Tema: El callejón de las películas perdidas

Tal como le gusta decir a hannaben, con su estilo inconfundible: "fichando".

Felicito a Alcaudón por este nuevo hilo, que sé que responde a una inquietud suya (y de otros) que le venía desasosegando desde hace tiempo. Y si algo necesita nuestro querido bilbaíno es sosiego y tranquilidad para poder dar rienda suelta a su afición primordial: el cine, algo de lo que nos beneficiaremos todos.

Tampoco quiero dejar pasar este momento sin destacar que si alguien de este foro se ha hecho merecedor de un monumento por sus aportaciones homéricas al hilo "Las últimas pelis que has visto en casa" es él. Y desde hace ya un montón de años. Aún recuerdo aquellos primeros posts en los que Alcaudón confesaba no saber insertar imágenes... ¡Quién lo diría! Ahora nos apabulla con sus colecciones de capturas, siempre hechas con criterio, que ilustran a la perfección sus documentadísimos comentarios. Es un lujo poder contar con alguien como él en mundodvd.

Aunque hoy por hoy me atrae más la revisión monográfica de la filmografía de un director (ayer, David Lean; mañana, Akira Kurosawa), y que mi ritmo de comentarios en ese "cajón de sastre" que Alcaudón ha bautizado como OR ha descendido notablemente, no quita que lo siga haciendo en el futuro. Así, mi intención será distinguir entre el comentario ocasional de películas mainstream o recientes, que continuaré publicando en OR, a los dedicados a películas poco conocidas u olvidadas entre la cinefilia, acogiéndome a la primera parte de la denominación de este nuevo hilo: ese "callejón de las películas perdidas", que nos resuena a un célebre (y magnífico) film de Edmund Goulding, revisado hace poco por Guillermo del Toro, ambos films basados en la estupenda novela de William Lindsay Gresham "Nightmare Alley". En todo caso, jugando con el título original, espero y deseo que el tránsito por ese callejón no sea una "nightmare".

Para empezar, espero comentar en los próximos días un programa doble de dos films sin ninguna relación entre sí, uno de ellos de un "bavoso" director italiano que me consta que tiene algunos fans entre los "sospechosos habituales", y el otro de un director británico completamente olvidado, con protagonismo para uno de los actores más asiduos a la filmografía de David Lean.

El compañero tomaszapa ha dejado de intervenir según veo.
Aunque se conecta.
Seguro que el hilo le interesaría.

Tod@s hemos pasado o estamos pasando por circunstancias personales que escapan a nuestro control.

En este hilo todo el mundo será bienvenido.

Y, por supuesto, siempre manteniendo el buen humor y el respeto mínimo que todo el mundo se merece.

Creo que si en algo coincidimos tod@s, es en que Alcaudón es una auténtica enciclopedia de cine viviente y sus aportaciones son de lo mejorcito del foro.

Este hilo me parece una muy buena iniciativa como oasis para comentar aquellas películas que quizás pasan más desapercibidas debido a los tiempos vertiginosos que corren, donde el consumo rápido y fácil está a la orden del día.

Por mi parte, intentaré aportar mi humilde granito de arena siempre que el tiempo me lo permita

Esta semana me llega el BD de The Belstone Fox.
Me parece una buena candidata para el hilo.

Sin prisa pero sin pausa…

EL LARGO Y SINUOSO CAMINO QUE LLEVA… AL CINE DE ZOMBIS MODERNO… CON ALGÚN QUE OTRO DESVÍO… / PARTE VIII:

28 DAYS LATER (2002, 28 DÍAS DESPUÉS)



Coproducción entre el Reino Unido y los EUA.

Copyright 2002 DNA Films Limited.

Director: Danny Boyle.

Productor: Andrew Macdonald.

Producción: Fox Searchlight Pictures / DNA Films / British Film Council.

Distribución: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Guion: Alex Garland.

Fotografía: Anthony Dod Mantle, rodada en video digital y en 35 mm en Technicolor y formato panorámico (1.85:1).

Diseño de producción: Mark Tildesley.

Música: John Murphy.

Montaje: Chris Gill.

Reparto: Cillian Murphy (Jim), Naomie Harris (Selena), Christopher Eccleston (Comandante Henry West), Megan Burns (Hannah) y Brendan Gleeson (Frank, padre de Hannah).

Duración: 1:48:29 (Copia en DVD editada por Fox en 2008).

Estreno: el 16 de octubre de 2002 en Londres y difusión general a partir del 1 de noviembre; el 27 de junio de 2003 (EUA) y el 18 de julio de 2003 (España).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Cambridgeshire (prólogo) > Gran Londres > Cumbria (epílogo) / 28 días después… > 28 días después…

…

Si para George A. Romero EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985) – la anterior entrega del presente coleccionable - supuso la culminación de su “trilogía” dedicada al monstruo por excelencia de los tiempos modernos, el 5º largometraje del inglés Danny Boyle (1956) ha acabado por convertirse en la primera de otra junto a 28 WEEKS LATER (2007, 28 SEMANAS DESPUÉS), de Juan Carlos Fresnadillo y la próxima 28 YEARS LATER (2025, 28 AÑOS DESPUÉS), del propio Boyle.



El posapocalípsis ha sido desde siempre uno de los temas fundamentales que han vertebrado la literatura de ciencia ficción y, especialmente, la generada en las Islas Británicas.

28 DÍAS DESPUÉS (como, más adelante, “Los muertos vivientes” [2003-2019, de Robert Kirkman y Tony Moore > Charlie Adlard]) toma como punto de partida la famosa novela de John Wyndham Parkes Lucas Beynon Harris (1903-1969) “El día de los trífidos” (1951) [Minotauro, Buenos Aires, 1956].



- Portada de la primera edición en castellano -

“Cuando un día que usted sabe que es miércoles comienza como si fuese domingo, algo anda muy mal en alguna parte”

Una inmejorable inicio para una novela excepcional...

Sin embargo, al contrario que en esta la amenaza no proviene del espacio exterior (las plantas que dan título a la novela) sino que es fruto de los experimentos que unos científicos de un centro de investigación en Cambridge han llevado a cabo en los últimos años con un grupo de chimpancés a los que se les ha inoculado una variante mucho más agresiva y contagiosa del virus de la rabia que se transmite a través de la sangre y de la saliva.

Un virus psicológico (al menos así lo denominan en el audiocomentario Boyle y Garland) que más que convertir en zombis (al menos en el sentido estricto de la palabra) a sus víctimas les provoca un estado incontrolado de ira asesina.

A pesar de contar con un guion del futuro (y excelente) director Alex Garland (1970) [EX_MACHINA (2014), ANIQUILACIÓN (2018), MEN (2022), CIVIL WAR (2024)] el mismo (su segunda colaboración con Boyle tras LA PLAYA [2000]), aunque atractivo, no es especialmente original y será precisamente en el prólogo al que acabo de hacer referencia y en el tramo que transcurre en las desiertas calles de un Londres asolado por la pandemia donde podamos encontrar los mejores momentos de la película.

Por lo que respecta al primero no deja de ser un pulla nada velada el que sea precisamente un grupo de ecologistas (radicales) los causantes de que la plaga se extienda primero por las Islas y luego al resto del mundo al intentar liberar de su cautiverio a los mencionados primates.



Seguramente la secuencia más impactante de toda la película sea precisamente esa imagen de un pobre chimpancé atado de pies y manos y testigo a través de los monitores de televisión que le rodean de la violencia (rabia / ira) que se produce en distintas partes del planeta por causa del ser humano.





De ahí seguramente esa idea de virus psicológico a la que aluden los responsables y que no sería más que la conversión de toda esa violencia que el ser humano viene cargando sobre sus espaldas desde la noche de los tiempos en una especie de plaga bíblica y en la que el citado virus no cumpliría más función que la de simple vector de propagación.

Como decía al principio, el segmento que acontece en un Londres desierto y donde iremos conociendo a los protagonistas es, junto al mencionado prólogo, lo mejor de la película.

Al igual que el protagonista de la novela de Wyndham, Jim (el recientemente oscarizado Cillian Murphy), despierta en la soledad de la habitación de un hospital.



En el caso de Jim, 28 días después del inicio de la pandemia.

Impresionantes las imágenes de los rincones más icónicos de la capital británica absolutamente vacía, algo además acentuado por el uso de las pequeñas cámaras digitales que proporcionan a las mismas una mayor sensación de veracidad.



Será gracias a la ayuda de Selena (Naomie Harris) y su compañero (quien pronto será víctima de los “zombis”) que Jim pueda sobrevivir en este Londres posapocalíptico.



Más tarde encontrarán refugio en un piso situado en una torre de apartamentos donde (sobre)viven Frank (Brendan Gleeson) y su hija, Hannah (Megan Burns).



El posterior tramo de la película - salvo el magnífico momento en el que Frank se convierte cuando una gota de sangre de un zombi le salpica en un ojo -...



... y que llevará a los protagonistas a un (supuesto) refugio a cargo del Ejército Británico es más previsible, aunque no deja de ser un embrión de lo que más tarde se convertirá en uno de los leitmotivs de la serie de televisión surgida a partir del citado cómic, “The Walking Dead” (2010-2022), mi favorita de lo que llevamos de milenio…



Aquí también la escena en la que un infectado ve su imagen reflejada en un espejo (detrás del cual se oculta Hannah) es seguramente la más turbadora.



Originalmente la película finalizaba con Jim desangrándose en brazos de Selena a consecuencia de los disparos del comandante West (Christopher Eccleston) mientras que este parecía a manos de uno de sus propios soldados convertidos cuando Hannah hace empotrar su coche contra la entrada de la mansión donde todos se encontraban refugiados.



Sin embargo, a la Fox no le gustó un final tan poco gratificante y de esta forma, aunque los propios Boyle y Garland comentan que no fue una imposición, se rodaron nuevas secuencias que transcurren… 28 días después de los acontecimientos anteriores…

En un remoto paraje del condado de Cumbria los tres protagonistas, ya recuperados, podrán fin a su periplo cuando la enorme “Help” que han confeccionado con las sábanas que han encontrado en la casa deshabitada sea vislumbrada desde el cielo por un caza de la Real Fuerza Aérea.



Un final demasiado feliz teniendo en cuenta la devastación prácticamente total que ha provocado la pandemia.

Una película que supuso tuvo un enorme éxito de taquilla (más de 80 millones de dólares frente a los 8 de su presupuesto) y que daría lugar a una segunda entrega, para mí superior, dirigida por nuestro compatriota Juan Carlos Fresnadillo (1967).

Pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión…

… si la hay…

Buenas tardes y, buena suerte.

Scott en la Antártida (Scott of the Antarctic, 1948), de Charles Frend



Si se trata en este hilo de comentar películas desconocidas de directores más desconocidos aún, confieso que, al menos yo, del británico Charles Frend no tenía noticia hasta la fecha... como director, aunque su nombre ya hizo su aparición en el ciclo dedicado a David Lean al referirnos a Major Barbara (película sobre la que flota el interrogante de a quién dar más mérito como director, si a Gabriel Pascal, el director titular, o a los “assistants in direction”, el propio Lean o el responsable de los diálogos, Harold French). Para acabarlo de complicar, Frend aparece acreditado en Major Barbara como “film editor”, mientras que a Lean se le atribuye la responsabilidad del “montage”.

Sea como sea, al igual que en el caso de Lean, Frend empezó su carrera en la década de los 30 como montador de títulos tan célebres como Goodbye, Mr. Chips, de Sam Wood, o The Citadel, de Henry King, o en varios titulos de Sir Alfred: Waltzes from Vienna, Secret Agent o Young and Innocent.

Ya en los cuarenta, Frend inicia una no demasiado extensa carrera como director, acabando en los sesenta en la televisión, dirigiendo, por ejemplo, episodios de la célebre en su día Cita con la muerte (Danger Man), protagonizada por Patrick McGoohan.

Entre sus largometrajes destaca esta Scott of the Antarctic, a medio camino entre el film de aventuras (algo soso como tal), el biopic de Robert Falcon Scott, el gran rival de Roald Admunsen en la llamada “conquista del Polo Sur”, y el documental. Hay un poco de todo, servido con pulcritud por la cámara de hasta tres directores de fotografía (entre ellos Jack Cardiff), en Technicolor (aparece acreditada la inevitable Natalie Kalmus), la música de Ralph Vaughan Williams, toda una figura de la música contemporánea británica, y un reparto amplio con nombres habituales de la cinematografía británica, empezando por el leaniano John Mills, encarnando al capitán Scott, Kenneth More o James Robertson Justice (incluso Christopher Lee, aunque confieso que no lo he sabido identificar viendo el film).



Scott of the Antarctic es una muestra más de que la Ealing no solo se dedicó a las comedias. Aquí asume además las tareas de producción un viejo conocido nuestro, Michael Balcon. Rodada en el Jungfrau, en Suiza, en Noruega y en los estudios Ealing, la película se adereza con imágenes de archivo rodadas por uno de los directores de fotografía acreditados, Osmond Borradaile, en la Antártida. Se puede, pues, jugar a intentar identificar qué secuencias están rodadas en estudio, cuáles en Suiza o Noruega, y cuáles en la Antártida. El resultado es, en mi opinión, interesante por lo que a la hazaña de Scott se refiere, narrada sin ningún tipo de exaltación patriótica o heroica, con una frialdad (nunca mejor dicho) muy británica, aunque se queda corta en lo que a aliento aventurero se refiere. De fondo , planea la figura alargada de Amundsen, que fue el que finalmente se llevo el “gato al agua” de llegar por primera vez al Polo Sur en 1911.

El orgullo desmesurado de Scott, eso que los griegos llamaban la “hibris”, lo acaba pagando la expedición británica con la muerte de cinco de sus miembros, después de sufrir todo tipo de penalidades (enfermedades, hambre, frío, congelación), forzados a un regreso amargo, una vez vista ondear la bandera noruega en la meta del Polo.



El visionado del film me ha llevado a la reflexión de hasta qué punto estaba contemplando la recreación de una heroicidad o la muestra de una irresponsabilidad malsana. En todo caso, se puede confrontar con un film más reciente, Amundsen, de Espen Sandberg, que nos ofrece la otra cara de la rivalidad entre exploradores.



Diabolik (Diabolik, 1968), de Mario Bava



Frente a la amarga aventura de Scott, la chispeante alegría delictiva de Diabolik (también conocida como Danger: Diabolik). Si en el film de Frend el Technicolor quedaba algo desleído entre tanta superficie blanca, aquí estamos ante toda una explosión de colorines pop, que Bava sabe reflejar con su acostumbrada habilidad para la iluminación de sus películas. Pura pulp fiction, la película se inspira en el cómic italiano del mismo nombre, creado en 1962.



A la hora de visionar Diabolik es fácil pensar en otros ilustres enmascarados: desde el venerable Fantômas de Louis Feuillade a la versión actualizado por André Hunebelle, con Jean Marais como el famoso ladrón.





Pero, por encima de todo, es inevitable pensar en la serie de películas de James Bond, influencia presente a lo largo de todo el film, incluso en los títulos de crédito y en la banda sonora, un pastiche de difícil digestión firmado por Ennio Morricone, que, como no podía ser de otra manera, recurre a una cancioncilla pop para castigar nuestros oídos.



Por si faltaba algo para acercarnos al territorio Bond, ahí está la austríaca Marisa Mell (que responde al filosófico nombre de Eva Kant), para satisfacer el voyerismo de las plateas en celo.



El Diabolik de Bava está interpretado por el inexpresivo John Phillip Law, muy de modo en aquellos años (recordémoslo presente también en otro icónico film pop, estrenado el año anterior: Barbarella), luciendo una variada gama de atuendos:







Completan el conjunto un malo bondiano, Adolfo Celi, que había protagonizado Operación Trueno (Thunderball),



y el esforzado inspector de policía Ginko, que como es de esperar fracasará en todos sus intentos de atrapar a Diabolik. Lo sorprendente es encontrar a Michel Piccoli en tal tesitura.



En resumen, un medianamente divertido film, lejos de las obras mayores de Bava, adecuado si acaso para nostálgicos del mundo pop de los 60. Eso sí, hay que reconocerle al personaje de Diabolik un cierto desparpajo anarcoide, especialmente cuando decide colapsar el sistema poniendo bombas en los centros del poder económico, mientras que para él el dinero no es más que una excusa para retozar con su compañera de aventuras.



El guiño final mirando a cámara de un Diabolik al que creíamos muerto es toda una declaración de intenciones. En todo caso, el personaje no tuvo continuidad en su momento, aunque ahora ha conocido una sorprendente resurrección en forma de trilogía dirigida por los hermanos Manetti, Antonio y Marco: Diabolik (2021), Diabolik: Ginko all’attacco! (2022) y Diabolik chi sei? (2023), que no he visto y que no creo que vea.