad este hilo.

Iniciado por mad dog earle

Y con este cuarto apócrifo, que no he visto nunca (de los cuatro, solo he visionado The Racket y Macao, pero en ambos casos hace muchos años), se acaba este refrito de comentarios publicados originalmente en el hilo Las últimas pelis que has visto en casa, que he ido desenterrando a petición del respetable.

De paso, queda abierto un hilo específico para Nicholas Ray, ese "último gran romántico del cine clásico norteamericano", como en su día lo bautizó Alcaudón. Seguro que nos esperan muchos revisionados de su obra en el futuro, e incluso, si hay la oportunidad, un primer visionado de su "invisible" We Can't Go Home Again. En aquella revisión no hubo cuestionario Fletcher, pero si alguien se atreve ahora, ni que sea con una breve lista de preferidas, ¡adelante! Por mi parte, si me tuviera que quedar con cinco de sus films, eligiría los siguientes (por orden cronológico):

The Lusty Men
Johnny Guitar
Rebel Without a Cause
Bigger Than Life
Party Girl

Aunque me dejo otros cuatro o cinco que me parecen indispensables.

Espero que os haya sido de utilidad este hilo.

Muchas gracias a los dos (mad dog earle y alcaudón) por reunir todas las películas del ciclo N. Ray, ha sido un placer leeros y descubrir cositas de este director.

Copio al compañero mad dog y pongo también mis cinco películas favoritas de Ray (en orden cronológico, como él):

1.- En un lugar solitario.
2.- Johnny Guitar.
3.- Rebelde sin causa.
4.- Chicago, años 30.
5.- Rey de reyes.

Yo también agradezco a ambos, Alcaudón y mad dog, por la exigente labor de verse toda la filmografía de Ray y posteriormente, a mad dog, por recopilar y crear este hilo propio, que será de mucha utilidad para quién desconozca algún film o se quiera acercar a la filmografía de Ray.

Dicho esto, mi top-5, sin orden, es el siguiente:

- Rebelde sin causa
- Johnny Guitar
- En un lugar solitario
- Más poderoso que la vida
- Los amantes de la noche (como curiosidad, decir que es la película donde más me ha gustado Farley Granger)

También agradezco al “perro loco” y al “pajarito” que me descubrió Rodriguez De la Fuente la labor realizada.
Me abstengo de poner una lista de momento por la distancia en el tiempo de los visionados de la obra del Rey Ray.

Lo primero agradecer la labor de mad dog earle a la hora de recopilar todos los comentarios y darles de esta forma un nuevo sentido.

Lo siguiente mi listado por orden cronológico:

IN A LONELY PLACE

THE LUSTY MEN

JOHNNY GUITAR

REBELDE SIN CAUSA

BIGGER THAN LIFE

Ha sido un placer.

Supongo que a nadie extrañará que, después de cuatro listas, las películas que figuran en todas ellas son: JOHNNY GUITAR y REBEL WITHOUT A CAUSE. Sin duda, los dos films más míticos de Ray.

Iniciado por mad dog earle

Supongo que a nadie extrañará que, después de cuatro listas, las películas que figuran en todas ellas son: JOHNNY GUITAR y REBEL WITHOUT A CAUSE. Sin duda, los dos films más míticos de Ray.

Desde luego que son míticos e inolvidables, yo los revisé no hace mucho y quedé encantado con ambos títulos.

También podría haber añadido perfectamente THEY LIVE BY NIGHT, ON DANGEROUS GROUND o CHICAGO, AÑO 30.



Desde luego es incomprensible que la mayor parte de la filmografía de Ray siga inédita en salas comerciales en nuestro país.