Tema: El poder del perro (The Power of the Dog, 2021, Jane Campion)

Reseña fotográfica de Nacho Aguilar.

Adaptación de una novela de Thomas Savage, ambientada en un rancho de Montana en 1925. El mismo está dirigido con mano férrea por Phil, uno de dos hermanos (Benedict Cumberbacht), mientras que el otro, George, de mejor carácter (Jesse Plemons) acaba de contraer matrimonio con una mujer (Kirsten Dunst) que tiene un hijo adolescente (Kodi Smit-McPhee) cuyos modales y formas le hacen parecer afeminado para los rancheros. El drama aparece cuando se mudan a vivir al rancho y la mujer y el hijo comienzan a sentir temor por la presencia y por las acciones de Phil.

“The Power of the Dog” es un Western inusual, ya que más allá de la ambientación y de las localizaciones empleadas (por cierto, el film fue rodado en Nueva Zelanda en lugar de norteamérica, con paréntesis por la pandemia incluido), se trata de un drama sobre una serie de personajes y sus relaciones entre sí, que se podría haber trasladado a cualquier otro período o lugar. Se trata de un film de cocción lenta, muy bien interpretado y de acción inexistente, rodado con esmero, y que funciona muy bien pero que quizá podría haberse resuelto con una duración algo inferior si la directora Jane Campion hubiera decidido acelerar un poco su pausado ritmo.

La directora de fotografía es Ari Wegner [ACS], quien hasta la fecha posee una corta pero incipiente carrera en el puesto, siendo “The Power of the Dog” sin ningún género de dudas, hasta la fecha, su trabajo más importante. Antes, se había encargado de la fotografía de películas como “Lady MacBeth” (William Oldroyd, 2016), “Stray” (Dustin Feneley, 2018), “The History of the Kelly Gang” (Justin Kurzel, 2019) o “Zola” (Janicza Bravo, 2020), completando su filmografía algún largometraje más, varios documentales y bastantes cortometrajes.

La imagen de “The Power of the Dog” está claramente dominada por sus imponentes escenarios naturales, que no solo resultan absolutamente convincentes como la Montana de 1925 a pesar del rodaje neozelandés, sino que además, las cineastas obtienen un muy buen partido estético de los mismos. Se trata de una producción no solo rodada en gran formato (digital) con la Arri Alexa LF, sino que además haciendo muy buen uso de las lentes Panavision Ultra Panatar, diseñadas originalmente para el formato 5-perf 65mm anamórfico que primero fue denominado MGM Camera 65 y, posteriormente, Ultra Panavision 70.

Son, por consiguiente, las lentes de “Ben-Hur”, “Mutiny on the Bounty”, “The Fall of the Roman Empire”, “Battle of the Bulge” o, más recientemente, las empleadas por Quentin Tarantino y Robert Richardson en “The Hateful Eight” en celuloide de 65mm, o por Greig Fraser tanto en “Rogue One” (2016) como en “Mary Magdalene” (2018). Son lentes, por consiguiente, de diseños que proceden de la década de los 50, al menos los elementos que sigan siendo originales de las mismas tras las actualizaciones, y contienen una anamorfosis de 1.25x, de modo que son de los anamórficos “menos anamórficos” que existen, aunque los fondos estirados y el bokeh ovalado son claramente perceptibles a lo largo de toda la proyección.

En los citados exteriores, posiblemente beneficiándose de un calendario de rodaje muy generoso (unos cuatro meses en total), las cineastas hacen uso de las mejores horas del día en cuanto a calidad de luz; esto es, no solo únicamente la hora mágica, al amanecer o el crepúsculo, aunque algo hay de eso, sino también, sobre todo, de momentos que evitan las horas centrales del día, cuando la luz es más dura, más cenital y menos estética. De esta manera, la calidad de la luz disponible es espléndida, y además, Ari Wegner escoge absolutamente siempre rodar a contraluz, lo cual, con la latitud de la Alexa y la suavidad de las lentes (a continuación incidiremos en eso), hace que la directora de fotografía tenga que rellenar o bien poco o a veces, nada, siendo posiblemente su labor incluso más importante controlando los rellenos negativos para generar contrastes.

Las exposiciones en estos exteriores están muy atinadas, dejando que, como es procedente, los rostros queden debidamente subexpuestos frente a la fuente de luz, circunstancia que es absolutamente real y naturalista en dichas condiciones. Únicamente un par de momentos en exteriores noche, con una luz que quizá es demasiado evidente o poco creíble para esas situaciones, detraen algo de un conjunto que es excepcional en su vertiente diurna. Ni siquiera algunos planos en noche americana, típicos del género por otro lado, desvirtúan una gran fotografía de exteriores.

Los interiores están también bien realizados, pero no alcanzan el elevadísimo nivel de los exteriores, que sin ningún género de duda son el plato fuerte de la propuesta. Ari Wegner lleva a cabo una iluminación en los mismos que también pretende ser muy naturalista y, en su mayor parte, lo logra con mucha solvencia. Lo que hace la directora de fotografía es introducir luz suave a través de las ventanas de las estancias recreadas para la película, valiéndose, con toda seguridad, de grandes fuentes de iluminación proyectadas desde el exterior bien difuminadas o, probablemente, rebotadas. Este estilo de grandes fuentes desde fuera produce un contraste elevado y transiciones luz-sombra que son muy bonitas de ver en pantalla, pero quizá, teniendo en cuenta la ambientación y el tipo de historia que están contando, a veces incluso luzcan demasiado elaboradas y demasiado pulidas.

Es cierto que hay variedad, con interiores que a veces (como las escenas arriba de las escaleras) que utilizan luz dura, directamente, lo que queda muy bien, pero quizá sea una fotografía demasiado perfeccionada, al menos en ocasiones, a la que le hubiera venido bien (y hubiera otorgado más fuerza) ir algo más allá con el contraste y la oscuridad, más allá de algunas vistosas siluetas. Hay algunas escenas que usan tonos fríos y haces de luz solar, o bien imitan el efecto de fuentes de luz de fuego como velas o chimeneas que están bien ejecutadas, aunque por desgracia son escasas en la proyección.

Respecto al uso de cámaras digitales nuevamente en una producción de época (como comentábamos a raíz de la reciente “The Last Duel” del dúo Dariusz Wolski / Ridley Scott), en esta ocasión sigue echándose algo en falta la mayor prominencia de una textura de celuloide. Sin embargo, las buenas noticias son sobre todo las relativas al comportamiento de las ópticas del formato Ultra Panavision: con sus tratamientos antirreflectantes de los años 50, se comportan de manera mucho más parecida a una lente tipo Super Baltar o Cooke Speed Panchro que a un moderno Leitz, que es lo que son los Panavision Primo 70 de la película referenciada.

Existen veladuras, entradas de luz, flares y una textura suavizada a lo largo de la proyección que, de alguna manera, luce más agradable en la película de Jane Campion que en la de Ridley Scott que, comparativamente, luce absolutamente nítida y sin la menor imperfección en la imagen. No es que un aproximamiento sea objetivamente más válido o mejor que el otro, ni mucho menos, pero al menos subjetivamente, a quien suscribe estas líneas, dichas imperfecciones e incluso la moderada anamorfosis de las lentes de “Ben-Hur” le sientan extraordinariamente bien a los paisajes y a los interiores del presente film que, por consiguiente, luce muy bien como conjunto, destacando sobre todo esos poderosísimos exteriores que le auguran un estupendo futuro a Ari Wegner.

Bastante buena. No esperaba nada en concreto, de hecho es la primera película que veo de Jane Campion, pero me ha sorprendido gratamente. Muy psicológica, de hecho podría perfectamente ser una obra de teatro reducida a un único escenario con tres o cuatro personajes. Los espectaculares escenarios abiertos de la película acaban por fundirse junto con los interiores en una suerte de paisaje mental, también por el efecto de la moderna banda sonora de Jonny Greenwood, que como es habitual en él para mí tiene el efecto de asentar el tono e indagar en la psique de los personajes más que de proporcionar una melodia al uso. En este sentido puede recordar un poco a una película de Paul Thomas Anderson, y lo menciono porque lo he leído en algún comentario, pero por lo demás creo que tienen poco que ver a nivel de idiosincrasia o estilo.

Si le tengo que buscar peros, diría que aunque a nivel de intenciones me ha gustado mucho, creo que la puesta en escena podría ser más interesante, de una forma que me cuesta describir. Y que en general percibo la película como un poco disjunta, un poco inconexa, como si empezase siendo una cosa y terminase siendo otra diferente. Por poner un ejemplo, al principio el personaje de Benedict Cumberbatch parece ser un mero antagonista relativamente unidimensional, después se convierte en el corazón de la película, y por último otro personaje adquiere relevancia sin que de alguna manera estuviese muy justificado por la historia. No sé si habrá un montaje más largo que pudiese ahondar un poco más en algunas cosas, pero creo que la película se beneficiaría de ello.

Y n deja de ser curioso que, así como el año pasado hacía notar que varias de mis películas favoritas de la temporada habían sido rodadas por mujeres, este año de momento las dos mejores que he visto tienen firma femenina también. Y no sólo eso sino que casualmente ambas contienen interrogantes similares en torno a la naturaleza de la masculinidad (o el género en general), y hasta la presencia de un cierto subtexto homoerótico en algunos momentos.

Coincido. El subtexto homoerótico vira hacia una tensión psicológica abrasadora.

Western deconstruído en melodrama gótico.

Tremenda labor de Campion, Greenwood, Wegner y el trío de actores que se devoran entre ellos.

Recuerda al Anderson de la mayestática “There Will be Blood” y eso son palabras mayores.

La campeona del año.

La abandoné a los 40 minutos. La veo tediosa, random y perezosa... más preocupada de mostrar personajes aparentemente complejos que de darles empaque y sin un rumbo fijo. Sorry pero mencionarla en el mismo post que Pozo de ambición o Brokeback Mountain me parece de carcel XDDD

Aún me quedan bastantes por ver de la lista que me hago de pelis del año (2021) que tienen buena pinta y posibilidades de entrar en mis favoritas del mismo, pero por ahora esta se coloca en el puesto nº1 y en la peli a reivindicar/dar la lata a los amigos.

Como una obra teatral dividida por actos, es posible que su cambio de tono descoloque al espectador y su tono pausado donde destaca su escenografía (y aspectos técnicos como su fotografía y BSO) se le pueda hacer a alguno un poco pesado. A mi no me ocurrió pero me costó entregarme por entero a ella y rendirme a sus pies hasta la resolución, que redondea todo y hace explotar tu mente y hacer que recorra todos los sucesos hasta el momento. Sin duda, en una obra plagada de detalles, un revisionado la hará mejorar más si cabe.

Parece claro que Jane Campion no es muy de explicar las cosas, prefiere que tú las vivas y saques conclusiones. Incluso en su parte inicial, con el viaje del ganado y las visitas en coche a la futura mujer, puede crear dudas en cuanto el donde o el paso del tiempo. Pero la grandeza del film reside precisamente en que cuenta más por lo que calla que por lo que explica.

Un viaje desgarrador a la naturaleza humana, especialmente la masculina, a sus traumas, su toxicidad, su lado más cruel y el más amable. Lo frágiles que somos contado con soberbia sutileza.

Y no me quiero olvidar de sus grandes actuaciones, encabezadas por Benedict Cumberbatch.

Nota: 7.7

Iniciado por er_calderilla

donde destaca su escenografía

Algo que me dejé en el tintero cuando escribí sobre esta deliciosa película, fue el hecho de que decidieran rodar en NZ.

Pero, sintiendolo mucho, NZ no se parece a Montana, que es donde ocurre la película.

Eso me producía un ligeeero picor ahí detrás de la oreja

Iniciado por Corvo_Attano

Algo que me dejé en el tintero cuando escribí sobre esta deliciosa película, fue el hecho de que decidieran rodar en NZ.

Pero, sintiendolo mucho, NZ no se parece a Montana, que es donde ocurre la película.

Eso me producía un ligeeero picor ahí detrás de la oreja

Hombre...salen llanuras, salen montes, y es más o menos árido. Si no es una cosa como que haya árboles que no existan en uno de los dos sitios y tú seas un experto en ese campo, no sé en qué puedes notar una gran diferencia...