Tema: Billy Wilder: revisando sus películas

EL GRAN CARNAVAL

Primer visionado del film, sinceramente creía que lo había visto pero no, porque es un film que deja huella y no me acordaba de nada. Empiezo por lo malo, la edición en Bluray de una piratilla nacional es bastante mierdita, sobretodo en calidad de imagen y sonido (vaya, en lo mas importante), no se muy bien quien edita, supongo que Resen o Llamentol, y naturalmente no es prensado, y lo peor de todo, que no lo indica en la contra carátula.

Empalmo con un comentario de Mad, con esa transformación al lado del bien, cuando se da cuenta que el Señor Mimosa - fantástico nombre como una empanada picante típica sudamericana, no recuerdo el pais- va a morir. Tengo mis dudas sobre dicho cambio, no se puede interpretar que, con la muerte de Leo, el ve que la historia que le iba a dar el estrellato va a petar, y está más preocupado de esto que el de la propia muerte de Leo. Claro a mi me gustaría que fuera esta segunda, porque le da más fuerza y continuidad a la mezquindad del personaje de Douglas.

Yo disfruto con este cinismo, aunque se exagere un pelin, el circo que se monta alrededor de la mina es 0 sutilidad, pero yo, por lo menos en este film, lo prefiero así. Me gusta el tono del film, que fácil hubiera sido caer en momentos de comedia, hay algunas cosillas, pero siempre usando el diálogo inteligente para llegar ahí. Por ejemplo, en la presentación del personaje de Kirk, vendiéndose al periódico local, no sólo por los diálogos de Douglas, sino por las respuestas de los otros personajes secundarios, por ejemplo el dueño del periódico. Es un caradura eso está claro, y no hace nada por disimularlo, sino al contrario, alardea de ello, el poder abofetear a policías sin consecuencias alguna es algo impensable en el mundo USA actual, porque acabaría Kirk con un balazo antes de abofetearlo.

Creo que a Kirk Douglas le va que ni pintado el personaje, bordeando lo exajeradamente gesticuloso, pero para eficaz para su personaje. Me encanta también la señora Mimosa, una serpiente con cara de ángel, de bobita y de no haber roto un plato nunca, Leo la tenía idealizada. Mi escena preferida, sin duda, es la de cuando Kirk le dice a ella que tiene que salir llorosa, ésta le dice que está contenta, que no puede cambiar el rostro, entonces él le da dos bofetadas para conseguir el efecto querido.

Esta vez no tuve tiempo para documentarme, pero me da la sensación que es un film com mucha chicha, y que gozaré de un revisionado con una mejor edición en BD, creo que Eureka tiene una. En film, no tengo muy claro si considerarlo como un muy notable film o un excelente film, porque realmente es la edición de lo poco malo que he encontrado el film, y eso no es culpa del film en si.

Iniciado por Alex Fletcher

Empalmo con un comentario de Mad, con esa transformación al lado del bien, cuando se da cuenta que el Señor Mimosa - fantástico nombre como una empanada picante típica sudamericana, no recuerdo el pais- va a morir.

Lamento fastidiar la comparación, pero el nombre no es Mimosa, sino Minosa.

Que más da una m que una n!!!! 🤣😎

10. Traidor en el infierno (Stalag 17, 1953)



Dice Wilder a Cameron Crowe: “una de mis películas favoritas […] Fue un éxito comercial, en Broadway también, pero creo que yo la mejoré un cien por cien, si se me permite decirlo”. Por supuesto, Mr. Wilder, diga usted lo que quiera, es su película, aunque un poquito de contención en la autoalabanza no estaría de más. Pero en mi opinión, si se me permite decirlo, es uno de sus films que menos me gustan, sin que con ello insinúe que se trate de un mal film ni mucho menos, la producción es sólida, como corresponde a un Wilder perfectamente asentado en los engranajes de una grande como Paramount.

Sobre lo de que mejora un 100% la obra teatral de Donald Bevan y Edmund Trzcisnki estrenada en Broadway en 1951, con dirección de José Ferrer, nada puedo alegar, puesto que no conozco el original, aunque me parece una afirmación hiperbólica. El guion está firmado por Wilder y un nuevo colaborador, Edwin Blum, sobre el que nuestro directo sentencia “no volví a trabajar con él porque no aportaba nada”.

Al parecer la película presenta notables diferencias con la obra teatral, pero como no puedo comprobarlo me limito a comentar, brevemente (lo siento, es un film que no me inspira), el resultado cinematográfico. De entrada, advierto que el subgénero de prisiones y aún menos el de campos de prisioneros no me resulta atractivo, porque en general se centra en un único objetivo, la fuga, y se suele recurrir a toda una consolidada colección de tópicos, de personajes estereotipados. Hay algunas excepciones ilustres, como la estupenda La grande illusion de Jean Renoir, pero creo que Stalag 17 no es una excepción.

El mayor interés que me suscitó el film en mi primer visionado fue averiguar quién era ese “traidor” que se explicita en el título hispano, porque entre los prisioneros, todos sargentos del ejército de los Estados Unidos, hay un infiltrado, un espía alemán que comunica a las autoridades del campo los movimientos de los presos encaminados a la fuga. Esto convierte el film, en cierto modo, en un whodunit a la manera de las novelas de Agatha Christie: ¿quién será el traidor? Para despistar, como suele pasar en este tipo de argumentos, todas las sospechas apuntan a un personaje que se ha ganado la antipatía del resto, y que por supuesto será inocente: el sargento Sefton (sobrio William Holden, quizá lo mejor de la función). ¿Por qué? Porque en esa situación de desgracia sabe moverse como pez en el agua, haciendo negocio con todo, sin demasiados escrúpulos. Aunque en algún lado he leído que este personaje es una repuesta al macartismo, supongo que porque se ve injustamente acosado por el resto, hasta casi llegar al linchamiento, lo cierto es que más bien veo en él una encarnación del capitalismo más desprejuiciado, capaz incluso de apostar a favor del fracaso del intento de fuga de sus compañeros de barracón con el que se inicia el film.



Planteadas así las cosas, Wilder, con o sin ayuda de Blum, despliega todos sus habituales recursos de guionista veterano con tendencia a la reiteración. Así, marca la rivalidad entre el tranquilo Sefton y el histérico Duke (un Neville Brand desatado) mediante el recurso de la cerilla que nuestro protagonista enciende frotándola en su ropa o, al final, en su barba (¿no os recuerda Double Indemnity?).



A su vez, se sirve “generosamente” de la pareja cómica de payasos, “Animal” Kuzawa (un insoportable Robert Strauss) y su inseparable colega Harry (Harvey Lembeck), que incluso se transformará en una “rubia artificial” durante un baile navideño, prefigurando la Daphne de Jack Lemmon en Some Like It Hot (con lo que se demuestra que Wilder siempre estuvo atento a reciclar lo que debía considerar buenas ideas de guion).



Añadamos al insistente mensajero siempre con la misma frase en la boca (“at ease”!) o, cómo no, el típico militar alemán destinatario habitual de las bromas de trazo grueso de los prisioneros americanos, personaje para el que se cuenta en el reparto con Sig Ruman, sin olvidar otro soldado alemán, reducido casi al nivel de niño de párvulos, al que se le engaña con una pelotita.

Quizá para compensar tanta tontería (o tanta comicidad, depende del espectador), Wilder se sirve de la presencia mayestática de Otto Preminger como el comandante del campo, Von Scherbach, con el que construye quizá el mejor gag del film, el de las botas que se calza para poder hacer el taconazo preceptivo mientras conversa telefónicamente con Berlín.



También nos recuerda que estamos ante un film de Wilder el que la película empiece con la voz en off de uno de los prisioneros, Cookie, (Gil Stratton), personaje de personalidad débil que Sefton ha absorbido y del que se vale como ayudante, casi un criado, aunque esa voz pierda pronto protagonismo.



Ah, y “last but not least”, cuando se incorpore al barracón el teniente Dunbar (Don Taylor), recibido como un héroe porque ha conseguido volar un ferrocarril cargado con armamento, vendrá acompañado de un “graciosillo” que nos “deleitará” con la imitación de diversos actores (de Cagney a Grant pasando por Gable), a lo cual hemos de sumar la obsesión de “Animal” por Betty Grable para tener completos los referentes cinéfilos.

En un film, en principio, cien por cien masculino, Wilder introduce, no sé si también la obra original, una escapada (nunca mejor dicho) al mundo femenino, en forma de prisioneras rusas a las que, para poner un poquito de pimienta al guiso, las vemos en fila para ducharse, eso sí cubiertas con una casta manta, y que sirven para que “Animal” y Harry nos obsequien con otra patochada más.

Sobre la hora y cuarto de metraje descubrimos quién es el asesino… quiero decir, el traidor, lo que pasa es que en una revisión del film ese factor de suspense queda anulado por completo. A partir de ese momento la película se centrará en cómo Sefton, venciendo los prejuicios de sus compañeros, va a conseguir desenmascarar al auténtico espía. Y lo cierto es que la resolución no es especialmente inspirada, menos aún la transformación final del cínico Sefton en un auténtico héroe capaz de arriesgar su vida por el teniente Dunbar, con el que mantenía una cierta tensión por la diferencia de clase social.

La película fue un éxito, Holden ganó un Oscar y Wilder fue nominado (así como Strauss… No comment).



Pero acabó poniendo punto final a la longeva relación entre Wilder y la Paramount. Al parecer, cuando se quería estrenar el film en Alemania, la Paramount intentó convertir al traidor en un polaco, lo cual obtuvo una rotunda negativa por parte de Wilder, que exigió unas disculpas que nunca recibió. El resultado fue que, tras Sabrina, la próxima entrega, Wilder no volvería a trabajar con la Paramount, en un gesto que lo honra.

STALAG 17

Pues sorpresa con la edición en BD de Layons, claro siendo un BD-R, pero su calidad de imagen es mucho mejor que el GRAN CARNAVAL, eso si, pelado de extras, pero bueno, no es lo prinicipal. Hubo uno edición en BD de Hitchcock, también de Layons que tiene muy buena calidad de imagen, y me acuerdo que fue su primera obra potente, ALARMA EN EL EXPRESO creo que era.

Me quedo con una frase de Mad, que cuando Mad la dice, nos tenemos que poner firmes, no es otro que el adjetivo INSOPORTABLE, que es lo que también sentí en cada escena que tiene la pareja chistosa, INSUFRIBLE acotaré, prefiero los niños de Jurassic Park la verdad. Estoy siempre en contra del cachondeito en según que temas, no simpatizo mucho con las comedias de terror, y con el subgénero de campos de concentración con comedia, ufff cuidado con ello, tiene que estar muy bien hecha, como GREMLINS, en el comedia de terror y en subgénero que toca, pues no puedo dar un ejemplo de ello, quizá el CABO ATRAPADO de Renoir, no soporto LA VIDA ES BELLA por ejemplo. En resumen, el film de Wilder sucumbe en la mixtura de géneros, otra cosa es el género cómico, pero WIlder quiere mezclar Drama y comedia en un ambiente de holocausto, uffff, complicado, y ese subrayado con la pareja chistosa es "INSOPORTABLE“.

La brocha gorda que Mad va diciendo a lo largo del ciclo como vinagre continuo, ésta vez lo he encontrado muy molesto, claro teniendo como protas a la pareja chistosa, y el brochazo con las prisioneras rusas, de muy mal gusto, el Jaimito italiano lo hubiera hecho mejor, y eso que lo encuentro también insoportable.

Cosas buenas, lo tengo clarísimo, William Holden, parece que se abstrae del cachondeito continuo, está en su mundo, y cuando aparece en pantalla se nota, tanto en tono como en presencia, me gusta su escena del huevo frito . Otto Premminger mola, pero el compadreo prisioneros/guardias, cuesta de creer, bueno no cuesta, no se lo cree nadie, pero su personaje es un buen contrapunto a los dos idiotas acaparadores de metraje, porque les dio tanto metraje por DIOS!!!!!!!!.

En resumen un film decepcionante, que no entiendo muy bien como puede gustar, o quizá inflan su nota en IMDB y FA por quien dirije, como pasa con los grandes, kurosawa & CO.

Maravillosa y espléndida película Traidor en el infierno. Grandísimo William Holden y un guión que combina tonos dramáticos y de comedia ejemplarmente y dándole una vuelta de tuerca al subgenero bélico de las prisiones de guerra.Otra de las muy buenas del maestro.

Y encima a Robert Strauss lo nominaron al Oscar como mejor actor secundario por su papel de "Animal". Desde luego, Alex y yo no debemos ser "d'eixe món", porque a mí me parecen tanto el de él y como el de su colega dos personajes lamentables. Me temo que ​Stalag 17 estará en la zona baja de la tabla, y si se mantiene un poco es gracias a Holden y detalles como el de las botas de Preminger. Como tantas otras veces, la opinión del director sobre su obra hay que cogerla con pinzas, ahí están las autoalabanzas de Wilder sobre este film.

11. Sabrina (Sabrina, 1954)



Con Sabrina Wilder acaba su fructífera relación con la Paramount, al parecer por su disgusto por el asunto de Stalag 17 que comenté en el post anterior. Y lo hace con un cuento de hadas, una mezcla de “El patito feo” y de “La cenicienta”, porque algo de ambas historias tiene el personaje de Sabrina Fairchild, esa hija “invisible” para los Larrabee (quizá ese “bee” también quiera tener su gracia, porque David va de flor en flor) que se acabará convirtiendo en un cisne deslumbrante y encontrará su príncipe azul, aunque al final no será con el que soñaba desde niña.

Como la comenté hace un tiempo (tres años) en el hilo dedicado a revisar parcialmente la filmografía de Humphrey Bogart, y se trata de un film archiconocido y visto ahora por enésima vez, me tomo la licencia de extractar el comentario hecho en su día, con algún añadido. En aquella ocasión lo relacioné con el siguiente de Bogart, The Barefoor Contessa, de Mankiewicz, en una curiosa sucesión de films con aire a cuento dentro de la filmografía de Bogie (mucho más sangriento y ácido el de Joseph L. que el de Billy).

Iniciado por mad dog earle

En Sabrina, Wilder, junto a Ernest Lehman (siempre recordado por su trabajo en el guion de la hitchcockiana North by Northwest), adaptó la obra teatral “Sabrina Fair”, de Samuel Taylor (colaborador también de Sir Alfred en los guiones de Vertigo y Topaz), obra que se había representado en los escenarios de Broadway con Joseph Cotten y Margaret Sullavan.


También de Taylor era otra obra teatral que, años después, llevó Wilder a la pantalla, con la ayuda de I.A.L. Diamond: Avanti!

Sabrina, producción de la Paramount, era la primera película de Bogart para la compañía (luego seguirían dos más). Según cuenta Wilder a Cameron Crowe, en el imprescindible “Conversaciones con Billy Wilder”,



el rodaje se desarrolló en un clima de tensión entre actor y director (Wilder le dedica a Bogart unos epítetos un tanto groseros, además de comentar: “era un antisemita que se había casado con una judía”). Bogie se sentía desplazado en una compañía nueva para él, con un personal que no conocía. Además, apreció una camaradería y un especial trato de favor de Wilder hacia William Holden, actor por el que sentía antipatía desde hacía años, a lo cual no ayudaría, seguramente, el posible romance entre Holden y Hepburn durante el rodaje. Otro factor distorsionador fue que Wilder quiso, en todo momento, que el papel de Linus Larrabee lo encarnará su amigo Cary Grant, pero el encantador Cary se escabulló del compromiso (de manera que Wilder nunca pudo llegar a dirigir a Grant, a pesar de que los unía una buena amistad).

Es fácil para el espectador pensar que con Grant en el papel de Linus la película hubiera sido mucho más creíble. Si tiene, en mi opinión, algún defecto el film (además de la tendencia habitual de Wilder a adornar demasiado los diálogos, a buscar el efecto del gag de manera para mi gusto excesivamente artificiosa: véase la rotura final del frasco de cristal con las aceitunas) es que cuesta imaginar al envejecido y aburrido Linus enamorando a Sabrina, convirtiéndose en su príncipe azul, algo que no nos hubiera resultado tan dificultoso con Grant (aunque solo tenía cuatro años menos que Bogie), a pesar de que ya empezaba a estar carrozón, como quedaba en evidencia en To Catch a Thief. Uno puede entender que Linus acabe rendido al encanto de Sabrina, pero no que la bella joven se sienta atraído por el maduro empresario, después de años suspirando por el vivalavirgen de su hermano, David (Holden, con casi veinte años menos que Bogart).





Con ello no quiero decir que Bogart esté mal. Al contratio, defiende con notable profesionalidad el personaje, pero, no nos engañemos, ya no era el tipo duro de mirada romántica de Casablanca o To Have and Have Not como para volver a encadilar a una jovenzuela veinteañera que acababa de ser la princesita de Roman Holiday. A pesar de todo, es tal el encanto de Hepburn y tanta la habilidad de Wilder para contarnos historias románticas con fondo ácido, que la película sigue atrapándonos de principio a fin, desde el mismo momento en que la voz en off de Sabrina pronuncia el “Once upon a time…” inicial, que no deja dudas sobre la intención del film.

A destacar la presencia en el reparto, excelente en su conjunto, de otro habitual del cine de Sir Alfred, John Williams, en el papel del chófer de los Larrabee y padre de Sabrina (por cierto, de apellido Fairchild, o sea que ella es Sabrina Fairchild… no hace falta decir nada más).



Por otra parte, a pesar de que se le concedió un Oscar por el vestuario a Edith Head, los fascinantes y sofisticados modelos que luce Audrey Hepburn son creación de Hubert de Givenchy, modisto habitual de la actriz.



Musicalmente, Wilder recurre a unos temas que, hoy en día, nos suenan a tópicos, desde “La vie en rose” (que Hepburn canta en una de las secuencias), para ilustrar las referencias parisinas,



o el “Isn't It Romantic?” en el momento de la fiesta nocturna en la mansión de los Larrabee o el baile posterior entre Linus y Sabrina (aquí en una versión de Rod Stewart).



Por cierto, Wilder no puede dejar de introducir un “avance publicitario” personal, cuando Linus compra dos billetes para ir al teatro a ver… “The Seven Year Itch”, cuya adaptación para la pantalla fue, precisamente, el siguiente film del director.

En todo caso, Wilder le reconoce a Crowe que en Sabrina fue la única vez en su carrera que trabajó con dinero, o sea, que la producción fue como quería, algo que se nota en el acabado de las escenas, los decorados, el vestuario o la iluminación, con un magnífico trabajo fotográfico de Charles Lang Jr.

Añado algunas notas. Primero, respecto a la música, en especial al uso de los temas citados, “La vie en rose” y “Isn’t It Romantic?”, adaptadas por Friedrich Hollaender. Si la primera es ya un tópico cuando se conjugan a la vez las nociones de “amor” y “París”, la segunda vuelve a aparecer como en A Foreign Affair, pero en un contexto radicalmente diferente. Si allí servía de contrapunto no exento de crueldad para acompañar las imágenes de un Berlín devastado por las bombas, aquí actúa como leitmotiv de los amores de los Larrabee, no solo del mujeriego David, sino en el fondo también del maduro Linus, y por supuesto de la enamoradiza Sabrina (¿alguien se atreve a ver su atracción por los Larrabee como una muestra de su voluntad de ascender socialmente, más allá de la lectura típicamente romántica?).

Reconozco que, aunque vista mil veces y cada vez con un interés inicial decreciente, Sabrina te atrapa porque Wilder consigue imprimirle un ritmo tal que el espectador se desliza por sus imágenes sin reparar en el paso del tiempo (confieso que el visionado se me pasó volando). Sin duda el sistema de producción de la Paramount estaba muy bien engrasado, de manera que todo fluye sin altibajos. Si acaso, al menos en mi caso, me atrae más toda la parte inicial que no el “enamoramiento” mutuo de Linus y Sabrina, una relación que sigue sin convencerme. El rostro, en muchos planos decrépito, de Bogie no me casa con el encanto (un tanto empalagosa, todo sea dicho) de la Hepburn. No ayuda que Wilder lo someta a algunos momentos ridículos (lo de la gorrita y el jersey de universitario, el ukelele y la cancioncilla de las bananas, por ejemplo).

En fin, en resumen, que se sigue disfrutando del film, aunque ya no aporte ninguna sorpresa, y sea en cierto modo una de las muestras más convencionales del cine de Wilder. Tal como digo más arriba, ahora saltaremos de la sofisticada Audrey a la explosiva Marilyn en el título que nos avanzaba ya dentro de Sabrina: The Seven Year Itch, una película que también he visto multitud de veces y que cada vez me ha ido gustando menos. Veremos si el duelo Monroe/Ewell está vez me resulta más convincente.

Me encanta Sabrina. Delicioso film con una maravillosa y guapísima Audrey, un simpático y pícaro William Holden y un correcto pero fuera de lugar Bogart en un papel escrito y destinado a Cary Grant. El se las tuvo contra casi todo el mundo en el rodaje y se le nota que estaba a disgusto e incómodo en el personaje y en la película, pero aun así, tiene tanto carisma y presencia y oficio que cumple correctamente.

No es de mis favoritas ni las que considero obras capitales de Wilder y me gusta algo menos que vacaciones en Roma de Wyler, a la que considero la comedia romántica agridulce casi perfecta de principios de los 50s , pero está Sabrina es un lujo exquisito de película con el toque del maestro al que sí se le nota bastante su autoría en la película y una Audrey adorable.


Una maravilla.

SABRINA

Seguramente un título que en breve se repetirá, porque huelo un biopic, si no lo hay ya, de Sabrina, pero la de BOYS BOYS BOYS, con ese climax de Navidad que todos recordamos . En fin, segundo visionado del film, esta vez con mi señora y mi hija mirándola a su estilo, tengo la misma sensación que Mad comenta cada vez que la revisa, o sea muy bien, pero un poquito menos, y así ha sido, claro muchas veces es por eliminación del factor sorpresa que da un segundo visionado.

Seré breve, pero los puntos fuertes para mi son esos diálogos, que a veces son tan sofisticados que en el momento no hacen tanta gracia, pero que después uno piensa, que cabrón de diálogos. Disfruto mucho con los diálogos de Wilder, ya sea en sus momentos más sutiles como los mas obvios, gracias a Dios no está la pareja chistosa de Stalag 17 o personajes funcionales parecidos. Gozo con las escenas de 4 o 5 personas encima de la mesa testando su resistencia, o Bogart con Hula Hoop. Todos los actores sensacionales, me gusta el padre, me quedo con Holden y Hepburn, y Bogart está bien también, pero que Sabrina se sienta atraído por él, cuesta cuesta, aunque no tengo muy claro que sea un enamoramiento bidireccional, creo que en la dirección de Hepburn a Bogart, es más de amistad, a pesar que recuerdo un beso, creo que Sabrina no lo rechaza por la sorpresa, pero ese final en el barco, abrazitos y nada de pasión, Bogart es más un Koala (PAGAFANTAS) que un fucker a lo Holden. Pero bueno quien no babería con la Hepburn que sin ser Grace Kelly tiene una belleza única.

En resumen, una muy buena comedia, lejos del dramatismo de EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES, pero el film destila amabilidad, puro buen rollo, me da una actitud positiva al verla, así que en un día de mierda, recomiendo sin duda su visionado.

Iniciado por Alex Fletcher

SABRINA

Seguramente un título que en breve se repetirá, porque huelo un biopic, si no lo hay ya, de Sabrina, pero la de BOYS BOYS BOYS, con ese climax de Navidad que todos recordamos .

¿Biopic? ¿ De Sabrina? ¿Quieres decir de Audrey Hepburn? Había uno previsto con Rooney Mara como Audrey, dirigido por Luca Guadagnino, pero que se canceló. No sé si hay otro proyecto.

Lo que sí hay es un remake de la película, Sabrina (1995), de Sydney Pollack, con Julia Ormond, Harrison Ford y Greg Kinnear, que no he visto.

Para mi el remake, sin estar mal, está muy por debajo de la original.

12. La tentación vive arriba (The Seven Year Itch, 1955)



Después de diez largometrajes con la Paramount, Wilder inicia una nueva etapa en su carrera, en una producción para la Fox. Para la ocasión Wilder adapta la obra teatral del mismo título (de 1952) procedente de Broadway, donde había cosechado un notable éxito (estuvo casi tres años en cartel).

Se trata de una comedia de George Axelrod, que también firma el guion junto al director. Y en el guion empiezan, en mi opinión, los problemas del film. Al parecer la censura (que haberla, la había, en este caso en forma de código Hays y de Liga de la Decencia de inspiración católica) limó con esmero los diálogos y la resolución de la película, con gran disgusto de autor y director. Así, esa historia de un “Rodríguez” neoyorquino que echa una canita al aire durante el tórrido verano, mientras su esposa e hijo están de vacaciones, se acaba convirtiendo en una historia de “quiero y no puedo” (o “no me atrevo”) que, vista en la actualidad, resulta de lo más timorata. Incluso uno está tentado en compararla (salvando las distancias, enormes, por lo que a calidad de producción respecta) con esas “españoladas” de los sesenta y sobre todo setenta, con actores fetiche como López Vázquez, Landa o los inefables Pajares y Esteso, filmadas por directores como Mariano Ozores, Pedro Lazaga u otros muchos.

El visionado de The Seven Year Itch nos obliga a plantearnos una cuestión que, de hecho, es pertinente en la mayoría de las ocasiones a la hora de ver una película del pasado. ¿Qué veía en el film un espectador de 1955, o sea, de hace 70 años? Me refiero a su argumento. A parte de “echar unas risas” con ese “average man” que encarna Tom Ewell, patético y, en última instancia, tremendamente conservador, lo que se nos acaba ofreciendo (al menos en la versión estrenada), como también solía pasar en ese cine español, es un final confortable, en donde todo continua igual: un marido aburrido que mantendrá su comodidad familiar y su apariencia de respetabilidad por encima de sus deseos reprimidos.

La fórmula que utiliza Wilder es (lo supongo, ya que no he visto ni he leído la obra de Axelrod), muy respetuosa con la estructura teatral. Uno tiene la sensación de pasar de un acto a otro, y dentro de cada acto de una escena a otra. Ayuda a ello la constante verborrea de Richard (Ewell), que expresa en voz alta sus pensamientos y sus fantasías, recurso teatral por excelencia. Como es habitual, además, Wilder recurre a la voz en off para el inicio del film, con una analogía entre los neoyorquinos del presente y los indios del Manhattan de la época precolonizadora. Tanto unos como otros, se nos dice, se lanzan como lobos sobre las féminas que se han quedado en casa durante el verano, cuando las mujeres y los hijos se van de vacaciones.

Ante tanto tópico (a fecha de hoy incluso me atrevería a decir que “tópico casposo”), ¿qué nos queda para disfrutar del film? Además de dos cuestiones técnicas, un precioso color con fotografía de Milton Krasner y un novedoso cinemascope (la primera película de Wilder en este formato), y por encima de todo, la presencia arrolladora de Marilyn Monroe. Y la eterna pregunta: ¿era Marilyn una gran actriz, como mínimo de comedia? Yo tengo mis reservas, pero de lo que no hay duda es que, al igual que otros actores de la época, como Marlon Brando o James Dean, su aparición en el cine supuso una auténtica revolución iconográfica. Solo salir en pantalla, hacia el minuto diez, y la película se transforma, adquiere una luminosidad especial, que mantendrá siempre que esté en escena. Incluso consigue que nos olvidemos de Tom Ewell, actor que me resulta bastante insoportable, aunque hay que decir que había protagonizado la pieza en Broadway. Wilder quería a Matthau, (incluso hay pruebas de cámara con el actor), pero tuvo que conformarse con Ewell.



Una de las características de la película (quizá ya de la obra teatral) es la acumulación de detalles en una misma escena. Por ejemplo, durante la primera noche en que entraran en contacto la chica (el personaje de Marilyn no tiene nombre) y Richard pasan un sinfín de cosas en un crescendo que pretende ser hilarante: la caída del tiesto; la referencia a la ropa interior en la nevera; la tortícolis puntual de Richard (detalle que, como es habitual en Wilder, se repetirá varias veces a lo largo del film… y se utilizará para cerrarlo); la música del concierto de piano de Rachmaninoff, guiño a Brief Encounter, con lo que esto significa: Rachmaninoff igual a romance adúltero; la aparición extemporánea del conserje (de nuevo, ¡horror!, Robert Strauss), que viene a recoger las alfombras; la referencia a la foto de Marilyn en una revista (que luego veremos, innecesariamente, que se trata de una inocente foto en bañador);



o esa explosión de espuma en el momento de abrir la botella de champán (¿no os recuerda otra escena de una película de Wilder?; lo repito una vez más: su filmografía está repleta de ideas recicladas de un film a otro).

Lo de reciclar ideas también se ejemplifica en una de las fantasías de Richard, cuando imagina estar en un hospital y la presencia de la enfermera hace que se levante el cabezal de la cama (comparar con el pie de Tony Curtis en Some Like It Hot… en mi opinión con el mismo significado) o el gusto de las referencias cinéfilas tiene también su momento cuando Richard imagina un apasionado beso en la playa con una amiga de la esposa (calcando el beso de Deborah Kerr y Burt Lancaster de From Here to Eternity, película, por cierto, de la Columbia).



He dejado para el final el momento iconográficamente culminante del film y quizá de la carrera de Marilyn, el de conducto de ventilación del metro de Nueva York, justo a la salida de ver The Creature from the Black Lagoon (publicidad para un film de la Universal). Lo más curioso es que la versión que realmente sale en la película es notablemente menos “picante” que la que convirtió en fetiche a la actriz, incluso por parte de la propia productora a la hora de comercializar el film. Le vemos poco más que las piernas hasta las rodillas, y es casi un visto y no visto. Ahora bien, la publicidad que movió la filmación de esa escena en las calles de Nueva York fue extraordinaria, teniendo como posible efecto colateral, como es bien sabido, el divorcio de Marilyn y Joe DiMaggio. Lo más divertido es que, en realidad, después de todo ese escándalo, la secuencia tuvo que repetirse en estudio, porque el exceso de ruido invalidó la toma en exteriores. Otro aspecto curioso de la famosa secuencia es que se supone que Marilyn busca el aire que sale del metro para refrescar cierta parte de su cuerpo (vamos, como lo de poner sus bragas en el frigorífico, uno de los apuntes más atrevidos del film), pero la realidad es que el aire que sale por esos conductos es caliente.



En resumen, una comedia “del montón”, que no creo que hubiera pasado a la historia sin Marilyn como protagonista. Gracias a su presencia la película se mantiene y se seguirá manteniendo, a pesar de todo, incluido en ese “todo” la interpretación de Tom Ewell, actor que el propio Wilder consideraba que “no era el apropiado”. Y añade más adelante en el libro de Crowe: “Era una obra de teatro. No era gran cosa, pero no creo que fuera un fracaso. La gente se lo pasó bien y tuvo éxito”. Vamos, como las películas de Mariano Ozores.

La próxima entrega, The Spirit of St.Louis, es uno de los films más paradójicos de la filmografía de Wilder. La narración de la hazaña de Charles Lindbergh, un admirador de Hitler, filmada por un director judío, y sin embargo amigo del aviador. La recuerdo como una película muy poco interesante, veremos qué nos depara esta revisión.

La Tentación Vive Arriba me parece de lo peor de Wilder. Una flojísima comedia con un protagonista al que cuesta mirar, y con Marilyn protagonizando una escena, la de la falda, cuya iconografía es mucho mayor de lo que realmente es la escena en la película.

Iniciado por riobravo59

La Tentación Vive Arriba me parece de lo peor de Wilder. Una flojísima comedia con un protagonista al que cuesta mirar, y con Marilyn protagonizando una escena, la de la falda, cuya iconografía es mucho mayor de lo que realmente es la escena en la película.

Estoy de acuerdo: es de lo más flojo de Wilder y está muy sobrevalorada por el aura de Monroe. Pero sin olvidar que lo peor de Wilder está 3 escalones por encima de lo mejor de la mayoría de sus coetáneos...

Hombre, yo no diría tanto.

Veamos...

Delmer Daves, John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, John Huston, Elia Kazan, Fritz Lang, Anthony Mann, Nicholas Ray, Douglas Sirk, King Vidor, William Wellman, William Wyler...

De un hilo de cuyo nombre no quiero acordarme...

THE SEVEN YEAR ITCH (1955, LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA)

[“EL COMEZÓN DE LOS SIETE AÑOS”]



Director: Billy Wilder.

Producción: Charles K. Feldman Group Productions, Inc.

Distribución: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Productores: Charles K. Feldman y Billy Wilder.

Guion: Billy Wilder y George Axelrod, basado en la obra teatral homónima de George Axelrod (Nueva York, 20 de noviembre de 1952).

Dirección artística: Lyle Wheeler y George W. Davis.

Fotografía: Milton Krasner (en Color by De Luxe y CinemaScope).

Asesor de color: Leonard Doss.

Música: Alfred Newman.

Montaje: Hugh S. Fowler.

Reparto: Marilyn Monroe (La chica), Tommy Ewell (Richard Sherman), Evelyn Keyes (Helen Sherman), Sonny Tufts (Tom MacKenzie), Robert Strauss (Krahulik), Oscar Homolka (El Dr. Ludwig Brubaker), Marguerite Chapman (La señorita Morris).

Duración: 105 minutos.

Rodaje: del 1 de septiembre al 5 de noviembre de 1954.

Estreno: 1 de junio de 1955.



A pesar de la opinión de algunos queridos amigos del foro Billy Wilder (1906-2002) es, en mi modesta opinión, uno de los mejores guionistas reciclados en directores del Hollywood clásico, sólo superado tal vez por Joseph L. Mankiewicz (1909-1993), quizás menos incisivo pero también más versátil y seguramente más inteligente que el dios personal de Fernando Trueba.

- Claro que tampoco podemos olvidar al gran Preston Sturges (1898-1959), al que algunos (al menos yo) conocimos gracias a un excelso ciclo que emitió la única televisión que existía en mi tierna juventud… -

Pese a lo arriba indicado y aunque me corrija a mi mismo en una apreciación que hice hace tan sólo unos días en el foro Alfred Hitchcock - que está dando ya sus últimos (pero gloriosos) coletazos – cuando comentaba uno de los episodios de la serie “Alfred Hitchcock Presenta” protagonizado por Ewell, LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA es, con toda probabilidad, la película de Wilder que peor ha envejecido.

Ojo, no digo que sea la peor de su carrera (privilegio que parece recaer – al menos según el propio interesado – en EL VALS DEL EMPERADOR (1948), por cierto, su primera película en Technicolor) pero es una obra a la que el paso del tiempo no le ha sentado nada bien.

Desconozco, dado que no he leído la obra teatral original de Axelrod (que también colaboró en el guion junto al propio director), el grado de fidelidad a la misma aunque intuyo que será bastante notable.

Y es que el personaje encarnado por Tom (aquí Tommy) Ewell, cuyo físico parece predispuesto más a la comedia que al drama, es uno de los más cargantes del cine norteamericano de los años ‘50.



Y repito lo de arriba, me refiero al personaje, no al actor que lo encarna, aunque ya digo que creo que su físico no le permitió manejarse con igual soltura en otros géneros que no fueran la comedia.

Un Tom(my) Ewell (1909-1994) que ya había encarnado el personaje en la obra de teatro original cuando se estrenó en Nueva York en 1952, aunque en este caso no estaba acompañado por Marilyn Monroe sino por Vanessa Brown (quien, por cierto, veo con agrado que intervino en dos títulos consecutivos del citado Mankiewicz, THE LATE GEORGE APLEY (1947) y THE GHOST AND MRS. MUIR (1947), una de las películas más deliciosas que yo recuerde…) por lo que tenía el personaje perfectamente interiorizado y por ello su trabajo es impecable.



Lo cortés no quita lo valiente.

Y es que los farragosos monólogos del personaje acaban por aburrir hasta a las ovejas (y eso que las ovejas tienen un cerebro más bien escaso, todo sea dicho) y el señor Sherman se convierte en un pesado de tomo y lomo hasta la exasperación.

Pero, todo tiene su lado positivo.

Ya os imagináis por qué lo digo, ¿no?

Pues evidentemente por la presencia de la siempre deliciosa y refrescante (y aquí más que nunca) Marilyn Monroe (1926-1962) que estaba en plenitud de su(s) encanto(s).



Y es que cada vez que el personaje sale en pantalla (y a la que en la película sólo se refieren a ella como “la chica”) la película sube como la espuma y si en solitario su presencia es como un oasis en medio del desierto, cuando comparte escenas con Ewell lo anula por completo.



Es una pena que Marilyn, que a pesar de ser cabeza de cartel, tenga una presencia en pantalla muy inferior a la de Ewell.

Incluso la esposa de éste, Helen (una igualmente deliciosa Evelyn Keyes – ya sabéis, la hermana pequeña de Scarlett O’Hara en… -) le da sopas con honda.



Una Marilyn, aparente sueño erótico de cualquier hombre con sangre en las venas y que logra (y ello es indudablemente mérito de la actriz, aunque repito que tendría que leerme la obra de Axelrod) mostrar que bajo ese voluptuoso envoltorio carnal hay una persona amable, inocente y tierna, lo que curiosamente choca frontalmente con las intenciones del tándem Axelrod/Wilder.

Yo creo que ése es el mayor mérito de la película, el convertir al mayor sex symbol que ha dado el cine hollywodiense en alguien cercano y terrenal, un perfecto ejemplo de aquello de que la belleza está en el interior…



… a pesar de su contundente (y nada velado) físico...

Imagino, aunque vuelvo de nuevo a especular, que la aportación más clara de Wilder al guion son los “homenajes” que el director hace a clásicos inmarcesibles como DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (1953) de Fred Zinnemmann o sus continuas puyas al gran David Lean (del que pronto haremos en otro rincón de este cajón de sastre que es mundodvd una disección completa de su obra…).

Lo que me ha parecido curioso es que en la escena previa a aquella en la que la actriz nos muestra sus perfectas piernas la película que van a ver al cine sea LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954) de Jack Arnold, dado que era una producción de la Universal-International y no de la Fox.





Y no deja de ser sintomático que sea ella la única que entienda el verdadero mensaje de la misma.

Tampoco me gustaría marcharme sin celebrar la presencia del gran Oscar Homolka (el villano de SABOTAGE (1936)… de Alfred Hitchcock…) encarnando a otro de esos psiquiatras que tanto gustaba de satirizar el director de origen austrohúngaro.



Y dado que la película está rodada (casi) completamente en exteriores destacar igualmente el trabajo conjunto de los directores artísticos Lyle Wheeler y George W. Davis, así como la espléndida fotografía en Color by De Luxe y CinemaScope de Milton Krasner y su inseparable Leonard Doss (algún día tendremos que hablar de la importancia de los asesores de color en el aspecto visual de las películas…).

Por cierto, la primera película en dicho formato de Wilder que más tarde se decantaría por rodar sus películas, aunque fuesen en blanco y negro, en el más acertado Panavision.

Y no nos olvidemos de los inventivos títulos de crédito del gran Saul Bass.

En definitiva, aunque a mi querida madre le sigue encantando la película (o más bien la presencia de Marilyn en la misma, por la que siempre ha sentido una especial devoción) la revisión el domingo de la cinta (sí, ya lo sé, voy con algo de retraso, pero qué se le va a hacer, la vida es corta y…) me ha supuesto una notable decepción.

Y es que si la película quería ser una especie de burla del Código de Producción imperante en la época lo cierto es que el tiro les salió por la culata porque si algo tiene la misma y además a espuertas es un panegírico de las bondades del matrimonio frente a las tentaciones (como indica el más acertado título que se le otorgó en nuestro país) de la carne.

Claro que siempre nos quedará París. Quiero decir, MM.



Cuidaros que estamos en tiempos peligrosos.

Por cierto, el título original de la maravillosa cinta de Arnold (y más si como yo puede verla en 3-D, tal y cómo se rodó) es CREATURE FROM THE BLACK LAGOON, o sea, sin el artículo por delante.

Es que sin Marilyn Monroe, "La tentación vive arriba", no se sustenta de ninguna de las maneras. El personaje de Tom Ewell y su constante voz en off hace perder la paciencia a cualquiera y te lo dice uno que tiene mucho aguante...

Además decepciona su papel casi de "secundaria", cuando nos la ponen de cabeza de cartel, me pareció siempre un engaño, además la trama según pasan los años queda un poco "ingenua". Ya que realmente él no hace nada, solo hablar y hablar sin parar...

Es como ha dicho el compañero mad dog earle: una comedia del "montón", ni mas ni menos.

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, el título original de la maravillosa cinta de Arnold (y más si como yo puede verla en 3-D, tal y cómo se rodó) es CREATURE FROM THE BLACK LAGOON, o sea, sin el artículo por delante.

Aunque en la marquesina del cine, como refleja la captura que aportas, luce un esplendoroso "The".

Iniciado por Alcaudón

Hombre, yo no diría tanto.

Veamos...

Delmer Daves, John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, John Huston, Elia Kazan, Fritz Lang, Anthony Mann, Nicholas Ray, Douglas Sirk, King Vidor, William Wellman, William Wyler...

Lo mismito que tenemos ahora... Qué barbaridad.

Iniciado por Alcaudón

Desconozco, dado que no he leído la obra teatral original de Axelrod (que también colaboró en el guion junto al propio director), el grado de fidelidad a la misma aunque intuyo que será bastante notable.

Las diferencias parecen ser sustanciales:

https://www.google.com/search?q=dife...hrome&ie=UTF-8

Iniciado por mad dog earle

Aunque en la marquesina del cine, como refleja la captura que aportas, luce un esplendoroso "The".

Por eso lo menciono...

Iniciado por Twist

Las diferencias parecen ser sustanciales:

https://www.google.com/search?q=dife...hrome&ie=UTF-8

Al parecer, una de las más jugosas consiste en que en la obra de Axelrod (y en el guion inicial de Wilder y Axelrod) el adulterio se consuma, cosa que en la película no ocurre ni de lejos. Además se vieron obligados a pulir los diálogos. Al menos esto es lo que cuenta el mismo Axelrod en los extras disponibles en la edición en DVD de la película.

Iniciado por Alcaudón

Por eso lo menciono...

Lo sé, lo sé, pero dentro de la película Ewell y Marilyn salen de ver The Creature from the Black Lagoon...




... si miramos la marquesina. Pero el artículo se cae, si miramos el rótulo de la entrada del cine. Ahora bien, denota una cierta perversión (que el código Hays debería haber impedido) fijarse en este detalle trivial estando la señora Monroe en pantalla.