Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

Estamos aquí ara complacer a Campanilla, nuestra musa, así que..



Otro genio. Mi favorita suya es el manantial de la doncella. Pocos directores he visto que expriman narrativamente la fotografía cómo el . El uso de la luz en sus películas es fuente de información inagotable.

No he agradecido los post antes porque me cuesta mucho hacerlo desde la tableta, por cierto

Joer, este hilo es de chincheta y referencia absoluta,¿eh?

Iniciado por Branagh/Doyle

Estamos aquí ara complacer a Campanilla, nuestra musa, así que..

Jajaja, que voy a ser yo musa Pero me alegra mucho que hayas hecho acto de presencia

Otro genio. Mi favorita suya es el manantial de la doncella. Pocos directores he visto que expriman narrativamente la fotografía cómo el . El uso de la luz en sus películas es fuente de información inagotable.

Vaya sorpresa! No esperaba que fuese tu favorita No es la favorita de casi nadie

Iniciado por Branagh/Doyle

Joer, este hilo es de chincheta y referencia absoluta,¿eh?

Sin duda. Me están poniendo los dientes largos y yo sin poder sentarme a ver a Bergman en buenas condiciones todavía

Iniciado por Branagh/Doyle

Joer, este hilo es de chincheta y referencia absoluta,¿eh?

Me alegro que te interese. Ya he visto que frecuentas también el de Tarkovski (que, afortunadamente, se vuelve a animar). Buen maridaje, sin duda. Sólo falta que alguien se anima con Fellini.

Con Sonrisas de una noche de verano (1955), seguimos con Bergman y la comedia. No obstante, a diferencia del título anterior (Una leccion de amor), en esta ocasión nos reencontramos plenamente con el estilo de Bergman, ese estilo evolucionado que empezábamos a intuir ya en Un verano con Mónica y Noche de circo. De la primera recuperamos la dirección fotográfica de Gunnar Fisher (excelente, una vez más) y la narración lineal, sin flashbacks. De la segunda, la densidad narrativa y cierto barroquismo en la imagen: hay una gran cantidad de planos cargados de objetos, casi asfixiantes.



Además, Bergman recurre a un reparto amplísimo, repleto de rostros clave en su filmografía: Gunnar Björnstrand y Eva Dahlbeck (de nuevo emparejados), Harriet Andersson, Jarl Kulle, incluso Bibi Andersson en un pequeño papel. Y otros nombres no tan presentes en su cine, pero excelentes: Ulla Jacobsson, Margit Carqvist, Ake Fridell. Aquí las referencias genéricas más que a Lubitsch o a la comedia americana remiten, a mi parecer, a Shakespeare o a cierto teatro de enredo, sin caer, no obstante, en el vodevil. A su vez, el film de Bergman ha servido de inspiración para el musical A Little Night Music, de Stephen Sondheim, o, de manera mucho más libre, la película de Woody Allen A Midsummer Night’s Sex Comedy.

Nos encontramos ante una película de época, en un lugar y un tiempo algo indeterminado (finales del XIX o principios del XX, ya que aparece un coche a motor). El abogado Fredrik Egermann (uno de esos apellidos que, como Vogler, aparecen a menudo en su obra), encarnado por Björnstrand, ha cometido quizá el error de casarse en segundas nupcias con una mujer muchísimo más joven, Anne (Ulla Jacobsson), que después de dos años de matrimonio sigue virgen (la perdida de la virginidad es uno de los temas centrales de la película). Convive con la pareja el hijo de él, un estudiante que se prepara para pastor luterano, vestido siempre de negro, con talante trágico, claramente enamorado de su madrastra, pero deseoso de sexo como de agua de mayo (otro virgen con necesidades históricas), de manera que a duras penas se contiene ante las coqueterías de Petra, “criada para todo” (Harriet Andersson).



Ese triángulo: padre mayor, madrastra joven e hijo de edad similar a la madre, me recuerda un clásico del cine danés, Dies Irae, de Dreyer, aunque el film de Bergman se desarrolla de modo muy distinto.

A la ciudad llega una compañía de teatro (volvemos a las candilejas) que tiene a Desirée (Dahlbeck) como actriz principal. Además, Desirée es la antigua amante de Fredrik, ahora vinculada al conde Malcolm, un militar de acento extranjero interpretado excelentemente por Jarl Kulle. La condesa, para acabarlo de arreglar, es amiga de la infancia de Anne, y mantiene una relación de amor y de odio con su marido, casi sadomasoquista. Cuando Anne descubre que su marido tiene en mente a la actriz (se le escapa su nombre mientras duerme la siesta), se despiertan los celos y se acrecientan sus temores, sus inseguridades.

Fredrik visitará a Desirée en el camerino (y Bergman vuelve al uso significante de los espejos; también más tarde en la secuencia en la casa de la actriz). Luego, el abogado acompaña a la actriz hasta su apartamento con tan poca fortuna que resbala y cae en un enorme charco. La ropa mojada ha de secarla por lo que se ve obligado a vestirse con un camisón y una bata (lo que le confiere un aspecto sumamente ridículo, que en este caso sí que nos remite a, por ejemplo, el Cary Grant de La fiera de mi niña). Las prendas son propiedad del conde, que, como obliga toda buena comedia de enredo, aparece en ese justo momento, y genera una incómoda situación que acaba forzando a Fredrik a abandonar el piso en camisón.





Desirée, que parece interesada en volver a establecer una relación con Fredrik (que quizá es el padre de su hijo pequeño, ya que es madre soltera), urde un plan con su madre, una vieja maîtresse que vive en su palacio, gentileza de alguno de sus antiguos aristocráticos amantes. Así, invita a todos los personajes a pasar unos días en la mansión. Antes asistimos a una conversación reveladora (ante el espejo, por supuesto) sobre la virginidad entre Petra (que representa ser aún más joven que su señora, pero ya ha tenido diversas experiencias sexuales) y Anne.



Ya situados los personajes en la mansión, como si de un teatrillo se tratara, asistiremos a una noche de verano mágica (en definitiva, a una representación), bellamente iluminada con esa luz tan escandinava a medio camino entre el día y la noche. Las parejas se mezclan después de una cena con aire de encantamiento: la vieja dama ofrece un vino que se fermenta con la aportación de una gota de leche de una primeriza y otra de semen de un joven semental. Bergman encadenada los rostros de todos los asistentes mientras beben el vino.




Finaliza el recorrido con Henrik, que explota y recrimina el comportamiento de los presentes. Estimulados quizá por el brebaje, se desatan las pasiones ocultas. Así, el hijo del abogado, Henrik, acabará en los brazos de su madrastra, a causa de un ingenioso artilugio que provoca que la cama de ella penetre en su habitación precisamente cuando ha intentado ahorcarse sin éxito: del suicidio pasamos, pues, a la consumación del amor (de la muerte a la vida en un paso). La joven pareja abandona la mansión. Anne, en su huida, pierde un velo blanco que recoge su marido (una bella metáfora de la pérdida de la pureza de la doncella), observador del episodio.

A continuación, como resultado de una apuesta, la condesa seduce al abogado en un pabellón situado en el jardín. Desirée avisa al conde y este interrumpe el posible adulterio y reta a Fredrik a un duelo: en esta ocasión no se tratará de un pulso (como en otros films de Bergman), sino de... ¡la ruleta rusa!, aunque como corresponde a una comedia no tendrá un final trágico, sino todo lo contrario. Y así, durante una noche dominada por el sonido de las campanadas y el tic-tac de un reloj, las parejas se unen y se reconcilian: los condes por un lado; los antiguos amantes, la actriz y el abogado, por otro; la joven Petra con el maduro Frid, un criado de la casa; y por supuesto también la joven pareja virginal huida al trote. La bella estampa del amanecer del nuevo día en un paisaje dominado por un molino de viento que gira sus aspas sin descanso (como diciéndonos que la vida sigue y sigue, sin parar) cierra el film.



Copia aceptable de Manga Films, aunque en especial algunas secuencias en exteriores carecen de la nitidez y el detalle exigibles.

Iniciado por Branagh/Doyle

Joer, este hilo es de chincheta y referencia absoluta,¿eh?

Yo incluso diría más. Creo que no estaría mal que recopilaras esos datos para que te editen un libro, mad dog earle, tampoco están nada mal las aportaciones del resto, especialmente MIK. Se han editado cosas mucho menos interesantes, no sólo en cine.

Sobre lo que preguntaba en su día de Crisis creo que la imagen no es tan afortunada como otras de la colección Antología Ingmar Bergman. He visto que en el trailer de la colección salen fragmentos de otras películas y si me guío por ellas, las demás se ven como en los DVDs, yo encuentro las imágenes algo empastadillas, muy grisáceas, como con falta de contraste.

Y en cuanto a Creadores de imágenes creo que se me olvidó preguntaros si la edición era con o sin subtítulos incrustados porque he visto que no lleva castellano y sueco sino sólo sueco y siendo así me temo la incrustación.

Iniciado por Mizoguchi

Yo incluso diría más. Creo que no estaría mal que recopilaras esos datos para que te editen un libro, mad dog earle, tampoco están nada mal las aportaciones del resto, especialmente MIK. Se han editado cosas mucho menos interesantes, no sólo en cine.

Sobre lo que preguntaba en su día de Crisis creo que la imagen no es tan afortunada como otras de la colección Antología Ingmar Bergman. He visto que en el trailer de la colección salen fragmentos de otras películas y si me guío por ellas, las demás se ven como en los DVDs, yo encuentro las imágenes algo empastadillas, muy grisáceas, como con falta de contraste.

Y en cuanto a Creadores de imágenes creo que se me olvidó preguntaros si la edición era con o sin subtítulos incrustados porque he visto que no lleva castellano y sueco sino sólo sueco y siendo así me temo la incrustación.

Agradezco el cumplido por la parte que me toca y comparto la opinión de que ha habido otras aportaciones de mérito, en especial, tal como señalas, por parte de MIK. A ver si os animáis en general con más comentarios o cuestionando cosas que aquí se dicen. Lo que lamento es no poder hacer capturas con mi ordenador, ya que el reproductor que lleva incorporado no me lo permite (es un Toshiba). Tampoco he conseguido hacerlas con VCL. Lástima, porque no siempre consigo encontrar colgadas en Internet las imágenes más representativas de lo que comento.

Respecto a lo que dices de la calidad de imagen de Crisis, puede ser que no sea de las mejores (también es la primera, rodada en un contexto de posguerra, por un director novel, que no se entendía con el director de fotografía, en unas circunstancias de rodaje complicadas, con lo que quiero decir que quizá en origen tampoco la calidad fuera superior). Aunque hay altos y bajos, en general la colección de Filmax está bastante bien, al menos por lo que hace referencia a las películas que hemos comentado hasta ahora.

Lo de los subtítulos de Creadores de imagen te lo miro si puedo este fin de semana. En general, no suelen estar incrustados, pero no acostumbro a comprobarlo, porque los necesito siempre (mi conocimiento del sueco es prácticamente nulo).

Los subtítulos los necesitarás siempre que veas la película en sueco porque si la ves en castellano, muchas o casi todas de esa colección llevan doblaje, los desactivarás. Pero teniendo en cuenta que Filmax para las películas que venían sólo con pista original incrustó subtítulos en muchos títulos pues me temo que lo hayan dejado como un documental grabado de la noche temática. A mí los subtítulos me gustan siempre desactivables o no grabados a fuego como el que marca el ganado, vamos.

No entiendo cómo no puedes hacer capturas con VLC, si detallas un poco quizá pueda ayudarte. También podrías intentarlo con Media Player Classic, no lo pilles de softonic salvo que quieras meter en tu ordenador algún tipo de software maligno, o bien con el CyberLink PowerDVD, que hace años que no uso, ni sé en qué versión irá.

Ya te lo miraré eso de los subtítulos. Ciertamente, deberían ser siempre desactivables, aunque creo que en ocasiones hay problemas de derechos. Sobre los doblajes, ahí sí que no puedo decir nada porque nunca los utilizo.

Y respecto a lo de VLC, pues no sé por qué no puedo, pero la cuestión es que no lo he conseguido de ninguna manera. No sé si en caso de comprar una unidad externa (cosa que he de hacer de todas maneras) lleva un software que permita hacer capturas.

Que yo recuerde, los subtitulos estaban bloqueados en aquellos títulos que no disponían de doblaje (la mayoría, en el caso de los distribuidos por el sello Filmax), debido, supongo, a motivos legales (aunque con excepciones, como en Música en la oscuridad o La vergüenza, en la que pueden desactivarse; tal vez dependa de la remesa, ya que se fueron editando a lo largo del 2005).

En todo caso, la tipografía usada por Filmax era, tal vez, de excesivo tamaño, comparado con la mayoría de distribuidoras.

De todos modos, de los pocos títulos que tengo de Filmax, creo recordar que sólo La vergüenza y Tras el ensayo tenían el doblaje original de su estreno en salas, ya que para De la vida de las marionetas no se usó el doblaje (realizado en Barcelona) para su distribución en video y tv.

Sobre la calidad visual, salvo en aquellos títulos que se anuncian como remasterizados, la calidad de imagen de los títulos en blanco y negro es algo superior en los de Filmax (desconozco la calidad audiovisual y de subtitulado en las recientes reediciones del sello La casa del cine para todos) que en aquellos editados por Manga Films (como mencionó mad dog earle, pecan de falta de nitidez, contraste y denotan peores másters, siendo en algunos visible el poco consistente blanco y negro y un brillo algo elevado).

Espero reanudar en breve la filmografía del director y seguir comentando gustosamente mis impresiones.

El manantial de la doncella también es mi favorita de este señor.

La verdad es que la calidad general de la colección Antología, salvo alguna excepción era bastante buena. Ojalá hubieran sido así en su día las ediciones que sacaron de cine japonés. Afortunadamente hoy tenemos mejores copias.

Creo mad dog earle que lo mejor que puedes hacer es bajarte diferentes versiones de vlc por si es problema de esa versión que tienes, igual te va mejor una más nueva o bien una más antigua. La verdad es que es extraño, salvo que sea cosa de la tarjeta gráfica.

Gracias, Mizoguchi, lo probaré, aunque no soy demasiado diestro en estas cosas.

He mirado lo de los subtítulos de Creadores de imágenes: se activan o no desde el menú, y ya no se puede cambiar la opción elegida mientras visionas la película, pero puedes verla en versión original sin subtítulos. No hay doblaje al castellano.

Gracias mad dog earle, habrá que verla. Y no dejes de probar cualquier otro reproductor, gratuitos hay muchos con los que puedes hacer capturas.

Con Sueños abandonamos el mundo de la comedia, volvemos a un terreno más habitual en Bergman. El film se inicia de un modo sorprendente: oímos el ruido de un tic-tac con la pantalla en negro. Rápidamente descubrimos que se trata del reloj de un laboratorio fotográfico. En él se mueve Susanne (Eva Dahlbeck), que dirige un estudio fotográfico, donde asistimos a una extraña sesión de fotos con una modelo, Doris (Harriet Andersson), rodeada de técnicos y con la presencia inquietante de un individuo enormemente obeso que repiquetea sus dedos sobre la mesa. Todo tiene un aire grotesco, casi de pesadilla (gracias a la manera de filmar los planos: por cierto, director de fotografía poco habitual, Hilding Bladh, quien trabajo en Llueve sobre nuestro amor).



La secuencia acabará con la discusión de Doris con su novio, Palle.



Susanne, de quien sabemos que vive también una complicada relación amorosa, y Doris toman el tren con destino a Göteborg donde han de realizar otra sesión fotográfica. Durante el trayecto, Susanne contempla repetidas veces un cartel de peligro y una puerta en el corredor del tren: evidentemente está pensando en el suicidio (lo cual nos recuerda La sed), pero se limita a sacar la cabeza por la ventana y refrescarse con el agua de lluvia.
Una vez en Göteborg, Bergman nos va a contar dos historias distintas, filmadas de manera diferente. Por un lado, seguimos el deambular de Doris por la ciudad, mirando distraídamente los escaparates. Un hombre maduro, el cónsul Otto (Gunnar Björnstrand), la sigue en su periplo. Finalmente, la aborda y le propone comprarle un vestido que está contemplando. En la tienda la hace pasar por su sobrina, aunque resulta evidente que no lo es. Luego le compra un collar de perlas.



Doris tiene el capricho de ir a unas atracciones. Pasan un largo rato en un parque de atracciones (montaña rusa, tunel del terror, etc.).





Otto acaba mareado, con cierta sensación de ridículo. Ya en su casa, Doris se viste con el vestido que le ha comprado y beben champaña.



Doris se fija en el cuadro de una bella joven: es la esposa de Otto, que lleva 23 años encerrada en un psiquiátrico, porque desde el momento del parto se obsesionó en que su hija tenía cabeza de lobo [sic], uno de esos detalles inquietantes que Bergman suelta en sus películas y que producen un efecto demoledor. Porque, como no podía ser de otra manera, la hija “con cabeza de lobo” aparece (interpretada por Kerstin Hedeby, magnífica en su breve papel) y genera una tensa situación que arruina el clima que Otto quería conseguir con Doris (da la impresión que pretende “resucitar” a su esposa a través de Doris).



La hija trata a Doris como si fuera una puta y la abofetea. El encanto se ha desvanecido y Otto le pide que se marche, mientras suenan las campanas de un reloj y, de fondo, las de una iglesia. Una imagen desde el exterior nos muestra a Otto encerrado, aprisionado, detrás del cristal.

Este episodio es tan potente, que el otro resulta, por contraste, demasiado previsible, la película sufre una bajada de tensión muy perceptible. Se trata de una breve pieza de cámara, con los personajes encerrados en la habitación de un hotel. Son Susanne, su amante, Henrik (un hombre de negocios que quiere romper la relación) y la mujer de este, que aparecerá por sorpresa. Los amantes hablan con tristeza del amor perdido, pero acaban besándose, y Susanne confiesa que le gustaría ser una bruja, que desearía que la mujer de él y sus hijos murieran.



En ese momento acuerdan volver a verse al cabo de unos días en Oslo, pero entonces la esposa hace acto de presencia. Le hace saber a Susanne que el marido está arruinado. La relación se manifiesta como algo imposible de mantener.

Doris y Susanne vuelven a Estocolmo. Asistimos de nuevo a una sesión fotográfica. Palle y Doris parecen reconciliarse. Doris rompe una carta de Henrik en que le volvía a proponer ir a Oslo. Y así se acaban esos “sueños de mujer”, como al parecer reza el título original.

De la edición de Sherlock (que compré en su día individualmente, creo que luego se hizo una edición conjunta con Noche de circo) hay que decir que la imagen es bastante buena, muy contrastada, con unos negros consistentes (incluso puede que en demasía), pero con un grave problema de subtítulos. En este caso por la carencia absoluta de comas: ni una, lo cual provoca que algunas frases sean de difícil comprensión. Además, durante los últimos minutos se desincronizan levemente. Para rematarlo, no parece que los subtítulos sean demasiado fiables; por ejemplo, en un momento en que Doris mira un disco y con cara de poco entusiasmo dice “sarabanda”, el subtítulo traduce “Vaya una samba”, así, sin coma. Una coña. No sé qué les pasó a Sherlock con sus ediciones de Bergman, pero ambas fueron lamentables (aunque peor fue, como se dijo en su día, la de Noche de circo).

La semana pasada vi "Llueve sobre nuestro amor"

Coincido con mad dog earle en que se nota que no es de las más personales de Bergman. Si me dicen que la ha rodado otro, me lo hubiese creído sin problemas.

Lo que más me ha gustado es ese toque de cuento. El inicio es ciertamente simpático con ese personaje que aparece entre la lluvia y que nos irá narrando toda la historia.

La historia es muy sencilla. No tiene nada especialmente destacable salvo que me pareció bastante osada en el modo de tratar ciertos temas para la época...

Spoiler:

La chica se va y se acuesta con un desconocido sin ninguna preocupación. Lo mismo ocurre más tarde, cuando admiteque se acostó con uno que ni siquiera recuerda (el padre del niño que espera).

La relación de estos dos se me antojó una especie de "Bonnie and Clyde" pero de buenas intenciones. Un par de "vivos" que trapicheaban para sobrevivir pero sin malas intenciones para con los demás. Y claro, como en toda relación de este tipo, los problemas no tardan en hacer acto de presencia. Sin duda esta parte inicial, junto con la final, son las más interesantes de la película.

La gracia también está en que realmente ningún personaje que aparece en la cinta es totalmente bueno. Ahí están los vecinos que dicen ser vendedores ambulantes, pero lo que hacen es robar pequeñas cosas a los otros para venderlas. O el propietario de la casa que se aprovecha de ellos y los estafa, etc.

También hay ciertas aparaciones curiosas. Las del narrador, que parece ser una especie de ángel de la guarda de los protagonistas (Es especialmente bonita toda su intervención en...

Spoiler:

el juicio como abogado defensor y la despedida final con el paraguas),

o el otro anciano del bar que casi parecía un espectro. Del mismo modo que la extraña escena del casero rodeado de gatos

También me sorprendió todo el tema de la iglesia. Está bien eso de que cuando por fin, los protagonistas optan por hacer bien las cosas, sea el resto de la gente la que se lo impida Tanto es así que ni siquiera el...

Spoiler:

niño nace. Todo fatalidad.

Y finalmente, llega la escena del juicio, que fue la que más me gustó de toda la película. Muy divertida y bien ejecutada en todos los aspectos. Muy cierto lo que comentó mad dog earle, recordaba en muchos momentos al cine de Capra pero sin llegar a sus cotas de excelencia.

En conclusión; película simpática que se con agrado pero que está muy lejos de los trabajos del gran Bergman que vendrán después.

Por cierto, me he dado cuenta que todas las cajas de música que veo y escucho en las películas, me provocan un mal rollo y/o tristeza importante. Ufff... qué sensación!! Y aquí ya sabéis que suena bastante

Iniciado por Campanilla

...Por cierto, me he dado cuenta que todas las cajas de música que veo y escucho en las películas, me provocan un mal rollo y/o tristeza importante. Ufff... qué sensación!! Y aquí ya sabéis que suena bastante

Cajas de música, cierto, otro de los objetos fetiche de Bergman, junto a los relojes o los espejos. Hasta el punto de iniciar y finalizar Lección de amor con una caja de música y su sonido característico.

Y llegamos al que quizá sea el film más popular de Bergman, El séptimo sello, de 1957. Bergman parte de una pieza teatral propia, “Pintura sobre madera”, a la que da forma con notables referencias a films de autores y épocas diversas que analizaremos más adelante (sea dicho de paso para insistir, una vez más, en que la originalidad en arte es algo muy relativo). Bergman volvió a contar con Gunnar Fischer en la fotografía, que realizó un trabajo extraordinario. Fisher se consagró así como el gran director de fotografía del cine de Bergman de los 40 y 50. Nykvist lo será en los 60 y 70. En esta ocasión también la música, de Erik Nordgren, va a tener una dimensión muy relevante (con esas notas repetitivas que invoca el Dies Irae).

El argumento es bien conocido: nos situamos en el siglo XIV cuando el caballero Antonius Blok y su escudero Jöns vuelven a Suecia después de haber participado en las Cruzadas. Se encuentran un país asolado por la peste negra. Unos versos del libro del Apocalipsis actúan como pórtico de la historia (de ese libro de la Biblia procede el título del film). Mientras Blok (Max von Sydow) y Jöns (Gunnar Björnstrand) descansan en la playa, junto a un mar alterado, espumoso por el oleaje, se aparece la Muerte (antológica imagen de un ser de negro con la cara pintada de blanco, espléndidamente interpretado por Bengt Ekerot). Blok desafia a la Muerte a una partida de ajedrez: si vence, el caballero y su acompañante se salvaran.



Lo que vamos a ver a continuación es en cierto modo la visualización de la partida, con sus diversas alternativas en el juego. Caballero y escudero reanudan la marcha y pronto van a entrar en contacto con la peste: la primera muestra será un cadáver abandonado, junto a un perro, al que ya le faltan los ojos.



Paralelamente conocemos una pequeña compañía de cómicos ambulantes en un ambiente más distendido, menos grave: son Jonas y el matrimonio compuesto por Jof y Mia (Nils Poppe y Bibi Andersson), padres de un niño pequeño (la referencia a la “sagrada familia” es obvia). Jof tiene a menudo extrañas visiones (en ese momento ve a una mujer coronada paseando a un niño desnudo: ¿la Virgen y el niño? Al menos es la típica imagen medieval de la Virgen, vista como una reina), pero nadie le hace caso, todos se burlan siempre de sus visiones. Jonas, por su parte, ensaya con una máscara de la muerte (premonitorio).

Blok y Jöns se detienen unos instantes en una iglesia donde un pintor pinta un fresco representando la danza de la muerte y los flagelantes (se nos avanza lo que veremos más adelante). Mientras el escudero conversa con el pintor sobre la peste, el caballero se encuentra a la Muerte disfrazada de fraile, a quien confiesa sus dudas respecto a Dios, ignorante de la real identidad de su interlocutor.



A la puerta de la iglesia, unos soldados tienen maniatada a una chica joven: acusada de mantener relaciones carnales con el diablo, le espera la hoguera. Más adelante, encuentran un pueblo aparentemente desierto, abandonado, pero no del todo. Allá se les unirá una chica que no habla a la que el escudero salva de ser violada por un antiguo seminarista, Raval (“Dr. Mirabilis, Coelestis et Diabilis”), el que convenció en su día a Blok de viajar a Tierra Santa (es evidente la inquina de Bergman hacia este personaje mezquino).

Los cómicos, por su parte, dan una representación en un pueblo cercano. La función se verá interrumpida por la aparición escalofriante de una procesión de penitentes: flagelantes, portadores de cruces, gente que se arrastra de rodillas, orantes, etc.



Uno de ellos (interpretado por Anders Ek), el que porta la cruz, lanza una perorata apocalíptica a la multitud. Abro un paréntesis para destacar las similitudes de esta escena con un film poco conocido y menos visto de G.W.Pabst, Paracelsus, de 1943, rodado por tanto en plena II Guerra Mundial en la Alemania de Hitler. En el film de Pabst, que cuenta la vida del famoso médico, humanista y alquimista renacentista (encarnado por Werner Krauss), el protagonista se enfrenta a la Muerte, se sufre el azote de la peste y aparece una procesión de flagelantes que recuerda la del film de Bergman. Me sorprendería que Bergman no hubiese tenido presente este film, película excelente por otra parte.

Mientras ocurren estos acontecimientos en el pueblo, Jonas se fuga con la mujer del herrero, personaje torpe y grotesco, ingenuo y cerril (una especie de alivio humorístico). Por su parte, Jof será objeto en la fonda de las burlas crueles de Raval, hasta que la aparición de Jöns le pondrá a salvo.

El caballero, mientras tanto, goza de un momento de paz al lado de Mia y el niño (Mikael). Se les une Jof, Jöns y la chica muda. En un cuadro de resonancias religiosas comen fresas y beben leche bajo la atenta mirada de la máscara de la muerte (inevitable pensar en la última cena de Jesucristo, tanto por el simbolismo de los alimentos como por la composición de los planos).



Esa noche van a cruzar todos juntos el bosque (también va con ellos el herrero). Hay un momento cómico cuando encuentran a Jonas y a la mujer del herrero. Jonas se escapa y se refugia en un árbol, pero está sentenciado: la Muerte corta el árbol y con él su vida. Todo este periplo por el bosque recuerda en grado sumo el cine de Kurosawa, incluso musicalmente (suenan unos coros insistentes, así como una música de cuerda grave, rítmica). De repente aparecen los soldados con la bruja (que tiene los miembros descoyuntados) a la que han de quemar en la hoguera (aquí la memoria nos remite al Dies Irae de Dreyer). La muchacha dice que se puede ver al diablo en sus ojos, pero Blok sólo acierta a ver en ellos el miedo, el horror.



Más tarde, se encuentran con Raval, el ladrón, moribundo a causa de la peste. Jof contempla como, en un aparte, el caballero juega al ajedrez con la Muerte. Blok, consciente de lo que va el juego, tira las piezas en un gesto de torpeza premeditada, lo que permite que Jof escape con la mujer y el niño en medio de una noche tempestuosa. La Muerte, a pesar de la triquiñuela de Blok, vence, pero aquellos que simbolizan la vida se salvan. El resto, ¿están ya muertos?

La comitiva llega finalmente al castillo del caballero. Allí hayan a la mujer de Blok (o a su fantasma quizá). La mujer, Karin, lee el fragmento del séptimo sello: cuando se hubo abierto el séptimo sello, siguió un gran silencio en el cielo. Entonces suena la puerta, pero no hay nadie... o sí, ha llegado por fin la Muerte. Todos se presentan ante ella, se entregan a lo inevitable. El caballero ruega a Dios la salvación, mientras el escudero le reprocha su debilidad. Karin le pide silencio, y Jöns responde: “Callaré, pero protestando” (uno de las frases más inspiradas de un guion magnífico). La que creíamos muda cierra la secuencia hablando, para decir algo así como “esto es el fin” (luego insisto en este detalle).

Spoiler:

Los cómicos despiertan a un nuevo día, luminoso y tranquilo, junto a un mar sereno, con el canto de los pájaros de fondo. Jof tendrá una de sus visiones. Ve a la Muerte arrastrando en su peculiar danza a seis personajes, y los nombra: el caballero Blok, el escudero Jöns, Jonas el juglar, el herrero y su mujer, y Raval el ladrón. Mia le responde: “Tú, ¡con tus visones y sueños!”.



Para los amantes de los enigmas, o de darle mil y una vueltas a los detalles que quedan abiertos en las narraciones, El séptimo sello ofrece en esta última escena un misterio apasionante. ¿Por qué sólo seis personajes? ¿Por qué no la “muda”, que ya sabemos que no lo es, y la mujer de Blok, Karin? Apunto una explicación: quizá Karin no aparece con la Muerte porque ya estaba muerta, es el fantasma que ha esperado a que su marido regresara de las Cruzadas (lo que lo convertiría en un personaje digno del cine de Kenji Mizoguchi, por cierto). La chica, de la que jamás sabremos su nombre, y que ha recibido a la Muerte con una sonrisa como de alivio y con la enigmática frase de “esto es el fin”, como si hubiera cumplido satisfactoriamente una misión... ¿podría simbolizar la peste? Como ese diablo en forma de niña que utilizaría Fellini en Toby Dammit, ¿puede que la peste esté aquí representada por una bella, joven y lozana mujer (Gunnel Lindblom, que, por cierto, años más tarde dirigiría un film producido por Bergman), sin nada que decir hasta el final, sólo manifestándose con su presencia? Ahí lo dejo.

Y vuelvo a la última frase, porque la edición que he visto, la de Manga en DVD editada hace años, no subtitula esta frase. En la versión doblada el personaje dice, creo que en latín, “consumatum est”, que no se corresponde con la frase en sueco del original (aunque supongo que el significado se acerca). Dispongo de un guion de la película en inglés donde la frase se traduce por: “it is the end”, aunque he visto en algún sitio que esas palabras se traducen como “it is finished”.

Añado: He localizado finalmente la frase en sueco: "Det är fullbordat", al parece algo así como "está terminado" (según el traductor de Google). Y esas palabras se corresponden con las últimas de Jesús en el Calvario según el evangelio de Juan, ese "consumatum est" en versión latina que se utiliza en el doblaje al castellano.

Finalmente, decir que edición de Manga, salvo por este grave detalle, es bastante aceptable, aunque un film de esta talla merece algo mejor. Hay otra edición en DVD de Lacasadelcineparatodos y una en BD de Vértice, pero no tengo datos sobre ellas. ¿Alguien las ha visto y puede comentarlas?

Estupendo análisis, mad dog earle.

Al mencionar lo del subtitulado en la edición de Manga Films, he recordado algo que se comentó por el foro sobre algo peor en el caso de la edición de El manantial de la doncella (al menos la primera, de 2003, ya que posteriormente se reeditó anunciando remasterización y extras, con lo cual puede que se subsanara dicho error en el subtitulado), en la que los subtítulos eran una transcripcción del doblaje, que estaba censurado/alterado, en el que se recurría (si mal no recuerdo) al ensalzamiento del cristianismo cada vez que se mencionan temas paganos.

Justo esta mañana he comprado en promoción el pack del sello La casa del cine..., que incluye ambas películas.
Aunque al ser una edición de 2011, no sé si se tratará de un nuevo subtitulado, ya que este era el punto flojo de las ediciones de sellos como este o Regia Films hasta hace pocos años (malas traducciones, fallos de ortografía, etc...), tras lo cual mejoraron bastante.

En cuanto pueda probarlas, comentaré que tal.

Por cierto, los blu-rays patrios que aparecieron entre 2011 y 2012 (Un verano con Monica, El séptimo sello, El manantial de la doncella, Fresas salvajes y Sonata de otoño), tenían buena calidad de imagen (claramente superior a la de los respectivos dvds), aunque se realizaron en 1080i y no en 1080p, con lo que no se aprovechaba la calidad del formato blu-ray.

En fin, a ver si recupero el ciclo en breve, que últimamente se me resiste.

Iniciado por MIK

En fin, a ver si recupero el ciclo en breve, que últimamente se me resiste.

Anímate, hombre, que estamos llegando a uno de los períodos más fecundos de Bergman. A mí, volver a ver El séptimo sello, me ha resultado una experiencia extraordinariamente gratificante. Vista a día de hoy, liberados de cierta carga existencialista y religiosa que pesaba en demasía en su momento, me parece un film muy disfrutable sin dejar de ser profundo y de cuestionarse muchas cosas. Reconozco que me siento bastante identificado con la posición que adopta el escudero Jöns. Quizá entonces Bergman se sentía más próximo a las dudas del caballero Antonius Blok, si hacemos caso a algunos de sus escritos. Me queda un gran interrogante alrededor del personaje de la chica "muda" interpretada por Gunnel Lindblom. Agradeceré cualquier comentario sobre este u otro aspecto cualquiera de este film, sin duda uno de mis favoritos (y no sólo entre los de Bergman).

Deben ser los efectos colaterales de esta asfixiante ola de calor, aunque tengo previsto recuperar al director esta misma semana y aportar, en la medida de lo posible, con algún que otro post, ya que tengo varios títulos pendientes.

Saludos.

Finalmente, pude ver anoche El séptimo sello.

Tras una breve comparación entre las ediciones de Vértice (edición remasterizada) y La casa del cine, me decidí a ver la edición de este útimo sello.

La calidad de imagen es superior en esta, ya que cuenta con mejor nitidez y contraste, un blanco y negro más consistente y mejor tipografía en los subtítulos, que curiosamente, son diferentes a la habitual del sello, aunque para mejor.

Pongo unas capturas para comparar, primero la edición de LCDCPT, después la de Vértice (remasterizada):


















Como se puede apreciar, es más sólida la primera (ver el detalle presente en la 3ª captura), con un nivel de grano cinematográfico más natural.

Parece que la imagen esté más comprimida en la 2ª, que tiene una fluidez de la imagen menos natural que la 1ª.

Eso sí, es extraño que aparezcan esas leves franjas negras, que no se veían en el televisor.

La calidad de sonido me ha parecido bastante superior a los anteriores títulos del director, sin tanto ruido de fondo y con mejor nitidez.

En la edición de Vértice (que viene en estuche slim, ya que la compré en quiosco), viene el logo de la productora sueca y tras el final, aparecen los créditos y la ficha de su restauración en 2006.

La edición de LCDCPT finaliza con el fundido a negro y no tiene ni el logo ni los créditos finales.

En breve comento sobre la película.

¿Esa edición de Lacasa... es la misma que la del doblete con El manantial de la doncella?

http://www.moviesdistribucion.com/dv...%E9ptimo+Sello

Lo digo porque, aunque no me gusta recomprar y preferiría una edición en BD, quizá si encuentro esa edición doble a buen precio la compraría. Otra cosa, MIK, ¿en comparación con la de Vértice en BD, que indicabas que era 1080i, has podido comprobar qué tal?

Se queda uno apabullado ante las poderosas imágenes que se ven en El séptimo sello, que marcaron un punto de inflexión en la historia del cine.

Esta es, sin duda, una de esas películas que necesitan de más de un visionado, ya que son numerosos los detalles que pueden pasar por alto en un primer pase que uno redescubre y se replantea tras el tramo final.

Y es que, tal y como menciona mad dog earle, este tramo no es unidimensional, sino que ofrece múltiples interpretaciones (que no respuestas), que nos hace reflexionar y replantearnos su interpretación en base a nuestra propia existencia.

A pesar de la fama de seriedad de la película, esta muestra numeros momentos distendidos durante la trama, con toques de humor negro como varios de los personajes con los que interactúa Jönns o

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el delirante diálogo de la Muerte con el personaje de Skat (de nuevo se muestran actores y músicos).

En la película vemos en los personajes diversas interpretaciones del modo de vida (influenciadas por la fe, el amor, el odio, el miedo, la esperanza, etc...), siendo el personaje de Block (interpretado por Max Von Sydow) un espectro, alguien que no parece implicarse en las relaciones humanas, incapaz de exteriorizar afecto

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(como se ve a lo largo de la película, por ejemplo en el momento en que pese a saber que la muerte le acecha, es incapaz de salvar a la joven acusada de brujería)

, siendo el momento en que conoce a Mia, Jof y su hijo Mikael uno de los pocos momentos en que parece emocionarse por algo tan sencillo como el amor que estos profesan a su pequeño.

Con el personaje de Block, Bergman muestra en pantalla a un hombre que tras volver de las cruzadas, vive en las tinieblas, obsesionado por la muerte, cuestionándose la existencia de Dios (y por ende, del Diablo), viendo los peores aspectos del ser humano en aquellos que le rodean.

Su escudero Jönns (interpretado por Gunnar Bjönstrand), sin embargo es alguien que se implica continuamente con los personajes que se encuentra, siendo más libre y terrenal que su amo (con lo que el director vuelve a criticar el poder que ejerce la religión sobre el hombre), ya que este no vive consumido por dudas existenciales ni juzgando a los demás por su escalafón social.

Será este el personaje que pronuncia otra de las frases esclarecedoras de la película, relacionada con el enigmático tramo final, cuando pronuncia: "El amor es la más oscura de las plagas".

Es en este último tramo cuando se desata el tono fantástico (esos bosques y brumas que recuerdan al Kurosawa de Trono de sangre), que mantienen una atmósfera que recuerda a la de aquellos míticos títulos del productor Val Newton para la RKO y, por supuesto, a La carreta fantasma de Victor Sjöström.












Durante la película hay numerosas referencias a la imaginería, desde los frescos que narran los estragos de la plaga y el fanatismo religioso (con fieles autoflagelándose), hasta la recreación de la última cena, como mad dog earle mencinó.









Su influencia es patente en decenas de películas posteriores, desde la figura de la muerte interpretada por Ian McKellen que aparece en El último gran héroe (1993), de John McTiernan, la muy evidente La máscara de la muerte roja (1964), de Roger Corman y hasta el enigmático personaje interpretado por Robert Blake en Carretera perdida (1997) de David Lynch, entre muchas otras.

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LA MÁSCARA DE LA MUERTE ROJA




EL ÚLTIMO GRAN HÉROE


CARRETERA PERDIDA

En el ciclo Poe que este último ofreció en los años 60, se vislumbran numeras influencias del imaginario de la película de Bergman, con esas tormentas, los bosques brumosos y personajes que se resguardan en misterosos castillos habitados por ¿fantasmas?.

De nuevo, ejemplar el tratamiento del sonido en la película (ya en el inicio, con el silencio que precede a la figura de la Muerte).

Respecto al tramo final

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en efecto, comparto tu interpretación, ya que el personaje de la misteriosa chica muda parece ser en efecto una de las plagas del Apocalipsis, siendo salvada por Jönns de una violación por el mismo personaje deleznable que ha engañado a su amo para enrolarse en las cruzadas, que perecerá después de la peste.

La chica está también presente en el momento en que queman a la pobre muchacha en la hoguera, su rostro al contemplar su dolor y la locura al a que el ser humano llega en aras de la fe, es revelador.



Y su frase final, en la que parece revelarse como un ángel que hubiera bajado a la Tierra y tras contemplar la decadencia de la humanidad, acepta la muerte como alivio.



Respecto a este tramo, es curioso al respecto el punto de vista de los personajes, particularmente el de Jof, que parece poder ver en un plano espiritual, como en el inicio, con su visión de la figura de la Virgen con un pequeño, o la propia Muerte en el tramo final en el bosque, siendo salvado junto a Mia y el pequeño Mikael (por el momento) gracias a un gesto por parte de Block al tirar las fichas y permitir su huida. De hecho este trío es el que mantiene el tono esperanzador de la película, con un espíritu vital.

Sobre la danza macabra final, esta puede reflejar el cruel modo en que previamente los aldeanos han tratado a Jof en la taberna, haciéndole bailar como un animal, burlándose de el.

El hecho de que este no vea a la enigmática chica muda ni a la mujer de Block en la imagen final, parece reafirmar la misteriosa naturaleza de dichos personajes, ya que el personaje de Jof no ha visto a la mujer de Block y no parece haber interactuado con la chica en ningún momento de la trama (tal vez no era visible para el), aunque dicha imagen sólo es visible por Jof, con lo que queda a modo de advertencia para la humanidad.

En fin, tengo la sensación de haber arañado apenas la superficie, ya que hay otros temas e imágenes que dejan al espectador con incógnitas (en mi caso una de la lynchianas imágenes posteriores a una de las muertes), relacionada con el mundo animal, representado aquí desde el inicio con un halcón (¿simbolismo?).