Tema: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy

Tras leer el anterior (y estupendo) post, he recuperado el dvd de El demonio (edición de Filmax) que compré hace ya más de un año (y aun no había visto ).

Magnífica película, si señor, con una sensacional banda sonora a cargo de Yasushi Akutagawa (¿para cuando algún sello especializado se dignará a publicar ediciones de tantas y tantas maravillosas partituras del cine japonés antes de que sus masters sean irrecuperables? ).

Como la partitura parece sugerir desde el inicio, hay un sutil pero eficaz tono fantástico en la película (en algunos momentos me hizo recordar a series como Historias para no dormir), pese al (violento) realismo narrativo de sus imágenes.

Tras las recomendaciones que he leído acerca de El castillo de arena, desconocía que se había editado por aquí, a través del sello Versus.
Veo, para mi desesperación, que ya está descatalogada.

Este mes, la Filmoteca de Catalunya dedica un ciclo al cineasta Kaneto Shindô.




Saludos.

Iniciado por MIK

¿para cuando algún sello especializado se dignará a publicar ediciones de tantas y tantas maravillosas partituras del cine japonés antes de que sus masters sean irrecuperables?

Ya verás en el ciclo de Shindo lo grande que era Hikaru Hayashi. Pues bien, una búsqueda de discos con su música en todos los Amazones fue mayormente infructuosa.

Akutagawa, Hayasaka, Ifukube y Mayuzumi tienen editados, muy fáciles de encontrar, varios cedés de sus piezas para concierto en la serie "Japanese Classics" del sello Naxos. Todos ellos son interesantísimos.

Tenía pensado comentar algún día mis impresiones sobre el ciclo Shindo, del que vi en Madrid todos los títulos menos dos. Te vas a quedar con ganas de más. De las antiguas me parecieron especialmente interesantes "La cuneta"(que pese a la a veces excesiva interpretación de Nobuko Otowa parece por momentos una reinterpretación nipona de las fellinianas "La strada" o "Las noches de Cabiria", salvo que la primera se debía estar rodando a la vez y para la segunda faltaban aún unos años, unida al tema de la miseria de postguerra tan familiar a los espectadores de "Dodeskaden" de Kurosawa o "El entierro del sol" de Oshima) o "Madre" (potente mezcla de melodrama familiar, malestar social tras la II Guerra Mundial y esas temáticas sexuales que se convirtieron desde el inicio en un rasgo fundamental de Kaneto). El tono de frialdad contemporánea, "exploitation" setentero y cine negro ambientado en el barrio de Shinjuku en "Vive hoy, muere mañana" configuran un título inolvidable ya en los años 70. Y en las más recientes hay varias joyas inesperadas: si eras admirador del impagable actor de reparto Taiji Tonoyama (a quien Oshima "humilló" en "El imperio de los sentidos" dándole aquel papel de anciano salido que reconoce a Sada y luego juguetea con su pene), lo serás aún más después de la entrañable "El actor secundario", que también nos regala fragmentos con una pinta espléndida de un par de pelis que los programadores de Fundación Japón no han tenido a bien incluir (todavía no he encajado bien que se olvidasen de "Kuroneko").

Muchas gracias por las recomendaciones, Abuelo Igor.

Indagaré en esa colección del sello Naxos, pese a tener varios compactos del sello, desconocía que contaran en su catálogo con títulos de los mencionados compositores.

Espero poder ver algún título del ciclo Shindô, los títulos que citas parecen muy interesantes y son muy difíciles de ver, ya que no son pocas las que no disponen de ediciones en formato dvd.

Saludos.

Quiero revivir este hilo haciendo de vez en cuando algún breve comentario sobre pelis japonesas que haya visto recientemente. Animo al resto de foreros a hacer lo mismo.

Anoche estuve viendo "Yakuza Apocalypse", del inefable Takashi Miike, que a mi juicio es uno de los "culpables" de que muchas personas piensen que el cine japonés actual es una sucesión de frikadas sin sentido. Parece que no hay término medio entre esto y películas en las que el mayor acontecimiento es que unas hermanas se juntan en la playa a comer camarones.

Lo bueno de gente como Miike (o de otro que se le asemeja, Sion Sono), es que su cine tiene mucha más energía que el de los octogenarios epígonos de Ozu, y que refleja una cara turbulenta del país (su violencia, sus contradicciones, su mal gusto) que los amigos de la sutileza, que idealizan Japón, no quieren ver.

Lo malo es que su flujo constante de ideas ahoga la película. La idea de un "virus yakuza" que convierte a los ciudadanos normales en hampones a través del vampirismo, es divertida y tiene buenos gags, amén del concepto de que, sin ciudadanos normales, los criminales no tienen ya a quien explotar. Pero, claro, cuando a Miike se le ocurre la siguiente idea guay, todo eso se desecha. Basta que aparezca el super-karateka con un disfraz de rana de peluche para que esa buena idea satírica se quede en agua de borrajas. Y así sucesivamente.

Parece que Miike tiene una situación lo bastante ventajosa en la industria para tener buenos medios a su disposición que apoyan su idea claramente improvisativa de rodar (realmente me gustaría saber la diferencia entre el guión inicial y el producto final), y lo cierto es que el tío sabe rodar, la acción y las artes marciales son competentes, y de vez en cuando hay escenas "demasiado lentas", en plan autoral, que tienen su aquel, pero al final es como una sucesión de momentos "WTF" que son un poco carne de YouTube y se dispersan tanto que el todo es inferior a la suma de las partes. Y por supuesto al final llega el Apocalipsis, el título no miente.

Pero a mí me parece que Miike es más eficaz en sus blockbusters, sus adaptaciones de manga o videojuegos, o en sus remakes de cine clásico (como "13 asesinos" o "Harakiri"), en los que parece que está más "amarrado" y se desenvuelve mejor.

Viendo su filmografía, parece que Miike ha seguido una trayectoria bastante comercial en muchos géneros (en el mismo año veo que tiene incluso un drama sobre un médico japonés que curaba a los niños soldados en Kenia), con lo cual parece que pelis como "Yakuza Apocalypse" ocupan en su obra hoy en día el mismo lugar que sus "Visitor Q", "Gozu" o "Big Bang Love: Juvenile A" de antaño y son lo más "de autor" que le vamos a ver hacer, entendiendo "autor" por "me voy a desfasar haciendo lo que me dé la gana", desfogándose un poco de los proyectos ajenos que acepta por dinero. Pero posiblemente muchas de esas pelis "alimenticias" sean preferibles. Esta de los yakuzas vampiros es divertida pero en pequeñas dosis, si no satura.

Me ha parecido curioso ver a Lily Franky (que, mal que le pese a IMDB, no es una mujer, sino un actor bastante habitual, por ejemplo, en el cine de Hirokazu Kore-eda):



haciendo el papel de padrino yakuza del barrio, admirado y querido por la gente común, y envuelto desde el minuto uno en sangrientas peleas katana en mano que sorprenden cuando solo se le ha visto en los roles costumbristas que Kore-eda le reserva.

Buff, Yakuza Apocalypse me aburrio soberanamente.

Es que eso es lo malo, que es una película en la que, a pesar de que pasa de todo y con mucho movimiento, te puedes aburrir. A mí me han captado más la atención películas en las que aparentemente no sucede nada.

Después de una de Miike del 2015, paso a otra de Shohei Imamura de 1962, La mujer insecto. Nada de monstruitos ni kaiju eiga: parece ser que el título real es Crónicas entomológicas de Japón, pero a los anglosajones les pareció que The insect woman se vendería mejor. Pero el título tiene su razón de ser, pues comienza con un plano, en objetivo macro, de una hormiga, insecto conocido por su gran fuerza y sujeto a las fuerzas ciegas de la naturaleza. ese prólogo viene a decir: "a la protagonista vamos a observarla de la misma manera que a este insecto, esto es básicamente un documental zoológico".



Aquí Imamura aborda un tema muy habitual en el cine nipón, el de la prostitución (no hay más que recordar clásicos como La calle de la vergüenza de Mizoguchi o La noche de las mujeres de Kinuyo Tanaka, sin necesidad de entrar en todo el universo del pinku o el roman porno). La novedad es la falta de melodramatismo y el enfoque antropológico: el objetivo de la protagonista es sobrevivir, y en una sociedad donde, se nos dice, una mujer pobre se ve obligada por todo tipo de circunstancias a vender su cuerpo, mejor será que ella misma tome las riendas de su destino, de ahí que Tome, de chica de los recados explotada y embarazada dos veces por el amo, pase, gracias a su ingenio, a gerente de una red de call-girls.

La película, en su estructura (o falta de ella, pues ya estamos en los tiempos de la nuberu bagu, o nouvelle vague japonesa, con lo que buscaréis en vano una división en tres actos) recuerda bastante a otras de Imamura como La venganza es mía, que también siguen a lo largo de muchos años las andanzas de un personaje marginal (en el segundo caso, un delincuente) usando mucho recursos como la imagen congelada y un aspecto visual más realista y menos "peliculero". Es curioso en La mujer insecto cómo, en los momentos importantes de su vida en los que la imagen se congela, oímos a la actriz "cantando" sobre su situación al estilo de la música tradicional nipona, dando a entender que la opresión de las mujeres forma parte del ADN cultural del viejo Japón.

Escenas curiosas hay unas cuantas. Esa especie de templo evangélico en el que los asistentes confiesan sus faltas en público (¡y donde Tome conoce a la madame de su burdel!), cuyo líder interpreta el inconfundible Taiji Tonoyama, la escena en la que una de las prostitutas busca fingir su virginidad con un cliente y para ello quiere extraerse previamente un poco de su propia sangre (aunque luego se conforma con la de un gato), o el chocante momentazo, recogido por Nagisa Oshima en su documental Cien años de cine japonés, en el que el padre de la protagonista mama del pecho de su hija un poco de su leche sobrante, epítome de una equívoca relación paterno-filial en la que el mismo hombre, y quizá el hombre japonés por antonomasia, adquiere respecto a una mujer, al mismo tiempo, características de padre, amante e hijo.

Excelente topic.

Para mi el mejor film de Imamura junto a " La venganza es mia " es " Intentions of murder " ( Akai Satsui ) (1964).

Editada por Avalon en pack Fnac junto a " La mujer insecto " y " The pornographers " en copias no anamórficas. Editado ( en condiciones ) por Masters of Cinema y Criterion.




Tambien me gustan mucho " La mujer insecto "y " Buques y acorazados ".

Iniciado por Abuelo Igor

Las respuestas de la crítica a la proyección de "The boy and the beast" de Mamoru Hosoda en San Sebastián son prueba del trabajo que cuesta todavía aceptar el anime como cine japonés "de verdad".

Boyero en "El País":



Traduciendo: si no me provoca un ataque de nervios, es lo máximo a lo que puedo aspirar, amén del uso del adjetivo "correcta", que, como todo buen cinéfilo sabe, se aplica a aquellas películas que no podemos decir que son malas, pero no queremos decir que son buenas. Amén de que lo de "otros maestros japoneses del cine de animación" supongo que no se referirá a Miyazaki, pues recuerdo perfectamente que aplicó la palabra "dibujitos" a "El viaje de Chihiro" en la crónica del festival donde se vio, si no recuerdo mal el de Berlín.

Rodríguez Marchante en ABC:



Este es un poco más elogioso, pero la cierta sorna no se la quita nadie. No sé muy bien a qué viene lo de Doraemon, salvo tal vez insinuar que, en materia de animación nipona, todo es lo mismo, y la penúltima frase es estropeada por la última, que viene a decir "estará muy bien contada y hecha, pero, como es de dibujos, solo los niños la pueden disfrutar de verdad, y es una pena que la haya tenido que ver yo y no ellos". Postura refrendada por el inicio del párrafo siguiente:



En fin, que, si luego A Contracorriente la saca directa a vídeo doméstico y no se ve en cines, ya tenemos "culpables".

A Mi " Wolf children " me encantó, y " Summer Wars " me gustó. Pero la referida aquí me pareció un autentico tostón, una historia aburrida a mas no poder. Menos mal que no soy crítica de cine, ja ja.

Estupendo post. El cine asiático en general y el japonés en concreto me encantan, pero respecto a este, estoy muy pez en cuanto a cine japonés más "antiguo".
De las comentadas por aquí, Yakuza apocalipsis, me pareció muy irregular, con momentos de lo más aburridos con otros de desfase que te lo pasas mejor. De todos modos, Miike, en su línea, digamos "desfase" las tiene mejores.
Y El niño y la bestia me parece estupenda, aunque inferior a Wolf children, todo sea dicho, recuperando sus temas habituales de la familia, paternidad, etc... mezclados con la fantasía. Mamoru Hosoda me parece el mejor director de anime actual, por encima de Makoto Shinkai, que ahora gracias a Your name, se ha puesto muy de moda.
Y desde ahora a seguir el post con interés.

Iniciado por Golondrina

Editada por Avalon en pack Fnac junto a " La mujer insecto " y " The pornographers " en copias no anamórficas.

Hay que hacer honor a la verdad: las copias editadas por Avalon y Fnac, aunque mejorables en calidad audiovisual, SÍ son anamórficas, cada una de las tres, y lo sé porque las tengo.

A mí también me gusta más Intentions of murder, pero esta no la había visto y la verdad es que es muy interesante. Como la reseñé brevísimamente, se me pasaron aspectos como el de todo el trasfondo con la base militar americana, o ese impagable diálogo, de una considerable mala leche, en la que Tome afirma tener cualidades para regentar el grupo de prostitutas por haber sido ya líder sindicalista...

Recuerdo que a Imamura, en los años anteriores a su muerte, se le hizo bastante caso en cuanto a distribución: Recuerdo haber visto en cine Dr. Akagi y la que creo que fue su canto de cisne, Agua tibia bajo un puente rojo, uno de cuyos temas principales era la eyaculación femenina...

Iniciado por Golondrina

Tambien me gustan mucho " La mujer insecto "y " Buques y acorazados ".

¿"Buques" o "Cerdos"?

" Pigs and battleships ", cierto, me confundí. E idem con lo que dices del pack de Imamura. Creo que estaba pensando en el que sacaron de Seijun Suzuki. Como tengo estas pelis en ediciones superiores ( Masters, Criterion ) hace siglos que no las veo ( ni volveré a ver ). El de Imamura, anamorfico ó no, es de calidad mediocre.

El de Suzuki era también anamórfico. No hay suerte, vaya.

Lo cual no quita para que no fuesen ediciones buenas, no sé qué ha pasado aquí pero son raras las ediciones españolas defendibles de este tipo de cine. De todas maneras, al menos existen. Ahora que tenemos alta definición y todo el percal, me cuesta imaginarme a una editora diciendo, "vamos a sacar en BD unas trilogías inéditas de Suzuki o Imamura". Mal que nos pese a los fans, es un cine minoritario que no da dinero a nuestras editoras. Saldrán otra vez las de siempre de Kurosawa, y para de contar.

Pues he probado " Gate of flesh " y nuevamente tienes razon. Y, aun más, la calidad de imagen no es nada mala, aunque creo que después fue superada. Porqué sera que tengo tan mal recuerdo de las ediciones Fnac/Avalon ? Yo creo que es por el odio que cogí a sus desperántemente lentos menus, juju.

Otro dia os recomiendo unas cuantas de Masumura, que como creo ( CREO! ) que no hay nada suyo editado en España seguro que no meto la pata.

Y, sobre lo que comentas, aqui no tendremos ni agua de todos estos directores. Por suerte se editan por otros lares, yo con eso ya me conformo. Aunque es una pena, si.

Me da bastante rabia que Takeshi Kitano haya perdido el favor de los distribuidores y exhibidores de tal manera que su cine vaya directo a vídeo doméstico. "Takeshis'" y "Glory to the filmmaker" fueron las gotas que colmaron el vaso (hasta el punto de que la última entrega de esa peculiar trilogía, "Aquiles y la tortuga" permanece inédita entre nosotros). Ni siquiera su vuelta a un cine más convencional, con la saga "Outrage", ha conseguido devolverle a nuestras salas.



He estado viendo el díptico en casa, y, bueno, aunque me parece una narración más medida y cuidada que algo estilo Takashi Miike, no deja de parecerme algo poco arriesgado por parte de un director que se ha meado fuera del tiesto unas cuantas veces en su carrera. Ese cine yakuza frío y despiadado, con los clanes vistos casi como corporaciones financieras, una violencia cortante y romanticismo nulo, ya lo hemos visto unas cuantas veces, pero aquí quizá nos llega su expresión más abstracta. No están los paréntesis para el juego de "Sonatine" o el humor intercultural de "Brother". Hay infinidad de personajes, que a veces cuesta bastante situar dentro del conflicto, hasta que empiezan a surgir las traiciones y los cambios de lealtad y entonces ya se acaba uno de hacer el lío.



Supongo que son películas de crimen y mafia bastante sólidas, pero, claro, uno ya es que es un poco viejo y sentimental y prefiere las viejas pelis yakuza en las que Ken Takakura se pasaba una hora entera de conflicto entre lealtad y deber personal hasta por fin decidirse a matar a todos en el último rollo. Incluso me parece que Fukasaku fue un poco el principio del fin de un subgénero que no siempre fue lo que es ahora. A fin de cuentas, lo que se solía entender como un yakuza era una especie de vagabundo antisocial, que se ganaba la vida de manera dudosa (a menudo mediante el juego, no en balde la palabra yakuza deriva de una jugada perdedora, sin puntuación, en un juego de naipes japoneses) y terminaba gravitando hacia clanes locales para aportar sus servicios o sus músculos. Zatoichi, el masajista ciego, era un yakuza, así como, en cierto modo, la jugadora profesional Peonía Roja. Ambos se pasaban todas sus series de películas viajando de un pueblo a otro e implicándose con diversos clanes en diversos conflictos.



Es un cine de época, más de estudio, más romántico (pese a la considerable picaresca de Shintaro Katsu en los Zatoichi) que el paradigma crudo y descarnado que inició Fukasaku y que Kitano ha buscado actualizar. Pero uno no puede evitar, a lo largo de los dos "Outrage", acordarse a menudo de la hilarante escena de "Takeshis'" en la que un yakuza se presenta a un casting de una película de gangsters y lo hace fatal. Es lo que tiene haber sido tan irreverente en el pasado (incluso el "Zatoichi" de Kitano puede ser entendido como una parodia): luego a ver quién te toma en serio.

Mis favoritas de Kitano creo que siguen siendo su debut, "Violent cop" y su peculiar "Una escena junto al mar", que contaba los intentos de un joven basurero sordomudo por convertirse en surfista. La saga de "Outrage", que pronto se convertirá en trilogía, resulta quizá demasiado mainstream para mis gustos intelectualoides, pero me satisface más a un nivel visceral que las piezas de cámara domésticas del último Kore-eda o el clasicismo conservado en ámbar octogenario del venerable Yoji Yamada, ambos de los cuales sí son cineastas que estrenan en cines.

Y por cierto, hablando de Kitano, ¿qué ha pasado con "Ryuzo y los siete esbirros", que ya data del 2015? Recuperar a Tatsuya Fuji, aquel icono del cine de pandillas setentero... y de "El imperio de los sentidos" de Oshima, tiene su aquel.

Me decido a retomar este hilo después de ver por enésima vez en el foro que las menciones del cine nipón se reducen casi exclusivamente a Kurosawa (y, en menor medida, Ozu y Mizoguchi), por lo que me propongo dedicar una pequeña serie de entradas a reivindicar a unos cuantos cineastas del país del Sol Naciente cuya obra desearía conocer mejor en base a los (pocos) títulos que conozco de ellos.



Para iniciar la serie, quiero referirme a Kihachi Okamoto, conocido principalmente por rodar “La batalla de Okinawa”, tal vez la película más célebre del cine japonés sobre la II Guerra Mundial. De un
ya algo lejano miniciclo filmotequero recuerdo con cariño “El León Rojo”, un chambara en el que Toshiro Mifune suplantaba a un guerrero samurái en tiempos turbulentos, y sobre todo “El paso del Gran Buda” (conocida en inglés como “The sword of doom”), también de época y katanas pero con la diferencia de que el protagonista, encarnado por el gran Tatsuya Nakadai, es un villano sin paliativos a quien seguimos en una carrera ascendente de maldades que llama mucho la atención cuando uno está acostumbrado de por vida al cine de aventuras de Hollywood, cuyos “antihéroes” son siempre en el fondo muy buenas personas. Recuerdo viendo esta película cómo me di cuenta de que el suntuoso uso del espacio que tanto me llamaba la atención en las puestas en escena de Kurosawa no era ni mucho menos exclusivo del maestro sino que formaba parte del ADN estilístico del séptimo arte nipón allá por los 60.



También recuerdo con agrado, y me gustaría revisar, “La bala humana”, una curiosísima cinta que podría ser definida como una sátira antibélica de humor tirando a absurdo y que formó parte de las películas arriesgadas y experimentales que nombres consagrados del cine japonés de entonces rodaron con la productora ATG, que se distinguían entre otros rasgos por estar rodadas en el llamado “formato de la academia” (1: 1,33) cuando por aquel entonces el scope era el estándar de la industria. La libertad ofrecida por ATG fue aprovechada, entre otros, por Masahiro Shinoda en “Doble suicidio”, que es un jidai geki casi bergmaniano en el que los seres humanos son vistos como marionetas tradicionales del bunraku mucho antes de “Dolls” de Takeshi Kitano, o por Nagisa Oshima en películas como “Murió después de la guerra”, reflexión artística, social y personal con aroma underground que para mí se adelanta en muchos años a cosas que luego hicieron Lynch o Haneke.



Volviendo a Okamoto, también es bastante conocida “Zatoichi contra Yojimbo”, con Mifune como invitado de lujo en la saga sobre el espadachín ciego incorporado por Shintaro Katsu, y que salía bastante airosa del desafío de no dar más protagonismo a una de las dos estrellas que a la otra, lo que resultaba en una peli de dos horas, larga para lo que es la saga, pero con un ritmo bastante conseguido.



Luego, no es raro, mirando por encima el resto de la filmografía de Okamoto, ver títulos de descripción sumamente pintoresca, como “Jazz Daimyo”, que mezcla katanas y clarinetes de swing, “Dainamaito don don”, que narra el enfrentamiento de dos clanes yakuza en el campo de béisbol, o “Buru Kurisumasu” (es decir, “Blue Christmas”), en la que humanos cuya sangre se vuelve azul tras avistar ovnis son internados en campos de concentración. Ya sabemos que, en Japón, no es raro que cineastas que han rodado verdaderos clásicos se embarquen en verdaderas frikadas, y Okamoto no parece ser la excepción.

Cuentos de la luna pálida, restaurada, será reestrenada en 4K como parte de un ciclo retrospectivo de Mizoguchi.

Fuente.

Así que se pueda decir cine nipón, sólo he visto películas de animación como Nicky aprendiz de bruja, Arriety, Mary y la flor de la bruja, Summer Wars, El castillo en el cielo, El verano de Coo y El castillo ambulante. También King of Thorn, El viaje de chihiro y las 2 primeras de Pokémon y cada una tiene lo suyo, pero El castillo ambulante es una maravilla visual con algunas escenas de efecto 3D en el fondo y esa preciosa melodía que tiene, aunque lamentablemente no explica ciertas cosas que ocurren a mitad de la historia.

Por cierto, tal vez también podría entrar como cine el capítulo Blancanieves del anime Cuentos de los hermanos Grimm, ya que tiene el exquisito estilo de Nippon Animation, el cual se asemeja al del Studio Ghibli y una duración de 1 hora.

Interesante hilo, gracias Abuelo Igor por este post, me encanta el cine japonés, sobre todo el clásico.

He retomado mi afición por el cine Japonés porque desde hace algún tiempo estoy pasando mis DVD y Blu Rays (absolutamente todos) a formato ISO para reproducirlos a través del Apple TV y aligerar espacio en casa, que en Agosto me viene otro niño (y ya van 3) y toca remodelar la casa y hacer espacio...

Estos días de atrás pasando películas me he topado con joyas (para mí lo son ) que tenía olvidadas y me ha servido para volverme a enganchar a un cine que siempre me ha gustado y tanto es así que se me ha ido un poco la mano y he comprado de golpe 12 películas que tenía pendientes y muchas ganas de ver desde hace tiempo y no quiero que me pase como con algunas que dejé pasar en su momento y hoy piden 200€ por ellas...

Siendo sincero, al igual que me pasa con el cine en general, y salvo casos muy muy puntuales, no profundizo mas allá de la película en cuestión, no leo biografías ni libros de la historia del cine ni de sus autores, por lo que se me escapan muchos conceptos y desconozco muchas de las cosas que rodean a la historia no sólo del rodaje si no de la historia y el contexto que rodea la trama de la película, simplemente veo la película, y disfruto de su visionado, ya sea con las interpretaciones, con su OST, con la fotografía...

Dicho esto, en estos días he vuelto a visionar joyas como "Tenchu" (o "Hitokiri") del maestro Hideo Gosha, y he empezado de nuevo con el pack de "The Yakuza Papers" que son 5 películas del genial Kinji Fukasaku.

En los próximos días me tienen que llegar mas películas que he comprado tanto en DVD como en Blu-Ray, mientras tanto me "suscribo" a este hilo que me ha parecido muy interesante y aprovecho para comentar que cuando termine de visionar "The Yakuza Papers", a priori entre mañana y pasado que es fiesta aquí en Madrid, me pondré a revisionar una de las películas que mas me marcó en su momento y una de mis favoritas, "Chusingura" de Hiroshi Inagaki, que es mas larga que un día sin pan, pero es una joya en todos los sentidos, y para mi una de las mejores versiones que se han hecho de la historia de los 47 ronin.

Se echa de menos, al menos por mi parte, este tipo de cine.

Un saludo

Acabo de revisionar lo que para mí es una excelente película , del maestro Hideo Gosha:



Título: Samurai Wolf (Kiba Okaminisuke)
Año: 1966
Blanco y Negro
Duración: 75 mins
Director: Hideo Gosha
Reparto: Natsuyagi Isao, Uchida Ryohei, Junko Miyazono


Película corta, pero intensa con una trama elaborada, Isao Natsuyagi interpreta a un ronin sin ingresos de ningún tipo que, un día es testigo de un triple asesinato, debido a su posición y a la lejanía, reconocer a los asesinos no sería tarea fácil, aún así, carga los cadáveres en un caballo propiedad de los difuntos, y los lleva para ver si en la aldea más cercana alguien los conoce.

Una vez allí, se encontrará inmerso en una trama de intrigas entre dos grupos y se verá obligado a tomar parte alquilando su espada y sus servicios para uno de esos grupos.

No quiero profundizar mucho en la trama para no spoilear a nadie.

La dirección es buena, tiene buena fotografía, y la actuación de Isao Natsuyagi es genial, dándole un toque gamberro y socarrón a un personaje que no deja de ser el estereotipo ronin, el resto del reparto también hace un buen trabajo.

Me pareció raro en su momento, y hoy también que viendo el año de publicación, y el desarrollo y trama de la película, en Hollywood no hubiesen hecho un remake, un western para ser más exactos...

Es muy entretenida y dada la duración que tiene (la justa en mi opinión, mas habría sido contraproducente) se hace muy amena.

Mi valoración personal serie de 7/10

Un saludo

Otro cineasta clásico nipón al que me gustaría ver más reivindicado es Tomu Uchida, contemporáneo estricto de Mizoguchi (nacieron el mismo año) que no gozó de la misma fama internacional pese a que en Japón se le considera uno de los grandes clásicos.

Mi conocimiento de su obra se limita a dos películas, “Una lanza ensangrentada en el monte Fuji” (Chiyari Fuji, 1955) y “Muerte en Yoshiwara”, conocida también, en inglés, como “Hero of the red-light district” (Yoto Monogatari: Hana No Yoshiwara Hyakunin Giri, 1960). Ambas películas las vi en un ciclo sobre cine yakuza, celebrado en el Círculo de Bellas Artes madrileño, que en cierta manera expandía el concepto que podemos tener sobre lo que es “cine yakuza”, puesto que en ninguna de las películas citadas de Uchida aparece clan mafioso alguno.




En principio, un yakuza es una especie de vagabundo antisocial sin oficio ni beneficio, dedicado a los placeres y al juego (al parecer, la palabra “yakuza” puede traducirse como “8, 9, 3” que es la puntuación nula en un popular juego de naipes japoneses), y que termina uniéndose, por inercia y en calidad de matón, al tipo de clanes regionales que terminarían convirtiéndose en la versión japonesa de la Cosa Nostra.



En las dos películas de Uchida, que vi hace ya casi 10 años y me encantaría recuperar, estas figuras al margen de la ley aparecen un poco como telón de fondo, pero no son el foco principal de la trama. “Una lanza…” se centra en el viaje de un señor samurái a lo largo de una comarca donde se rumorea que se esconde un asesino huido, razón por la cual le acompaña un guardaespaldas que encarnará la verdadera nobleza en contraste con la conducta menos digna de su señor. A lo largo del viaje se irá dejando en evidencia que la sociedad de entonces nunca daría oportunidades reales a un hombre de nacimiento humilde como el protagonista, aunque, irónicamente, esa misma estratificación social será la que lo salve al final de ser aprisionado y ejecutado por algo que no revelaré pues se trata del clímax de la trama. También recuerdo la enorme admiración que suscita en un niño que acompaña a la comitiva a lo largo del viaje y que protagonizará una escena final absolutamente antológica que da un colofón agridulce a esta pequeña odisea de la dignidad que, como sucede en los dos films de Uchida que conozco, mezcla drama, comedia y escenas de acción katana en mano.



La otra, “Muerte en Yoshiwara”, es ya en color y en ella repite protagonismo el actor Chiezo Kataoka. Recuerdo que el argumento trataba sobre un comerciante, creo que de textiles, a quien las mujeres rehuían debido a una marca de nacimiento en el rostro que consideraban de mal agüero, y que por tanto era un habitual frecuentador del mítico “barrio de los placeres” de Yoshiwara, en el antiguo Edo (hoy Tokio). Una muchacha era entrenada para ser geisha en un plan para despojar al protagonista de su dinero, hasta que al final el buen hombre, arruinado, descubre la superchería y se monta, como decía un ex profesor mío, “una de Tiberio”. Tengo también bastante buen recuerdo de esta peli, con sus composiciones suntuosas en scope y el trasfondo de crueldad que subyace al melodrama de época. Aquí creo que lo más parecido a un yakuza era un ex novio de la chica que surgía del olvido una vez se enteraba de que a ella le estaba yendo bien como aprendiz de geisha. El final, bastante violento y en el que el protagonista ya se harta de tanta bondad, remite en cierto modo a las espectaculares confrontaciones que clausuran el subgénero ninkyo eiga, en el que un meditabundo yakuza (a menudo Ken Takakura) se pasa toda la peli debatiéndose entre el honor y el deber hasta que al final saca la katana y se carga a trescientos. Bueno, el protagonista de “Yoshiwara”, a juzgar por el título original, se conforma con “hyakunin”, que me parece que es algo así como “cien”, pero el caso es que es una explosión final de violencia y de estética.



El resto de películas conocidas de Uchida incluyen "Amor, tu nombre es pena", alias “El zorro loco” (Koi Ya Koi Nasuna Koi, 1962), que es descrita en Wikipedia como “un cuento de hadas alucinatorio” que mezcla animación, imagen real, localizaciones reales y decorados de estudio y fue definida por una revista canadiense como "una de las películas más extrañas en cualquier idioma", y la que para muchos es su mejor película, hasta el punto de ocupar regularmente los primeros puestos en varias listas del mejor cine japonés de todos los tiempos: “Un fugitivo del pasado”, también conocida, en Francia, como “El estrecho del hambre” (Kiga Kaikyo, 1965), thriller criminal de generosa duración (183 minutos), que presenta una panorámica del Japón de la postguerra a través de la huida de tres atracadores, contada de manera retroactiva a través de una investigación policial, un poco a la manera de lo que años después haría Yoshitaro Nomura en “El castillo de arena”.



“Una lanza”, “Yoshiwara” y “El estrecho” están editadas en Francia en un pack descatalogado que venden por ahí a precios estratosféricos. Nuestros vecinos del norte también tienen editada una saga, al parecer de producción televisiva, sobre las aventuras del mítico Musashi Miyamoto, pero los múltiples informes sobre los defectos técnicos de la edición me disuadieron de su compra. Pero mi grato recuerdo de las dos películas mencionadas me pone en guardia ante cualquier aparición videográfica o filmotequera del cine de Tomu Uchida.

No conocía el hilo. Espero ir leyéndomelo con paciencia poco a poco. Si lo llego a saber no hubiera dudado en publicar por aquí las criticas de Kobayashi!

En un primer vistazo compruebo que hablas de directores que desconozco totalmente, como este último del que hablas, así que será interesante leer de forma retroactiva el hilo a ver que me encuentro. Aunque seguramente me dejarás con la miel en los labios porque sé que será muy difícil acceder a la mayoría de títulos que comentarás...

Últimamente he experimentado dos caras muy diferentes del cine japonés con “Shinjuku Mad” (1970) de Koji Wakamatsu y “Rampo” (1994) de Kazuyoshi Okuyama.

Wakamatsu es un director al que conocía solo de nombre pero de quien ahora tengo unas 10 películas por ver. La reivindicación de su cine es paralela a la de subgéneros como el pinku eiga y el roman porno, que a través de su carga erótica, violenta y un tanto contracultural dan una imagen de Japón muy distinta a la que nos dan los grandes maestros del pasado, mucho más turbulenta y asociada a movimientos de contestación social protagonizados por toda esa generación de la posguerra para denominar a la cual podríamos tomar prestado el título de la película de Kaneto Shindo, “Los niños de Hiroshima”.

El comienzo de “Shinjuku Mad” nos muestra en blanco y negro una calle del popular barrio de Tokio hasta que una panorámica hacia unas escaleras de bajada nos las muestra cubiertas de muertos, como al final de una reyerta callejera. La escena se repite en distintos escenarios urbanos, como queriendo dar a entender que la violencia está en las calles y entre los jóvenes, pues los cadáveres son sobre todo de aspecto veinteañero. A continuación vemos una escena erótica en color (algo al parecer habitual en el pinku, pues entonces el color era más caro y había que guardarlo para los momentos culminantes), interrumpida por la irrupción de una pandilla juvenil capitaneada, se supone, por Shinjuku Mad, una especie de líder juvenil carismático, que da muerte al chico y viola a la chica.



A partir de ahí, se narra la historia del padre del chico asesinado, que recorre las calles de Shinjuku buscando las razones de su muerte. Todo está rodado en un estilo “de guerrilla”, con un toque muy “vérité” que se aleja bastante de los thrillers de estudio, y en el que importa más reflejar un clima social y el desconcierto de las generaciones anteriores que construir una historia de acción o de venganza. El padre interroga a los jóvenes hippies del año 69 mientras uno de ellos, con un aspecto similar al de John Lennon, toca la guitarra y canta, y el resto de la pandilla se entrega al amor libre dentro del típico castillo para trepar y bajar en toboganes que ocupa el centro de todo parque infantil.



Sabedor de que su hijo estaba implicado en actividades contestatarias y que se le consideró un traidor a la causa, su padre busca paralelismos en revoluciones del pasado como la que dio lugar a la Restauración Meiji, pero todo será en vano: la confrontación violenta con Shinjuku Mad dejará más preguntas que respuestas, sobre todo cuando los policías le informan de que el legendario líder juvenil ya llevaba varios meses muerto…



Esta curiosa película a caballo entre el thriller, la exploitation y el cine político, abordando una temática parecida a la de “Diario de un ladrón de Shinjuku” de Nagisa Oshima, pero de un modo más directo y mucho menos “de autor”, me da ganas de seguir explorando la obra de Wakamatsu, un curioso personaje que en su juventud formó parte de un clan yakuza y que recaló en el cine después de ejercer durante años como obrero de la construcción. Su necrológica, hace 8 años, le atribuía labores de producción en “El imperio de los sentidos”, pero lo cierto es que los créditos del film de Oshima no lo mencionan. En todo caso, su cine promete ser interesante por su reflejo sin tapujos, y sin los juegos de espejos del jidai geki (cine de época) de una faceta de la historia japonesa sobre la cual el cine exportado al exterior no nos ha hablado mucho.



La cara turbulenta de Japón aparece también, pero de otra manera, en la obra literaria de Edogawa Rampo (1894-1965), novelista y cuentista de los géneros policiaco y de terror, y cuyo seudónimo, de hecho no era sino una “japonesización” de Edgar Allan Poe, su gran inspirador. Edogawa es el creador de Kogoro Akechi, que es algo así como el Sherlock Holmes japonés, así como uno de los iniciadores del subgénero “ero-guro”, que mezcla erotismo, decadencia, elementos terroríficos y grotescos. “Rampo”, la película de Okuyama, no es un biopic al uso, más bien me recuerda a lo que hizo Wenders en “Hammett” (una película que por cierto no me canso de ver): una ficción al estilo del autor en la que el propio autor aparece como personaje.



La propuesta de “Rampo” es más curiosa aún pues incluye animación para recrear el relato que inicia la trama, en el que un hombre que juega al escondite con sus hijos se introduce en un arcón rojo, parte del ajuar matrimonial, olvidado en un trastero, con tan mala fortuna que el cierre, oxidado y deteriorado, se atasca de tal manera que la salida es imposible. Cuando parece que el hombre se va a salvar porque la esposa lo encuentra antes de llegar a asfixiarse, esta decide dejarle dentro, habiendo encontrado por casualidad la manera perfecta de acabar con un matrimonio que no la satisfacía. El relato, muy en consonancia con el espíritu cruel de muchas ficciones del autor, ve su publicación vetada en el periódico al que estaba destinado, pero la coincidencia entre la ficción y la realidad cuando una misteriosa y bella mujer queda viuda exactamente del mismo modo hace que el autor asuma funciones de detective en un caso que aúna sadismo, voyeurismo, travestismo y un ambiente malsano, y en el que la realidad y la ficción se entrelazarán hasta desembocar en una apoteosis onírica.



Entre el cine de época, el de intriga y por momentos casi el experimental (esos montajes digitales que recuerdan por momentos el “video arte”), y con un cierto aire hitchcockiano que nunca se quiere disimular, la película de Okuyama es una “rara avis” de un preciosismo estético al que el cine japonés de acción real que nos llega en los últimos años no nos tiene acostumbrados (recuerdo la cierta rechifla de algunos críticos ante los colores pastel y la iconografía pop de “Air doll” de Hirokazu Kore-eda) y que tiene la virtud de querer abordar desde dentro, sin recurrir a los tópicos biográficos, a un peculiar e interesante autor que ha inspirado películas como “La bestia ciega” de Masumura, “El mirón en el ático” de Tanaka o “Inju” del francés Barbet Schroeder, incluso prestando la mitad de su nombre a uno de los personajes más célebres del manga y el anime, Detective Conan, compartiendo honores con el mismísimo creador de Sherlock Holmes.

“Evasión de Japón” (Nihon dasshutsu, 1964) es una película de Yoshishige “Kiju” Yoshida perteneciente a su etapa más nouvelle vague, antes de que empezara a evolucionar hacia un cine de autor estéticamente exquisito pero un tanto difícil de seguir. Esta filiación nuevaolera queda bastante clara desde que la propia anécdota argumental es calcada de “À bout de souffle”, con una pareja protagonista huyendo por todo el país tras haber matado a un policía, con la variante de que en este caso la muerte se produce en un tiroteo tras atracar unos baños turcos (situación que por cierto me recuerda un poco a "A tiro limpio", la película de Pérez Dolz, pero no creo que esta llegase a Japón).



Pero la película dista de ser un calco, pues utiliza los tropos de Godard, Truffaut y compañía para dar una visión del Japón inconformista, con los Estados Unidos, aún dominando el país desde sus bases, ejerciendo un influjo ambivalente, con una cultura que atrae poderosamente a los jóvenes pero al mismo tiempo un poder militar y político que hace sentirse a muchos esclavizados, cuando no prostituidos.





Esto se nota ya desde la secuencia inicial, en la que el protagonista, usando una botella vacía de Coca-Cola a guisa de micrófono, fantasea con ser cantante de jazz (la relación entre el jazz y Japón es compleja e interesante, y aparece en mucho cine de la época) y, en una nueva muestra del talento de Yoshida para el encuadre y la puesta en escena, vemos el contraste entre el glamour de su actuación imaginaria, iluminada en varios planos de color, y la realidad en la que ocupa un rincón marginal en un local vacío, inhóspito y algo sórdido.



Otro guiño claro a Estados Unidos y a Hollywood es el otro miembro de la banda de atracadores improvisada y desgraciada, un batería drogadicto que recuerda al Sinatra de “El hombre del brazo de oro”, y que reúne en una sola persona música de jazz e imaginario popular del cine negro. En cambio, la protagonista femenina se gana mayormente la vida acostándose por dinero con los “gaijin” de la base americana, realidad que parece frecuentemente en los films de la “nuberu bagu” (nueva ola, versión nipona), como por ejemplo “La mujer insecto” de Imamura, de la que ya hablé por aquí, en lo que resulta una metáfora política bastante clara.



La película es estéticamente rara, porque quiere vivir en dos mundos: el de los colores vivos (tiene toda la pinta de que es el debut en color de su director), explotados al principio mediante una secuencia de créditos en la que un pintor abstracto, Taro Okamoto, pinta “sobre la pantalla” como Clouzot hizo hacer a Picasso, y el de las luces y sombras del cine “noir”, en una mezcla que no funciona demasiado bien.



Tampoco me gusta mucho el actor protagonista, Yasushi Suzuki, cuyo histrionismo, me temo, pretendía ser la respuesta japonesa a James Dean (creo que la escena de “Rebelde sin causa”, en la que el chico grita haciendo callar a sus padres, es una de mis interpretaciones menos favoritas de la historia), y la película tiene un ritmo algo irregular, no del todo conseguido, pero me gusta su tono de cine criminal, más tosco y espontáneo que los thrillers de estudio de la Nikkatsu, por ejemplo, y el concepto de huir del archipiélago nipón aprovechando la confusión que crean las Olimpiadas de Tokio. La secuencia final en un barco se adelanta un par de años a un momento similar de “Cortina rasgada” de Hitchcock.



Curiosamente, Yoshida es un director del que se puede ver con facilidad toda la obra, puesto que Francia, país con el que el cineasta tiene una relación especial al haber rodado allí unos cuantos documentales de arte, editó en su momento la totalidad de sus largometrajes en una serie de packs y ediciones sueltas de la distribuidora Carlotta. En los inicios de Amazon.es los packs se pudieron comprar a precios realmente bajos (sobre todo considerando los precios que se piden ahora). Yoshida no tuvo ningún “hit” en el extranjero, ningún “Imperio de los sentidos” o ninguna “Balada de Narayama”, pero ahí lo tenéis vivito y coleando a los 87 años, y, sobre todo en su primera época, tiene varios títulos verdaderamente notables.