Tema: Aki Kaurismäki: revisando sus películas

"Mare de Déu!!!!", "pero esto que es!!!!", podrían ser frases definitorias para el film que toca, anarquía pura, el absurdo pasado de rosca, pero con algo diferente al típico film de lo absurdo, donde los actores se esmeran en hacer gracia, lo dan todo para lucir el chiste y ir al siguiente sketch; pero los Calamari nada de eso, ellos aman la pasividad, no quieren hacer gracia ni lo intentan, y en excéntricos no les gana nadie. La bateria de Franks se hace notar dejando sketches fantásticos y otros no tanto, pero no de vergüenza ajena, porque dicho me la suda todo de los personajes y su nula expresividad (buscada) hace que los sketches malos pasen inadvertidos y camuflados inmediatamente por la excusa de la excentricidad.



Yo he tenido la sensación constante de estar viendo un film de sketches, porque cuando uno intentaba agarrar el hilo argumental, casi misión imposible, te hundían con paridas y más paridas. Y el director, hace de lo excéntrico bello, porque a nivel cinematográfico está todo muy cuidado, a nivel fotográfico, ese excelente blanco y negro con una -otra vez- nitidez de imagen superlativa, donde se pone la cámara, a nivel musical, otra vez luce sin duda, ya sea por la variedad del score y por su gusto musical. Ya que estamos, decir que a mi me ha gustado más la -corta- versión de Stand by Me que se marca la orquestrilla empezando instrumento por instrumento que la de citada fiesta punk, el cual estoy casi seguro que a nivel musical es un playback total, las voces no lo sé, ya que se oye un bajo de manera imponente, y no me ha parecido per ningún bass player, he visto tres guitarras guerreando pero no a lo unísono con la música que sonaba. Lo dejo como sketch simpático para lucir músculo musical para totalmente innecesario.



Pues parece que me haya encantado? pues si y no, pienso que es una apuesta arriesgada, que parece ser que el director está en sus salsa (hay más films suyos por el estilo?), con unos sketches que pueden ser muy graciosos si entras en el juego y odiarlos si la situación te desfasa. El sketch de que un Frank viaja en el morro del coche y éste frena y el se va a tomar por cul... me ha hecho gracia por simple y tontorrón. Más tontorrón aún el sketch de cuando llegan 4 Franks (o 3) en coche al puerto o algo parecido, y le preguntan a uno que estaba por allí si tenían habitaciones libres, él dice que si, y después se ve una imagen de que es una habitación invisible y pasan la noche a ras de suelo, pero aceptando, y seguramente pagando, la habitación. Pero está claro que no es un film que invite a revisión constante, no da el gusto a ello, no se si es algo puntual en su filmografía, yo lo dejaría en una curiosidad excéntrica disfrutona, porque eso si, a mi, Aki, como dire, creo que lo borda más aquí que en su ópera prima.

Iniciado por Alex Fletcher

Ya que estamos, decir que a mi me ha gustado más la -corta- versión de Stand by Me que se marca la orquestrilla empezando instrumento por instrumento que la de citada fiesta punk, el cual estoy casi seguro que a nivel musical es un playback total, las voces no lo sé, ya que se oye un bajo de manera imponente, y no me ha parecido per ningún bass player, he visto tres guitarras guerreando pero no a lo unísono con la música que sonaba. Lo dejo como sketch simpático para lucir músculo musical para totalmente innecesario.

Tan innecesario como ilógico e imposible argumentalmente, puesto que algunos de los que salen a escena, como Pekka, has muerto. Está puesto con calzador, pero a mí me ha encantado esa disrupción en la narración, si es que de narración se puede hablar en Calamari Union.

Iniciado por Alex Fletcher

Pues parece que me haya encantado? pues si y no, pienso que es una apuesta arriesgada, que parece ser que el director está en sus salsa (hay más films suyos por el estilo?), con unos sketches que pueden ser muy graciosos si entras en el juego y odiarlos si la situación te desfasa.

Los dos con los Leningrad Cowboys se aproximan, aunque tienen una ilación argumental más sólida (que yo recuerde). De todas formas, tendremos más muestras puntuales de ese sentido del humor marciando de Aki en otros films, aunque no de manera tan rotunda.

03. Sombras en el paraíso (Varjoja paratiisissa, 1986)



Después del atrevimiento dostoyeskiano y del divertimento frankiano, ya tenemos a Kaurismäki metido en el tipo de cine que le hace más reconocible, el de los personajes lacónicos, sin pasado, con escaso presente e incierto futuro, inmersos en pequeños dramas o comedias (la diferencia en Aki es casi imperceptible). En ese sentido Sombras en el paraíso es paradigmática, un magnífico ejemplo de lo que es un film kaurismäkiano, estilo que todavía alcanzará cotas más altas en el futuro.

Los protagonistas del cine de Aki suelen ser trabajadores poco cualificados, con los que construye sus narraciones minimalistas. Aquí, Nikander (el habitual Matti Pellonpää, al que ya hemos visto en los tres primeros films del finlandés) es un basurero al que no parece que le vayan muy bien las cosas. Cuando su compañero de trabajo (Esko Nikkari, el inspector de Crimen y castigo) le propone independizarse y formar su propia empresa de recogida de basura cae fulminado por un infarto.



Nikander vive en un piso destartalado, en solitario, y su vida es una sucesión de días grises.



Pero como si de una comedia romántica hollywoodiense se tratase, “chico conoce chica”: Nikander es atendido en el supermercado por una cajera, Ilona (la actriz por excelencia de Aki, Kati Outinen), de un corte que se ha hecho en la mano reparando el coche. A partir de este primer encuentro casual inicia una extraña y fría relación amorosa con la joven, de la que tampoco sabemos nada de su pasado y que se muestra tan hierática como él (aunque de sus miradas a veces saltan chispas).



Para acabar de redondear los dramatis personae, Nikander se hace amigo en el calabozo, donde ha ido a parar después de una pelea en un bar, de Melartin (Sakari Kuosmanen), otro miembro de la peculiar fauna de tipos humanos que pueblan las películas de Kaurismäki, al que Nikander consigue colocar como compañero en el camión de basura.



Tampoco a Ilona le van bien las cosas. La despiden (ella piensa que porque el encargado del supermercado quiere colocar a su hija) y, en un acto de venganza, roba una caja con dinero, pero es incapaz de abrirla (si lo hubiera conseguido, se hubiera ido del país).

Va a buscar a Nikander y pasan un fin de semana en un hotel, en habitaciones separadas. Cenan en un restaurante (¡beben vino Sangre de Toro!, del Penedès!) y se besan en la playa. Pasión nula, todo muy distante y frío.



A pesar de que consiguen forzar la caja, deciden devolverla. De todos modos, Ilona ha perdido el piso (que era al parecer de la empresa), por lo que se instala en el de Nikander. Poco después consigue trabajo en una tiende de ropa, pero la relación con Nikander no parece funcionar bien.

Nikander, junto a su amigo Melartin y esposa, quedan para ver Il buono, il brutto, il carrivo, de Leone, pero Ilona les da plantón.



Durante la proyección se oye, procedente de la banda sonora, algo así como “you’re trash”, lo que parece que acaba de convencer a Nikander de que el problema es su profesión y el desprecio que genera en la sociedad (antes les han vedado la entrada en un restaurante). Ilona lo abandona (“chico pierde chica”).

Aunque inicia una relación con el jefe de la tienda de ropa, Ilona sigue pensando en Nikander. Incluso vuelve al piso, pero no lo encuentra: lo espera escuchando una canción del mexicano Guty Cárdenas (“Dile a tus ojos”).

Nos falta el reencuentro, el momento “chico consigue chica”. Pero que nadie se espere emociones desbordadas, risas, abrazos y besos. Kaurismäki lo rueda de la misma manera distante y desapasionada que el resto. Nikander la va a buscar a la tienda de ropa y, en presencia del jefe, le propone casarse e irse de luna de miel a Tallin, la capital de Estonia. Así, el film se cierra con la pareja a bordo de un ferri soviético con la hoz y el martillo, rumbo a Estonia (como en Calamari Union), mientras suena otra de esas canciones tristes y melancólicas típicas de sus films: “Älä kiiruhda”, de Harri Marstio:



Como en los dos films anteriores, los protagonistas del cine de Kaurismäki se plantean dejar el país: lo intentaba Antti en Crimen y castigo, aunque al final se echaba para atrás, o dos de los Frank a bordo de una frágil barca en Calamari Union. Como en los dos casos anteriores, tampoco aquí parece que la huida asegure un futuro más esperanzador para Nikander e Ilona, como parece insinuar la canción.

En todo caso, como en casi todos los films de Kaurismäki, la lectura de la sinopsis no da más que una pálida impresión de lo que nos muestra el film. Las películas de Aki, paradójicamente, a pesar de su aparente falta de emociones, se han de sentir, se han de vivir. Son los ambientes, la música (nuevamente, la banda sonora se compone de una mezcla de rock & roll, jazz y blues, junto a las tristes baladas finlandesas), los rostros expresivamente inexpresivos de sus actores, la cadencia de las secuencias, lo abstracto de la estructura argumental, lo que nos puede fascinar.

Con Sombras en el paraíso (magnífico título) empezamos a calentar motores. La próxima entrega, no obstante, puede dar la impresión de una vuelta atrás, no solo por el uso del blanco y negro (que Aki utilizará en otras ocasiones), sino porque parece una operación similar a la de Crimen y castigo. Si allí era la célebre novela de Dostoyevski la que trasladaba al presente finlandés, en Hamlet va de negocios será la clásica tragedia de Shakespeare. Veremos cómo salda una operación tan arriesgada.

Los miércoles son los nuevos viernes, que ritmazo con las revisiones!!!! Me suena que lo conté alguna vez por aquí, pero siempre me ha picado la curiosidad para escribir un guión o lo que sea, de un desgraciado, estoy cansado de los héroes, el protagonista siempre es el mejor en todo, y no es eso. Nos situamos en contexto, desembarco de Normandia, Salvar al soldado Ryan, la puerta del anfibio se abre y les vuelan la cabeza a todos los de la primera fila, el personaje duró dos segundos en pantalla, pero detrás tuvo su vida, sus mierdas, seguramente un loser, porque los héroes no mueren en el segundo tres de película. Y entonces hay un flashback al pasado para explicar la vida de este desgraciado, y curiosamente me sale sin dudarlo Nikander: the shit collector, claro al no dominar mucho el inglés, no creo que sea el nombre del oficio, sino una forma despectiva para referirse a este. Es lo mismo que mi profesión oficial en Suiza (la no oficial como ya saben es de nutricionista), la de cuidador, también llamado despectivamente por mi "lava culos". Y ya si pongo cara a la novia del loser que le dan el balazo en el segundo tres, me sale "SI I NOMES SI" el rostro de otra loser Kati Outinen, y ya tengo a los principales. Después le añado a 4 de los Franks y ya está el equipo completo



Me fascina y me irrita a la vez esa frialdad extrema de los personajes, que parece que será la tónica, de Kaurismäki, pueden ser tan odiosamente adorables!!!!. Yo no se si es una radiografía del perfil escandinavo, o es sólo marca de la casa del director, no se, yo estoy entre medio peninsular y escandinavo, y por aquí, la gente es bastante fría. Un buen amigo latino, declarado fucker -por él- de juventud, está pasando mucha hambre en Suiza. Ese momento de pura diversión en el Bingo, donde Aki lo subraya hasta llegar al patetismo, incluso por una de las más frías del mundo, Ilona, fue insoportable y se largó a media sesión cuando se olía el clímax a ritmo de bingo.

Me agrada mucho el secundario compañero de trabajo, o sea también Shit Collector, que en su aparición uno piensa que será aún peor que Nikander, pero no, él es insuperable. Como bien dice Mad ,Ilona suelta al final un leve sonrisa que ni así es acompañado por la persona más cabreada del mundo.



Aki vuelve a retratar una Helsinki (entiendo que es esta ciudad) de mierda, si ya en sus primeros trabajos vemos el feismo a nivel de paisaje e interiores, aquí se le suma a estos dos grupos el trabajo que nadie quiere hacer por antonomasia y el que peor reputación tiene, en esta sociedad que vivimos es mejor decir que eres prostituto/a a basurero/a. Por cierto en Suiza los Shit Collector tiene un sueldazo muy majo y unas condiciones laborales excelentes (me dijeron 5000 francos, para que lo comparen el lava culos gana 4000 francos suizos, en conversión, creo que el Euro está por debajo). También podemos ver algo de contraste entre clases sociales en las escenas de restaurantes, mientras en un restaurante de menús acompaña un pianista, yo diría que es un Frank, hecho caldo, mientras en el restaurante de nivel ya tiene su orquestrilla, algo Freak eso si. Me gusta la escena en que son rechazados para entrar en el restaurante cool, la reacción de ellos es de tal indiferencia que asusta, como si le hubieran dicho "pues se ha arreglado el día hoy con la lluvia". Hablando de música, ya lo comenta Mad, Aki, saca a relucir un repertorio disfruton, me gusta esa canción de hard rock finlandés, creo que cuando están en la playa, siendo la escena más romántica del film, que romántica tiene 0'001 sobre diez. O ese momento que Nikander se presenta en el trabajo de ella para decirle que sólo quería saber donde trabaja, da media vuelta y se va.....un personaje, mejor dicho, unos personajes.



iré acabando, la verdad que me cuesta resumir el film, no tengo muy claro si me ha gustado o no, está claro que no es un film disfrutón a lo Melville, pero tampoco es un aburrimiento, el film pasa como un tiro con unos personajes que exasperan pero que los adoras, No es un film que me apetecería revisar mañana (mentira ya lo he revisado, una en BD y otra en filmin por si me había perdido por el idioma) pero si lo tuviera que hacer, lo haría con gusto. Me pasa, por ahora, lo mismo con el cine de Jarmusch, me gusta lo que veo, lo disfruto al momento, pero no me entran ganas de revisionarlo.....por ahora, espero con salivaciones hacia arriba a los Lenningrad Cowboys.

Lo mejor: La frialdad de los personajes
Lo peor: La frialdad de los personajes

Es cierto, el cine de Kaurismäki no es para revisar muy a menudo, pero cuando lo hago, lo disfruto. También me pasa con Jarmusch. Hoy, casualmente, estaba releyendo mis comentarios de la revisión que le dedicamos, con la intención de buscar las afinidades entre el finlandés y el norteamericano, que son muchas, y me han venido ganas de volver a ver como mínimo sus mejores films. Aki y Jim son unos buenos compañeros de viaje.

Y sí, es Helsinki (ciudad que visité en un ya muy lejano verano de 1988). O sea, si la capital es así, cómo será la Finlandia profunda. No me extraña que todos se quieran ir del país (empezando por Aki, que ya dijimos que lleva muchos años viviendo en Portugal).

CICLO PARALELO: PELICULAS FINLANDESAS QUE CASI SEGURO HABRÁ VISTO EL BUENO DE AKI

THE WHITE REINDEER -aka el reno blanco- de Erik Blomberg (1952)



Pues si, como ven en la foto, edita Eureka, siendo una de las razones principales, junto con el precio en esos momentos, de querer adquirirla, eso y leer el subgénero de Vampiros, más el de Fantástico y terror, en la ficha de FA, también con el plus europeo y la vitola de rareza otorgada por mi mismo, y le seguiría añadiendo por el afán de descubrir cosas nuevas, que a veces funciona, como este film, y a veces no tanto, como el film que vi ayer de la BFI Captured, film sobre prisioneros bélicos en la guerra de corea.

No esperaba encontrar una obra total en el primer visionado como lo fue Freaks, por cierto para cuando en BD o 4K? se lo merece y de sobras!!!!!, simplemente la curiosidad por todos los elementos que menciono arriba me ganaban. Su introducción al estilo cine mudo y te hace salivar, y le sigue una interesante carrera de renos a lo Ben-Hur, acompañada de un subrayado excesivo de edulcoradas muestras de amor, acompañado siempre de, para mi lo peor del film, fragmentos musicales de pachanga de domingo, escenas en su inicio algo alargadas para mi gusto; pero acto seguido, el film se oscurece y se pone serio, con escenas de terror muy destacables, el momento del tambor con el vidente, o el momento con el reno joven, y cuatro o cinco escenas más de este tipo que hacen valer la pena su visionado, por ser, como he dicho, una rareza per se, y por formar parte de ese género que tantos palos se le da. Por lo tanto, film muy recomendable para quien busca cosas distintas, y además si Eureka en la colección the Masters of Cinema será por algo, y además, seguro que TOmás lo sabía , ganadora del globo de oro en el 1956 como mejor película de habla no inglesa.

Interesante aportación, tomo buena nota. En todo caso, la introducción de un ciclo paralelo de cine finlandés le da al hilo un carácter marciano que casa a la perfección con la obra de Aki. Que siga. Hay por ahí (en Filmin) tres films de Mika que se podrían comentar en algún momento.

Iniciado por mad dog earle

Interesante aportación, tomo buena nota. En todo caso, la introducción de un ciclo paralelo de cine finlandés le da al hilo un carácter marciano que casa a la perfección con la obra de Aki. Que siga. Hay por ahí (en Filmin) tres films de Mika que se podrían comentar en algún momento.

Las de Mika las quería comentar brevemente al final. Esta me apetecía verla desde hace tiempo, y pensé mejor aquí que en el otro rincón. A parte de Aki i este film no me suena tener mucho más de esta nacionalidad, cuando llegue a casa lo miro.

04. Hamlet vuelve a los negocios (Hamlet liikemaailmassa, 1987)



Si a Kaurismäki no le tembló el pulso a la hora de debutar adaptando en su primer largometraje “Crimen y castigo” de Dostoyeski, en su cuarto film la osadía llega a su máxima expresión: traslada la tragedia de Shakespeare a la Finlandia actual, substituyendo la Dinamarca legendaria por una Helsinki oscura, nocturna, más propia de un film noir de la Warner que de una recreación palaciega de la obra del bardo, para lo cual se sirve de una espléndida fotografía en blanco y negro de Timo Salminen (responsable de este apartado en sus tres films anteriores).

Aquí no hay reyes ni palacios, o mejor dicho, ahora la realeza es la del mundo de los negocios, despiadado y cruel, sin escrúpulos, como lo era el de las coronas de otros tiempos. Fuera de la traslación temporal (algo que hoy en día ya se ha convertido en un tópico a la hora de representar a Shakespeare, en las tablas o ante la cámara), y de la lógica concentración de situaciones y diálogos (el film se queda en solo 89 minutos), a mi modo de ver Kaurismäki es fiel a la estructura básica argumental del texto original, aunque, como es de esperar, sin profundizar en la dimensión filosófica de Shakespeare (por ejemplo, no se incluye el célebre monólogo del “To be or not to be”).

Hamlet (Pirkka-Pekka Petelius) es el cachorro engominado de una poderosa familia que controla astilleros y serrerías.



El film se abre con la muerte por envenenamiento del pater familias provocada por Klaus (no parece que en este caso sea el hermano del muerto, más bien su mano derecha en los negocios). Klaus, que se entiende con la mujer del finado, Gertrud, madre de Hamlet, intenta hacerse con el control de la empresa y vender sus activos a Wallenberg, una firma noruega, para dedicarse a la fabricación de objetos de goma, simbolizados por un patito (un detalle del humor irónico y absurdo de Aki, una más de las frecuentes pullas que lanza a la sociedad de su país).

Hamlet, al que todos tienen por un inútil e infantiloide “hijo de papa”, está destinado a casarse con Ofelia (la gran Kati Outinen), hija del gerente de la empresa, Polonius (encarnado por otro habitual, Esko Nikkari). En realidad, lo que desea es llevarse al catre a la chica, como un capricho más de alguien acostumbrado a ellos, pero el juego de Ofelia es tentarlo sin “abrirse de piernas” (tal como le aconseja su hermano, Lauri) hasta que no hayan pasado por el altar, juego en el que cuenta con el apoyo de su padre (ejemplificado con un diálogo entre los dos, sin que se miren a la cara, que nos retrotrae a los momentos más fríos y distantes del Dreyer de Gertrud).



Para sorpresa del consejo de administración, Hamlet (que ha estado pintando un dibujo infantil mientras debatían) hace valer su herencia, el 51% de las acciones, para obstaculizar el plan de Klaus.



Por otra parte, como en la obra de Shakespeare, se le aparece el fantasma de su padre que le hace saber de su envenenamiento, crimen que unos actores, pagados por Hamlet, representarán ante Klaus y Gertrud en un teatro.



Progresivamente, Hamlet va comportándose cada vez más de un modo extraño, que califican de depresivo, melancólico. Los momentos clave de la obra teatral van desfilando: Hamlet mata Polonius, cuando estaba escondido en un armario en el cuarto de Gertrud; le envían a Londres, pero con la instrucción dada a Rosencranz y Gyldenstern que se deshagan de él durante el trayecto (misión en la que fracasan); a su regreso, Hamlet se encuentra con que Ofelia se ha suicidado (en una bañera, con un patito de goma flotando);



Gertrud muere a causa de un veneno que estaba destinado a Hamlet, inyectado en un muslo de pollo; y, finalmente, Hamlet mata a Lauri (empotrándole una radio en la cabeza) y dispara mortalmente contra Klaus.



Como en la tragedia, muere hasta el apuntador… O quizá no. De hecho, también morirá Hamlet que confiesa a su chofer, Simo, que fue él quién provocó la muerte de su padre modificando la dosis de veneno que le suministraba poco a poco Klaus. Hay quien ve en esta confesión (que se ilustra con un flashback) una forma de provocar a Simo para que acabe con él (de hecho, lo envenenará a continuación), pero no acabo de verlo así.

La película, en ese tono proletario y antiburgués que caracteriza la obra de Aki, termina con Simo y su novia, una de las criadas, abandonando la mansión. Cabe destacar que falta en el reparto el personaje del amigo de Hamlet, Horacio, substituido en cierto modo por Simo, pero este no deja de ser un oyente cautivo y subordinado de los problemas de Hamlet, alguien que, en el fondo, lo desprecia, resaltando así la distancia de clase social que los separa. Los últimos planos son para la fábrica en funcionamiento, mientras suena de fondo una de las tristes baladas típicas del cine de Kaurismäki: “Muuttuvat laulut”, de Georg Ots.



La música, una vez más, juega un papel importante en el film. Como en sus anteriores películas, hay una mesurada mezcla de música clásica (aquí, sobre todo, la espectacular Sinfonía 11 de Shostakovich) y temas de blues y rock & roll. Incluso, como en Calamari Union, la actuación de un grupo de rock, Melrose, irrumpe en la trama, con formas de videoclip, mientras Hamlet está charlando en un bar, con el tema “Rich Little Bitch”, que parece una referencia directa al juego de hacerse la estrecha de Ofelia.



Kaurismäki lo vuelve a conseguir: respetar el original (yo diría que incluso más que en Crimen y castigo) siendo a la vez absolutamente fiel a su estilo de personajes lacónicos y fríos, de un retrato desolado de la Finlandia contemporánea, todo ello bañado con dosis industriales de ironía.

Así pues, de momento, el ciclo se mantiene con un nivel bastante alto y uniforme, a la espera de la próxima entrega, Ariel, que supuso su definitivo lanzamiento internacional.

Esta la he visto dos veces, la primera en BD como manda los cánones, y la segunda en filmin por si me he perdido en los diálogos de la fantástica edición inglesa del pack Aki. Sin dejar que se enfríe la cosa, creo que es el film que toma delantera por ahora. He de reconocer que a la hora de elegir un film para ver, si veo que está Shakespeare metido en el medio, siempre giro la vista despistado en busca de otra, es esa amiga feilla que le declaras amistad eterna pero sin contacto, y siempre buscas a otra, yo diría que es pereza psicológica, pero no se dar razones concretas. Claro la cosa cambia cuando por contrato se tiene que ver si o si.

Pues por ser una adaptación de Shakespeare tengo decir que me ha funcionado, ese ambiente noir ayuda mucho, dentro de la frialdad absoluta de manual finlandés, curiosamente Hamlet parece algo más expresivo, será por el punto de infantilidad que se le quiere dar, ese momento dibujando que anota Mad podría ser un ejemplo. Para cambiar un poco de fórmula y improvisando un poco iré enumerando esas escenas que me han dejado poso.

1) La de la carátula que he puesto, no se si es una frikada del director, pero la verdad que la secuencia de la lucha le queda formidable, y el remate del empotramiento del aparato de radio le de ese toque, no de humor, pero si que se le escapa a uno una sonrisa.

2) Para mi la mejor del film, la larga secuencia del suicidio de Ofelia, simplemente magnífico, desde su inicio, cuando la de un beso de despedida que parece en principio un beso de amor con despecho. Después con ese magnífico picado vemos el menú de pastillas que toca, para seguir con el relleno de la bañera y ese primer plano (no se si lo llega a ser) esbozando esa sonrisa terrorífica antes de caer en la bañera.



3) Claro como no, la escena musical grupal, con ese grupo que desconocía que gracias a Mad, ya no. Me encantan los grupos que lo dan todo en el escenario, y este grupo Punkrockero rockabillero lo hace.

4) La escena del teatro escenificando lo que sucedió en el asesinato del padre de Hamlet, con los comentarios socarrones de Hamlet y el intento de meter lenguatazo propiciado por el ambiente butaquero negado por Ofelia, con el remate del Foco directamente al asesino, sutilidad digamos que poca



Hay más pero tengo la casa vacía y toca visionado de Melville, así que lo dicho, para mi, por ahora lo mejor de la revisión, y como dice Mad, siempre manteniendo un nivel más que interesante en todos sus films vistos hasta ahora.

Iniciado por Alex Fletcher

4) La escena del teatro escenificando lo que sucedió en el asesinato del padre de Hamlet, con los comentarios socarrones de Hamlet y el intento de meter lenguatazo propiciado por el ambiente butaquero negado por Ofelia, con el remate del Foco directamente al asesino, sutilidad digamos que poca

Foco que manipula un viejo conocido nuestro: Matti Pellonpäa, aquí con un papel muy secundario, pero de momento hace el pleno, 4 de 4.

05. Ariel (Ariel, 1988)



Tal como reza la carátula que adjunto, Ariel forma parte de la conocida como “trilogía del proletariado” de Kaurismäki, junto a Sombras en el paraíso y La chica de la fábrica de cerillas. Como la primera, ya comentada en esta revisión, Ariel se nos cuentan las venturas y desventuras de una pareja proletaria: Taisto (Turo Pajala, que ya tenía un pequeño papel en Hamlet vuelve a los negocios), un minero que, como consecuencia del cierre de la instalación minera (con el que se abre el film), tiene que iniciar un periplo a la búsqueda de un nuevo trabajo, trayecto que lo llevará hasta Helsinki, a bordo de un espectacular Cadillac Cabriolet blanco (se dice que propiedad del propio director);



y Irmeli, una mujer divorciada con un hijo, pluriempleada: la vemos en tareas de limpieza, poniendo multas de aparcamiento, trabajando en una industria cárnica e, incluso, nos dice que hace de guardia de seguridad en un banco por la noche.

El inicio del film ya marca el tono sombrío que nos acompañará durante todo el metraje, a pesar de que, como es habitual en el director, sea un tono donde está muy presente también la ironía y un sentido del humor negro, un tanto absurdo. Así, antes de dejar la población minera, un compañero (algún comentarista dice que es su padre, lo cual no se puede afirmar a la vista de los escuetos y lacónicos diálogos habituales en su cine) se suicida fuera de cámara, harto de la vida que lleva: la vida que llevan es una mierda, dice, pero, como le advierte a Taisto, lo que va a hacer, suicidarse, también lo es. Precisamente, será este hombre el que le entregue las llaves del coche: cuando saca el coche del cobertizo, este se derrumba. Cierre minero, desempleo, suicido y destrucción: ¡qué panorama!

Pero parece que, a pesar de las adversidades, en el filmografía de Kaurismäki sus personajes demuestran tener una resiliencia a prueba de bombas: al igual que ocurría en Sombra en el paraíso, Taisto encontrará a Irmeli, y talmente alcanzados por las flechas de Cupido formarán una pareja sin preámbulos ni cortejos, con la misma frialdad y falta de pasión que en el film anterior de la trilogía.



Taisto parece marcado por el fatalismo: no solo tiene que conducir soportando el frío de las carreteras finlandesas por su torpeza al ser incapaz de hacer funcionar la capota, sino que además solo llegar a Helsinki le roban el dinero, teniendo que malvivir con pequeños trabajos en el puerto y dormir en un sórdido dormitorio comunitario (anunciado con el símbolo de la cruz). Allí decora su pequeño rincón con un retrato de Urho Kekkonen, que fue presidente finlandés durante 26 años, todo un símbolo nacional (y que había fallecido poco tiempo antes), retrato que ya había aparecido en otros films anteriores.



Pero, a diferencia de Sombras en el paraíso, la película no se mantiene dentro del género de la comedia romántica (aunque un tanto marciana), sino que deriva hacia el cine negro. Como anuncio de lo que va a pasar, vemos a los huéspedes del dormitorio comunitario viendo por televisión a... ¡MAD DOG EARLE!, sí, sí, unas imágenes de High Sierra. Evidentemente, con la invocación a Roy Earle, la película ahonda, aún más, en el fatalismo: Taisto es detenido, por pelearse con uno de los que le robó el dinero, y condenado a prisión.

En la trena, su compañero de celda será Mikkonen (Matti Pellonpää, ¡cómo no!, que, de momento, no se ha perdido ninguna cita con las películas de Aki). Fiel al tono del film, Kaurismäki nos hace transitar, primero por el cine carcelario y de fugas (reciente todavía Down by Law, de su colega Jim Jarmusch), y, posteriormente, el de atracos.



Se escapan (gracias a una lima, introducida dentro de un libro de cómics), Taisto recupera su Cadillac, se casa con Irmele y roba un banco con Mikkonen (Aki no entra con la cámara dentro del banco, como tampoco lo hacía Joseph H. Lewis en Gun Crazy). Con el dinero pretenden comprar los pasaportes falsos con los que salir del país, pero van a caer en una encerrona de la que Mikkonen saldrá herido de muerte (aunque, en un gesto postrero, descubrirá cómo hacer funcionar la capota del Cadillac, uno de esos pequeños gags, a menudo de humor negro, que trufan las películas del finlandés).



Taisto, no obstante, demuestra que no le tiembla el pulso a la hora de disparar un arma (a la que, primero, habían quitado las balas para asaltar el banco, pero después Taisto las vuelve a poner al advertir que algo no está saliendo bien: todo este segmento me recuerda mucho los polars de Melville, al que estamos dedicando una revisión en otro hilo, y por el cual tengo entendido que Kaurismäki tenía gran admiración, y si no, lo parece).

Como en todos los films que hemos visto hasta ahora (salvo Crimen y castigo, aunque también en él el protagonista estaba a punto de dejar el país), los protagonistas, Taisto, Irmeli y su hijo Riku, huyen a bordo de un barco, de nombre “Ariel” (¿referencia shakespeariana?), con destino a México, o lo que es lo mismo, como el “Over the Rainbow”, versión en finés de Olavi Virta, que suena en la banda sonora lo simboliza, hacia una libertad que, probablemente, no es más que una fantasía.





Magnífico film, uno de los primeros que vi de Kaurismäki, hace ya muchos años, y con el que confirma el perfeccionamiento de un estilo. Un cine en el que parece evidente, al menos por lo que llevamos visto, que la esperanza, si acaso hay lugar para ella, no se puede dar en Finlandia. Quizá por ello, en la próxima entrega, los Leningrad Cowboys se irán a América, ¿“the land of freedom”?

No creo que el gobierno finlandés de esa época y también el de ahora, esté muy contento con la imagen que proyecta Aki de su Finlandia, Helsinki, porque a parte de que es deprimente, digamos que los personajes tampoco ayuda, parecen robotizados, no es la primera que al prota le dan una tunda de hostias, y después de X tiempo, se levanta y sigue su camino, no se queja, no le duele nada, simplemente avanza. El azote social en el cine de Aki y en el film que toca también, es un taladro sin compasión, aquí hasta con gotas de humor negro, como cuando en tres o cuatro paredes de búsqueda de empleo, sólo hay un par de ofertas, el prota, entusiasmado con la oferta, viene la señora y le deja sin. Después se fomenta el trabajo en negro, el pluriempleo, esa gran trampa de la Merkel que presumía de Alemania como una potencia contra el desempleo, claro fomentado trabajos del 20% y estos cuentan, o descuentan, como un desempleado menos, pero no se vive con un 20%, de ahí que van 2 o 3 trabajos más para completar el 100; parece que Irmeli forma parte de ese grupo.



Intro demoledora con el suicidio del compañero o familiar de Taisto, con esa frialdad marca de la casa, lo que he dicho arriba, ni sufren ni padecen, miran, se levantan y siguen. El film dura poco y no da respiro, el prota dice basta, se larga, vacía la cuenta y le vacían el bolsillo, se tiene que ir a un hostalito comunitario, donde todo goza de gran alegría, después conoce a su ligue, con esa fantástica escena del hijo con la pistola, búsqueda de trabajo, venta del coche, intento de ajustar cuentas, cárcel, y doble huída, todo ello en 70 minutos, evidentmente no hay escenas de transición, no caben!!! tampoco esa elipsis monstruosa de la huída de prisión con el film con serio parecido, Down by law de Jarmusch, ya sea por temática en esta parte y como vamos diciendo a la hora de dibujar a los personajes. Todo esto con un gran fondo musical, que sino me equivoco son los mismos que en el film anterior, los fantásticos MELROSE. Y se remata con el film marca de la casa de huida en barco, que parece que esta vez SI hay un final más o menos feliz y el remate de "over the rainbow" en finlandés.

Cada vez me estoy a acostumbrado a este humor negro, o quizá finlandés, con un chiste o suceso muy escueto y sin acompañamiento para lucirlo, por ejemplo, el gag del film, con el botón del capó y el colega muriendo (que grande este actor). El gag del final cuando en el bar le entregan un paquete a los fugitivos, sacando al niño que estaba fuera de plano, siendo este la entrega. O cuando sale de su parking de mierda y este se viene abajo. Y ahora viene los Leningrads Cowboys, esto promete!!!!

06. Leningrad Cowboys Go America (1989)



Cuando parecía que Kaurismäki, sin abandonar su sello característico (el de un humor un tanto absurdo que sobrevuela incluso sus films más dramáticos), se consolidaba en la línea del llamado cine proletario, aquí vuelve a la desmesura de Calamari Union, corregida y aumentada.

Si allí se trataba del periplo por Helsinki que llevaba a cabo una extraña sociedad compuesta por un número un tanto indeterminado de individuos llamados Frank (a mí me salían 14) a la búsqueda de una “tierra prometida”, aquí nos narra la odisea de un abigarrado conjunto musical, los Leningrad Cowboys (primero 8 más el bajista congelado; al final, 10, más el mánager y Igor, el roadie), que desde la desolada tundra siberiana (¿o es finlandesa?, a fin de cuentas hablan en finés), donde compaginan la música con el trabajo en el campo, se lanzan a la conquista del mercado americano.



El argumento, en forma de road movie, es lo de menos: un conjunto disparatado de aventuras y desventuras del grupo, trufadas con actuaciones musicales, desde Nueva York (curiosamente, el rótulo que aparece en pantalla identificando la ciudad reza “Nueva York”, no “New York”), su primera etapa en suelo estadounidense, hasta México, final del recorrido (de momento ).

¿Qué es lo que hace a esta película singular e impactante (sobre todo la primera vez que se visiona)? Que Kaurismäki, sin cortarse un pelo (nunca mejor dicho), convierte en héroes a un grupo más propio de la parodia o del cartoon (formado a partir de una banda finlandesa de pop-rock-punk preexistente, los Sleepy Sleepers o Sliipparit), estrafalario y grotesco, pero que tiene sin duda una fuerza icónica irresistible. Ahí es nada su atuendo: tupés quilométricos y zapatos superpuntiagudos.



Incluso su mánager, Vladimir (el inevitable Matti Pellonpää), luce un atuendo similar,



como si fuera una característica física de los habitantes de la zona de procedencia (también llevan tupé los perros, los bebes... o una foto de Abraham Lincoln ).



Así, con una constancia digna de mejor causa, el grupo va de local en local, a lo largo de la geografía norteamericana, ofreciendo, con un resultado más bien penoso, muestras de su estilo, una extraña mezcla de folklore ruso y rock & roll (estilo musical que a su llegada dicen desconocer y que han de aprender con rapidez).

Para ello comprarán un viejo Cadillac (el vendedor, ¡no podía Aki haber elegido mejor!, es ni más ni menos que Jim Jarmusch, nombre que ya ha salido y seguirá saliendo más de una vez en este ciclo).



El recorrido está trufado de pequeños detalles bufos (sin olvidar el inglés macarrónico que se fuerzan a hablar), como por ejemplo que acarreen durante el trayecto un ataúd con el cuerpo congelado del bajista (ataúd que sirve para refrescar con hielo las cervezas que bebe constantemente Vladimir),



o que el cantante, en una de las actuaciones, luzca una camisa con la hoz y el martillo (aún existía la URSS)

También hace acto de presencia, llegado como polizón, Igor, una especie de “tonto del pueblo”, caracterizado por un minitupé (una forma de simbolizar su inferioridad y su inadecuación para formar parte del grupo). Los seguirá de ciudad en ciudad recibiendo al final el premio de ser nombrado roadie.

Como ya ocurría en Calamari Union (y también en Hamlet vuelve a los negocios) las actuaciones del grupo irrumpen en la narración, aunque esta vez de manera totalmente justificadas. Así, nos “deleitan” con una versión del “That's All Right Mama” o, en el que quizá es el mejor momento musical, del “Born to Be Wild”, todo un himno de las road movies desde los tiempos de Easy Rider, tema por cierto que supone la incorporación al grupo de un nuevo miembro, un primo (Nicky Tesco) al que descubren durante la ruta trabajando en una gasolinera.



Finalmente, llegarán a México, donde resucitarán al bajista a base de tequila, y donde Vladimir se perderá, quién sabe si para siempre, después de haber llenado una copa abriendo el grifo instalado en un cactus (en un detalle entre surrealista y gag propio de un cartoon de la Warner).

Reconozco que la película me hizo mucha más gracia hace años, cuando la vi por primera vez. Ahora creo que sigue teniendo momentos hilarantes, que la imagen del grupo es alucinantemente divertida, pero todo ello resulta a veces un tanto infantil, algo que ya pasaba en Calamari Union, y que aquí se acentúa.

Volveremos a encontrarnos con los Leningrad Cowboys en el futuro, pero de momento la semana que viene volvemos al cine proletario con la que quizá, al menos en mi recuerdo, es su mejor muestra: La chica de la fábrica de cerillas.

Quería participar aquí, siquiera por verme por fin el pack, que tengo muerto de la risa varios años, pero ya me está costando trabajo completar la filmografía de Melville (esta tarde quiero ver "Hasta el último aliento") y solo llevo vistas las dos primeras de Aki. Ponerme al día, cuando ya vais por la sexta, sería harto complicado.

Iniciado por Abuelo Igor

Quería participar aquí, siquiera por verme por fin el pack, que tengo muerto de la risa varios años, pero ya me está costando trabajo completar la filmografía de Melville (esta tarde quiero ver "Hasta el último aliento") y solo llevo vistas las dos primeras de Aki. Ponerme al día, cuando ya vais por la sexta, sería harto complicado.

Por mi parte, ningún problema con que comentes las películas a tu aire, y si no son todas sino solo unas cuantas también serán bien recibidas. Me alegra comprobar que, además del amigo Alex, hay más personas interesadas en revisar las películas de Kaurismäki, un director quizá ahora algo olvidado, pero que en la segunda mitad de los 80 y en los 90 mantuvo un cierto prestigio entre los habituales de los cines en VO. O sea que tu mismo, encantado de leer tus comentarios, al igual que en el hilo de Melville, director por cierto muy apreciado al parecer por Kaurismäki, lo que se nota en algunas cosas de su cine.

Esperaba con muchas ganas a los Leningrad Cowboys, y al final tengo que decir que dichas ganas han sido contraproducentes, ya que lo que una espera a lo que uno ve, a veces, o casi siempre, no es lo mismo, así que, si se puede, soy y seré partidario los visionados casi vírgenes, casi, porque entiendo que siempre hay una razón previa para ver un film.

Soy fan number one de films como The Commitments o la menos conocida La banda nos visita o incluso de la casposa pero divertida Orquesta Club Virginia, claro, ya llevo unos tiros pegados en el ciclo de AKi, y era evidente que se venía una comedia más allá de lo absurda, más de Kusturica (lo poco que he visto de él) que de lo films mencionados, pero es en sus primeras actuaciones en el film, donde hay un playback clamoroso y molesto, que le quitan autenticidad a la performance, curiosamente a partir, creo recordar que, de bareto de motars, donde no se si hay playback, pero los cambio de acordes y notas van acorde al movimiento de los Cowboys, cosa que en sus 2-3 primeras actuaciones no es así.

El humor?, pues me parece aun más absurdo y exagerado que en los Calamari, que allí se monta una historia noir fuera de la comedia; en el film a comentar, todo se mueve en torno a la comedia, y el afán de hacer sketches sin parar, para mi la resta,, claro hay sketches simpáticos y otros no tantos, hay sketches también que hacen NP gracia aunque el sketch en si tienda a ello, como por ejemplo cuando bajan del coche y cientos de latas de cerveza con ellos.

Iré acabando porque tengo que ir a trabajar, tenía 25 minutos para escribir dos párrafos y dejar lista mi aportación semanal, y me faltan cinco para buscar un par de fotitos. Así que, lo bueno del film, es sin duda la estructuración a lo Road movie, las pintas uniformadas, la mini intro donde vemos que no se tratan de disfraces sino de génetica pura con el tema del toupe (seguramente los mejores sketches del film), la frialdad marca de la casa de los diálogos, con esa cosa de que me suda todo los huevos hagas lo que hagas, como el manager tirando cervezas para atrás e impactando en alguno de ellos con nula reacción, y podría seguir, pero son cosas sueltas, teniendo la sensación en su finalización del visionado, de no estar del todo satisfecho con el film, quizá la espera, com he dicho, no ha sido lo mejor para plantarse ante una aventura estrafalaria como esta.

07. La chica de la fábrica de cerillas (Tulitikkutehtaan tyttö, 1990)



Si necesitas menos de 70 minutos para contar una historia, ¿para qué dedicarle más de dos horas extenuantes como suele ser norma habitual en el cine de hoy? Si lo puedes hacer con unos diálogos minimalistas, que todos reunidos no dan para más de cuatro o cinco folios, ¿para qué aburrir al personal con verborreas inacabables? Si para transmitir la incomodidad que genera una trágica historia de humillación, abuso y desamparo, propia de un folletín melodramático, se puede prescindir de lo sentimentaloide, ¿para qué buscar el fácil lagrimeo del espectador? Todas estas cuestiones, y muchas más, tienen respuesta en la excepcional La chica de la fábrica de cerillas, que, a falta de completar estas revisiones, sigue siendo mi película preferida de Kaurismäki.

Según recoge Pilar Carrera en su monografía sobre el director finlandés, este declaró que la película era: “folletín al agua de rosas, pasada por una especie de batidora Bresson-Ozu”. Y es que, ciertamente, tal como ya anuncia el rótulo inicial, que dice algo así como “probablemente murieron de hambre y frío, muy lejos, en medio del bosque”, extraído de una novela rosa de Anne (o Sergeanne) Golon, de la serie Angélique (tipo de novelas que parecen ser la única lectura de la protagonista), el argumento es de lo más melodramático y folletinesco, pero con un distanciamiento similar al del cine de Bresson (al que espero que dediquemos pronto un ciclo para revisar su obra) o, quizá en menor medida, de Ozu. Kaurismäki trata ese material de tal manera que el resultado es un destilado de su estilo: distanciamiento respecto a los personajes y sus emociones, laconismo expresivo, abstracción formal.

La película se inicia con unas imágenes de corte documental sobre el funcionamiento de una fábrica de cerillas (al igual que Aki hacía con la industria cárnica en Crimen y castigo o la recogida de basura en Sombras en el paraíso), en la que la presencia humana es casi invisible. Allí, rodeada de ruido y de soledad, trabaja Iris (la extraordinaria Kati Outinen), un engranaje más dentro del proceso de producción y embalaje de las cajas de cerillas. Ella será la heroína de esta tercera y última entrega de la llamada “trilogía proletaria”.





Su vida es rutinaria y gris: trabajo alienante, desplazamientos en autobús, donde lee novelitas sentimentales, y vida familiar carente de afecto, con su madre (Elina Salo) y su padrastro (Esko Nikkari, uno de los habituales del cine del finlandés), que cenan sin cruzarse una palabra mientras ven las noticias por la televisión (entre otras, la represión de las protestas de la plaza Tiananmén de Pekín en 1989).



Ni siquiera cuando busca la diversión en una sala de baile se ve recompensada: nadie la saca a bailar, mientras se oye una canción sobre una tierra donde se cumplen los sueños.



Hasta el minuto 13 no oímos la primera línea de diálogo, muy breve: Iris pide una cerveza en un bar. Y con esta economía verbal seguirá el film. Iris, visto el fracaso del baile, se compra un vestido estampado rojo, más llamativo, y se deja caer por una discoteca, donde consigue ligar con Aarne (Vesa Vierikko).





Sin palabras, Aki nos lleva del primer contacto a la mañana siguiente, en que vemos que Iris ha pasado la noche con Aarne. Este, en un nuevo gesto de humillación (ya anteriormente el padrastro de Iris la ha abofeteado y llamado “puta” por comprarse el vestido “provocativo”) le deja dinero, como pago a sus “servicios”.

Como todo buen folletín (probablemente como pasa en las novelas de Golon, que no he leído ni creo que lo haga nunca), la efectividad conceptiva de Iris es máxima: un polvo, un embarazo. Aarne se desentiende y, a una carta de Iris en que le comunica la noticia de su futura paternidad, que es, probablemente, el momento más tierno del film, dentro de su patetismo, le responde que aborte. Kaurismäki sigue cultivando la elipsis y el fuera de campo, aquí de manera magistral. Después de leer la carta, una raya escrita a máquina, acompañada de un cheque, se levanta como un autómata, sale a la calle y oímos el ruido del frenazo de un coche. No hace falta decir más.

Como consecuencia de su aborto ha de abandonar la casa de los padres. La recoge su hermano, en cuyo apartamento hay un juke box, lo que permite una de esas irrupciones musicales tan típicas del cine de Aki, en este caso suena de fondo “Cadillac”, un tema de The Renegades, banda británica de los 60 (grupo para mí desconocido y que leo que tuvo más éxito en Finlandia que en su país).





Esta vez Iris no “pondrá la otra mejilla” ante tanta humillación, sino que optará por la venganza. Compra raticida y reparte, supuestamente, muerte: pone el veneno en la bebida de Aarne,



en la de un hombre que se le acerca en un bar con clara intenciones,



y en el aguardiente que beben sus padres.



Después, la banda sonora nos ofrece un breve fragmento de la “Patética” de Chaikovski, para dar paso a la última y modélica secuencia. Mediante un enlace sonoro, con una canción de fondo que nos habla del desamor, pasamos de la casa familiar, donde se supone que Iris ha perpetrado un parricidio, a la fábrica. Tal como queda reflejado a lo largo del film en la magnífica, una vez más, banda sonora, fundamentalmente a base de música diegética, vamos del paraíso y la esperanza de una tierra de los sueños a la pérdida de las ilusiones: dos hombres, que parecen policías, se llevan a Iris, probablemente detenida.

Ya hemos comentado más de una vez las elipsis, los pudorosos fuera de campo y la minimalista narrativa de Kaurismäki, pero en este film lo lleva a un grado de perfección difícilmente superable. De hecho, en ningún momento vemos las reacciones de los envenenados, ni sabemos si han muerto o no (al parecer Kaurismäki vino a declarar que no).

La película está plagada de significativos detalles, de brevísimas secuencias de una enorme densidad expresiva, a pesar de la falta del diálogo y de la habitual frialdad de las interpretaciones del cine de Aki. Así, por ejemplo, la madre le hace un regalo a Iris: una novela de segunda mano de Golon, que la chica pone junto a otras muchas (seguramente, sus regalos de años anteriores). Iris va sola al cine, a ver según el cartel de la entrada una película de los hermanos Marx, pero en lugar de reír, la vemos llorar (creo que la única vez que suelta una lágrima). Durante la cena, la madre le coge de su plato parte de la modesta comida. Desolador.

Maravillosa, me parece una película única, incomparable. ¡Y en solo 69 minutos! La semana que viene, en tan solo 79 minutos, Aki nos lleva a Londres para contarnos la historia de un peculiar suicida, interpretado por Jean-Pierre Léaud, en I Hired a Contract Killer.

Comento en el post visionado del film en privado con Mad (o contigo, nos podemos tutear, dado que es otro mano a mano) en el habitual mensaje para organizar el doble visionado semanal, que el film me ha encantado, contestando con un "ya te lo dije" que no recordaba, cosa que agredezco, lo de mi memoria gris, ya que enfrento los visionados del ciclo, totalmente virgen y sin espectatives, cosa que no hice con los Leningrad Cowboys; lo que hace que el resultado sea más placentero cuando el film se lo merece, y es el caso.

Poca cosa más que decir que lo que ha dicho Mad, que esta vez ha sido más una reseña de opinión que de sinopsis, tampoco da para mucha sinopsis el film. Me encanta el didactismo inicial de como funciona la fábrica, pero me ha quedado la duda de como se pone, o en que momento, se pone el fósforo en los bastoncitos, muy mal AKI!!!!!



Aki se deja las extravagancias para otros films, aquí si las hay, son de fábrica, o sea, para nosotros, el comportamiento social y familiar del estilo Aki, o sea el finlandés, podría entrar en extravagancias, pero se ve, que es el pan de cada día. Una frialdad y una casi extorsión emocional la que recibe la protagonista de manera continua, el cual me quedaría con el momento del baile, cuando los machos, sin verles el rostro, eligen a sus parejas, con un plano de todas ellas, van siendo elegidas, cardo a cardo, porque lo peor de todo, que a pesar de la no belleza de la protagonista, sus competencias directas, algunas, son mucho peor que ella, aún así, se queda sola. Ese plano de ella cuando no es elegida me parece tan desolador y triste, que justifican las lágrimas en un pase de un film de los Marx.



Otro momento de soledad y tristeza, es cuando se va a acostar después del intento fallido de cita espontanea, en su habitación??? parece una sala d'estar, durmiendo además en un sofá, esos momentos de arroparse, de su rostro, pura rutina deprimente. Por cierto, como viene siendo habitual en el cine de Aki, pisos de mierda donde los protagonistas!!! destartalados, desgastados, desoladores y por lo tanto, justificando lo deprimente de todo esto, se comparan con los lujos del fucker calvo y de su hermano freaky. Ese momento en la cena de restaurante, donde el fucker cslvo que le dice que se vaya, es terrible, que junto al momento donde dicho Fucker espera en la sala de estar con los padres de ella, es otro momento de incomodidad permanente de unos y de otros, el Fucker por pensar que coño estoy haciendo aquí y los padres de intentar agradar con mucha casposidad




También subrayar lo que comenta Mad, el elipseo y los hechos fuera de plano van como anillo al dedo al film, ya sea por su corta duración, sencillamente notas y ves que el film no lo necesita: no necesita si los envenenamientos son exitosos, no necesitamos saber que es atropellada, ni que es tomada (bueno alguna escena de desnudo o de cama, servidor no le haría ascos, pero está claro que no sería estilo AKI).

Me ha parecido oir un tema de Melrose en un momento del film?, la voz del cantante, así como el estilo de música, ese rockabilly punk, son casi inconfundibles; por cierto el Rich Little Bitch ya forma parte de mi selecto grupo de canciones del Walkman digital.

En resumen, junto a ARIEL, incluso por delante, es por ahora el mejor film de AKi visto, mejores films que este serán bien recibidos por cierto. Es un film que no le sobra nada ni le falla nada, es sencillamente un FINLANDIA PSYCHO de autor.

Iniciado por Alex Fletcher

Comento en el post visionado del film en privado con Mad (o contigo, nos podemos tutear, dado que es otro mano a mano) en el habitual mensaje para organizar el doble visionado semanal, que el film me ha encantado, contestando con un "ya te lo dije" que no recordaba, cosa que agredezco, lo de mi memoria gris, ya que enfrento los visionados del ciclo, totalmente virgen y sin espectatives, cosa que no hice con los Leningrad Cowboys; lo que hace que el resultado sea más placentero cuando el film se lo merece, y es el caso.

Gairebé podríem traslladar els comentaris al teu blog particular.

En todo caso, para los que quizá leáis alguno de estos comentarios, aunque no participéis, insisto en recomendar el cine del finlandés, que además tiene el mérito añadido de rodar por lo general films de corta duración, lo cual, en estos tiempos de exceso injustificado de metraje, se agradece. Es todo un maestro en el uso de la elipsis, del fuera del campo y de la precisión en el encuadre, junto a un trabajo de dirección de actores de lo más original y eficaz para el tipo de historias que nos cuenta. Con la estilización y el laconismo de Melville y la socarronería de Jarmusch.

Iniciado por Alex Fletcher

Me ha parecido oir un tema de Melrose en un momento del film?, la voz del cantante, así como el estilo de música, ese rockabilly punk, son casi inconfundibles; por cierto el Rich Little Bitch ya forma parte de mi selecto grupo de canciones del Walkman digital.

Sí, "I'm Gonna Get High" según imdb.

Iniciado por Alex Fletcher

En resumen, junto a ARIEL, incluso por delante, es por ahora el mejor film de AKi visto, mejores films que este serán bien recibidos por cierto. Es un film que no le sobra nada ni le falla nada, es sencillamente un FINLANDIA PSYCHO de autor.

Coincido en considerarlo el mejor de los vistos hasta ahora. Nos quedan algunas joyas por ver, pero probablemente este sea la cima de su obra.

08. Contraté un asesino a sueldo (I Hired a Contract Killer, 1990)



Hasta ahora habíamos visto cómo Kaurismäki introducía elementos humorísticos, de un humor un tanto absurdo, marciano, en sus películas, fueran estas más o menos identificables con el drama, el romance o incluso el crimen. Aquí, en cambio, creo que se puede hablar de principio a fin de un film de humor negro, negrísimo.

Introduce también otras dos variantes, ambas muy significativas. Una es que Aki traslada la acción por primera vez (si obviamos el viaje de los Leningrad Cowboys a Estados Unidos) fuera de Finlandia, en concreto a Londres, un Londres inidentificable. Además, a diferencia de su trilogía proletaria, en que sus protagonistas eran un basurero, un exminero y la operaria de una fábrica de cerillas, o sea todos blue collar, ahora el “héroe” es un white collar, un oficinista de una empresa pública de abastecimiento de agua.



Como los otros protagonistas de sus films, Henri Boulanger (un Jean-Pierre Léaud convenientemente “kaurismäkizado”) es un tipo solitario, lacónico, circunspecto, que no parece tener amigos, sin otra dedicación que ir de casa al trabajo y del trabajo a casa, salvo quizá regar unas raquíticas plantas en la azotea de su cochambroso piso de alquiler. Pero tiene una particularidad que su nombre delata: es francés. Por ello, cuando la empresa se privatiza, es de los primeros en ser despedido. A cambio de 15 años de trabajo le regalan un supuesto reloj de oro que no funciona y por el cual, en una casa de empeños, solo le dan cinco libras (poco después un viaje en taxi ya le cuesta seis libras).

Sin dar muestra de demasiada afectación emocional, Henri decide suicidarse, pero ni el intento de colgarse con una cuerda ni de asfixiarse con el gas (¡tiene la mala suerte de que coincide con una huelga de la empresa gasista!) tienen éxito.





Le queda un recurso: contratar un asesino a sueldo, para lo cual se desplaza a un tugurio, el Bar Honolulu.

El planteamiento es espléndido, no falta ni sobra nada para meternos en materia, darnos a conocer a Henri y hacernos experimentar su desazón, su desinterés por seguir viviendo. A partir de ese momento, Henri permanecerá a la espera de que el asesino (encarnado magníficamente por Kenneth Colley) ponga fin a su vida.

Pero, como ocurre en otros films de Kaurismäki, la aparición de una mujer, Margaret (Margi Clarke), una vendedora ambulante de rosas, da paso a una estrafalaria relación amorosa, como las de Nikander e Ilona en Sombras en el paraíso, o Taisto e Irmeli en Ariel.



Ese amor meteórico (¡sin sexo a la vista, por supuesto, se trata de Aki!: se besan en la puerta del piso de Margaret, entran abarazados y pasamos a la mañana siguiente, elipsis marca de la casa) va a hacer que Henri reconsidere su deseo de muerte, pero no puede dar marcha atrás.

Quizá lo que sigue no tiene la fuerza irresistible del primer tercio, pero con todo sigue siendo hilarante (Aki, nuevamente, tiene el buen gusto de entregar un film de solo 79 minutos). Por su parte, el asesino es como la imagen deformada (si es que se puede deformar más) de Henri: separado, vive solo y se está muriendo a causa de un cáncer.



Huyendo del asesino, los dos amante se refugiarán durante un tiempo en un sucio y destartalado hotel que responde al irónico nombre de Splendide. A partir de ese momento, el film sigue acumulando detalles divertidos. Así, Kaurismäki fuerza la ya clásica irrupción musical (en una banda sonora donde nuevamente predomina el jazz, el blues y el rock & roll... ¡y los tangos de Gardel!): Henri entra a tomar algo en un bar donde está actuando... ¡Joe Strummer!



Antes de entrar, Henri ha comprado unas gafas de sol a un vendedor callejero que es... ¡el propio Kaurismäki! (detalle, el de las gafas oscuras, que pronto se revelará como decisivo, cuando Henri se vea inmerso involuntariamente en un robo con asesinato, en el que participa el “primo” de los Leningrad, Nicky Tesco).





Por un momento parece que Henri, que ha abandonado a Margaret suponemos que para no arrastrarla en su huida, se tirará a las vías del tren, pero en realidad lo volveremos a encontrar en un no-lugar parecido al restaurante italiano en medio de la nada en que Roberto Begnini descubría a su gran amor, Nicoletta Braschi, en la jarmuschiana Down by Law: aquí se trata de una hamburguesería francesa, la Vic’s French Hamburgers, situada junto a un cementerio, regentada por otro francés, interpretado por Serge Reggiani.



Margaret lo encontrará y planearán lo habitual en los films del finlandés: abandonar el país. Henri no quiere volver a Francia y Margaret no quiere permanecer en su país. Ella comenta: “the working class has no fatherland”, lo que podría ser la máxima que rige el comportamiento de todos los personajes de Kaurismäki que hemos visto hasta ahora. Pero como en los otros films nada sabremos del futuro de la pareja ni de su destino... ¿Emigrarán a Finlandia?

Me dejo detalles en el tintero digital, pero lo dejo aquí, a la medida de la extensión de los films de Kaurismäki. En todo caso, si I Hired a Contract Killer es su film londinense, la próxima entrega, La vie de bohème, será el parisino.

Otros 79 minutos que pasan como un tiro, y he de reconocer que esto me va más que lo visto anteriormente, este humor negro con la conocida frialdad finlandesa que desprenden todos sus personajes, se le suma que dicha frialdad, sobretodo en él, da forma a un personaje, que es imposible no quererle, es más, me hubiera encantado un franquiciado con Henri, 80 minutos con Henry son muy pocos!!!! todas sus lineas de diálogo son geniales, cada frase de pillado, de niño de cinco años, con cuerpo de adulto, todavía me estoy riendo cuando se levanta para ir a comprar no se que, y se lleva las cartas porque no se fía de ella, da dos pasos y ya en la puerta, con ese toque finlandés, asombrado sin asombrado se da cuenta que mejor que le acompañe ya que se ha dado cuenta que la está echando de menos....como no vamos a querer a HENRI!!!!!



Como dice Mad, tiene un inicio fulgurante, con ritmo y narración perfectos y Henri hace el resto (candidato número uno al "cagalló d'or" como mejor chico Aki.). Sorpresón con el jefe de los the CLash, que ratifica el buen gusto musical del bueno de Aki. Y desgraciadamente me tengo que ir, no hay tiempo para más, sólo decir que es una obra top, me gustaría volver a verla en BD, creo que es la única que no está en el super pack Aki, pero para esto está Filmin. En fin voy a trabajar y a preparar el viaje del sábado, que no se muy bien si voy al Festival de Málaga para visitar Málaga, o voy a Málaga y de pasada voy al festival, adivinen?

Iniciado por Alex Fletcher

Como dice Mad, tiene un inicio fulgurante, con ritmo y narración perfectos y Henri hace el resto (candidato número uno al "cagalló d'or" como mejor chico Aki.).

He de reconocer que, aunque en general no me gusta Jean-Pierre Léaud (por ejemplo, en los films de Truffaut, salvo Les 400 coups), aquí está muy bien, quizá porque, como dije en mi comentario, está "kaurismäkizado", es decir, Aki lo dirige como si fuera uno de sus típicos actores finlandeses.

09. La vida de bohemia (La vie de bohème, 1992)



La internacionalización de las localizaciones en los films de Kaurismäki empezó con el viaje de los Leningrad Cowboys a Estados Unidos, siguió con la londinense I Hired a Contract Killer y llega aquí a un París “kaurismäkizado”, gris, sucio, en blanco y negro, sin rastro de las típicas imágenes de postal turística de la capital francesa con que el cine (en especial el de Hollywood) siempre ha tendido a mostrar la llamada “Ciudad de la Luz”, aquí solo reconocible en alguna vista general con una lejana y neblinosa Tour Eiffel. De hecho, Aki rodó casi todo el film en Malakoff, un suburbio de París.

Como en Crimen y castigo y Hamlet vuelve a los negocios, Kaurismäki se inspira (ni en esta ocasión ni en las dos anteriores se puede hablar con propiedad de “adaptaciones”) en una obra clásica, “Scènes de la vie de bohème” (1851) de Henry Murger (en un momento del film, Rodolfo pasa una noche durmiendo junto a tumba de Murger, en el cementerio de Montmartre), obra que Puccini (con libreto de Giacosa e Illica) trasladó al mundo de la ópera en la celebérrima “La Bohème”.

Kaurismäki respeta algunos de los personajes principales, aunque cambia los nombres. Los bohemios son solo tres: Rodolfo (el fijo Matti Pellonpää), un pintor albanés [sic] sin permiso de residencia (nombre que en Murger y Puccini correspondería al poeta), acompañado de su perro Baudelaire;





Marcel Marx, un escritor (André Wilms), autor de un drama de 21 actos (que sería Rodolfo en el original);



y un músico de nacionalidad indeterminada, Schaunard (el también finlandés Kari Väänänen, el Igor de Leningrad Cowboys Go America).



Junto a ellos, obviamente, está la desgraciada Mimi (Evelyne Didi), aunque su previsible muerte está exenta del dramatismo lacrimógeno de Puccini.



Todo el argumento, de sobras conocido, repleto de tópicos sobre el mundo de los bohemios, pobres pero despreocupados, está pasado por el túrmix kaurismätico, de distanciamiento y frialdad emocional, aunque esta vez recurre como nunca antes a los diálogos, en buena medida recitados en un francés macarrónico y zombiesco por Rodolfo y Schaunard.



Para que uno tenga esa habitual sensación de film rodado entre amigos, algo que suele transmitir el cine del finlandés, hacen acto de presencia (además de un breve cameo de Louis Malle) Jean-Pierre Léaud, como un industrial azucarero interesado en los cuadros de Rodolfo,



y un viejísimo Samuel Fuller (siempre gustoso en asomarse a los films de las nuevas hornadas de cineastas europeos, recordemos su presencia en Pierrot le fou, de Godard, o en Der amerikanische Freund, de Wenders; también había participado en un film de Mika Kaurismäki: Helsinki Napoli All Night Long), como el editor de la revista donde trabaja Marcel.



Tampoco falta la irrupción musical, aquí una versión de “Bird Dance Beat” de The Trashmen, com un Schaunard haciendo el numerito en escena.



Ni el cierre del film, tras la muerte de Mimi, con Rodolfo perdiéndose en la distancia acompañado de Baudelaire,



con una canción triste y melancólica, aquí cantada en japonés (aunque reconozco que llegué a pensar que se trataba, como era habitual, de un tema en finés ): “Yukino Furu Machio”.



A pesar de todo, y de la excelente fotografía, una vez más, de Timo Salminen (director de fotografía en todos los films comentados hasta ahora, lo cual merece ser destacado, porque mucho del estilo Kaurismäki es indisociable del trabajo tras la cámara de Salminen... que seguirá colaborando en todos los restantes films de Aki), La vie de bohème me parece un film un tanto formulario, como si Kaurismäki, aplicando su plantilla estilística, pudiera llevar a su terreno cualquier argumento. Hay, para mi gusto, un exceso de artificialidad (algo, no obstante, presente siempre en su cine) en los personajes del film, en su manera de hablar en francés. Si era algo que funcionaba perfectamente en I Hired a Contract Killer, aquí me parece demasiado forzado, no me llega de la misma manera. Puede que influya que el film tenga una duración inusitada para las películas del finlandés: 103 minutos (creo que es su film más largo), lo que me lleva a pensar que Aki se defiende mejor en las distancias cortas.

En todo caso, si ese fuera el problema, podemos respirar tranquilos, porque en la próxima entrega Kaurismäki vuelve a ajustar el metraje (62 minutos) en una divertida comedia marca de la casa: Agárrate el pañuelo, Tatiana, en la que Tatiana será... ¡Kati Outinen!

Personajes made in Kaurismäki pero con matices, ciudades también made in Kaurismäki, en teoría ciudades importantes lejos de la postal de turno, en este caso Paris que en ausencia de las escenas de transición de manual, y sin saberlo, uno no lo acierta que es París, al igual que las otras ciudades de su filmo. Tenemos música en vivo, punk rockera, (como se llama la banda?), que sin saberlo, la canción huele a Surfin Bird, o sea a the Trashmen. Unos personajes que se dejan querer, con poca maldad pero con algo de pillería, también un desfile de secundarios, me sigue gustando mucho Jean Pierre Léaud, con una extensión de lo visto en el anterior film. Todo parece que se vaya a otro film de altísimo nivel, pero hay algo en el último tercio que me desagrada, que es la supresión de la coralidad del film, que estaba siendo el punto fuerte de éste: el escritor y el músico casi desaparecen del film, siendo actores de apoyo para centrarse en el Matti Pellonppa (o como se escriba) y Evelyne Didi, que siendo una relación curiosa, muy de Kaurismäki, le quita presencia a los otros dos, que quizá por novedad, me parecen también muy interesantes. Si, la escena de la muerte de ella, es triste y bella, rematado con ese final. Dicha superior aportación de la pareja mencionada hace que se enfríe la empatía por los otros dos, cosa que en su parte inicial y central, parece todo más coral y equilibrado. Ese ambientillo de miseria compartida, esa salida al campo a lo Renoir del grupo con algunas mujeres, los sketches sin forzar la máquina de la comedia, entre otras cosas, hace que su primera mitad sea un film muy disfrutable, y después de vuelve más rutinario, más normal, y ese es un adjetivo que no cuadra con el director. En resumen, notable bajo, para mis gustos cinematográficos, disfrutable de más a menos, y sí, quizá la extraña duración no ayuda mucho, uno tiene en la cabeza los 70 minutos de rigor en su filmografía.