Tema: Billy Wilder: revisando sus películas

Juliet Mills es la única actriz que puede rivalizar con Shirley MacLaine por el puesto de mejor chica wilderiana, aunque no convendría olvidar a la imperial Barbara Stanwyck.

Iniciado por Alcaudón

Juliet Mills es la única actriz que puede rivalizar con Shirley MacLaine por el puesto de mejor chica wilderiana, aunque no convendría olvidar a la imperial Barbara Stanwyck.

En mi opinión está muy bien, por eso me irrita aún más la grosería con la que Wilder trata el personaje.

Yo incluiría a Audrey Hepburn, Gloria Swamson y a Marlene Dietrich en ese grupo de chicas Wilder por excelencia además de a Shirley y a Barbara, por supuesto. Y juliet Mills también es una gran adicción al grupo, y es que lleva lo de gran actriz en la sangre ( hija del gran John Mills y hermana de Harley Mills).

Avanti me parece una comedia divertida y agradable, pero poco más. La pondría en la zona media en la filmografía del maestro. Tiene buen ritmo, buen guión y secundarios divertidos. Jack Lemmon siempre cumple y está bien sin resultar ser de sus mejores trabajos y Juliet Mills está guapa y adorable ( no le veo nada de gorda como se menciona en la película, al contrario, está muy guapa y con buena figura).


En el debe le pondría algunas bromas de trazo zafio y grueso que no me acaban de funcionar, como las alusiones a la supuesta e increíble "gordura" de Juliet Mills.

Para mí, una Comedia simpática para pasar el rato sin más.

“It might interest you to know that she had been living in Japan these past few months under the name of Mrs. Ashdown.”



THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES (1970, LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES)

Coproducción entre Reino Unido y los EE.UU.



Producción: Sir Nigel Films Ltd. (Reino Unido) / Phalanx Productions, Inc. (EE.UU.) / Mirisch Films Ltd. (Reino Unido) [filial de The Mirisch Production Co.].

Distribución: United Artists Corp.

Director: Billy Wilder.

Productor: Billy Wilder.

Guion: Billy Wilder e I. A. L. Diamond, basado en los personajes creados por Sir Arthur Conan Doyle.

Fotografía: Christopher Challis, en Panavision y Color by De Luxe.

Diseño de producción: Alexander Trauner.

Dirección artística: Tony Inglis.

Música: Miklós Rózsa.

Montaje: Ernest Walter.

Reparto: Robert Stephens (Sherlock Holmes/Señor Ashdown), Colin Blakely (Dr. John H. Watson), Geneviève Page (Gabrielle Valladon/Señora Ashdown/Ilse von Hoffmanstal) y Christopher Lee (Mycroft Holmes).

Presupuesto: 10.000.000 de dólares.

Inicio del rodaje: 5 de mayo de 1969 (Pinewood Studios, Londres, Inglaterra).

Preestreno: el 29 de octubre de 1970 en el Radio City Music Hall de Nueva York.

Duración: 125 minutos (2:05:27).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Londres > Inverness, Escocia / Agosto de 1887 > 18 de abril de 1888



> 9 de diciembre de 1888

…

LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES es, al igual que EL CUARTO MANDAMIENTO (1942), de Orson Welles, uno de los pocos ejemplos en la Historia del Cine en los que la brutal mutilación sufrida en la sala de montaje no logra empañar el que ambas sean (al menos para el que escribe este modesto, pero sentido comentario) si no tal vez sus mejores obras sí las que más me gustan.

Una cinta por la que siempre he sentido una especial debilidad desde que la vi por primera vez en un lejano pase televisivo a finales de los 80 o principios de los 90 (seguramente en aquel ciclo que la única televisión que existía por entonces dedicó al cineasta vienés).

Por circunstancias de la vida y aunque pueda parecer extraño yo mismo sufrí hace unos pocos años un desengaño amoroso muy similar al que sufre el detective más famoso de todos los tiempos en esta deliciosa y (muy) melancólica película y por ello mi devoción hacia ella no ha hecho sino acrecentarse.

Pero esa es otra historia…

Si bien es cierto que pueden discutirse las habilidades como guionista y/o director de Billy Wilder no creo que haya nadie que dude de que tanto TESTIGO DE CARGO (1957) como LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES son las mejores adaptaciones que se han llevado a la gran pantalla de las obras de Agatha Christie y de Sir Arthur Conan Doyle, respectivamente.

Más méritos tiene todavía el caso que hoy nos ocupa puesto que la cinta de Wilder no tiene como base ninguna obra del canon holmesiano, aunque sí es cierto que toma elementos de varios de sus cuentos.

A pesar de la masacre sufrida la película es una fusión perfecta entre el cine de misterio y el melodrama y aunque como acabo de decir la bellísima historia de amor entre el detective (un espléndido Robert Stephens [1931-1995]) y la espía alemana (una celestial Geneviève Page [1927-2025]) es la razón de ser de la historia, no por ello la trama detectivesca es menos absorbente.

Las miradas de él hacia ella...



... y de ella hacia él...



Y aunque pudiera parecer que la película consta de dos segmentos inconexos lo cierto es que ya desde que se inicia la proyección el (magnífico) guion de Wilder/Diamond nos aporta pistas clave de lo que acontecerá más tarde como por ejemplo la animadversión (más tarde explicada en la escena del coche cama) del detective hacia el bello sexo, la desaparición de seis enanos acróbatas de un circo (futuros tripulantes de un sumergible digno de Jules Verne) o el peligroso aburrimiento que sufre Holmes (y que no hace sino acrecentar su dependencia de la cocaína para evadirse del tedio, el único enemigo al que nunca ha sido capaz de doblegar).

* Por cierto, aquí me he percatado de un pequeño gazapo puesto que la historia principia en el mes de agosto de 1887 y el (pre)ejemplar de “The Strand” que contiene el caso de “La liga de los pelirrojos” y que tan ufano le muestra Watson (un igualmente hiperlativo Colin Blakely [1930-1987]) a Holmes…



… no se publicó hasta agosto de 1891.

De hecho, la presentación del dúo Holmes/Watson no tuvo lugar hasta la publicación de la novela “Estudio en escarlata” en la revista “Beeton’s Christmas Annual” en noviembre de 1887… - *

Como decía, si ya de por sí el misterio de la desaparición del esposo de la subyugante Gabrielle no desmerece (más bien todo lo contrario) de cualquiera de los casos en los que se vio envuelta la creación de Sir Arthur Conan Doyle la nunca explicitada pero más que evidente atracción que sufre Holmes por Gabrielle (y a la inversa) alcanza en su tramo final (primero con el mensaje en morse que le manda ella al despedirse usando la sombrilla que él rescató del agua al ser hundida la embarcación en la que navegaban en pos del monstruo del lago Ness...





y luego especialmente con la lectura por parte de Watson de la carta en la que Mycroft (un perfecto Christopher Lee [1922-2015], seguramente el único actor que ha encarnado tanto a uno como a otro hermano) narra la muerte de la espía a manos de los japoneses [y cuyo texto he incluido al inicio de la reseña])...



... una emotividad solo a la altura de los más grandes.

Injusto sería no destacar sobremanera la hermosísima partitura del gran Miklós Rózsa (1907-1995) sin la que la película no tendría ese punto de exquisita melancolía que la hace tan especial y que no sé por qué siempre he asociado a la que compuso el no menos grande Bernard Herrmann para DE ENTRE LOS MUERTOS (1958), la magnum opus de Alfred Hitchock, otra historia de amor con un trágico final.

A pesar del descomunal fracaso económico (que no artístico a pesar de la drástica reducción del metraje) el paso de los años ha convertido a LA VIDA SECRETA DE SHERLOCK HOLMES en una de las obras más apreciadas de su director por los (auténticos) amantes del (buen) cine.

Nunca es tarde…



Buenas noches y, buena suerte.

Iniciado por Alcaudón

Injusto sería no destacar sobremanera la hermosísima partitura del gran Miklós Rózsa (1907-1995) sin la que la película no tendría ese punto de exquisita melancolía que la hace tan especial y que no sé por qué siempre he asociado a la que compuso el no menos grande Bernard Herrmann para DE ENTRE LOS MUERTOS (1958), la magnum opus de Alfred Hitchock, otra historia de amor con un trágico final.

Partitura que, como ya destaqué en mi comentario, parte en buena medida de un concierto de violín previo de Rózsa, opus 24, estrenado en 1953. Sin duda, una pieza de gran belleza.

Avanti!!!!!

Supongo que, compañero Mad, esperas un vinagre en dosis considerables, pero me ha pasado algo raro con el film durante su visionado, una duración muy de PADRINO, Terror, Hammer y comedia deben durar 90 minutos siempre!!!!!!

En su primera hora no acabo de entrar en el film, me mantengo disperso por repetición, como bien dice Mad, quizá agotamiento, para Mad es síndrome Kazan, para mi síndrome Lean, Kurosawa e incluso Buñuel. A pesar de que Lemmon está más tranquilito de lo normal, o quizá se hace mayor, la intro del film y su desarrollo inicial hasta su primera hora, no me enchufa nada, me aburro y no me pongo a mirar cuando falta, veo hora y media, y me hundo, pero es esa escena, la que comenta Mad tapando pezones, claro plano lejano, se ve alguito y se intuye más, rápido me viene a la cabeza la fase Antonioni, dicha fase es cuando de repente en su filmografía, entra la carne, pero no la nueva de Cronenberg, ver pechos, y además de la prota en el cine de Wilder me deja en shock y me conecta al film, creo que previamente hay un desnudo de la camarera negra, pero al ser muy sercundaria no sospeche que luego hay destape del bueno.

Y no se si fueron las hormonas o que, seguro que Alcaudón y Mad lo atribuyen a mi salidismo, pero empiezo a gozar del film, ADN exploit, a pesar de que el brochazo gordo es escandaloso, los italianos salidos, quizá soy italiano?, la fama de vagos, los chistes en el restaurante del menu del día con 30 pastas acabadas en i, etc etc etc. Lemmon no me molesta tanto, pero Juliet Mills y sobretodo Clive Revill lo mejor del film a nivel actoral. Escenas de la familia a lo Freaks, en el restaurante con lo de la manzana y algunas más, hace que el film a lo nuevo de carne de Wilder fuera mejor que lo que estaba imaginando en su primera hora.

Sospecho que el film es un detonante para más futuros nudies en el ciclo Wilder, oder?

Me temo que no es el inicio de una "fase húmeda" en Wilder, desde luego no en The Front Page, no me acuerdo si hay algo en Fedora (y menos aún en Buddy Buddy​). Tanto salidismo me hace pensar si te gustaría un ciclo Mariano Ozores.

Tu sabes, todo lo que propongas, me apunto

24. Primera plana (The Front Page, 1974)



Ya en la recta final de su carrera como cineasta (este es su antepenúltimo film), Wilder apostó sobre seguro: la adaptación de la obra teatral de Ben Hecht y Charles MacArthur estrenada en 1928, y que ya había conocida dos ilustres versiones para la pantalla: la de Lewis Milestone de 1931 (The Front Page), con Adolphe Menjou y Pat O’Brien en los papeles protagonistas, y la extraordinaria de Howard Hawks de 1940, His Girl Friday, con Cary Grant y Rosalind Russell, en un arriesgado cambio de sexo del periodista que se quiere casar (todavía habría una cuarta versión, trasladada al mundo de la televisión, mucho menos memorable: Switching Channels, de Ted Kotcheff).

Wilder siempre reconoció tener una deuda con Hawks por lo mucho que aprendió del arte de la dirección cinematográfica durante el rodaje de Ball of Fire, cuyo guion firmó junto a Charles Brackett. Siendo ya un director veterano, Wilder mima este guion junto a Diamond, pule los diálogos y ajusta el ritmo del gag, superando claramente lo conseguido en sus últimas comedias. Reconozco que The Front Page, probablemente la primera película de Wilder que vi en pantalla grande, siempre me ha gustado, también esta vez, lo cual ha resultado una bendición, porque el ciclo wilderiano empezaba a resultarme un tanto reiterativo.

La historia es bien conocida. Estamos en Chicago, en 1929, el mismo año de la matanza de San Valentín (que ya sacó la nariz en Some Like It Hot), como nos recuerda uno de los periodistas. Un pobre desgraciado, de tendencias anarcoides, Earl Williams (Austin Pendleton), ha sido condenado a muerte por haber matado un policía negro. Un grupo de periodistas, como si aves de rapiña se tratasen, esperan la ejecución en la sala de prensa de la prisión donde Williams será ajusticiado.



Pero uno de ellos, Hildy Johnson (Jack Lemmon), no aparece, ante la desesperación del director del periódico para el cual trabaja, el Chicago Examiner. Ese director, Walter Burns (un espléndido Walter Matthau en un papel que parece hecho a su medida, que le permite colocar esas frases cáusticas que sabía decir como ninguno) hará todo lo posible por obstaculizar el matrimonio de Hildy con Peggy (Susan Sarandon, en un papel un tanto anecdótico, el menos atractivo del film) y forzarlo a escribir el artículo sobre el ahorcamiento, mucho más todavía a partir del momento en que Williams escapa y son ellos dos los que lo esconden en un escritorio.



Burns y Johnson ven la oportunidad de publicar una noticia que les va a dar fama y dinero, además de permitirles criticar a los odiados alcalde (Harold Gould) y sheriff (Vincent Gardenia), que han querido utilizar el caso Williams en beneficio propio, puesto que hay unas elecciones en el horizonte.



Wilder disfruta revolviendo con notable cinismo el lodazal en que se convierte la prensa ante un caso sensacionalista como este. Experiodista él mismo, siempre mantuvo una visión muy crítica sobre ese mundillo, solo hace falta recordar otro de sus mejores títulos: Ace in the Hole, la diferencia es que aquí no hay ni uno solo de los periodistas que parezca concernido por la ética profesional, ni siquiera el mismo Hildy. La verdad es algo que se puede manipular a conveniencia sin ningún tipo de escrúpulo.

La película tiene varios momentos de tensión: la aparición de la supuesta amante de Williams, una prostituta de buen corazón, Mollie Malloy (excelente la vis cómica de Carol Burnett), que incluso llegará a tirarse por la ventana para evitar que Williams sea descubierto.



Otro es el clímax que se produce con Wiilliams escondido en el escritorio y el sheriff intentando tirar de la lengua a Burns sobre el paradero del fugado.

Al final todo saldrá bien: Williams es indultado; Mollie solo se ha roto una pierna (y se casará con el reo); los corruptos son desenmascarados; y Hildy podrá viajar a Filadelfia para casarse con Peggy y dedicarse a la publicidad… Pero ¿se podrá casar? Ahí Wilder vuelve a sus finales gloriosos: como regalo de bodas, Burns entrega a Hildy en la estación, al pie de tren que lo ha de llevar a una nueva vida, un reloj de su propiedad, con su nombre grabado. Hildy, emocionado, lo acepta… pero inmediatamente después de la partida del ferrocarril, Burns va a denunciarlo por habérselo robado. Unos rótulos sarcásticos nos informan de que el matrimonio nunca se realizó; que Hildy volvió a Chicago y acabó siendo editor del Examiner y que Burns, retirado, se dedicó ocasionalmente a dar clases de ética periodística en la Universidad de Chicago. Esta vez sí, Wilder supo rematar la película adecuadamente.

¿Todo es positivo en The Front Page? Aunque esta vez estoy dispuesto a disculpar algunos pequeños inconvenientes, haberlos haylos. Wilder carga las tintas en dos aspectos en los que siempre, a lo largo de toda su obra, tendió al brochazo: uno es el perfil del periodista supuestamente homosexual (¡que gasta papel higiénico de color rosa!), Bensinger (David Wayne),



y el otro, ¡cómo no!, es la pulla, una más, contra el psicoanálisis, esta vez encarnado por un doctor vienés, Eggelhofer (Martin Gabel), al que dedica algunos de los momentos más grotescos, incluido uno en el que, estando en una camilla, cae de una ambulancia en marcha (gag para el cual se inspiró, según confiesa, en un caso real que le sucedió a…. ¡Alma Reville, la esposa de Hitchcock!).



Afortunadamente, la película me ha dado fuerzas para afrontar los dos últimos films. El siguiente, Fedora, es una especie de versión 2.0 de Sunset Blvd., pero, tal como ya hacía unos años que cantaba Bod Dylan, los tiempos estaban cambiando.

Reconozco que nunca me gustó FEDORA, a pesar del predicamento que tiene entre la crítica. Y en cuanto a su último largometraje mejor correr un (es)túpido velo.

Maravillosa comedia primera plana. De mis comedias favoritas de Wilder, y mi versión favorita de la obra the front Page, junto a la noenis maravillosa y magistral luna nueva, nunca se decidirme cual de las dos me gusta más, quizás un pelín más la de Hawks.

Para no repetirme, aquí pego la crítica de la película que hice hace unos meses en unos grupos de cine de Facebook en los que participo:



Tercera adaptación de la obra teatral "the front Page", escrita por Ben Hetch y Charles MacArthur ,de un total de cuatro adaptaciones hasta la fecha( las otras tres fueron: "un gran reportaje" de 1931, dirigida por Lewis Milestone y protagonizada por Adolph Menjou y Pat O'Brien; la magistral "luna nueva" de 1940 , dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Cary Grant, Rosalind Russell y Ralph Bellamy; e "Interferencias", de 1988, dirigida por Ted Kotcheff y protagonizada por Katheleen Turner, Burt Reynolds y Christopher Reeve. ) y que es una divertidísima y acida satira del periodismo que el maestro Wilder realizaría en la recta final de su carrera y que volvería a reunir a la genial pareja Jack Lemmon y Walter Matthau, dos de sus actores fetiche, en la que , probablemente,sea la gran última gran obra del genio austriaco.

Nos narra la historia de Hildy Johnson, un avezado y exitoso periodista y columnista que pretende retirarse de su profesión para casarse con su joven prometida. Pero el redactor jefe de Johnson, El cínico y despiadado Walter Burns, tratará de evitar que su mejor periodista se retire por todos los medios y todas las estratagemas posibles. Cuando se presenta el caso de la extraña fuga de un condenado a muerte antes de su ejecución , y movido por la astucia de Burns, Hildy siente como le vuelve a picar el gusanillo del periodismo que lleva en la sangre, e ira a cubrir el caso , poco a poco y sin quererlo, porque podria significar la mayor exclusiva de su carrera, poniendo en peligro su futuro matrimonio.

En 1928, los prestigiosos escritores y guionistas Ben Hetch y Charles MacArthur escribieron y estrenaron la obra teatral "the front Page", una comedia negra satírica en donde se parodiaba el mundo del periodismo, y adaptadas en dos versiones cinematográficas en 1931 y 1940. En 1973, la Universal quiso volver a adaptar está obra teatral. Billy Wilder, quien estaba en la última etapa de su carrera y había abandonado su faceta como productor para centrarse en la de director y guionista, quedó encantado con el ofrecimiento y con la obra original, ya que de joven hacia sido reportero y periodista en Austria y estaba deseando escribir una historia sobre la profesión. Junto a su socio y amigo de toda la vida, I. A.L. Diamond, escribió el guión adaptando la obra de teatro(añadiendo dos personajes nuevos , el psiquiatra , que solo es mencionado de pasada en la obra original , y el joven periodista, cosecha propia de Wilder y Diamond).

Para esta nueva adaptación, Hildy Johnson volvería a ser hombre y Walter Burns continuaría siendo también hombre (cosa que ha variado en las distintas versiones, cambiando el genero de Hildy segun sea la versión), y no dudo en contar con sus amigos y actores fetiches Jack Lemmon y Walter Matthau como los dos protagonistas ( el mismo los habia reunido por primera vez en "en bandeja de plata", de 1966), a los que ambos personajes se les ajustaba como anillo al dedo a los personajes que solian encarnar en cine. Y los rodearía de un reparto solvente de secundarios contrastados como Carol Burnett, Vincent Gardenia, David Wayne, Charles Durning o una jovencita Susan Sarandon en uno de sus primeros papeles en el cine.

El rodaje tuvo lugar entre Los Angeles y San Francisco en 1973, y al contrario que en las 2 anteriores adaptaciones de la obra, transcurriría en los años 20s , no en la época contemporánea. Tanto Wilder como Diamond insistieron a los actores que los diálogos y lineas de guión tenían que ser declinadas tal y como estaban escritas en el guión y de una manera lo mas clara posible para que pudiera ser escuchadas por el público clara y diáfanamente, y de una forma rápida y veloz , al estilo de las screwball comedies de los 30s y 40s ( como en la anterior versión, "luna nueva") por lo que hubieron muchos ensayos para perfeccionar al máximo la dicción de los actores (en especial la característica forma de hablar de Lemmon y Matthau) y sin dejar lugar a la improvisación, algo que les costó a improvisadores natos como Lemmon, Matthau o Burnett.

La película se estreno en 1974 con gran éxito tanto de crítica como de público, siendo uno de los mayores éxitos de recaudación de la carrera de Billy Wilder.

Y es que este magistral film está considerado la gran última obra maestra de Billy Wilder, quien todavía haría algunas películas más antes de retirarse., como "Fedora" o "aqui un amigo"( también con Lemmon y Matthau). Y no es para menos. La película es excelsa en todos los apartados. La ambientación y el diseño artístico y de vestuario nos traslada al Chicago de los años 20 de una manera tan convincente como excelsa. La dirección de Wilder es de sobresaliente, como siempre, imprimiéndole un ritmo desenfrenado y admirable al film, tal y como una screwball comedy del Hollywood dorado. El guión de esa pareja infalible que eran Wilder y Diamond está lleno de frases, líneas , réplicas, recontra réplicas , y diálogos también surgidos de la mejor tradición screwball , tan ácidos y punzantes como divertidos, y todo ese grupo inconmensurable de actores estan de sobresaliente, declinandolos a una velocidad y claridad devastadoras.

Esa otra pareja genial formada por Jack Lemmon y Walter Matthau está también tan brillante como siempre. Con una química espléndida forjada en tantas películas (desde "en bandeja de plata" a "la extraña pareja"), son el perfecto contrapunto el uno del otro. En la mejor tradición de las parejas del cine cómico( Laurel y Hardy, Abott y Costello, Martin y Lewis, Hope y Crosby, etc) , la contraposición de personalidades y caracteres opuestos es lo que funciona de maravilla entre Lemmon y Matthau. Aquí vuelven a hacer gala de esa disparidad de caracteres enfrentados, siendo el Hildy Johnson de Lemmon un tipo sencillo, bonachón, curtido, experimentado, honesto y trabajador que lleva el periodismo en la sangre . Mientras que el Walter Burns de Matthau es uno de sus personajes cínicos, sarcásticos, tramposos, gruñones, veteranos, rastreros y despiadados que suele bordar, capaz de vender a su madre por una noticia o de matar por un buen titular. Y , por supuesto, ambos están desternillantes y descomunales, tanto en sus escenas juntos como por separado.

Y el Cast secundario está a la par que sus dos protagonistas. Una joven Susan Sarandon da vida a la bella y algo ingenua prometida de Hildy, empezando a demostrar lo gran actriz que era, y Carol Burnett , una de las reinas de la comedia televisiva americana, despliega toda su comicidad en un corto papel de prostituta de buen corazón , y los veteranos Vincent Gardenia y Charles Durning dan lustre al magnífico reparto von su habitual buen hacer.

Y es que Wilder elabora en este film una gran sátira y crítica ácida , corrosiva y venenosa de la sociedad americana en general y del periodismo en particular , y no deja títere sin cabeza de todos sus estamentos, empezando por los periodistas de dudosa moral que son capaces de todo por una noticia, titular o exclusiva , a los corruptos políticos y funcionarios capaces de todo por mantener su puesto y dar una buena imagen de cara al público. Todos los estamentos de la sociedad son expuestos, analizados y parodiados de una manera inteligente, ácida, satírica y desternillante por el maestro austriaco.

Todo un clásico de la comedia , una screwball comedy de otro tiempo y un film atemporal y genial que nuestra todo el talento y el genio tanto de Billy Wilder como de Lemmon y Matthau.

PRIMERA PLANA

Bueno, recta final del ciclo, y no me está pasando ese agotamiento tan fuerte por desgaste, como me dio el ciclo Kurosawa, Lean y Buñuel, por decir alguno, claro al parecerme un film notable, pues ayuda a combatir dicho desgaste.

Que me ha enganchado del film?, si bien es cierto, en su inicio veo un amago de payasadas que me da miedo que marquen un tono cómico al film, ésto desaparece rápidamente para moverse más en géneros que me agradan más, esa comedia dramática del film, o drama con toques de comedia (el gran carnaval), ahí me siento muy a gusto, además con el Lemmon más comedido del ciclo, un Walter Matthau excelso, en un film coral, porque no noto que sean sólo ellos. Y claro está, ese cinismo que adoro, aunque tenga sus brochazos gordos, hay momentos de comedia elegante (sofisticada) siempre con el arma del diálogo por encima del humor físico. El error que uno puede hacer, como casi he hecho, es no tomartela en serio, pensar que es una peli de costellada, y si bien es cierto no se parecen formalmente los films mencionados (Primera Plana y El gran carnaval) si que les une algunas cositas, sobretodo temática y como lo trata Wilder, o mejor dicho, como menosprecia al periodismo (con razón), la manipulación mediática, espectacularización de la tragedia, ética, ambición.

No será vinagre, será más neutro, pero estoy con Mad que el papel de Sarandon es mejorable, pero su presencia me agrada (no tanto como la presencia de Tura Satana en IRMA LA DULCE).

Y el vinagre lo dejo para la brocha gorda, la escena con el doctor montando el numerito no me gusta, aunque no se donde he leído que se basa en una experiencia propia de la esposa de Hitchcock, quizá lo he leido de Mad. .

En resumen, no es redonda, pero me gusta, no es innovadora incluso de temática con el mismo director, pero me sigue gustando. Y Jack Lemmon, no me molesta en absoluto, será la primera vez?

Lo de que se basaba en una experiencia de Alma Reville lo cuenta Wilder, creo que no en el libro de entrevistas con Cameron Crowe, sino en sus memorias. Al parecer, durante la Segunda Guerra Mundial, la comunidad hollywoodense participó en labores de defensa civil y en uno de los ejercicios pasó algo parecido, o sea que una camilla se cayó de una ambulancia, incidente en el que estuvo implicada la esposa de Hitch. La guinda hubiera sido que quien estuviera en la camilla fuera su orondo esposo, pero creo que no fue así.

25. Fedora (Fedora, 1978)



28 años después de Sunset Blvd., Wilder, esta vez con Diamond en lugar de Brackett, vuelve a fijar su atención en el mundo del cine, y, como en aquella ocasión, lo hace de manera un tanto espectral. Si entonces nos contaba la historia un muerto, un guionista de medio pelo flotando en la piscina de la mansión de una polvorienta estrella del Hollywood silente, aquí la película se inicia con el suicidio arrojándose a las vías del tren de una enigmática actriz, Fedora (Marthe Keller), remedando el final de “Anna Karenina”, para a continuación centrar la atención en la capilla ardiente organizada en honor de la estrella fallecida, a la cual asiste un productor independiente, Barry “Dutch” Detweiler, interpretado, precisamente, por el mismo actor, William Holden (por el que los años habían pasado de manera cruel).



Pero los tiempos habían cambiado mucho, de modo que esta versión 2.0 de la crítica a Hollywood sirve, no solo para que Wilder ponga en boca de sus personajes unas amargas pullas dirigidas a la nueva era (los jóvenes barbudos del New Hollywood o la crudeza del “cinema verité”, supongo que una referencia a la Nouvelle Vague), sino también para mostrar en carne propia cómo el paso de los años había afectado notablemente sus cualidades como director y guionista.

Wilder intenta construir la narración recurriendo a la habitual voz en off (del personaje de Holden) y al uso, abuso más bien, de la estructura en flashbacks, que en algunas ocasiones se encadenan uno dentro de otro. Si bien durante la primera mitad del film esa elección todavía consigue mantener cierta fluidez y crear una atmósfera misteriosa alrededor de la figura de Fedora, retirada del mundo en la isla de Corfú, en Grecia, en la mansión de una enigmática condesa Sobryanski (Hildegard Knef), permanentemente escoltada por el siniestro doctor Vando (José Ferrer) o la rígida Miss Balfour (Frances Sternhagen), o directamente vigilada por el chofer, Kritos (Gottfried John, un habitual del cine de R.W. Fassbinder),



a partir de la hora de metraje, cuando las máscaras caen y se nos cuenta la historia real de esa falsa Fedora, la película se ralentiza, se eternizan las explicaciones, y los flashbacks se acumulan uno encima del otro, como si de una muestra de impotencia narrativa se tratase. Además, nunca llegamos a entender el porqué la condesa se ve en la necesidad de explicarlo todo, de cabo a rabo, a ese impertinente productor que ha metido las narices donde no le llamaban, ¿por cierta nostalgia de un pasado, de un breve momento que compartieron? Muy poco convincente.



Antes, tampoco es que Wilder hubiera ido mucho más allá de lo tópico en la imagen que da de la griega Corfú, demasiado parecida a la Ischia de Avanti! (incluido un atento gerente de hotel, interpretado, ¡cómo no!, por un actor suizo de origen italiano, Mario Adorf),



o que se hubiera privado del clásico chascarrillo sobre la homosexualidad (la referencia al pendiente que luce el Dr. Vando), pero al menos uno podía sentir curiosidad por cómo se iría desarrollando esa trama que, en sus mejores momentos, en eso sí se parece a Sunset Blvd., se aproxima al género de terror, aunque aquí la extremadamente luminosa fotografía de Gerry Fisher no ayuda en nada.





No ayuda tampoco la banda sonora demasiado enfática de Miklós Rózsa, como si también al compositor el tiempo le hubiera pasado factura. Y sobre todo la película naufraga en su reparto. Marthe Keller no funciona en absoluto (incluso lingüísticamente: habla mejor en inglés cuando es una niña que de mayor),



y el resto no pasan de discretos, incluido Holden, en un papel que me ha hecho recordar (pero todavía mucho más envejecido, rozando lo patético) el de Humphrey Bogart en The Barefoot Contessa, película con la que Fedora guarda más de un punto de contacto.



El propio Wilder fue muy crítico con Keller, actriz que, inicialmente, tenía que combinar el papel de madre e hija. Según nuestro director no tenía ni encanto ni estilo. Además no fue posible maquillarla con una máscara de goma para aparecer como la condesa, por lo que se tuvo que recurrir a Hildegard Knef, pero sin que el resultado fuera satisfactorio. Wilder le confiesa a Crowe que después de una semana de rodaje estuvo a punto de suspenderlo, pero no lo hizo porque no se lo podía permitir financieramente. Wilder, como fue habitual durante muchos años de su carrera, era, además de director y guionista, el productor, en una coproducción franco-alemana, lo que supone otro signo de los tiempos: una producción fuera de Hollywood.

En fin, esto se acaba. La próxima semana cerramos la revisión con su lamentable canto de cisne: Buddy Buddy, un film indigno de Wilder como colofón a una carrera con momentos brillantísimos, aunque con muestras evidentes de agotamiento.

La vida privada de Sherlock Holmes (1970).

Reconozco que esta es una de las pocas películas de Wilder, que jamás había visto, y eso que soy fan del personaje.

Ciertamente a mi los 125 minutos me han parecido excesivos para la trama que cuenta, ya sé que falta otra hora más, pero entonces sería otra cosa, por eso la cortarían, se pasaría tres pueblos para un caso, que realmente no tiene nada de asombroso ni original.

No obstante, la forma en que está dirigida a mi me gusta, me parece una película clásica, en donde vemos a un Sherlock Holmes algo diferente a la media, no tan engolado ni tan antipático como en otras.

Watson, sigue siendo algo bobalicón, algo casi inevitable en muchas películas, pero a mi me ha parecido correcto.

La parte romántica, pues resulta algo light, porque con tanto paraguas ya se sabe que no era trigo limpio, pero se agradece que pongan un buen papel femenino, y no la típica mujer florero.

La parte final en Escocia le da un buen final, aunque se ve venir todo de lejos, pero está bien hecho, y además aparece Christopher Lee...

No es una película típica de Wilder, ni es de sus mejores títulos pero aprueba con creces en calidad fílmica, sobre todo si las comparamos con las atroces versiones de Guy Ritchie.

Fedora es una película que me gusta moderadamente , pero la veo muy alejada del nivel habitual del maestro. Su crítica corrosiva y actualizada del mundo de Hollywoode funciona a ratos y en otros bastante menos, convirtiéndose en una versión light y moderna tanto del crepúsculo de los dioses como de la condesa descalza. El guión irregular, los actores correctos son destacar ningúno especialmente, Holden está siempre bien y está sobrio y solvente pero menos que en otras de su madurez, como grupo salvaje o Network o incluso su complejo y odioso personaje de el coloso en llamas. Marthe Keller tiene una belleza muy particular pero a mí no me convence en su papel , y luego un reparto bastante bueno con grandes actores en papeles secundarios.

Para mí un suficiente, aunque la prefiero a su última película, desde luego.

FEDORA

Es una temática que adoro, cine dentro del cine, siempre que esté arropado por un buen elenco, buen guión, buena narrativa, eso que todo suma, para hacer un film lo más compacto posible, desgraciadamente tiene cositas que suman, pero hay tres elementos, que comenta Mad, que sepultan ese afán que tengo por éste subgénero:

1) Marthe Keller: un dolor de cabeza verla en VO, su voz parecía de un doblaje malo.
2) El abuso del flashback: como recurso puede funcionar, como norma del film, es agotador
3) la fotografia, sobretodo la iluminación. Jolines, que molesto, me estuve pensando de ponerme gafas de sol en el visionado.

Y lo que me gustó:
1) Me encanta en éste subgénero, cuando los personajes se interpretan a si mismo, con ese, cameo?, de Henry Fonda, un actor que me encanta, bueno todo el clan Fonda, la mejor nisaga familiar del cine?
2) El dueño del hotel, histriónico, sí, brocha gorda, también, pero me ha resultado gracioso, el toque de comedia del film.
3) Esa mixtura de drama con toques de comedia, y esos momentos de terror, ya sea el momento de la visita a las vías del tren, el momento OJOS SIN ROSTRO, y todos los momentos fantasmagóricos con ese blanco pálido que representa la muerte, me recordó a MUERTE EN VENECIA, esa palidez mortuoria de Dirk Bogarde en el film de Visconti, es terror puro.

En resumen un film falto de climax, todo tan masticadito, flashback que te sacan del film, pero SIEMPRE POSITIVO, me quedo con cosas interesantes que he comentado, aunque sospecho que son cosas surgidas de casualidad, no veo a Wilder pensar potenciar el elemento terrorífico del film, coqueteando con el terror en algunas. escenas.

Iniciado por Alex Fletcher

1) Me encanta en éste subgénero, cuando los personajes se interpretan a si mismo, con ese, cameo?, de Henry Fonda, un actor que me encanta, bueno todo el clan Fonda, la mejor nisaga familiar del cine?

No es exactamente un cameo, simplemente es "el presidente de la Academia" encargado de entregar el Oscar honorífico a Fedora, y así aparece acreditado. Su nombre no se menciona en ningún momento. En todo caso, Fonda no ocupó ese cargo. Si nos fijamos en la fecha de estreno del film, el presidente era Howard W. Koch. El anterior fue Walter Mirisch, que teniendo en cuenta el conflicto que tuvo Wilder con los Mirisch, quizá haya en esto alguna "broma" privada.

El que sí aparece interpretándose a sí mismo es Michael York, y acreditado como tal, o sea que tampoco es un cameo.

Cameo me refería a que tiene muy poco minutaje, no sé si llega al minuto, lo puse por breve irónicamente.

Miedo me da el último film de Wilder

26. Aquí, un amigo (Buddy Buddy, 1981)



Llegamos al final del ciclo y, lamentablemente, lo hago de la peor manera posible. Por un lado, solo he podido conseguir una horrorosa copia en DVD editada por Creative, sin mejora anamórfica, lo cual me ha obligado a ver una película destinada a ser exhibida en formato cinemascope en versión 4/3, o sea, convertida en un sello en medio de la pantalla del televisor. Por si eso fuera poco, la calidad de la imagen es pésima y no hay subtítulos de ningún tipo, por lo que he tenido que violar una de mis normas más sagradas, la de ver siempre las películas en versión original. Como por desgracia mi inglés no es suficientemente bueno como para seguir con tranquilidad los diálogos a pelo, no he tenido más remedio que recurrir al doblaje.

Por si esto fuera poco, el canto de cisne de Wilder es, sin duda, su peor film (en dura competición con The Emperor Waltz), una comedia vulgar, sin gracia, que para hacerlo más doloroso suponía la tercera colaboración de Jack Lemmon y Walter Matthau con nuestro director. Desaprovechar la pareja de actores en una película tan olvidable es algo imperdonable. De hecho, el mismo Wilder no se lo perdonaba, así se lamentaba: “Intento olvidarla… No sé, me equivoqué. Tengo la habilidad de olvidarme de lo que no quiero recordar”.



La elección del argumento ya resultaba sospechosa. A lo largo de esta revisión hemos visto como Wilder mantuvo una cierta tendencia a adaptar obras teatrales (o películas) originariamente europeas. En esta ocasión se parte de un film francés nada memorable, L’Emmerdeur, de Édouard Molinaro, cuyo mayor acierto es el título. Se trata de la adaptación a la pantalla de la obra teatral de Francis Veber “Le Contrat”, de 1969, con guion del propio autor, interpretada por Jacques Brel y Lino Ventura (supongo que es fácil imaginar quién hace el papel que luego replicó Lemmon y quién el de Matthau).



La publicidad, como vemos en el cartel que adjunto, potenció el retorno de la pareja de buddies como reclamo comercial, pero, además de envejecidos, parecían haber perdido el estado de gracia que todavía habían mostrado siete años antes en The Front Page. Con todo, creo que lo peor no son sus interpretaciones, sino el pobrísimo guion de Wilder y Diamond y la torpe dirección del primero. Wilder nunca fue un director visualmente potente, pero aquí cae en lo vulgar, de manera que la película no destaca entre el montón de films cómicos de la época. Incluso, para hacerlo más evidente, se recurre a Lalo Schifrin para la banda sonora, con una de esas partituras pseudojazzísticas tan de los setenta.

¿Se puede salvar algo? Poco, muy poco. El desparpajo de Matthau a la hora de cometer los dos primeros asesinatos (es un asesino profesional que ha de eliminar a tres testigos claves en un juicio por un fraude millonario), su breve caracterización como pastor y alguna frase por aquí y por allá.



En contra, se acumulan los defectos: los patéticos intentos de suicidio de Lemmon;



el gag de la mujer de la limpieza;



el horroroso segmento de la clínica del Dr. Zuckerbrot (un Klaus Kinski más marciano que nunca), en el que se desperdicia una buena actriz de comedia como es Paula Prentiss, en el papel de la esposa de Lemmon;



una colección de chistes digna de Mariano Ozores sobre cuestiones sexuales; y, quizá la secuencia que destacaré en el cuestionario final como la peor del ciclo, ese momento en que coinciden en la habitación del hotel los personajes de Lemmon, Matthau, Kinski y Prentiss: de vergüenza ajena…



aunque el epílogo en una supuesta isla del Pacífico será dura competidora al farolillo rojo.



En fin, ¿para qué seguir? Dudo que tenga la paciencia de volver a ver esta película otra vez, una mancha dentro de la filmografía de Wilder. Ahora es cuestión de esperar que Alex proponga su cuestionario, una vez haya visto la película, y hacer los comentarios finales, aunque como ya insinué en el primer post, tengo la intención de alargar todavía el ciclo con la revisión de seis films con guion de Wilder y Brackett, de cuando a Billy le surgían brillantes ideas para sus guiones, aunque el director no fuera él.

Esta última creo que no la he visto nunca, pero por lo que cuentas y por las imágenes mostradas, no creo que la vea en un futuro próximo, tiene mala pinta, la verdad...

Aquí un amigo me parece la comedia más floja de Wilder. Parece más una pelicula de encargo hecha para hacerles un favor a sus amigos Lemmon y Matthau. Yo es que le veo poca gracia a la película y hasta Lemmon y Matthau, que siempre están bien, se les nota que no están a gusto en la película y su química no es la misma que en otras. Muy pocas virtudes le veo a esta supuesta comedia negra.

Para mí, Muy prescindible.

Esta película la vi en el cine en su estreno, más por la publicidad del póster como bien menciona mad dog earle, no tuvo gracia y no le hace honor a esta pareja, más bien fue un pequeño tropiezo para Jack Lemmon que venía de títulos como The China Syndrome, después hizo Missing, demostrando una vez más lo buen actor que era.

Los molinos de la muerte (Die Todesmühlen, 1946)



A la espera de que Alex nos ofrezca el cuestionario final e iniciar, después, la revisión de una selección de films con guion de Wilder y Brackett como extra de este ciclo, incluyo aquí también un breve comentario de un documental que lo mejor que se puede decir de él es que ojalá nunca se hubiera tenido de rodar.

Die Todesmühlen (o Death Mills, como se titula la versión en inglés) es un documental, fechado en 1946, del War Department de los Estados Unidos, cuya dirección se suele atribuir, a veces, al checo Hans Burger, al menos para la versión alemana, y en otras ocasiones, erróneamente a mi entender, a Billy Wilder. Es un caso similar al de Memory of the Camps, en el que participó Alfred Hitchcock en la elaboración del guion y en la supervisión del montaje. La diferencia es que Hitchcock no fue a Alemania, mientras que Wilder fue destinado a Alemania al final de la guerra para colaborar en la Psychological Warfare Division.

Pero respecto a su acreditación como director, Wilder es claro en sus conversaciones con Cameron Crowe: “No lo hice yo. Solo lo monté. Se rodó en los campos de concentración, al día siguiente de que entraran las tropas. Todo. Yo sólo lo monté. No tomé ni un solo plano. Sólo el montaje”. Y añade: “No había nada que dirigir”. En todo caso, hay un texto que enuncia una voz en off y una selección de imágenes, entre horas y horas de material rodado, para un corto de poco más de 20 minutos, o sea, alguien, fuera Wilder u otro, decidió qué se incluía y qué no, con qué comentario se acompañaban las imágenes y cuál era la duración del film. La paternidad de los documentales, en especial los de este tipo, hechos con una función muy determinada de propaganda, denuncia o adoctrinamiento, siempre es cuestionable. No es Nuit et brouillard de Alain Resnais.

Sea como sea, Die Todesmühlen es impresionante (en YouTube hay una copia con narración en inglés). En principio, y de ahí que tenga sentido citarlo por el título alemán, era un cortometraje destinado al público alemán, una especie de recordatorio punitivo de las atrocidades cometidas por el régimen hitleriano en los campos de concentración. Wilder cuenta que se pretendía obligar a los alemanes a verlo, para lo que se incluía en sesiones comerciales, pero el público, cuando acababa la película principal, se iba. Entonces establecieron una medida más coercitiva: la obligación de sellar allí sus cartillas de racionamiento, cosa que solo se podía hacer después de haber visto el documental. No sé si es algo que se hizo de forma general y en todo caso durante cuánto tiempo.

El visionado, desde luego, no es algo agradable, más bien estoy seguro de que remueve el estómago incluso a los más insensibles. Se trata de una sinfonía de imágenes a cual más horrenda: cadáveres y más cadáveres, cuerpos esqueléticos, debilitados, a consecuencia del hambre, las enfermedades, el trabajo forzoso, las torturas. Hombres, mujeres, niños. Y, en contraste, la aparentemente bien alimentada población alemana, a la que se obligaba a desfilar ante las víctimas de los campos, para que vivieran de primera mano el horror.

Quizá hoy en día, después de haber visto imágenes de este tipo centenares de veces, en documentales diversos o incluso en obras de ficción, estemos un tanto saturados, pero nunca está de más volver a las imágenes originales. Quizá, pensando en Wilder, sorprende (o, al contrario, puede que lo justifique) que su siguiente obra fuera The Emperor Waltz, un film tan alejado de su estilo habitual y de los horrores de la guerra (aunque hay alguna referencia probablemente intencionada a la experimentación con… perros). De ahí que reconozca a Crowe que “estaba deseoso de hacer algo más frívolo”, aunque esa frivolidad, un tanto cruel, la mostró de manera más corrosiva un poco después en A Foreign Affair. Quizá el recuerdo de los horrores mostrados en Die Todesmühlen permite entender mejor el sarcasmo, un tanto cínico, de pasear la cámara por un Berlín en ruinas al son del “Isn’t It Romantic?”.