El hilo de la música clásica y contemporánea

Abro el hilo para aquellos que estéis interesad@s, comentando tanto lanzamientos interesantes como para recomendar o hablar de música clásica instrumental (clásica o contemporánea), en un ambiente distendido, en el que comentar sobre las últimas escuchas, lanzamientos interesantes, promociones de tiendas, etc...

Espero con ganas vuestras aportaciones y comentarios. :agradable

Aprovecho la ocasión para anunciar el lanzamiento, para conmemorar el fallecimiento de Wolfgang Amadeus Mozart de la lujosa integral Mozart 225:

https://images-na.ssl-images-amazon....L._SL1500_.jpg

:babas :ansia :hail

https://www.youtube.com/watch?v=RA7E-IF8tWo

https://www.youtube.com/watch?v=vzppTsKLyts


Se incluyen 200 compactos que abarcan entre toda la obra del compositor, de los cuales 30 están dedicados a versiones alternativas, inéditos, primeras grabaciones o apócrifos. :ansia :wtf

La fecha de salida se ha anunciado para el próximo 28 de octubre.

Saludos.

Cita:

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Iniciado por MIK

https://images-na.ssl-images-amazon....L._SL1500_.jpg

:babas :ansia :hail

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Impresionante edición!

Anotada para más adelante.

Un saludo!

Lo de los cofres es un fenómeno curiosísimo: si me llegan a decir, cuando comenzaba en este tipo de música y el no va más de lo barato era el sello Naxos a 700 pelas el CD sencillo, que llegaría a hacerme con cofres de más de 50 discos con grabaciones de primera línea a menos de un euro cada uno, no me lo hubiese creído. Otra cosa es que es muy raro que llegues a escuchar ni la mitad de cada uno, sobre todo cuando abundan las ofertas y las cajitas se te apilan. Sin movernos de Mozart, yo, entre el "Mozart: The Collector's Edition" de EMI, 50 discos a 27 euros en Amazon.com, y el "Mozart 111" de Universal, otros 50 a euro y poco cada uno, ya voy bastante servido. Para apreciar la nueva edición, que hace gala de un completismo obsesivo, primero mejor conocer bien lo más famoso, tarea harto complicada para quien no sea un jubilado y no disponga de días enteros para sentarse y disfrutar.

Cierto, Abuelo Igor, en los últimos años, las discográficas han editado copiosas cajas recopilatorias que son un gozo no sólo para el aficionado, sino para descubrir a aquellos que se adentran en la clásica una buena opción de hacerse con trabajos de varios compositores e intérpretes a un precio que no hubiéramos soñado diez o quince años atrás (incluso actualmente, he visto como el precio de un compacto que se incluye en alguna de estas cajas es el mismo o superior a estas, que pueden contener hasta 5 u 8 compactos de otras piezas).

En mi caso, con Mozart adquirí hace años buena parte de las cajas del sello Philips, que reeditaron en cajas más compactas (como es habitual en la actualidad, en sobres de cartón, que son menos voluminosos y prácticos para estos casos que las cajas de jewel case) agrupando sus trabajos entre sinfonias, conciertos, óperas, etc..., que sumadas a las numerosas cajas y compactos que he ido adquiriendo del compositor (y a la alarmante falta de espacio :sudor), hacen que (por muy tentador que sea) no vaya a adquirir esta nueva caja, sin que por ello me deje de parecer una apabullante y exquisita edición.

El tiempo es, que duda cabe, algo vital para poder degustar semejante mamotreto (en el video se comenta que serían necesarios diez días enteros para poder escuchar todo el contenido :ansia) y en mi caso podría llevarme meses, pero hay que reconocer que estos últimos años han sido maravillosos para aquellos que, en su día no pudimos hacernos con tantos y tantos compactos de clásica (en mi caso, tanto por el elevado precio como por la cuantiosa obra que veía como infinita e inabarcable), en los incluso se editan por primera vez grabaciones nunca antes editadas en compacto.

Asimismo, ha sido evidente que las discográficas han descubierto en ello una oportunidad de obtener beneficios sin el riesgo de pérdidas que se podían producir a partir de la segunda mitad de los noventa (desafortunadamente, este tipo de música ha ido asociado a compradores de avanzada edad, que con el trancurso de los años ha producido que no haya habido un relevo generacional capaz de mantener el ritmo de ventas necesario para costear las, en ocasiones, caras sesiones de grabación), editando ediciones más limitadas (particularmente el sello Sony) que suelen agotarse rápidamente.

Lo malo (por decir algo), es que en ocasiones se produce el hecho de que se dupliquen numerosas obras (como por ejemplo, cuando editan una antología de un sello y más tarde otra antología de un intérprete o director, con lo que inevitablemente, se producen duplicaciones), que provocan que, lógicamente, descartemos alguna (para mayor alegría de nuestro bolsillo y sufrida estantería), que por otro lado dice mucho de la oferta disponible.

En los últimos años (en mi humilde opinión), esto ha puesto en evidencia la decadencia artística actual de sellos antaño míticos como Deutsche Grammophon, que parecen obcecados en seguir grabando una y otra vez las mismas obras (de las dudosas y cuestionables tacticas de marketing que esconden varias de sus portadas contemporáneas achacables a este y algún que otro sello mejor no decir nada), mientras sellos como Hyperion, CPO o Harmonia Mundi, entre otros, siguen apostando por compositores contemporáneos o de los que no existen grabaciones, que descubren auténticas joyas a (re)descubrir, aunque de esto me gustaría hablar con más distensión en otro momento.

Saludos.

Cierto. Según DG y otras editoras, los últimos instrumentistas que han salido son tios que parecen modelos y tias buenas....

¿Ah, sí? Nunca me había dado cuenta.

Ayer nos dejó a los 92 años Neville Marriner, uno de los más celebres directores de orquesta del s.XX y fundador de la orquesta de cámara Academy of St. Martin in the Fields.

https://www.komische-oper-berlin.de/...ausschnitt.jpg

Deja un legado imborrable (más de 600 álbumes, de los que destacan los grabados para los sellos Argo y Philips) y en el que resulta casi imposible resaltar uno por encima de otros (en mi opinión uno de los mejores intérpretes de Mozart), destacando su aproximación/interpretación más jovial y fresca respecto a otros conductores de la época.

El conductor era muy querido por aquí, y participó asiduamente en Ibermúsica (donde iba a actuar dentro de dos semanas).

Saludos.

Hola, me gustaría aportar a este estupendo hilo algunas de mis músicas y grabaciones más determinantes. Os dejo una de ellas: la balada número 4 Op.10 de Brahms. Una obra de un lirismo e intimidad perturbadoras, anticipando en algunas ocasiones incluso a un Debussy. Plenamente romántico la concisión, y la estructura ayudan a generar un ambiente único. Y para ello, nada mejor que la interpretación (palabra odiada por mí) del grandísimo Arturo Benedetti-Michelangeli, uno de los grandes intérpretes del piano en el siglo XX. Él era único, diferente. Su afán por la perfección misma, a partir de una técnica depurada hasta grado sumo, daba como resultado visiones perfectas, sonoridad plena, claridad abrumadora, acordes precisos y perfectos, tímbrica exquisita y riquísima, como no ha habido otro. Su aspecto siempre fue hosco, serio, sin concesiones a un público ávido de bises y bravos sin sentido. Era el terror de los programadores. Sus cancelaciones de última hora fueron habituales, y muchas veces por cosas verdaderamente importantes para la música, aunque dichas razones no solían llegar al público. Todo esto llevaba a sus detractores, que los tenía, como todo en este mundo, a criticar una frialdad y falta de hondura en lo interpretativo francamente destacable. Cierto es que yo siempre he echado de menos un cantabile más íntimo, más fraseado, menos mecanisista, pero para la historia quedará como un estilo irrepetible y un músico para el recuerdo que, formando un binomio con Celibidache, director de orquesta, encontró la horma de su zapato, y mucho más allá.

El gran Anton Bruckner, el sinfonista catedralicio, el autodidacta que escribió su primera sinfonía a los 40 años, tenía su gran visión en los grandes órganos europeos. Como organista que era, pensó en la orquesta como volúmenes celestiales, acordes masivos, modulaciones en tres dimensiones, buscando las sonoridades de las catedrales mismas. Alargando la forma sonata clásica sin romperla, moldeándola, añadiendo un tercer tema, y exposiciones masivas, que causaron el deleite de los wagnerianos y el rechazo de los brahmsianos. Sin embargo, su obra más íntima, más pura, hay que encontrarla en sus motetes corales, en su obra para órgano, de dimensiones colosales, sus improvisaciones todos los domingos en la iglesia de San Florian y su espectacular instrumento.
La obra que quiero compartir, el preludio Berger en Do Mayor, es una obra corta que tiene una intensa historia para mí. Escuchando una serie de Láser Disc de sus sinfonías allá en los ya lejanos 90, aparecía una breve introducción sobre su música, a modo de cuña. En el fondo, se escuchaba una tremebunda obra de órgano, tan épica y colosal como nunca había escuchado, ahí frente a una imagen de la tumba del maestro. Años y años buscando ese tema que me había cautivado y que tenía fijado a fuego en el fondo de mi mente. Al final un disco totalmente descatalogado, que me costó un riñón, con las obras organísticas de Bruckner obró el milagro. Ahí estaba, y finalmente le puse nombre y apellidos: El Preludio Berger. Inmenso, colosal, más allá de su breve duración y su complejidad, ese tema me tendrá cautivado hasta el final de mis días, con una cadencia y acorde final que se prepara durante más de 40 larguísimos segundos. Todo un manjar para los sentidos. Y nada mejor que una grabación en el mismísimo órgano de San Florián, el compañero de Bruckner...

Como violinista que soy siempre me ha fascinado la historia del arte del violín, sus grandes constructores, los cambios, el paso del tiempo, y sobre todo aquellos gigantes que, como Paganini, elevaron el instrumento hasta cotas celestiales. Mucho se ha hablado sobre el arte diabólico del violín de Paganini (cuyo instrumento Guarnerius "Il Cannone" reposa como un titán en Génova, su ciudad). También se ha escrito ríos y ríos sobre su técnica aparentemente, y en su contexto histórico, inconcebible. 50 años tuvieron la culpa que no haya ningún registro sonoro del italiano. Sin embargo, sí que tenemos abundante material de Hascha Heifetz, el más grande virtuoso que ha dado el siglo XX y, si ciertas comparaciones fueran posibles, ni siquiera el propio Paganini sería capaz de igualar. Frío como un témpano de hielo, con una técnica de arco imposible, una afinación perfecta, tempi rapidísimos, y un fuego incandescente, esa figura aparentemente mediocre se elevó hasta el Olimpo de los virtuosos. Nadie ha alcanzado su perfección, sólo sus interpretaciones pueden ser puestas en duda, pero jamás su técnica. Yo lo conocí por una grabación totalmente abrumadora y feroz del Concierto de Tchaikovsky, totalmente diferente a cuanto había escuchado hasta el momento. Siendo una cima absoluta de su arte, sin embargo, prefiero poneros el Capricho de Paganini nº24. Obra de virtuosismo atroz, no evito cierta justicia poética en el confrontamiento con el violinista genovés. Lo que aquí podemos ver es una ejecución que aún hoy en día se antoja imposible de igualar, dada la cantidad de soluciones técnicas que se proponen con dificultades más allá de lo razonable. Saludos.

En 1990 tuve una revelación, una aparición: Sergiu Celibidache. El director de orquesta más personal y diferente que jamás ha existido. Considerado por muchos como el mayor genio que ha dado el mundo de la música en cuanto a dirección se refiere, junto con Wilhelm Furtwangler, para mí supuso un antes y un después. Obras tanto tiempo sobadas, sinfonías que me sabía de memoria, de repente sonaron totalmente nuevas, diferentes. Emociones, detalles, sonoridades que jamás creía que guardaran los clásicos...ahí estaban. Tal era la genialidad de ese rumano, alquimista del sonido, amante de los tempi glaciales, de las tímbricas y dinámicas inalcanzables. Odiaba los discos, jamás grabó nada, solamente algunas muestras de video en sus últimos años, y grabaciones que jamás salieron a la luz hasta su muerte en 1996 (día fatídico para mí). Tuve la enorme suerte de verlo, catarlo en directo en el 93 y en el 95. Vivencias que me llevaré al otro lado, cuando mi estrella de acabe, sin duda, como únicas e irrepetibles. El disco, las grabaciones no han hecho justicia al especial sonido que sacaba de las orquestas. Solamente breves retazos pueden intuirse de su arte, como por ejemplo, la archiconocida sinfonía del nuevo mundo de Dvorak. Aquí, en el crepúsculo de su arte, en su cúspide, con la mejor orquesta que mis oídos han tenido la suerte de escuchar: la Filarmónica de Munich, moldeada con mano férrea a imagen y semejanza del maestro. Filarmónicas de Viena, Berlín, las "big five" americanas...ninguna se acercó a los sonidos que salían de esta orquesta, como yo, al menos, pude comprobar en directo. Esta sinfonía suena viva, fresca, totalmente nueva, con detalles, rincones nunca jamás explorados, un pathos de enorme belleza, un cantabile, segundas y terceras voces que aparecen con una lucidez inusitada, unas dinámicas abrumadoras...y un sentimiento de paz y solemnidad únicos. Como los buenos vinos, no debe tomarse de un solo trago, sino en varias veces, paladearlo, disfrutarlo...

Me gusta decir que la música de Mozart es como Dios mirando al hombre, mientras que la de Beethoven es el hombre mirando a Dios. Sin duda, mi compositor favorito, el músico de Bonn era capaz de mostrarnos las miserias humanas y convertirlas en verdadera grandeza. Adoro una gran multitud de sus obras, pero si pudiésemos destacar las más auténticas, personales, y por qué no decirlo, las más incomprendidas en su época, esas son sus últimos cuartetos. Obras inmensas, al final de su vida, de una modernidad y dificultad técnica que asustaba y asusta, como la imponente Gran Fuga. Personalmente, en esa gran inmensidad de maravillas, amo especialmente la Cavatina de su cuarteto nº13. La interpretación del Cuarteto Italiano es un clásico donde los haya, insuperable en muchos aspectos en mi opinión...Insustituible momento musical, triste, anhelante, melancólico...no hay palabras para definir un motivo tan inmenso.




Y como rareza, el gran Wilhelm Furtwangler en una versión orquestada de la misma Cavatina.

Palestrina fue el maestro de la polifonía. Sus obras, de extremada pureza, recuerdan todavía las viejas formas gregorianas en el uso de melismas. Cuando era joven tuve un contacto directo con esta música a través de un conjunto de cámara en el que participé cantando algunas de sus misas más célebres, como la del Papae Marcelli. La belleza y calma que transmiten esta hermosa música donde la línea melódica fluye por las voces altas ha sido canon para toda la música religiosa posterior. Como ejemplo, el motete Nunc Dimittis interpretado por Tallis Scholars, el mejor conjunto vocal para música renacentista.

Uno de mis compositores favoritos es Sibelius. Su sinfonismo, tan fuera de su tiempo, el extremo arraigo por sus raíces, y una orquestación tan sublime y atmosférica (que ha servido de modelo para muchas bandas sonoras), lo hace algo fuera de lo común. Su corpus principal fueron las sinfonías y los poemas sinfónicos, de altura irrepetible. De entre sus múltiples sinfonías me gustaría destacar la séptima y última por el lenguaje tan concentrado, personal e intenso, quizás a la par de la cuarta sinfonía. Esta séptima es corta, sí, pero contiene todo un Universo en su interior. Aún escribiría una octava sinfonía, desaparecida, de la que se dice no se atrevió nunca a presentar por no estar a la altura de su séptima. Todo un misterio para cualquier musicólogo que se precie, y objeto de búsqueda sin descanso. No se sabe si la destruyó, si existe algún manuscrito en manos privadas, o perdido en algún cajón. Quien lo sabe. Sólo se han podido recuperar algunas anotaciones...

He aquí la séptima con Bernstein, un tipo muy inteligente. A destacar el intensísimo lamento de la cuerda, hasta el paroxismo, en el primer movimiento a partir del 3:10. Algo único.

La caja de Mozart mencionada en el el primer post (Mozart 225) se convierte, tras apenas seis semanas desde su lanzamiento, en el CD más vendido del año.

Saludos.

Pues la cajita cuesta casi 500 euros. Es una gran inversión, pero que vale la pena por "el tenerlo todo". Es una oportunidad increíble, creo yo. Y luego ya puedes ser más exquisito con interpretaciones de referencia, o favoritas.

Me gustaría poner un ejemplo de quizás uno de los corpus más impresionantes de la historia de la música: las 32 sonatas para piano de Beethoven, que jalonaron toda una vida. Imposible definirlas y aprehenderlas. Como ejemplo traigo mi favorita, justamente la última, la 32, la cual culmina con la forma musical favorita de Beethoven: las variaciones, orgánicas las llamaron. No es una obra para una sola escucha, sino para toda una vida... Beethoven ya tenía su obra maestra en este estilo compositivo, las famosas variaciones Diabelli, pero fue mucho más allá, creo que el compendio de su arte lo podemos encontrar en esta última sonata. Permitiéndose incluso provocaciones estilísticas, visiones de futuro, haciendo intuir el propio jazz (15:29), con un ritmo claramente sincopado que se desvanece y se desestructura totalmente en un dificilísimo susurro en tresillos sobre ritmo binario. La música continua hasta finalmente morir y desaparecer.
Semejante epopeya la defiende un tal Claudio Arrau. Nadie le ha dado ese color, esa profundidad, esa dignificación, e intensidad a la música de Beethoven. Y que conste que soy un enamorado del piano primigenio de Artur Schnabel. Pero al César lo que es del César.

Hola,

me gustaría compartir la obra de ese gran músico del siglo XX llamado Gyorgy Ligeti, de la escuela de Bela Bartok, pero pronto adscrito a fuentes serialistas, para finalmente imbuirse en criterios procedentes de la música electrónica en donde la tímbrica, y la búsqueda de sonidos y atmósferas prima sobre la armonía y la rítmica. De entre sus numerosas y famosas obras destaco, para mi deleite, Lux Aeterna, utilizada de manera peculiar en la película 2001.

Que mala pata tengo!!
Compré ésta edición de puta madre de Max Richter: Retrospective

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hace literalmente dos días pues nunca había bajado de precio desde hace un año... Y ayer mismo bajó de precio!

http://charts.camelcamelcamel.com/es...o=0&lang=es_ES

Espero que mi pena compense a otra persona con este gran chollo y que descubra éste pedazo de artista.

Ésta edición en concreto son cuatro discos de música clásica moderna. Medio experimental, medio clásica y extremadamente moderna. Con dos tercios de música relajante, y un tercio de distorsiones y chirridos, que le dan un toque muy distinguido. Me encanta todo lo que hace este compositor. Tiene álbumes más clásicos unos que otros, pero en ésta edición en concreto de Retrospective son tal cual lo he descrito. Personalmente me encantan tanto como The four seasons recomposed, pero ahí es mucho más clásico, obviamente.

Tiene plenas ediciones de coleccionista que también vende AMAZON ESPAÑA!! Así que los gastos han bajado considerablemente si no tenéis premium y podéis combinarlos; Éstas dos distinguidas y limitadas ediciones:

La edición deluxe de The four seasons recomposed de Vivaldi.
http://www.maxrichtermusic.com/conte.../large/206.jpg

...creo que tiene más ediciones molonas pero no he investigado lo suficiente.

http://images4.static-bluray.com/mov...7543_front.jpg

Buscadlo en Youtube, porque si realmente os gusta no os decepcionará la totalidad de su discografía. Aún me queda por escuchar Sleep, que tiene un rollo ambient, de música de fondo. Mucho mas relajado. Los cuatro álbumes de Retrospective son todos casi igual de sólidos. Y si no tenéis premium en Amazon yo me esperaría a comprar todos de golpe para aprovechar los gastos de envío. Un saludo!

MIK, no te lances a comprar al tuntún. Que estaba formateando todo propiamente para decir cuales son que ediciones. Ahora los enlaces y descripciones las he comprobado al 100%. Y ya está todo correcto. Un saludo!

Desconocido y prácticamente repudiado en su época, para mí Charles Ives es el mayor sinfonista que ha dado los USA. Su música, fácil de asimilar por la cantidad de temas del folklore americano utilizados, los cuales son muy reconocibles, es, sin embargo, un hueso muy duro de roer para las orquestaste todo el mundo. Su compleja orquestación, rítmica endiablada (he ahí la cuarta sinfonía para dar la viva imagen del galimatías sonoro) lo hacen poco programado todavía. Como ejemplo pongo el final de la segunda sinfonía, que se escribió a principios de siglo XX pero que no se estrenó hasta los 50 por el mismísimo Leonard Bernstein. Trufada de temas maravillosos sacados del más puro folklore y música popular americana, se ha hecho muy famosa sin embargo por su acorde final, tras una muy reconocida fanfarria americana. Aquí Lenny repite con una de las más esplendorosas orquestas alemanas, la de la Radio de Baviera.

A mí la duda que siempre me queda con Ives es si era un gran patriota estadounidense o todo aquello le producía en realidad rechazo. Me refiero a momentos como el "Putnam's Camp" de Tres lugares de Nueva Inglaterra, en el cual se escuchan superpuestas un montón de canciones patrióticas tocadas al mismo tiempo, supuestamente para dar la idea de una gran fiesta, pero, al menos a mí, me queda una impresión de cierta histeria, me parece un movimiento un poco intimidatorio (a la par que muy dinámico, todo hay que decirlo).

Extraño destino el de Ives, que pasó de dejar la composición durante largos años y concentrarse en su agencia de seguros a ser reconocido "post mortem" como un gran pionero americano, que se anticipó a Schoenberg, etc. etc. Y sin embargo yo he conocido a grandes detractores de su música (también detractores de Estados Unidos como país, por supuesto), para quienes, si Ives hubiese sido, yo qué sé, búlgaro, jamás habríamos oído hablar de él.

Pero a mí sí me parece una figura valiosa, por su aportación al sinfonismo, por sus múltiples ideas y experimentos adelantados a su época (sus piezas de cuartos de tono, el uso del piano en la Sonata Concord, el contraste entre melodías disonantes y acompañamientos consonantes, y viceversa, en La pregunta no contestada y Central Park en la oscuridad, y un largo etcétera), aunque en ocasiones me gusta más la idea que el resultado sonoro.

Genial Abuelo. A mí Ives me encanta, aunque reconozco algunos de mis amigos y compañeros lo detestan por esa pomposidad y aparente banalidad de su música, sobre todo la orquestal. No sé si tiene más detractores que defensores, pero por lo que indicas, Abuelo Igor, tienen que haber unos cuantos. Porque grandes defensores y padrinos siempre ha tenido, como Bernstein, Tilson-Thomas o el grandísimo Stokovsky. Alguien me dijo una vez que la música de Ives eran viejas ideas con un envoltorio moderno. Desde muy pequeño, desde la cuna y el entorno familiar, Ives mamó y amó las innovaciones sonoras más rabiosas, con el mismo afán que la música más popular de su país. La verdad , no tengo ni idea por qué dejó de componer (pese a sus razonamientos), por qué se hartó. Un caso similar a Sibelius, aunque por causas, me imagino, totalmente diferentes. Sus polirritmos, disonancias y los cuartos de tono fueron cartas de presentación. Todo muy espectacular y...superficial para alguna gente. La cuarta sinfonía supone un buen testamento, en este sentido, incluso su sinfonía inacabada, que parece que en su forma actual es un galimatías imposible de meterle mano.

Hablando de los cuartos de tono, y de la microtonalidad, me gustaría destacar un pionero, el mexicano Julian Carrillo, con su sistema sonido 13, el cual jamás he estudiado ni me he metido a fondo (creo que llegó a expandir hasta noventa y pico notas dentro de la octava tradicional). Creó asimismo toda una retahíla de instrumentos capaces de trabajar con fracciones de tono.
Uno de sus primeros ejemplos, una obra singular y muy provocativa y, que a mí particularmente, me encanta y me enamora: Preludio a Colón (la forma de notación es interesantísima). Es su obra más famosa y, para mis gustos, asequible. Si no la conocéis, disfrutadla.

Hay un compositor que fue bastante prolífico y muy desconocido, de los llamados "raros". Se llamaba Joachim Raff, germano-suizo, que vivió entre 1822 y 1882. Fue coetáneo y gran amigo de Liszt, algunas de sus orquestaciones fueron hechas por el mismo Raff, y gran admirador de Brahms, a la vez que crítico con Wagner. Por todo ello, pueden verse hacia donde fueron sus inclinaciones estilísticas. Eminentemente sinfonista, destaca su gran producción de 11 sinfonías. Su más famosa siempre fue la quinta, llamada Leonora, y con un movimiento que recuerda en texturas y estructura a la marcha militar de la sinfonía 7 Leningrado de Shostakovitch. Sus composiciones fueron brillantes, con orquestación muy limpia y vibrante, melódicamente muy rica, al más puro estilo Mendelssohnn, pero sin grandes riesgos a nivel armónico o estructural (respetó de manera casi obsesiva la forma sonata). Casi todas sus sinfonías fueron bastante programáticas, con títulos en la mayoría de ellas, aunque más de sentimiento y sensaciones que de referencias directas (al más puro estilo de Beethoven y su Pastoral). De éxito medio durante vida, y desaparecido para la posteridad, en los últimos años se está detectando un foco de recuperación de su estupenda música. Son obras muy agradables de escuchar y con gran brillantez. Tendría que destacar muchos momentos -no tienen desperdicio-, pero me gustaría comentar su sinfonía 8 "Sonidos de Primavera", una obra maravillosa para mi gusto, con un segundo movimiento arrebatador (un aquelarre que aquí os presento). Lástima que no haya interpretaciones a la altura -aquí falta ese arrebato que pide la partitura a gritos- y sean orquestas y directores de segunda fila quienes se enfrenten a estas obras (salvo con la Leonora). Fue mi primer contacto con Raff, tengo todo que decirlo.





Y una cavatina muy bonita de regalo, por el gran y lamentablemente poco conocido David Nadien:

Esta es una de mis arias de ópera favoritas. Dvorak con Rusalka realizó una ópera fantástica, mitológica, llena de idiomatismo checo. La canción de la Luna es una plegaria de rosalía, una ninfa acuática, para buscar a su amado. Su propósito, convertirse en humana y corresponderle. A cambio, perderá la voz y la inmortalidad...

La grandísima Renee Fleeming, americana, ha hecho suya esta hermosísima canción. Para mí, pocas canciones tienen una melodía tan bella y evocadora.

No me meto mucho por aquí, y comento todavía menos (¡qué pava soy y he sido siempre :|!), pero este es de los pocos hilos donde aún da gusto meterse. Disfruto mucho leyendo las aportaciones de los otros, especialmente las de Versta2. Seguid así :agradable.

¿Soy la única que piensa que la 3ª Sinfonía de Bruckner interpretada por Celibidache suena más lenta que el bolero de Los Panchos :sudor?

A Celibidache le sonaba lento todo, especialmente al final de su carrera. Creo que hasta tenía teorías de su cosecha para justificar esta lentitud, como también las tenía Hermann Scherchen para el extremo contrario. Es muy curioso este acercamiento cuando se trata de piezas que uno conoce bien, porque es un poco como las repeticiones a cámara lenta en los partidos de fútbol.

Una obra a priori tan poco propicia para este tipo de experiencia como puede ser la Ibéria de Debussy (esa "mañana de un día de fiesta" del movimiento final va a paso de caracol, como si fuese una especie de procesión fúnebre o algo así) resulta a la postre curiosa, pues de ese modo adviertes mil y un detalles de la orquestación que pasan inadvertidos a una velocidad "normal" (porque la idea de que Debussy componía música lenta y brumosa es un invento reciente: no hay más que oír las versiones de gente que conoció al compositor, estilo Inghelbrecht o Ansermet, para darse cuenta de los tiempos eran ligeros y las texturas bastante luminosas).

Yo creo que aunque algunas interpretaciones choquen o puedan parecer inadecuadas en un principio, hay que darles su oportunidad, pues a fin de cuentas las partituras son solo símbolos escritos en un papel, y solo los intérpretes las convierten en música, con una variedad de criterios y resultados que no deja nunca de sorprender.

Es que yo creo que precisamente la 3ª de Bruckner (en especial, los movimientos 3 y 4), pide dinamismo, energía. Hasta una fiereza demoníaca. Puedo imaginarme una película tipo el Batman de Burton (o, en general, cualquier héroe tenebroso) con ésto de banda sonora. Y cuando Celibidache se pone a interpretarlo, suena como una procesión de caracoles :sudor. Además, Bruckner es de esos compositores que si no se interpreta de aquella manera, llega fácilmente a aburrir a las ovejas (es mi opinión, por supuesto).

Representativo de esto que dices me parece esta versión del 2º concierto de piano y orquesta de Brahms, que, en mi opinión, se salva de éso que decía gracias a la interpretación de Barenboim:

https://www.youtube.com/watch?v=wWKTkByq2eE

A mí de Bruckner hay una sinfonía que me gusta de verdad, que es la incompleta Novena (mi primera audición en vivo fue un impacto enorme para mí). También aprecio la Séptima, quizá gracias a Senso de Luchino Visconti, que hacía un buen uso de algunos fragmentos en la banda sonora. Con las demás todavía estoy luchando: me parecen un tanto reiterativas y de líneas muy austeras (no en balde Bruckner era el organista de San Florián), sin la exuberancia art nouveau que me suele entretener en las igualmente largas sinfonías de Gustav Mahler-

Celibidache forma parte de mi propia vivencia musical. Tras pasar por diferentes fases de negación, de aburrimiento, de maravilla, me despertó en su día una pasión por la música que creía ya perdida. Celi no se acepta en una primera audición, ni siquiera en una segunda, pide una preparación, pide algo más. El proceso mental de describir algo como lento o rápido tiene mucho que ver con un proceso acústico íntimamente relacionado con la percepción mental. Desligar una construcción tan especial como las que hacía Celibidache de su contexto acústico y sonoro de la sala y del momento, provoca, en mi opinión, una sensación de falta de energía, de pasión. Totalmente injusto. Precisamente esa tercera de Bruckner la escuché en directo en 1993 con Munich y Celi, en primera fila de butacas. No os podéis ni imaginar lo que el disco maltrata la música del, para mí, irrepetible Celibidache. Cierto es que la sinfonía se fue a más de los 80 minutos (no me di ni cuenta), y era tal la riqueza de epifenómenos, de sonidos, de detalles, en una acústica tan medida y tan trabajada que lo último que pensé fue en lentitud, sino riqueza, un sonido especialmente brillante, colorido, vivencia única e inigualable. Sigue clavado como una flecha el comienzo del segundo tema del primer movimiento a cargo de los segundos violines. Lloré, lloré de incredulidad. Luego, volví a escuchar esa misma grabación (muy superior a la publicación de EMI del 87, que me parece de sonido plúmbeo) y me pareció apenas un reflejo, una sombra chinesca de aquello que fue resplandor y momento único. Habría que hablar renglones y renglones de la realidad musical del Celibidache vivo, más allá del grabado o "robado" como decía él... Karajan, Solti, Giulini, Kleiber, Horenstein, Abbado, y tantos otros...y una manera de hacer sonar a la orquesta tan diferente a la del propio Celibidache. Algo que me pareció inaudito...y que lamento que no quede ya nada de eso. Apenas un recuerdo, que los discos sólo evocan.

Como anécdota a uno de sus cursos y charlas a los que acudí. Llegó un tipo diciendo que en un concierto suyo había visto como un gran pájaro de colores que salía por encima de la orquesta y que volaba y llenaba de luz toda la sala. A lo que Celibidache respondió: si eso que usted me comenta es cierto...usted tiene un grave problema. Las risas fueron estratosféricas. Genio y figura.

No fue mi única experiencia con Celibidache en directo, pero sí fue un recuerdo que llevaré conmigo hasta el final de mis días. No he vuelto a escuchar nada ni remotamente parecido.

Se me nota, lo reconozco, Celibidache me marcó. Reconozco que con el rumano no soy objetivo, no puedo serlo. Fue tal la impresión que me causó el directo. Me marcó para siempre...

Disculpad el melodramatismo :)

Hola,

la verdad es que relacionar Beethoven (mi compositor favorito) con la mandolina no parece ser una idea muy conveniente. Sí, es una rareza, pero existe. Aunque no tan extraño en la época del siglo XVIII, el siglo de oro de la mandolina, un joven Beethoven de 26 años se atrevió a escribir unas sencillas pero enormemente inspiradas obras para mandolina y pianoforte. De gran belleza melódica, despreocupación, de corte pegadizo y una influencia notable de Mozart y de la estricta forma sonata de Scarlatti, llegaron toda una serie de sonatinas, variaciones, y temas. Rescato una obrita corta, sin grandes pretensiones pero muy bonita de escuchar, donde ya se atisba el genio del sordo de Bonn: sonatina en Do Mayor (tonalidad de la alegría y la extroversión) WoO 44a.

LA SÉPTIMA DE TCHAIKOVSKY.

Hay toda una serie de sinfonías y obras de autores clásicos inmortales las cuales fueron inacabadas, no completadas, desaparecidas, o apenas esbozadas y que han entrado a formar parte con todos los honores del morbo de los historiadores y musicólogos más reputados. Discusiones bizantinas, ríos de tinta acerca de la autoría de las obras han corrido eternamente por el mundillo musical. Es cierto que, en general, estas obras inacabadas y ocultas no han gozado de la aprobación general ni de los estudiosos ni de los aficionados. En algunos casos con razón, y en otros, debido a lo avanzado estado de composición original algo totalmente injusto. Hay casos muy especiales como el Requiem de Mozart, obra totalmente incompleta, reescrita y reordenada por sus alumnos, que curiosamente debido a su extremada belleza, gozan del fervor popular y académico.

Tchaikovsky no dejó ninguna sinfonía incompleta, ya que terminó y estrenó (gracias a los dioses) su testamento musical, esto es, la sexta y Patética apenas unos meses antes de su muerte. Sin embargo, entre su quinta y sexta se puso a escribir una sinfonía la cual desechó totalmente con desaprobación por considerarla anodina y sin nada qué decir. Reutilizó su primer movimiento para escribir su tercer concierto para piano y dejó en forma incompleta el resto de movimientos, cuyos esbozos utilizó para sus tríos y cantatas. Semyon Bogatyryev, profesor del conservatorio de Moscú, recuperó los esbozos originales y todas las partes escritas, orquestó, ordenó y presentó en los años 50 una versión de concierto totalmente ejecutable. El gran Tchaikovsky tenía razón. Ciertamente la obra no es de sus más inspiradas, pero hay que destacar un primer movimiento brillante, que si no a la altura de sus últimas sinfonías sí que no desmerece de las primeras. Muy disfrutable.

Mis dos primeros compositores por los que sentí verdadera devoción fueron Ludwig Van Beethoven y Gustav Mahler. Cuando apenas era un jovencito de 12 años, y apenas había escuchado nada de Mozart...tarareaba como un poseso las 9 sinfonías de Gustav de memoria... (tal fue el grado de emoción que me provocó la música de Mahler)...De la décima...eso es harina de otro costal. Curiosamente, mi fervor por Beethoven continúa hoy en día, no así el de Mahler, al cual le veo ciertas costuras. Leyendo la biografía de Mahler por Quirino Principe, la cual recomiendo a todo el mundo, una "boutade" me hizo enervar: el verdadero Mahler no está en sus sinfonías, sino en sus lieder. Como perdonándole la vida... Hoy en día, pienso de manera parecida. Lo que cambia uno con el paso del tiempo. Su capacidad de crear melodías ensoñadoras, de generar atmósferas únicas y evocadoras, creo que encuentra en sus grandes ciclos de lieder su terreno más fértil. La Canción de la Tierra se ha convertido en todo mi referente, un himno, mi descanso, mi trocito de tierra, mi rinconcito particular.

Sin embargo, su obra más famosa posiblemente sea su primera sinfonía, Titán. Para lo bueno y para lo malo ahí tenemos un exponente de lo que fue el bueno de Gustav. Toda su cacharrería está ahí, para el disfrute del personal. Podríamos hablar largo y tendido que realmente la Titán fue su "quinta" sinfonía, que las cuatro anteriores se perdieron (volvemos al mito de las obras desaparecidas). Pero para lo que realmente estoy aquí es para recordar que originalmente, a sus CUATRO monolíticos movimientos, habría que añadirle un movimiento central (el segundo para ser más precisos) con el que Mahler estrenó la sinfonía. Seguramente el equilibrio de la sinfonía se venía abajo, era ya más un poema sinfónico que una sinfonía...y decidió quitarlo. Y... prácticamente desapareció...hasta estos últimos años. Blumine, florecillas. Un momento íntimo, encantador, lleno de evocación de tiempos mejores, con una orquestación limitada y una estructura prácticamente ABA, se nos rinde ante nosotros una melodía de una belleza inaprensible que la trompeta recita y la cuerda acaricia. Y realmente creo que funciona estupendamente bien como obra singular e independiente.

Confieso un pequeño placer culpable. Cuando Beethoven estaba en sus últimos años de vida, su labor compositiva se centró entre otras cosas en sus últimas sonatas para piano y, sobre todo, en los enormemente revolucionarios, incomprendidos, e inalcanzables últimos cuartetos de cuerda. Para mí, el mayor corpus jamás creado, y su gran legado. El atrevimiento, la búsqueda de nuevas sonoridades estaba totalmente fuera de su tiempo. De ahí surgen, como momentos atemporales la famosa cavatina y la más aún incomprendida Gran Fuga -hoy en día todavía difícil de digerir-. Su corpus sinfónico parece que fue finiquitado con la novena...o no. En sus últimos días el sordo de Bonn estuvo trabajando en una décima sinfonía, no cabe duda ya de ello. Nunca la terminó... Y el valor intrínseco de una décima, además de poder disfrutar de una sinfonía más del maestro de maestros, radica en que no tenemos obras sinfónicas de este último y tan singular periodo, lo más parecido quizás la obertura La Consagración del Hogar. Sus últimos cuartetos son su mayor legado, ¡qué más podríamos desear fervientemente sino una sinfonía con esos sonidos tan avanzados y especiales!
¿Y qué nos queda de su famosa décima sinfonía, tan misteriosa como esquiva? Pues realmente, cartas de amigos haciendo referencia a las intenciones de Beethoven de escribirla, y tras un inmenso trabajo musicológico, apenas esbozos de 4 movimientos sin orquestar, sin desarrollar. El 80% del material encontrado correspondía a un solo movimiento, mientras que el restos apenas eran unos temas esbozados y llenos de garabatos. El reputado musicólogo Cooper se atrevió casi en los 90 a escribir una "décima de Beethoven" ejecutable, enormemente criticada, englobando solamente ese hipotético primer movimiento. Pese a tener material original bastante abundante, ni había un movimiento escrito ni nada de nada. Cooper compuso una obra propia a partir de dichos esbozos, escribiendo totalmente de su puño y letra, ya sea en el desarrollo, decidiendo la estructura final en forma ABA (Andante-Allegro-Andante), así como la orquestación. Incluso más tarde, otros músicos, como Prengel se han atrevido a coger el incluso más limitado material de los hipotéticos tres movimientos restantes y generar una sinfonía entera.
Y decía al principio que confesaba un placer culpable. Y es cierto. Porque aunque dicha obra tiene de Beethoven lo que yo de bombero torero, aunque no hay atrevimiento estructural ni tímbrico, aunque no existen las armonías del último Beethoven, la obra respira y ruge con todo su aliento. El tema del Andante es bellísimo, crepuscular, lleno de emoción. El tema del Allegro, totalmente de Beethoven, tiene fuerza, potencia, grandeza. Lo que pudo ser y no fue ¡Qué gran lástima no haber tenido tiempo para haber trabajado el genio alemán con tan gran material!

Lo dicho, lo confieso, me siento culpable de disfrutar, y mucho...de esto.

Siguiendo con la música inacabada y con el propio Beethoven, todos sabemos que su último concierto para piano, llamado Emperador, fue toda la culminación de un estilo, solemne, monolítico, y delicado a partes iguales, el cual fue terminado en 1811. Sin embargo, hacia 1815, el propio Beethoven se embarcaría en nuevo concierto para piano, el cual si hubiera terminado sería el sexto. Sin embargo, nunca pasó de una serie de bocetos bastante avanzados con toda la exposición completamente terminada y orquestada. Solamente, en la reexposición del piano es cuando se acaba la partitura completa y empiezan los bocetos con el solista, reducción de orquesta, huecos...
En 1987 Nicholas Cook terminó una versión para concierto de este movimiento. ¿Por qué Beethoven no lo terminó? Tan simple como que no le gustaba. El concierto, pese a tener algunas soluciones técnicas propias del último Beethoven no dejaba de ser una vista atrás, al carácter directo del concierto clásico de Haydn y Mozart. Asimismo, el piano no tenía suficiente personalidad, en lo que escribió se el solista se convertía casi en un elemento de color de la misma orquesta. En definitiva, una obra con demasiados problemas sin resolver para un Beethoven inmerso en muchos frentes compositivos. Pues ahí se quedó eso...Una obra bonita, elegante, fácil de escuchar.

Aquí entrarían también las diversas realizaciones de la décima sinfonía de Schubert, más tradicionales en el caso por ejemplo de Newbould o más peculiares como en ese "Rendering" de Luciano Berio en el que hay pausas (no sé si correspondientes a lagunas en el manuscrito conservado) en la que la música "se pone a soñar" de acuerdo con el estilo más contemporáneo del italiano.