Tema: Billy Wilder: revisando sus películas

Iniciado por cinefilototal

¡Cuanto tiempo, amigo tomaszapa, I love you!.

Yo solo he visto una vez "Irma la dulce", y no la recuerdo precisamente para bien, también me resultó un pelín larga y algo irritante con Jack Lemmon algo pasado de rosca; una pena que Wilder no se atreviera a realizar el musical de Broadway, porque tiene unas canciones bastante pegadizas y hubiera mejorado considerablemente la película... no obstante, de fondo se pueden escuchar algunas de sus melodías...

Shirley MacLaine, es un prodigio de talento, sirve para la comedia, para el drama, para el musical, el terror... lo hace todo bien.

En "Como un torrente" de Vincente Minnelli, dejaba ya claro lo que vale como actriz dramática.
En "Can-can" de Walter Lang, según recuerdo, se merendaba a todo el reparto...
En "La calumnia" de William Wyler, también se comió a toda una Audrey Hepburn, creo que aquí destacaba sobremaneramente.
En "Noches en la ciudad", de Bob Fosse, se desmelenaba considerablemente, también en un papel de prostituta, pero con cariz mas realista y amargo.
En "Paso decisivo", de Herbert Ross, era una antigua bailarina de ballet que se encuentra con otra grande como Anne Bancroft, en esta ocasión no la eclipsó, ambas brillan por igual.
Realmente, la filmografía de esta actriz es bastante diversa y notable, junto con los filmes de Wilder, Hitchcock, me faltarían muchos títulos por descubrir, y quien sabe si aún tiene tiempo para realizar alguno más, dada su extraordinaria vitalidad.

Muchas gracias, amigo y a todos en general, por la bienvenida

La verdad es que Shirley ha estado bien en casi todo lo que la he visto. Por La calumnia estuvo nominada al Globo de Oro. También destacaba en Dos mulas y una mujer, con C. Eastwood, en Bienvenido Mr Chance, Magnolias de acero, Postales desde el filo...

En todo caso, Shirley me gusta mucho más que su hermano.

Iniciado por tomaszapa

Muchas gracias, amigo y a todos en general, por la bienvenida

La verdad es que Shirley ha estado bien en casi todo lo que la he visto. Por La calumnia estuvo nominada al Globo de Oro. También destacaba en Dos mulas y una mujer, con C. Eastwood, en Bienvenido Mr Chance, Magnolias de acero, Postales desde el filo...

Te echábamos bastante de menos.

Esas que mencionas también me gustan a mi, son muy buenos papeles para ella, ya sea protagonista o secundaria de lujo roba escenas...

Iniciado por mad dog earle

En todo caso, Shirley me gusta mucho más que su hermano.

Bastante, bastante mas.

Iniciado por cinefilototal

Bastante, bastante mas.

En descargo de su hermano, no hace falta recordar que se relacionó o se le relacionó sentimentalmente con medio Hollywood y parte del otro medio.

Dijo Woody Allen que quería reencarnarse en las yemas de los dedos de Warren Beatty. Por algo será.

Warren se paso por la piedra a la gran mayoría de las actrices femeninas contemporáneas suyas y algunas anteriores y posteriores. Es difícil encontrar a grandes actrices de los 60s y 70s que no hayan estado liadas con Warren en algún momento. El tio era un hacha.


Ahora bien , Shirley también me gusta mucho más que su hermano. Pero es que Shirley era una monstrua de la interpretación. Warren nunca me parecido el actor más expresivo del su generación ( que también es difícil destacar en una generación con Redford, Nicholson, Hoffman, Hackman, Pacino, Sutherland, etc)pero tiene papeles Mas que estimables como actor en esplendor en la hierba, Bonnie y clyde, los vividores, Lilith o bugsy y divertidas de comedia en shampoo o el cielo puede esperar. Y es un director y guionista más que notable y un productor valiente y arriesgado. Lo que pasa, claro, que la sombra de su hermana es muy alargada.

20. Bésame, tonto (Kiss Me, Stupid, 1964)



Después de una comedia un tanto decepcionante como es Irma la Douce (al menos para mí y sin querer decir que sea una mala película, ni mucho menos), basada en una obra francesa, Wilder recurrió, mostrando así su habitual querencia por ideas de procedencia europea, a una comedia teatral italiana, “L’ora della fantasia” (1944), de Anna Bonacci, que ya Mario Camerini había llevado a la pantalla en 1952, Moglie per una notte, con Gina Lollobrigida en el papel de la esposa.

Leyendo una breve sinopsis de la película de Camerini se aprecia que hay notables diferencias en el marco temporal y en la trama, además, lógicamente, de la localización geográfica, puesto que Kiss Me, Stupid transcurre en Climax, Nevada, tras un breve prólogo en Las Vegas.

La película es, en cierto modo, una parodia de un personaje tan carismático en aquellos años como era Dean Martin, uno de los miembros del Rat Pack que lideraba Frank Sinatra. Dino, que es el nombre al que responde en el film, apenas disimulando que el actor y cantante se está interpretando a sí mismo, en un ejercicio de exhibicionismo en el que, a base de ridiculizarse, acaba cayendo bien. Hay mucha mala leche en el guion de Wilder y Diamond (y no solo en la caracterización de Dino), pero da la impresión de que Dean Martin (supongo que “direct from the bar”, como lo solían anunciar en algunas de sus apariciones en conciertos), se prestó alegremente al escarnio público. Dice Wilder: “Dino era un tipo sensacional, un talento de primera categoría… adoro a Dean Martin. En mi opinión, era el hombre más divertido de Hollywood”. Y la verdad es que tengo que reconocer que a mí también me cae muy bien, a pesar de su machismo y de su conservadurismo, es como ese amigo pesado, borrachín y machirulo con el que, a pesar de todos sus defectos, te sientes a gusto. Además, creo sinceramente que era un buen actor, no solo de comedia, y un delicioso cantante, aunque su voz no fuera tan maravillosa como la de Sinatra o Crosby, pero su gracia es que siempre daba la impresión de que no se tomaba demasiado en serio a sí mismo, como diciendo: “esto que canto son cancioncillas para pasar el rato”.

El inicio de la película no engaña: vemos a Dino en el escenario, rodeado de señoras espectaculares, cantando con aire juguetón “’’S Wonderful”, y colocando chistes, dignos de una reunión de cuñados, que provocan la hilaridad del público… menos de un camarero (gag genuinamente divertido).



Más tarde, ya en Climax, caerá en las garras de un par de temibles compositores amateurs: son Orville Spooner (un Ray Walston que me parece que da mejor el tipo que Lemmon en el film anterior, aunque cae en los excesos previsibles), músico, y Barney (Cliff Osmond), el letrista y encargado de la gasolinera, lo que le da la oportunidad de inmovilizar temporalmente a Dino en la población.



Aunque el retrato de Orville como celoso patológico está demasiado exagerado (¿cómo creer que Zelda lleve cinco años aguantándolo?) y se repite de manera compulsiva en la parte inicial del film, una muestra más de que la sutileza no era lo fuerte de Wilder, el conflicto con Dino metido en casa tiene, sin duda, momentos divertidos, fruto del interés de nuestro compositor aficionado de alejar a su esposa del mujeriego empedernido. Orville se va a mover entre dos mujeres: la suya, Zelda (magnífica Felicia Farr, que era la esposa de Jack Lemmon),



y la explosiva Polly The Pistol, una Kim Novak que a su belleza y sensualidad une unas notables dotes de comedianta, tanto como camarera del Belly Button como transformada en una inverosímil ama de casa convencional.



Esa cena italiana (botella fálica de Chianti incluida) en casa de los Spooner, a lo largo de la cual Dino va a intentar, cada vez con más descaro, beneficiarse a la “señora” de la casa, desconociendo que se trata de una prostituta contratada para la ocasión, es, a partes iguales, divertida y patética.



La añagaza de Orville y Barney va a propiciar la transmutación de los personajes, de manera que por una noche el conservador Orville se acueste con una prostituta, él que nunca ha pisado el “Belly Button”; que Polly se sienta mujer “respetable” por unas horas; que Dino, el irresistible, tenga que salir con el rabo entre piernas, y que Zelda ejercite también por una vez el oficio más viejo del mundo (¡y gane 500 dólares!), aunque en su caso su relación sexual con Dino sea también el resultado de la atracción que siente por uno de sus ídolos (mientras que Polly, otro detalle divertido, dice que le gusta más Andy Williams).



A pesar de que con ese trueque de personalidades (una vez más identidades cuestionadas y disfraces) Wilder y Diamond nos hacen partícipes de una reflexión de lo más ácida sobre las convenciones matrimoniales, la película, como si de un cuento se tratara, acaba felizmente: el dinero que ha ganado Zelda ocupando el lugar de Polly servirá a esta para dejar su oficio y abandonar Climax, mientras que Orville y Barney saltarán a la fama cuando Dino interprete uno de sus temas en la televisión: “Sophia”, que como los otros que suenan en el film (algunos tan delirantes como “I’m a Poached Egg”) llevan la firma de los hermanos Gershwin, una nueva “canción italiana” para Dino, con lo que se cierra el círculo de la parodia.



La película, desde luego, se las trae. Recibió duras críticas por grosera e inmoral y fue un fracaso. La Legion of Decency la calificó con la “C” de “condamned”, y al parecer tuvo una nefasta influencia en la carrera posterior de Kim Novak. Una pena, porque aunque, ciertamente, la película hoy en día no pasaría el filtro de lo “políticamente incorrecto”, creo sinceramente que es mucho más aguda y se mantiene más viva que otras comedias de Wilder.

Una anécdota que siempre se cita al hablar de este film es que el personaje de Orville, inicialmente, lo había de interpretar Peter Sellers, pero a causa de un infarto tuvo que ser sustituido por Walston, al que ya vimos en The Apartment. No sé cómo hubiera sido Kiss Me, Stupid con Sellers, pero me temo que hubiera desequilibrado el conjunto, ya de por sí muy frágil.



Con la próxima entrega tendremos ocasión de contrastar los logros (o debilidades) de este film con los de The Fortune Cookie, film por el que no tengo la misma simpatía, salvo quizá por suponer la aparición en el mundo de Wilder de otro de los actores emblemáticos de su filmografía, Walter Matthau, a pesar de que en realidad solo rodó tres films con nuestro director (y uno de ellos, el último, más vale olvidarlo).

Muy divertida comedia Bésame , tonto, en donde el protagonista es Ray Walston( en un papel inicialmente previsto para Peter Sellers, que habría que verlo en el papel, pero tenia una personalidad comica tan destacada que se hubiera comido el film y el resto de personajes) y un carismático y desenfadado Dean Martín y una bellísima y explosiva Kim Novak que son las estrellas que ejercen de secundarios o coprotagonistas.

No es de mis comedias favoritas de Wilder, pero cumple con su cometido y entretiene y divierte y los diálogos situaciones son tan chispeantes como suelen en las comedias de Wilder.

BESAME TONTO

Que arte tiene Billy Wilder para que su personaje principal, sea parcial o totalmente insoportable, véase IRMA LA DULCE, LA TENTACION VIVE ARRIBA, claro desde el punto de vista de Marylin Monroe, seria la tentación vive abajo, y claro está el film que toca esta. semana, aunque de los 3 mencionados, es el que menos me carga, siendo, como he dicho, parcialmente cargante. Al protagonista insufrible, Wilder, lo rodea de secundarios casi principales maravillosos, secundarios per se, e incluso secundarios funcionales, como por ejemplo el camarero que no sonríe a Dino, un título fantástico para esa peli Indi que poniendo dicho título se cree muy cool, dejen los títulos cool para los GIALLOS por favor!!!!!!!!! Lo dicho, todo lo que rodea al celoso empedernido de Ray Walston, creo que me estreno con él, según mi FA lo he visto en la interesante exploit de LA GALAXIA DE TERROR y en EL GOLPE, en ambas no lo recuerdo. Kim Novak lo revienta, curioso en su documental, atípico, que vi en Sitges, no menciona el film, por lo menos no lo recuerdo. Fantástica también Felicia Farr, también me estreno con ella, en casi todo el metraje, pero en su parte final, es víctima del brochazo gordo tan típico de Wilder, que en dosis pequeñas, o sea sketches, aunque hayan muchos, como en 1,2,3, me gustan, pero alargado en metraje sin pausa, sin transición, ya pongo caritas de estreñimiento, que al ser dietista no las pongo a menudo, por no decir nunca, en cuanto a eso, me une mucho con la gravedad, se que no se entiende mucho, pero mejor así al ser John Wateriano, o Pink Flamingero . Voy a hacer un punto a parte para descongestionar.

Yo no soy de Dean Martin, es mas no me gusta el original OCEANS ELEVEN, es un verdadero coñazo y extremadamente aburrida, no me gusta Frank Sinatra como actor, y no me caía bien en general, bueno lo llevaría a todo el The Rat Pack, y Dean Martin tampoco me apasiona, ya en sus comedietas con su pareja chistosa, claro, RIO BRAVO juega aparte, pero en este film que se autoparodia en el personaje de Dino, me gusta mucho en su pose de estrella fuera del ámbito sexual, o sea, en sus conversaciones con hombres, unas conversaciones que se le ve hastiado por hablar con mortales, un borde simpático, de esos que piensas, que pena das, pero eres soportable, pero cuando se pone en plan fucker, esa autoparodia se subraya en demasiado y me molesta bastante, en resumen, me gusta su bordería con el sexo masculino y no tanto su lameculos metafóricos con el sexo femenino.

Tiene escenas que me encantan, como las clases de piano al joven que según él, se insinua a su mujer, ese rollo del dentista también me resultó efectiva y graciosa, pero cuando se pone a la búsqueda del final correctamente político, o sea, en busca del perdón, para mi es un contrapunto muy bestia y no es de mi agrado.

En rersumen, encuentro un film muy disfrutable en momentos y personajes concretos, pero en no es para nada un film redondo, mejor dicho, no es de mi agrado en su conjunto, en 1,2,3 quiero revisionarla ya, BESAME TONTO, quizá en 10 años.

Iniciado por Alex Fletcher

Lo dicho, todo lo que rodea al celoso empedernido de Ray Walston, creo que me estreno con él, según mi FA lo he visto en la interesante exploit de LA GALAXIA DE TERROR y en EL GOLPE, en ambas no lo recuerdo.

Ray Walston es uno de los ejecutivillos de The Apartment que participan del "club de la llave" del piso de C.C.Baxter.



Lo de Dean Martin entra en la categoría de los "guilty pleasures". Y mío lo es, pero no tanto como actor (aunque tiene buenos papeles en varios films, no solo en Rio Bravo), sino como cantante. Lo he mamado desde niño. Ah, y no sé si he llegado a ver nunca una película de Dean con Jerry Lewis, pero he oído centenares de veces este tema:

Dean Martín es para mí un must see, tanto como cantante como actor. No podía ser el mejor actor del mundo, pero tenía un carisma y un sentido del humor cojonudos y me encanta el duo cómico que formó con Jerry Lewis. También adoro el clan Sinatra y sus películas con entrañable sinvergüenzas que eran Dino, Sinatra , Sammy Davis Jr, etc.

Y como actor, está muy bien , además de en río bravo, en como un torrente o el poker de la muerte o en aeropuerto o el el baile de los malditos ,entre otras. Y aquí también.

Y Ray Walston es uno de los grandes secundarios de la época. Siempre estaba bien.

21. En bandeja de plata (The Fortune Cookie, 1966)



The Fortune Cookie es una de las comedias de Wilder/Diamond menos afortunadas (y no pretendo hacer ningún juego de palabras), por ese motivo señalo primero de todo el nombre de ambos guionistas, porque creo que sus debilidades radican, fundamentalmente, en el guion.

Ya la propia estructura del film, subdividido en 16 capítulos, cada uno de ellos numerado y con titulo (del 1, “The Accident”, al 16, “The Final Score”), parece denotar cierta inseguridad a la hora de construir un relato que fluya bien engrasado, como sí ocurría con otras comedias como Some Like It Hot o One, Two, Three. Da la impresión de ideas sueltas agrupadas bajo rótulos que les den sentido, más que un planteamiento coherente de principio a fin, de manera que el film avanza a trompicones.

Además, se centra fundamentalmente en un personaje que, sobre el papel, no es el principal: el cuñado (“The Brother-in-Law”, episodio 2), Willie Gingrich, encarnado superlativamente por Walter Matthau, en su primera aparición en el cine de Wilder. Su presencia y causticidad (de él surgen las mejores frases y los mejores gags) es tan arrolladora que todo el resto queda disminuido.



Añadamos que el “héroe” del film, el cámara deportivo Harry Hinkle (un Jack Lemmon que intenta mezclar emoción con humor sin que acabe de ligar la salsa) es uno de los protagonistas más sosos del repertorio wilderiano.



Todo el engaño que urde Gingrich para conseguir una sustanciosa indemnización de la compañía asegurador por la leve lesión que ha sufrido al ser arrollado por el jugador de fútbol americano de los Clevelland Browns “Boom Boom” Jackson (Ron Rich) resulta muy artificial, no solo porque obviamente se basa en una mentira bastante evidente, sino porque Hinkle nunca parece convencido de lo que hace, más motivado por el ingenuo intento de retomar la relación rota con su esposa Sandy (Judi West, retratada como una auténtica harpía) que por interés económico.

De este modo, adquiere todo el sentido el título del film: la frase de Lincoln encontrada en una galleta de la fortuna: ““You can fool all the people some of the time and some of the people all the time, but you cannot fool all the people all the time”, lema que gravitará, de forma moralizante, sobre la trama. Añado que esta vez el título en castellano también tiene sentido, puesto que esa "bandeja de plata" es una referencia irónica que aparece al menos en dos ocasiones en la película, una de ellas en forma de bacín.



Precisamente “lo moralizante”, presente a menudo en el cine de Wilder bajo una capa de aparente de cinismo, se presenta en este film de forma un tanto cargante, reforzado por lo desacertado del personaje de “Boom Boom”, personaje que sobra, que endulza la historia hasta el punto de que en algunos momentos parece un Capra descafeinado.



Es curioso que el único personaje afroamericano de cierto relieve del cine de Wilder (si no me falla la memoria) sea este insulso deportista que está arruinando su vida por la mala conciencia que le produce sentirse responsable de una lesión inexistente. Todo lo que tiene que ver con la relación Jackson-Hinkle no funciona bien (en especial, la última secuencia, un final desacertado que sorprende en el tándem Wilder-Diamond, especialistas en frases que cierran brillantemente sus películas), y cuando deciden centrarse exclusivamente en ”Boom Boom”, el episodio de la pelea del bar, la película toca fondo.



¿Qué nos queda, pues? La venenosa Sandy (esas conversaciones por teléfono con Hinkle mientras su amante duerme en la cama o se ducha)



o todo el repertorio de estratagemas y añagazas que teje Gingrich, en especial sus mano a mano con el detective Purkey (un Cliff Osmond al que hemos visto en los últimos films de Wilder) o el trío de abogados O’Brien, Thompson y Kincaid.



La próxima entrega supondrá un giro en la obra de Wilder: un film entre romántico y aventurero centrado, ni más ni menos, que en la figura mítica del detective creado por Arthur Conan Doyle: The Private Life of Sherlock Holmes. Para muchos una de sus mejores películas, aunque fue uno de sus films más masacrados por la productora y un fracaso económico.

A mí me encanta en bandeja de plata. Comedia satírica con muchísima mala baba que satiriza ferozmente el tema de los seguros y es la primera intervención del gran Walter Matthau y el nacimiento de su duo cómico con Jack Lemmon. Los dos están magníficos en la película, pero destacando especialmente Matthau en una de sus mejores impresiones cómicas y que le hizo ganar el Óscar con ese personaje de cuñado rastrero, cinico , pesetero, canalla y odioso y que el lo borda de forma memorable, y dándole el perfecto contrapunto al personaje más mundano, bienintencionado e ingenuo de Lemmon

Un guión muy satirico y sarcástico y una dirección notable y rápida y desenfrenada de Wilder dan como resultado una comedia negra que s mí me resulta muy satisfactoria.

En bandeja de plata (1966)

Es una comedia que confirma la maestría de Billy Wilder para retratar la picaresca moral y la hipocresía social, aunque no sin ciertos altibajos. La película parte de una idea potente y muy wilderiana —el oportunismo legal y humano tras un accidente aparentemente banal, muy interesante el montaje de dicho momento—, pero su desarrollo acaba resultando excesivamente dilatado. Para lo que realmente cuenta, el metraje se alarga más de la cuenta y algunas situaciones se reiteran, como si Wilder confiara más en estirar el gag que en profundizar en nuevas variaciones del conflicto, o quizás soy yo, que estoy empezando a notar un desgaste Wilderiano, o quizás Jack Lemmoniano.

El gran acierto del film es, sin duda, Walter Matthau. Su interpretación del cuñado abogado es lo mejor de la película: cínico, calculador y aparentemente encantador, Matthau construye un personaje memorable que se mueve con naturalidad entre la comedia y la crítica moral. Cada aparición suya aporta ritmo, ironía y una mala baba deliciosa, hasta el punto de que acaba eclipsando al resto del reparto. No es casual que su actuación sea lo más recordado del film y el verdadero motor de su eficacia satírica. Esa escena negociando con los magnates de turno la encuentro formidable

Jack Lemmon, por su parte, cumple con solvencia, pero también reincide en un registro ya conocido. Su personaje vuelve a apoyarse en un histrionismo muy suyo, eficaz pero previsible, que aquí parece menos matizado que en otras colaboraciones con Wilder. Lemmon funciona como contrapunto humano y vulnerable, pero su exageración emocional, en lugar de enriquecer el relato, contribuye a esa sensación de reiteración que hace que la película se perciba más larga de lo necesario y con ganas de que se corte su escena y aperzca el cuñado. Y estoy con Mad, el monstruo que interpreta al jugador de futbol, resta mucho en sus apariciones

En conjunto, En bandeja de plata es una comedia inteligente y con momentos brillantes, aunque no esté entre las obras más afiladas ni más equilibradas de Billy Wilder.

22. La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970)



The Private Life of Sherlock Holmes tuvo una gestación complicada, tanto que acabó suponiendo la ruptura de Wilder con la Mirisch Corporation. Nuestro director le cuenta a Crowe que, después de un preestreno desastroso en el que el público la encontró demasiado larga (y probablemente poco wilderiana), se fue a rodar otra película (que tenía que ser Avanti!, ¿cuál si no?) y se desinteresó del montaje final. “La dejé en las buenas manos de mi montador [el británico Ernest Walter] y mis amigos los Mirisch y la asesinaron”. ¿Resultado? “Cuando regresé, era un desastre absoluto, el montaje que había hecho. Había eliminado todo el prólogo, había eliminado media secuencia. Se me saltaban las lágrimas al verlo. […] Era una película muy bien hecha. Era la película más elegante que he rodado. Yo no ruedo películas elegantes”.

Pasó de unos 210 minutos a 125, o sea, perdió un tercio de su metraje. En estas condiciones es difícil hacerse una idea de cuál hubiera sido esa versión del director, algo que probablemente nunca sabremos. La cuestión es que la película fracasó económicamente, aunque sigue gozando del beneplácito de un sector del público y de la crítica.

De entrada, es cierto que es el film de Wilder más elegante, menos propenso a la brocha gorda (aunque la hay: esa secuencia del ballet con Watson rodeado de bailarines gais y toda la colección de tópicos sobre los rusos que añade). Un film que no resulta, al menos en su versión reducida, en absoluto largo (defecto que sí tienen algunos de sus otros films, como por ejemplo Love in the Afternoon o Irma la Douce). Es uno de los pocos ejemplos dentro de su filmografía de “film de época” (junto a The Emperor Waltz), localizado temporalmente en el siglo XIX, en concreto en 1887, aunque la película se abre con un breve prólogo posterior, cincuenta años después de la muerte del Dr. Watson.

La película se inicia con la abertura de una caja, a nombre de Watson, que contiene objetos relacionados con el mayor detective de todos los tiempos: Sherlock Holmes. Su pipa, su sombrero, fotos, la aguja hipodérmica con la que se inyectaba cocaína, la placa del 221B de Baker Street, la partitura de un concierto de violín (uno de los elementos más bellos de la banda sonora de Miklós Rózsa, su opus 24 de 1953 que adaptó para la pantalla) y, lo que es más importante, un caso inédito, que será la materia argumental del film.




Hay un detalle que no se suele comentar: la voz en off que nos presenta el descubrimiento de ese material es la del propio Dr. Watson… una voz, por tanto, de ultratumba, como el Joe Gillis de Sunset Blvd.

La gracia es que Wilder y Diamond generan una nueva historia de Holmes que podría haber escrito el propio Conan Doyle, nos la creemos como parte del corpus holmesiano, aunque incida más de lo habitual en algunos de sus aspectos más ambiguos: la droga, su inestabilidad emocional, su complicada vida sexual. A ello ayuda grandemente la caracterización de Robert Stephens, un actor al que me cuesta situar en otros films (procedía del mundo del teatro) y que aquí bordó probablemente el papel cinematográfico de su vida. Stephens estaba casado por aquellos días con la gran Maggie Smith, aunque Wilder expresa sus dudas sobre su condición sexual: “Nunca llegué a saber si era homosexual o no”. Según Wilder se intentó suicidar durante el rodaje, que tuvieron que parar hasta que se recuperase.



El caso de Holmes tiene todos los ingredientes: misterio, aventura, capacidad de deducción e incluso buenas dosis de romanticismo, centradas en la relación entre Holmes y la espía alemana Ilse von Hoffmanstal, encarnada por Geneviève Page.



Junto al fiel Watson, bien servido por Colin Blakely, contamos con la aparición del hermano más listo, Mycroft, con las facciones de Chritopher Lee,



e incluso no falta a la cita la mismísima reina Victoria (Mollie Maureen),



o la gran bailarina Madame Petrova (Tamara Toumanova, a la que todos recordamos en la hitchcockiana Torn Curtain).



Para no faltar, no falta ni siquiera un falso monstruo del Loch Ness, detalle argumental que dota la película de un delicioso aroma a fantasía aventurera.



En resumen, una mezcla bien trabada de divertimento y de melancólico romanticismo, que no está, en mi opinión, entre los mejores films de Wilder, quizá debido a los citados avatares de su producción, pero a pesar de ellos me parece un film muy disfrutable, y que ha envejecido mejor que otros de sus films más reputados. En todo caso, queda como una rara avis dentro de su corpus fílmico. En lo que no ha envejecido bien, es en aspecto visual: hay un exceso de flou en la fotografía de Christopher Challis, muy de la época, que probablemente influye en la mediocre calidad de las imágenes de las copias disponibles, sea en DVD (además sin subtítulos en castellano), BD (al parecer abominable) o en Filmin (esta, al menos, subtítulada). Una película que merece una copia restaurada en 4K.

Con la próxima entrega, Avanti!, volveremos al terreno seguro de la comedia y a la presencia de Jack Lemmon.

Nunca he visto esta película, a ver si lo remedio pronto. Gracias por la crítica, me ha animado para buscarla. 😉

Para mí es una obra maestra y una de mis películas favoritas.

Para mí, la vida privada de Sherlock Holmes es una de las mejores versiones del detective británico de Sir Arthur Conan Doyle y una rara svis en la filmografía del maestro. Me parece una auténtica joya y en mi top 10 del genio austriaco. Película clásica pero atrevida y original a la vez, propone un Holmes muy distinto a lo visto anteriormente, incidiendo en su adicción a las drogas, su manias y paranoias y su vida romántica. Es un Homes clásico en su apariencia pero transgresor en su fondo , y tanto Robert Stephens como Colín Blakely están geniales como Holmes y Watson y tienen una estupenda química juntos. Y bien respaldados por un inusual y brillante Christopher Lee y una seductora y enigmática Genevieve Page.

Tiene comedia, misterio, drama, romanticismo, terror( ese monstruo del lago Ness, esos enanos con rostros repulsivos) suspense , etc. Un cocktail muy equilibrado y perfecto que Wilder nos sirve para deconstruir la figura de Sherlock Holmes y trazar una de las versiones más atractivas del mito. Magistral.

Iniciado por Mister_Lennon

Para mí, la vida privada de Sherlock Holmes es una de las mejores versiones del detective británico de Sir Arthur Conan Doyle y una rara svis en la filmografía del maestro. Me parece una auténtica joya y en mi top 10 del genio austriaco.

Claro, en el top 10 sí que la pongo. Cuando digo que no está "entre los mejores films de Wilder", me refiero a las tres o cuatro mejores, pero sí en el grupo de arriba. Total, solo dirigió 26 películas. Ahora bien, no soy tan entusiasta como vosotros, aunque me gusta y la disfruto. Además, es como una bocanada de aire fresco dentro de una filmografía que, vista en orden cronológico, empezaba a ser muy previsible, y en cierto modo lo seguirá siendo, solo hay que ver sus dos siguientes films, sin que ello quiera decir que sean malas películas, que no lo son en absoluto.

Iniciado por cinefilototal

Nunca he visto esta película, a ver si lo remedio pronto. Gracias por la crítica, me ha animado para buscarla. 

No sé si se animará a comentarla nuestro maltrecho (achaques de la edad ) amigo Alcaudón, pero creo recordar que es su película preferida de Wilder.

Efectivamente, LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES es mi película favorita de su director, aunque no me atrevería a decir que es su mejor obra, que una cosa no tiene por qué implicar la otra.

Ciertamente sería un bonito broche a mi "carrera" de comentarista rubricarla con una reseña a la altura de una película que tiene uno de los finales más hermosos (y melancólicos) de la Historia del Cine.

Igual este fin de semana hago un esfuerzo titánico (dado mi estado de salud físico - del mental mejor no hablar... -) y me pongo a ello.

El camino al Infierno...

Aunque ahora que lo recuerdo ya hice un comentario sobre ella hace unos añitos...

A ver si tengo suerte (dada mi organizada desorganización) y os pongo el enlace porque después de todo mi opinión sobre ella sigue siendo la misma.

Me pongo a ello...

LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES

Me estreno con el film, y claro las primeras escenas me dejan alucinado viendo un Sherlock Holmes amanerado, siempre en esa delgada linea roja de dicho amaneramiento y la burguesía inglesa. Eso y sus diálogos me enchufan de inmediato en el film. Está claro que formalmente es de lo mejor que he visto de Wilder, y como dice Mad, siempre hay algo, en esta caso, brochita gorda, en la parte de Watson y los bailarines, aunque como se llega ahí, me parece divertido y formidable. Me cuesta ver al Watson desfasado, no es una crítica, pero siempre he tenido ese concepto de el hombre tranquilo, un hombre de sofa, pipa y libro, un NO PARTIES en todo regla.

Sherlock es el motor del film, Robert Stevens lo borda, curiosmanente pensaba que también me estrenaba con él, pero no, lo he visto en Cleopatra, la hoguera de las vanidades y los Duelistas, desgraciadamente no lo recuerdo en dichos films. Durante el ya avanzado metraje, me imaginaba a Jack Lemmon por ahí (no fue nunca una opción?) y me daba cagalera solo de imaginármelo, aunque también usa su cuerpo para interpretar, pero es tan inglés, y claro combinado con esa dicción tan destacable de los actores ingleses que da gusto oírles, esto es herencia hammeriana en mi, me resulta su papel PERFECTO, y unos de los candidatos a chico Wilder del cuestionario final.

Que pasa con la trama, su desarrollo, ritmo..... Primero he de decir que no soy muy fan de las trama mega complicadas, lo que yo llamo, film de sorpresa sorpresiva, eso de rizar el rizo para shoquear al espectador a quien no le gusta, pero sin abuso, y aquí todo lo que pasa me lo creo, o simplemente, si se les va la castaña, no me importa, porque es un film de actores e interpretaciones, ellos llevan la batuta, y hacen de cada escena un disfrute el mero hecho de presenciarlo, sin tener en cuenta si la trama es complicada, está bien explicada, es creible, me da igual, déjenme disfrutar del amanerado Sherlock, de su hermano, Christopher Lee siempre suma y siempre está viejo en todas sus pelis, Watson aporta mucho, tienen una química visible, y tiene momentos para todo, coquetea con el fantástico con el cartón piedra, con el thriller inquietante, con los monjes, con el cine de espías, abanderado con el código Morse a paraguazos, tiene una excelente introducción de los personajes con la parte del cabaret, en resumen, una delicia, y si, una sorpresa, porque es algo muy diferente a lo visto por ahora.

Lo malo, la edicón en BD patria es mejorable, la calidad de imagen en planos oscuros es más mejorable aun, y por desgracia el disco no está prensado, pero bueno he disfrutado igualmente de un formidable film.

23. ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (Avanti!, 1972)



Como suele pasar en este tipo de revisiones de largo recorrido (me pasó con Kazan, por ejemplo), llega un momento en que uno empieza a estar saturado, de ahí que saludara la anterior, The Private Life of Sherlock Holmes, como una bocanada de aire fresco.

Lamentablemente, no es este el caso. Aclaro este aspecto, absolutamente subjetivo, como justificación de la dureza de mi siguiente comentario. En otros momentos de mi vida este film, sin que nunca haya estado entre mis preferidos de Wilder, me ha proporcionado, al menos, una sesión agradable de cine, pero, tras este visionado, hay demasiados aspectos acumulados que me llevan a considerar Avanti! (prescindo del explicativo título en castellano, aunque el original es uno más de los muchos tópicos del film) quizá el peor guion de Wilder y Diamond, si obviamos ese desastre que fue Budy Budy.

De entrada, desconozco la obra original, de 1968, de Samuel A. Taylor en la que se basa el guion. Recordemos que también era de Taylor la pieza teatral adaptada en Sabrina. Aunque con Taylor siempre me sentiré en deuda por ser uno de los responsables del guion de Vertigo (compartiendo crédito con Alec Coppel), la obra cumbre de Hitchcock, ni Sabrina ni esta me parecen comedias románticas ejemplares, mucho menos todavía Avanti!, ya que, además, carece de la sofisticación, del glamur, de la primera.

Más que entrar a analizar el argumento del film, muy simple y conocido (de hecho, el título castellano ya nos da la pista), me voy a concentrar en detallar los numerosos aspectos negativos que esta vez se me han hecho constantemente presentes. De entrada, la película insiste, con una mal gusto que entra de lleno en la grosería (¡pero si el personaje se llama Pig-got!, premio a la sutileza y la elegancia, como ya pasaba con el detective Purkey de The Fortune Cookie), en la supuesta gordura del personaje de Juliet Mills (que aguanta muy bien el tipo, a pesar de tener que soportar el sambenito del exceso de peso repetido machaconamente). Mills no está en absoluto gorda, y además, por si hiciera falta alguna justificación, no es precisamente Jack Lemmon un Adonis que puede ir menospreciando por su aspecto a la hija de la amante de su padre.



Frente a un punto de arranque tan poco atractivo como para poder creerse el relato del enamoramiento de la pareja, que podría haber estado teñido de una cierta pátina de melancolía (posibilidad que Wilder no aprovecha, más bien dinamita), parece como si el guion necesitara de todo el utillaje de tópicos de brocha gorda sobre los italianos para avanzar.

Ahí está esa familia Trotta que parece sacada de Freaks, a cuál miembro más grotesco.



Sigamos con el camarero “mafioso” que quiere regresar a Estados Unidos y la camarera siciliana bigotuda.





No olvidemos la filiación mussoliniana del encargado del helipuerto (pulla política que no deja bien parados a los estadounidenses y que apunta a otro tipo de film).



Y acabemos con las cancioncillas románticas de la orquestina del hotel, interpretadas por Sergio Bruni, popular cantante napolitano.



Hay momentos en que lo humorístico resulta directamente zafio, como el baño nudista de Lemmon y Mills, con él intentando ocultar los pezones de ella con unos calcetines mojados (seguramente ni Mariano Ozores llegó tan lejos). Luego, la inflamación de los pescadores ante la vista de esa mujer en cueros entra ya de lleno en lo más vulgar. No sé si Wilder se dejó contagiar del mal gusto imperante en el cine de los 70 en relación con el sexo, pero, como le pasó a muchos veteranos de Hollywood, el pase del glamur a lo terrenal no le sentó bien.

Otro hándicap es la duración extraordinariamente larga del film, casi dos hora y media eternas, que impiden que la película encuentre su ritmo. Si Wilder se mostró como un experto en medir el tempo de los gags, aquí naufraga en el tempo del conjunto.

Quizá una justificación de lo poco inspirado del resultado (no sé si influido también por el disgusto del film anterior, que supuso la ruptura con los hermanos Mirisch) esté en esta frase que cuenta Wilder: “lo que de verdad quería hacer era que el padre fuese homosexual y tuviese a un botones a su lado”. O sea, lo que supongo que en el texto de Taylor y en el film resultante es el eco de una relación romántica otoñal, Wilder quería convertirlo en un film sobre una relación homosexual llevada en secreto (tema, el de la ambivalencia sexual, muy caro a su filmografía… aunque no tengo claro que nunca pretendiera ir más allá del chascarrillo).

Visto todo esto, ¿nos queda algo para salvar? En mi opinión, dos personajes salvan algo la función: el director del hotel, Carlucci (un sobrio Clive Revill que ya vimos en el film anterior)



y el explosivo Jo Jo Blodgett (un Edward Andrews que, cuando aparece, con un aire muy a lo Walter Matthau, transforma el tono de la película… pero ya es muy tarde).



Hay también algunos momentos en los que Wilder sabe ser sensible, como en la morgue, pero son escasos.



Quizá, puesto a elegir una secuencia del film, me quedo con la inicial, un largo gag sin palabras a bordo del avión que lleva a Ambruster a Roma, en el que procederá a intercambiar su ropa con uno de los pasajeros, aunque luego, ya en el aeropuerto italiano, el gag se diluye y pierde efectividad.



Reconozco que me ha decepcionado esta revisión de Avanti!, llegando incluso a irritarme en algunos momentos. Espero recuperarme con la próxima película, de nuevo una comedia pero que, esta vez, va sobre seguro: The Front Page, tercer intento de llevar a la pantalla el texto teatral de 1928 de Ben Hecht y Charles MacArthur.

Dado que LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES es mi Wilder favorito (al igual que lo es DERSU UZALA en el caso de Kurosawa) intentaré sacar fuerzas de flaqueza y entre hoy y mañana me veré (y comentaré) tanto CRISIS (en formato breve) para el rincón Bergman como LA VIDA... (en formato más extenso, aunque no como solía ser habitual...) y así al menos si me retiro definitivamente de los comentarios (con gran dolor de mi corazón, foramen oval permeable incluido) lo haré por la puerta grande.

Yo tengo la copia que editó la británica Eureka! (The Masters of Cinema Series nº 182 [2017]) que intuyo será bastante buena, aunque no esté escaneada del negativo original (suponiendo que este se conserve en buen estado).