Tema: Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019)

Gracias a ambos. Muchas ganas de verla.

Es muy cierto eso que comentas de la aceptación.

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Pedro ha ido aceptando, con el tiempo, muchas cosas que le preocupaban o que no le dejaban vivir con una cierta "felicidad". Eso que comentas de parejas, de adicciones, de su propia obra, del dolor corporal y de su madre

POr eso, yo creo que es la película que más se acerca, no solo a Pedro, sino al Pedro actual. Es como un recorrido por diversos pasajes muy marcados, pero solo como recordatorio de lo que es el director actualmente. Y eso lo hace más veraz, en mi opinión. En el sentido de que no son momentos rebuscados ni pomposos, sino pasajes muy personales

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la charla de una madre con un hijo, el reencuentro con alguien del pasado con el que no acabaste muy bien, o el otro con alguien que significó mucho en tu vida, o la simple descripción del dolor y la forma de tratar lo más corpóreo.

ADemás y como bien has dicho, la narración fluye magníficamente. Aunque juega con los flashbacks, ya no aparece tan complejo el juego de muñecas rusas que aparecían en otras como la que mencioné, La mala educación. Aquí solo se acude al pasado para darle más fuerza al presente, pero sin buscar el impacto, como digo.

Coincido, tomaszapa, aquí todo fluye y es sencillo y no hace falta elevar el tono por nada. Desde ayer estoy pensado que esa es la verdadera grandeza y fuerza del film el mostrar lo que muestra de la forma más natural y a la vez diría uqe más rica, más compleja, como se dice casi al final, no sabemos si es comedia o tragedia, al final es la vida misma, una vida en particular.

Como dices, la aceptación es la clave desde

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lo agridulce de volver a ver a un antiguo amor hasta la necesidad de tener que poner un cojín en el suelo para poder arrodillarse

Y desde que lo leí ayer, creo que por aquí arriba -ahora no encuentro el comentario-, cada vez me parece más lógico establecer relaciones entre este film y esa maravilla que llevó a cabo Pilar Miró en Gary Cooper que estás en los cielos.

Saludos

Iniciado por Branagh/Doyle

Gracias a ambos. Muchas ganas de verla.

Ya nos contarás que te parece.

Saludos

Que el propio director explique su película, no tiene precio. GRacias Almodóvar!

https://elpais.com/elpais/2019/03/23...31_684765.html

Iniciado por Branagh/Doyle

Gracias a ambos. Muchas ganas de verla.

Eso. A ver que te parece, Branagh.

Es verdad. Aunque formalmente podríamos llamarlo drama, no es el drama que nos ha hecho Pedro en las últimas décadas. Me explico

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por un lado, en los pasajes de recuerdo, los flashbacks, en la gran mayoría, solo hay una mirada infantil al mundo, pero sin rencor, como pasaba en La mala educación con los curas. Y en los recuerdos más adultos, no son escenas de reproche, y en todo caso, son como recuerdos tamizados por el paso del tiempo

El posible drama que vemos en pantalla es el más actual, el que nunca había mostrado Pedro. El de la soledad, el de los dolores que le atormentan, el de la obra que nunca empieza tras tantos trabajos dormidos en el ordenador, ...Pero como bien dices, y lo que volvíamos atrás, es la aceptación de todo ello.
Pedro ya no ajusta cuentas con nadie, y en cualquier caso, si lo hace (que no lo tengo claro) es con él mismo,y de manera indulgente. De hecho es cierto. Ayer, me tragué su paso por un programa de la Cadena Ser, y él comentaba de la aceptación y también hablaba, como hemos comentado nosotros, sin haber escuchado a Pedro, de la naturalidad, de no buscar artificiosidad, de la sencillez y por eso de tanta verdad.

Yo me quedo con eso, la gran sencillez que ha conseguido Almodóvar en este film (algo ya intuido en su anterior Julieta). En lo formal ya vemos como construye la historia, desde una gran fluidez, con un trabajo invisible de dirección:

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planos fijos, casi no hay movimiento de cámara, planos/contraplanos para los diálogos, que muchas veces son monólogos

y en lo estético, un cada vez mayor nivel de abstracción,

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con esos fondos de colores puros sonde se recortan los personajes o esa oscuridad de la casa de Mallo

Y sobre todo para mí sencillez en lo argumental, en no llevar a cabo ya una historia digamos, típica de Almodóvar. Ya estamos más allá y esas historias son el pasado, las heridas físicas o sentimentales ya se produjeron y ahora se aceptan y todo parece más sencillo y asumible. Me intento explicar:

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ya no hay amores locos, ni laberintos de pasiones ni leyes del deseo, ni -menos mal- amantes pasajeros (incluso el personaje actor le reprocha al director que se olvida fácilmente de esa época), el caballo sí está ahí, pero casi como algo también del pasado (y que vemos que sirve para conciliar al actor con el director, no para enfrentarlos de forma dramática) y que a la postre vemos que a Mallo le sirve como espoleta (y que elimina en cuanto vuelve la droga de si vida, la pasión creadora/cinéfila), el cáncer parece que va a ser también un motor dramático, pero vemos que al final no lo es, al final las heridas físicas son las de una cada vez más cercana vejez (tremendos -pero pienso que muy veraces- esos momentos en que con detalle vemos lo crudo que puede ser tener que arrodillarse)

Saludos

Por aquí se comentan algunas de las referencias literarias y pictóricas que tiene el film.

https://www.ecartelera.com/noticias/...-que-no-52981/

Saludos

Sí, es cierto. La sencillez ha llegado también a los elementos del set. Pedro contaba en la entrevista en la Cadena Ser que cuando vio su piso desprovisto ya de todo barroquismo, muy sencillo en sus elementos, pensó que le gustaría vivir así, sin tantos adornos y florituras, como le ha perseguido a él y a su cine desde siempre.
Y si

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el momento del cojín que has remarcado es un síntoma de que la sencillez llega también a su vida, e incluso aporta ese elemento de ternura por la cual veo más sencilla esta historia. Una ternura que impregna todo el metraje

Banderas gasta unos pies de señor de 80 años, estropeadísmos.
Vista la foto del estreno, y el único que supera el 170 es el vasco Asier.
No sabía que Banderas fuese taaaan bajo. Ni Sbaraglia. Le gusta la gente baja, Angela Molina es minúscula. Gael debe de ser casi enano.

Su marido mide más de 180 y es grande. Le volvi a ver, malasaña, con un amigo oso, 10.30 de la mañana.

aca salen algunos de sus libros en la oficina.

en los titulos de crédito de DyG agradecen a los Cesar, Bafta y otro que no es Oscar, por usar la imagen de sus premios pero yo no los vi en la pelicula.

¿Y los alebrijes qué? Otra película con mexicanismos. En casi todas sus películas se rinde homenaje menciones a Mexico constantes.
¿Tanto le gusta MX?

banderas, crece.

La tostadora que tanto me gustó es claro, de Dolce y Gabbana tostador de Smeg (edición limitada Dolce&Gabanna).




fuente y más libros:

https://m.revistaad.es/decoracion/ar...lmodovar/22449

aah que mide 196, que Almodóvar si vive de verdad en primera línea de playa, pero el alto Fernando en Malasaña...
https://www.libertaddigital.com/chic...ar-1276506646/

https://www.libertaddigital.com/chic...ar-1276506646/

en la secuencia de la filmoteca sale Topacio Fresh.

por si alguien conoce a un albañil y quieres una escapada romantica
air b and b en la cueva 30 euros

https://www.airbnb.es/rooms/14552908?guests=1&adults=1

me da que el mes que viene subirá a 200 noche

y todo por una pelicula menor.

Vista. Posiblemente, la mejor película, la más redonda y perfecta, de Pedro Almodovar, lo cual es decir mucho. Inconmensurable obra de madurez. Y la música de Iglesias, tan importante narrativamente cómo en La Piel Que Habito, Hable Con Ella, Julieta, Carne Tremula o Los Abrazos Rotos, por nombrar unas pocas de sus mejores colaboraciones. Obra mayor del compositor. Dejo la reseña de MundoBSO.

Hay bastante más dolor que gloria en esta nueva colaboración de Iglesias con Almodóvar, pues es una música que se dispone más para restar que para sumar, y contiene más negaciones que afirmaciones (y reafirmaciones) Siendo una película de claro tono autobiográfico, es claro también que la música del compositor forma parte de la voz en off tanto del personaje protagonista como del propio director, y de hecho parece que en la mayor parte de los momentos Almodóvar se expresa desde ella precisamente para volverla en su contra.

No es música tanto para lo narrado sino para el narrador y es insegura, inestable, cambiante, a ratos también contradictoria (o cínica, según el caso) En el filme arranca como tema inicial de modo decidido, categórico e incluso arrogante, como queriendo imponer un aire de trascendencia que se extiende también a la explicación animada de las enfermedades. De algún modo la música viene a remarcar la relevancia del personaje pero eso dura poco: enseguida se deshilvana y se convierte en un quiero y no puedo (deliberado) donde es incapaz (deliberadamente) de concretizar aquello que está intentando explicar.

La película son retazos de historias que la música, aunque transita entre ellos, no cose ni logra unir. Tampoco llega a elevarse ni a tomar forma dramática ni emocional, aunque hayan partes donde incluso funciona a modo de grito de auxilio, no melodramático. Es música para el dolor y para el vacío, más de caos que de orden, más de culpa que de expiación. Una banda sonora existencialista.

Disfruté muchísimo durante toda la proyección, pero a pesar de ello, la impresión final fue que “Dolor y gloria” no puede situarse en el Olimpo del universo Almodóvar, junto con “Volver”, “Todo sobre mi madre” y alguna otra privilegiada.

Mi nota: 8, y todo lo demás en spoiler, no vaya a ser que destripe algo que no deba:

Spoiler:

La película es una radiografía del propio director, por mucho que él se empeñe en negarlo. Dicha negación ya la utilizó en “La mala educación”, y si bien en aquella podía creerse que los tintes de suspense estaban alejados de la realidad, en este caso es evidente que la fuente original es la vida y milagros del propio director. Banderas viste y calza a imagen del propio director (pelo asalvajado incluido), hasta se adueña de parte de sus dejes y maneras; al set de su casa se llevaron muebles y cuadros del propio director, incluso se ven fotos reales de sus padres. Las dolencias del director, así como algunas anécdotas que suceden en la película, ya las ha contado en varias entrevistas previas: cómo su madre y él escribían cartas a los catetos del pueblo, cartas que adornaban y mejoraban con inventadas cosechas propias (recursos muy utilizados cinematográficamente, sin ir más lejos en la reciente “Green Book”); o cómo la madre de Pedro le insistía en vida con cómo quería que la amortajaran cuando llegase su hora final.

Es tal la sensación de biografía que transmite, que me hace pensar en quién puede estar basado el personaje de Asier Etxeandía. Mi intuición me hace pensar en Eusebio Poncela. Menos aventurero parece asociar a Nora Novas el papel de Lola García (más que nada, porque lo ha reconocido el propio Almodóvar). Pero son sólo conjeturas a modo de juego.

El tema de las drogas me parece demasiado remarcado. Puede valer su inclusión como subrayado de ese dolor incontenible que las drogas legales (bien machacaditas y mezcladas con yogur líquido) no pueden aplacar, pero creo que se incide demasiado en este tema y no aporta nada especialmente relevante a la trama. Además, para lo adelantado a su tiempo que suele ser Almodóvar, me parece que el tema racial peca de estereotipado con su asistenta del hogar latinoamericana, y los vendedores de droga de raza negra, el barrio al que acude el director para conseguir estupefacientes parece más propio del Bronx, con un episodio ultraviolento que ocurre casualmente durante su visita. Como visita al “top manta” de las drogas me parece mucho más conseguida aquella que realiza Candela Peña en “Todo sobre mi madre”, o la de “Átame” con una rabiosa Rossy de Palma como camella odiosa y adorable a partes iguales (por cierto, en la estantería que hay detrás de la mesa de despacho del director en la que Asier Etxeandía lee el relato de “La adicción”, hay una taza que juraría que lleva inscrito los rasgos faciales de la actriz picassiana).

El carácter reivindicativo de Almodóvar no podía quedar fuera de la película, como ilustra un “YO SÍ TE CREO” tatuado en uno de los muros, en clara alusión a la víctima de la manada, o la no velada acusación de egoísmo hacia los seminaristas católicos, capaces de analfabetizar a un crío con tal de obtener banales beneficios propios (de cosas peores ya fueron acusados en “La mala educación”).

En alguien con la presunta fama de egocéntrico y arrogante de Almodóvar, cabría esperarse un autorretrato más favorecedor y descompensado hacia las luces. En cambio, “Dolor y gloria” se inclina por mostrarnos a un ser humano débil y equivocado, herido en lo físico y en lo moral, y con glorias a las que reserva poca importancia, o en todo caso, recluidas en tiempos pasados. Hubiera sido un detalle curioso, a la par que valiente, haber introducido un pequeño apunte (bien de carácter autocrítico, bien justificativo) referente a los papeles de Panamá, que tanto revuelo causó coincidiendo con su anterior estreno.

La Filmoteca Española juega un papel importante en la película. Es evidente que están viviendo un romance mutuo en los últimos tiempos: hace poco se proyectó una retrospectiva con los 20 títulos dirigidos por el manchego; entre otras actividades, recientemente también se realizó la presentación de un libro que ilustraba la relación de Madrid con la filmografía Almodóvar. En la Filmoteca se proyecta una copia restaurada de “Sabor”, y como no podía ser de otra forma, es en la Filmoteca donde se realizó uno de los (al menos, 3) preestrenos de “Dolor y gloria”.

Las actuaciones, sobresalientes. Banderas se reinventa. Penélope recicla a la ya inmortal Raimunda, desnudándola de glamour pero quedándose con todo lo demás, exudando fotogenia incluso entre una ristra de chorizos. Julieta nos enamora con esa viejecita con los remos averiados pero la cabeza lucidísima. Todos de correctos para arriba. Pero son actores de los que no te esperas menos porque ya han demostrado todo lo demostrable en el pasado. En cambio, el que de veras me ha sorprendido, ha sido Leonardo Sbaraglia, actor al que había visto en pocas películas, y que pensaba tenía un registro más limitado, y que aquí se muestra como el súmmum de dulzura y humanidad. En la otra cara de la moneda, a Asier Etxeandía no llego a verle despegar, y aunque he leído en reiteradas opiniones que su monólogo es de lo mejor de la película, lo cierto es que me desvirtúa un poco la excelencia actoral del film, además de verle demasiado joven para el papel.

Los actores noveles resultan sorprendentes. El niño emana una frescura que ya quisieran los críos de “La mala educación” (además de hacer mucho mejor el playback en los cánticos del coro), y el albañil cateto se desenvuelve con gracejo y tiene un atractivo inconsciente que provoca admiración y desmayos en toda la platea.

Como siempre, aderezado con los cameos de rigor: el hermano de Almodóvar llevando a los niños al matadero; el maromo de Almodóvar, con unas manos que deben de medir medio metro cada una, como virtuoso del piano; y la gran Chavela, cuya muerte no es óbice para que su presencia engrandezca la película.

Las referencias a las últimas filias culturales del director, por fin están tratadas con la discreción adecuada. En películas anteriores, el director fijaba tanto el foco en ellas, que parecían sketches de publicidad encubierta. En esta ocasión, la sutilidad favorece el transcurrir de la historia, sin impedir que el espectador curioso busque las oportunas referencias de libros, cuadros,...

Si tuviera que quedarme con algo de la película, sin duda sería con esa cueva, que simboliza la infrapobreza más rotunda; una cueva robada a las entrañas de la tierra, pero conectada directamente con el cielo, nutriéndose directamente de luz y agua como si de un ser vivo se tratara; una cueva a la que se dignan a acudir los altos estamentos del bien y del mal (la beatona interpretada por Susi Sánchez, y la fruta prohibida materializada en la entrepierna de un albañil desinhibido, respectivamente); una cueva aparentemente inhóspita, que con solo unas capas de cal y unos azulejos de colores consigue no desentonar en el universo estético almodovariano y albergar las más alegres vivencias.

Sorprende el contraste de riesgo de Juan Gatti, que cual animador primerizo, conservador y asustadizo, elaboró una carátula de la película a modo de collage, visto mil veces con anterioridad, mientras que ya dentro de la película salta al vacío con las muy arriesgadas animaciones de la película que rompen con la tónica general de la película. En este caso, se cumple el dicho aquél de que quien no arriesga no gana, ya que mientras el diseño del póster quedará relegado al olvido (al contrario que los icónicos carteles de “Todo sobre mi madre”, “Tacones lejanos”, “La ley del deseo”, “Hable con ella”, “Mujeres…” y tantos y tantos otros, que con solo cerrar los ojos cualquier cinéfilo de pro podrá recrearlos en su mente), en cambio, los títulos de crédito del inicio y las animaciones serán recordados como insertos destacables (aunque a años luz de las cotas de genialidad de “El amante menguante”).

En definitiva, una de las películas buenas de Almodóvar, pero no de las mejores. Aunque las impresiones anteriores son a partir del primer visionado. Y en posteriores, suelen ganar enteros.

PD: esta película tenía todas las papeletas para callar las bocas de los apolillados detractores del cine de Almodóvar, aquellos que no se basan en factores cinematográficos ni sobre gustos personales para argumentar su rechazo, sino que solo esgrimen como criterio penalizador que en todas sus películas salen travestis y transexuales. Pero ahí está la (fugaz) aparición de Topacio Fresh, como una de las espectadoras de la Filmoteca. Hubiera sido genial, teniendo en cuenta el carácter crepuscular de la película, que todo el público de la Filmoteca hubiera estado compuesto por antiguos integrantes del universo Almodóvar. Me imagino a Loles, a Alaska, a Bibi, a Victoria y a Carmen, por ejemplo, formando jaleo en las butacas de la primera fila. En las últimas filas, habría sitio incluso para Alex Casanovas, Miriam Díaz Aroca o Toni Cantó. Todo el aforo rebosante de caras conocidas. Y arriba, en el palco de honor, Chus Lampreave, José Salcedo, Ceesepe y Paquita Caballero…

Hacía años que no conectaba de esta forma con una película de Almodóvar, puede que desde Volver. La piel que habito y Julieta me parecen fascinantes a la par que torpes en mucho de sus recursos ( las escenas de Marisa Paredes son algo más que fallidas en la primera y la "sobreexplicación" del personaje de Antía es un lastre en la segunda) y Los amantes pasajeros y Los abrazos rotos lo peor de toda su filmografía, películas más preocupadas por la estilización que por el contenido. Dolor y Gloria es otra cosa. Hace año años que vengo pensando que Pedro jamás podría volver a parir una obra genial, pues sus mejores momentos relucen cuando simple y llanamente habla de sí mismo y su desconexión con la realidad lleva siendo feroz desde hace años. ¿Qué se dedica a narrar por tanto alguien que no tiene ya nada que contar? Adaptaciones literarias: La piel que habito y Julieta. Folletines rosas: Los abrazos rotos. O intentos fallidos de homenajearse a sí mismo: Los amantes pasajeros. Volver es una joya, porque el narra sus vivencias. Lo mejor de La ley del deseo lo encontramos cuando se aleja de la parte torpe e irreal de la investigación policial y se enfrenta al retrato de dos hermanos y un amante. La flor de mi secreto se recuerda por la verdad que contienen los fotogramas en los que homenajea a su madre y su hermana y sus vecinas del pueblo... y así podría seguir horas. Parece que, por fin, el propio cineasta se ha dado cuenta y en Dolor y Gloria hace lo que mejor sabe: hablar de si mismo. Y a esa honestidad le añade toda la pericia cinematográfica que ha adquirido con el paso de los años. El resultado es prodigioso.

Spoiler:

Dolor y Gloria está cargado de guiños y homenajes. Cuando se recurre l manido "es el 8 1/2 de su carrera"no es casualidad, el propio Salvador Mallo tiene un cartel de la película de Fellini en su apartamento, realzando de este modo el juego de espejos.
Pedro había intentado anteriormente casar realidad y ficción y cine dentro del cine, desde los tiempos de Laberinto de Pasiones. Aquí, lo que intentó de forma brusca en La mala educación lo consigue con una elegancia que jamás hubiera esperado que alcanzara en su carrera. Cuando he oído a gente hablar de " a mi me sobra tal parte de la película" no dejo de pensar que no, que no sobra nada. No sobra nada en una narración que es un testamento vital formado por trozos de su propia vida. No sobra nada en un cuento de ajustes con el pasado en el que finalmente Pedro decide salvarse a sí mismo de la única forma de la que le es posible: a través del cine. Por ello, la película funciona como una decálogo perfecto de Almodóvar. En realidad, podría haberse llamado Todo sobre Almodóvar y no pasaría nada. El personaje de Etxeandia no es solo una recreación de Eusebio Poncela, es que es descrito con las mismas palabras con las que el director comentaba el trabajo del intérprete en La ley del deseo en una entrevista en el 87 "Yo quería un personaje mucho más vital. Si este personaje tomara alguna droga sería la coca, el problema es que Eusebio tomaba otras". Es curioso que fue en 2017 cuando Pedro presentó La ley del deseo en la Filmoteca Nacional, en un nuevo juego de espejos con el redescubrimiento por parte del personaje de Salvador Mallo de Sabor. Del mismo modo reproduce en el memorable personaje de Julieta Serrano declaraciones de su madre como aquellas en las que se quejaba de la inclusión de frases de las amigas de su pueblo en sus películas.
Dolor y Gloria está más entroncada con Hable con ella, aquí el juego narrativo le sale mejor (para mi aquella tenía un 50% obra maestra en la historia de Leonor y Javier Cámara y la otra mitad fallida con la historia de la torera, que con cualquiera de sus obras anteriores en cuánto a narrativa. pero no deja de ser un homenaje a su propio cine y a él mismo. Como una reunión de fantasmas con su propias creaciones en un exorcismo bárbaro y valiente; cargado de escenas memorables: la magistral parte de la niñez, el contenídismo reencuentro con Sbaraglia, la devastadora escena con su madre y, sobre todo, un final que es uno de los más hermosos y libérrimos cantos al cine jamás hechos en una pantalla. No sé si será la mejor película de Almodóvar, es pronto aún. Pero de lo que estoy seguro es que esta si se queda conmigo para siempre. Como ya lo hicieron anteriormente Qué he hecho yo para merecer esto, Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre o Volver. Gracias Pedro.

Vista.
Creo que el trailer está muy logrado, pudiendo dar una impresión errónea de que la película es mucho mas densa o visual de lo que realmente es. A mi me ha gustado mucho, pero creo que falla un poco en que está demasiado centrada en la justificación de su solitaria cotidianidad. No dejando espacio a la exploración de otros personajes u otros recuerdos. Antonio Banderas clava su papel. Y menos mal que es así, porque los demás personajes son demasiado cartón a mi gusto. Me gusta como dentro de su guisa sale de sus temas habituales para darles una nueva perspectiva. No está mal, y aunque aun tengo que ver sus comienzos filmográficos sigo prefiriendo su Átame, Carne trémula y La mala educación por encima de ésta última.

La he visto esta tarde, y me uno a la ola de satisfacción por esta película. Una de las más emocionantes del cineasta manchego. Sencilla en sus formas, pero profunda en sus emociones. Me ha llegado en muchos momentos y eso, para un cinefilo curtido como yo, cada vez es más difícil de lograr.

Banderas inconmensurable, y todos los actores en general rayan a un gran nivel.

Muy recomendable

Un saludo.

Yo la volví a ver ayer y de nuevo me pareció una obra maestra de una sencillez y emotividad inmensas. Además, uno pilla más detallitos, como que en las estanterías se vea el volumen recopilatorio de Tom Ripley, de la Highsmith, en la colección Otra vuelta de tuerca de Anagrama.

Eso sí, si tuviera que sacar una pega, sería esta minucia: no me creo ese

Spoiler:

cartel de Sabor, tan moderno, para un film de 1987 (vale que Zulueta o Ceesepe ya no pueden, lamentablemente, diseñarlo). En cambio el de la obra teatral La adicción, si me parece totalmente ochentero.

Saludos

La manera mas rápida de describir esta película sería decir que es la cúspide de Pedro Almodóvar, una película que prácticamente alcanza la perfección y difícilmente superable, una película hermosa y conmovedora, con una narración perfecta y una increíble delicadeza al contarla. Una película sobre el recuerdo, sobre la sabiduría adquirida a lo largo de los años, sobre el legado, sobre la superación, en definitiva, sobre la vida misma, y todo contado con una pureza y esencialidad que pocos directores alcanzan. Además Antonio Banderas y Penelope Cruz están magistrales en sus respectivos papeles.

En definitiva, una película que emociona, conmueve y traspasa la pantalla. Mi nota de un 9.5 sobre 10. Roza la perfección.

Dolor y gloria compite en la sección oficial de Cannes. Para celebrarlo, el cartel francés de la película de Almodóvar