Tema: Humphrey Bogart: revisando sus películas (1941-1956)

17. El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, 1948), de John Huston



Como en el caso de The Maltese Falcon, Huston asume el reto, como director y como guionista, de llevar a la pantalla una novela destacada. Estos días he estado releyendo la obra del misterioso B. Traven, publicada en 1927, y he confirmado lo que recordaba de una anterior lectura: que se trata de un texto espléndido de un escritor con estilo y sin pelos en la lengua, que lanza unas cargas de profundidad demoledoras contra la sociedad capitalista. Por cierto, la traducción de Esperanza López Mateos otorga al relato un sabor mexicano de lo más oportuno, con un castellano repleto de mexicanismos (la novela está escrita originalmente en alemán).



Se trata de un proyecto de la Warner que se tuvo que aplazar debido a que Huston se incorporó a filas en 1942. Recuperado Huston una vez licenciado, Bogie ya disponía de la libertad para rechazar guiones y elegir directores, mostrándose interesado en el papel de Dobbs, aunque con él se alejaba de sus personajes habituales (probablemente, por eso mismo le atraía, además de por trabajar de nuevo con su amigo Huston).

Las condiciones de la preparación del guion y del rodaje, en especial la relación de Huston con el enigmático Hal Croves, enviado del inaccesible Traven, y que, en realidad, era según parece el propio escritor, son dignas por sí mismas de una película de intriga. Pero, más allá de la leyenda, y del gusto de Huston por fabular sus aventuras cinematográficas, la película queda como un ejemplo de adaptación literaria. Huston se ciñe rigurosamente al texto, aunque, lógicamente, elimina algunas partes y simplifica otras, pero en esencia estamos ante el mismo relato de Traven. Quizá las diferencias más notables son: el personaje de Lacaud (Cody en la película) no muere, sino que se queda en la zona de la mina, convencido de que hay una veta importante de oro; los bandidos que matan a Dobbs no son Gold Hat y sus compinches, sino otros distintos; además, en la novela queda algo de oro en las alforjas, aunque poco comparado con el que se pierde, mezclado con la tierra y esparcido por el viento.

Por lo demás, la película es fiel a la trama del texto (aunque obvia las diatribas contra la Iglesia y la visión tan descarnada del funcionamiento de la sociedad capitalista), en especial en todo lo relacionado con las aventuras de los tres desafortunados mineros, sus cuitas, sus discusiones, sus miedos y ambiciones. El trío protagonista es excelente: Dobbs (con el que empieza el film y la novela), un Bogie superlativo, en una de sus mejores interpretaciones (a la altura de la del Charlie Allnutt de The African Queen), llena de matices y que, a diferencia de otras ocasiones en que lo he criticado, aquí sabe perfectamente medir sus excesos enloquecidos; Howard, el viejo encarnado prodigiosamente por Walter Huston, un tipo astuto, vigoroso a pesar de su edad, y que actúa en todo momento como la voz de la experiencia (y en cierto modo de la conciencia); y el más joven e inocente Curtin, magnífico también Tim Holt.



Junto a ellos, Cody/Lacaud (Bruce Bennett, que había sido atleta olímpico en 1928, lanzador de peso) es una presencia no deseada y que, en el film, aporta una posible opción de futuro para Curtin, en forma de carta de su esposa,



y el peligroso Gold Hat (Alfonso Bedoya), un bandido cruel y malcarado (en la novela, autor de una auténtica masacre en un tren, nada que ver con el breve tiroteo que sufren nuestros protagonistas cuando van camino de Sierra Madre).



El otro personaje, como el San Francisco de Dark Passage, es el paisaje de la Sierra Madre, esas montañas áridas y desiertas que atesoran en sus entrañas el codiciado oro, pero donde el sol, el calor, la sed o las alimañas (como el lagarto amenazador que encuentran bajo una roca, y que es un añadido de Huston) penden sobre sus cabezas con un hálito de muerte.

La película tiene una atractiva primera parte en la ciudad portuaria de Tampico (en la novela no se identifica), en la que Huston se reserva una divertida aparición como el generoso hombre de blanco que da algunas monedas al insistente Dobbs.



En la novela se describe un mundo dominado por las prospecciones petrolíferas, donde el dinero es el patrón de todas las cosas, una visión tremendamente crítica de Traven que, además, sitúa la Iglesia católica como fuente de muchos de los males de los nativos, ya desde los tiempos de la conquista española. En ese contexto, la película mantiene el personaje del contratista aprovechado, Pat McCormick (Barton MacLane, al que ya hemos visto numerosas veces compartiendo escena con Bogart en esta revisión).

Howard será el alma del viaje a Sierra Madre, él es el que conoce el mundo de los buscadores de oro, el que sabrá reconocerlo, dando rienda suelta a su alegría en forma de improvisados pasos de baile.



Él será también el cemento que los mantendrá unidos cuando comiencen a surgir las disputas, provocadas sobre todo por un Dobbs cada vez más obsesionado y desconfiado. La desaparición de escena de Howard, cuando unos indios reclaman su ayuda, será el motivo de la desintegración del grupo, y la caída de Dobbs en la vesania, llegando a intentar matar a Curtin.

El reencuentro de Dobbs con Gold Hat y la pérdida del oro (por la estupidez de los bandidos, incapaces de reconocerlo) ponen punto final a la aventura, conclusión celebrada con una risa (que el texto califica de homérica) de Howard, que resuena en nuestros oídos una vez finalizado el film.



Un final tragicómico a la desmesura de la ambición que nos recuerda otro de los mejores films de losers de Huston: The Man Who Would Be King (basado en un relato de Rudyard Kipling).

En mi opinión, estamos ante una obra maestra, un film perfectamente equilibrado, en el que cabe destacar junto al guion, la dirección y la interpretación, la fotografía de Ted D. McCord y la música de Max Steiner. La Academia la premió con tres estatuillas, quedándose todas en familia: dos para el hijo (dirección y guion), y una para el padre, la de mejor actor de reparto para el veterano Walter Huston (que se cuenta que rodó sin su dentadura postiza, por petición expresa del director e hijo).



Como curiosidad, aparece brevemente, como el muchacho que vende lotería, Robert Blake, que a pesar de su aspecto infantil ya llevaba una década haciendo cine.



En la próxima entrega, de nuevo con dirección de Huston, volvemos a emparejar a Bogie con Lauren Bacall, en la que sería su última colaboración: Key Largo. Y asoma el gran Edward G. Robinson, en su única aparición en este ciclo.

Iniciado por Alcaudón

Y también me contradigo a mi mismo y al querido compañero mad dog earle puesto que el uso que se hace de la cámara subjetiva me parece menos creativo (o arriesgado) que en la coetánea LA DAMA DEL LAGO dirigida por el también actor Robert Montgomery.

Y digo esto porque en esta última (que llegué a comentar en “el otro rincón” tiempo ha…) la subjetividad se mantiene a lo largo de toda la película salvo cuando el protagonista se refleja en un espejo.

Que es menos arriesgado que en Lady in the Lake es obvio (pocas propuestas más arriesgadas en el uso de la cámara subjetiva que la película de Montgomery), pero ser más arriesgado no quiere decir, necesariamente, ser más creativo, acaso sí más original, pero la originalidad no es sinómino de calidad o de resultado logrado. Y en este sentido considero mucho más logrado el uso de la cámara subjetiva en Dark Passage que en la citada Lady in the Lake, en la que la pirueta formal de Montgomery acaba lastrando el resultado final, cansando al espectador sin que haya ninguna necesidad narrativa para utilizarla. En cambio, Daves sí tiene un motivo narrativo para usarla, y lo hace, a mi modo de ver, notablemente, aunque se deja llevar en algún momento, como cuando coloca la cámara dentro del bidón que cae rodando dando tumbos, uno de esos planos innecesarios que a veces se introducen en las películas como para hacer notar la presencia del director tras la cámara.

Respecto a las incongruencias de lo narrado (que ignoro si proceden de Goodis), ciertamente son de alivio, pero insisto en que, al menos en mi opinión, son casi una mera excusa para sacar la cámara a la calle y filmar en exteriores en la maravillosa San Francisco (de la que, por cierto, he vuelto a gozar ayer revisando Bullitt ).

18. Cayo Largo (Key Largo, 1948), de John Huston



Después de un peliculón como The Treasure of the Sierra Madre qué mejor que embarcarse (nunca mejor dicho) en otro film dirigido por John Huston, con un reparto de campanillas, y con la participación en el guion de otro amigo de Bogie, Richard Brooks.

La película adapta una obra teatral del dramaturgo Maxwell Anderson, estrenada en 1939, aunque al parecer bastante modificada. Se comenta que la película fue impuesta a John Huston por el productor de la Warner, Jerry Wald, y que el director no quería enfrentarse a la obra de un autor al que consideraba un reaccionario. Sea como sea, sin conocer el original, Huston y Brooks le dieron la vuelta al texto, porque la película resulta más bien todo lo contrario, una crítica amarga de la sociedad norteamericana de la postguerra, en la que los valores por los que tantos soldados (el propio Huston) lucharon, muchos a costa de su vida, estaban en peligro. De alguna manera, el gánster Johnny Rocco (dibujado con trazos de Al Capone y Lucky Luciano) simboliza el regreso al pasado, a la época de la corrupción, de la violencia, del dominio de las bandas mafiosas, previas al New Deal de Roosevelt. El guion refuerza la paradoja remarcando que Rocco es un inmigrante italiano al que el gobierno quiere mantener fuera del país (como Capone), cuando precisamente el hijo del propietario del Largo Hotel donde transcurre la acción, James Temple (Lionel Barrymore), ha muerto en combate en Italia, junto a Frank McCloud, el exoficial que interpreta Bogie.

La película mantiene una estructura claramente teatral, con una escapada final en barco que parece ser que es un añadido (desconozco cómo acaba la obra, en la que, por lo que he leído, los gánsters son unos bandidos mexicanos). Teatralidad que se ve reforzada al estar rodada casi íntegramente en estudio (Huston ya había consumido todo el margen posible de localizaciones fuera de Hollywood con su reciente aventura mexicana). Para que funcione esa teatralidad se ha de sustentar en un buen reparto, y a fe que Key Largo lo tiene. Curiosamente, casi podríamos decir que las dos grandes estrellas, probablemente el motivo principal de hacer el film, Bogart y Bacall, se ven oscurecidos por los otros actores principales. Empezando por un magistral Edward G. Robinson en uno de sus mejores papeles, como el odioso, cruel y libidinoso Rocco (su aparición en la bañera casi a la media hora de película es inolvidable).



El repertorio de gestos, miradas, cambios de humor, del actor es sensacional. Sus insinuantes susurros a la oreja de Nora (Bacall), viscosos. Junto a él, dos “secundarios” de peso: el gran Lionel Barrymore, como el entrañable Temple, confinado en una silla de ruedas (que el actor necesitaba realmente, por graves problemas de artritis),



y la deslumbrante Claire Trevor, la gran perla oculta del film, como Gaye Dawn (el nombre es toda una ironía), la amante dipsomaníaca (una “lush”) de Rocco,



que se come la pantalla en cada una de sus apariciones, muy en especial cuando canta, patéticamente, “Moanin’ Low”.



Trevor ganó un Oscar merecidísimo (si es que esto de los premios competitivos entre actores tiene sentido), compartiendo ese año, casualmente, el podio de mejores actores “de reparto” con Walter Huston, por el film comentado la semana pasada (lo que marca sin duda un punto culminante en la filmografía de Huston).

Tan bien están Robinson, Barrymore y Trevor, que Bogart y sobre todo Bacall quedan un poco en segundo plano (en muchos momentos, literalmente). En especial, la actriz da para poco más que algunas de sus miradas matadoras e irresistibles, especialmente las de menosprecio y asco, que dedica a Rocco, y las de fascinación creciente que dedica a Frank.



Este, en manos de Bogart, es un personaje un tanto gris que se magnifica por la categoría del actor (que, además, luce un poco habitual atisbo de “pecho lobo”).



En la obra de Anderson se trataba de un exbrigadista de la Guerra Civil española, pero, acertadamente, Brooks y Huston lo reconvirtieron en un soldado de la II Guerra Mundial, asqueado de lo que ha encontrado a su vuelta a Estados Unidos.

El resto de actores secundarios acabada de proporcionar densidad al film, muy en especial un siempre ajustado Thomas Gomez como Curly,



junto a los Dan Seymour (el “camarero”, Angel), Harry Lewis (el risueño Toots), William Haade (el malcarado Ralph) o Marc Lawrence (el gánster rival, Ziggy, nombre de resonancias bowiescas). Y los indios seminola, sobre todo la desarmante presencia de la vieja Felipa Gómez.



Y el personaje invisible: el huracán que sopla insistentemente sobre el Largo Hotel, poniendo de los nervios a Rocco y sus compinches, que se mueven frenéticos como ratas atrapadas.

Con un reparto bien engrasado, unos diálogos chispeantes, arropados por la fotografía de Karl Freund y la música de Max Steiner, Key Largo es una película que va más allá de lo que argumentalmente se podría esperar, una especie de reciclaje de The Petrified Forest.

Esa teatralidad tiene una escapada final a bordo del Santana, el barco de los Temple, nombre que sería también el del yate del propio Bogart y el de su productora, Santana Productions. La conclusión en el Santana remite, sin acreditar, al final de la novela de Hemingway “To Have and Have Not”, en la que, a diferencia de la película de Hawks, el protagonista, Harry Morgan, entablaba un tiroteo con sus pasajeros, unos revolucionarios cubanos. Aquí, Frank acaba con los gánsters,



dando paso a un final esperanzador que Huston simboliza con Nora abriendo una ventana y dejando que penetre la luz, después de la tormenta.



Aunque esa luz duró poco tiempo… McCarthy estaba al acecho, entrando en Hollywood con la fuerza de un huracán.

Algunas curiosidades: esta fue la cuarta y última película de la pareja Bogart-Bacall. Poco antes de morir Bogie estaban preparando un quinto film, pero no hubo tiempo para más. Para mí no es la mejor si nos fijamos solo en ellos, pero, en su conjunto, está a un nivel similar a The Big Sleep, por encima (ya lo siento Alcaudón) de To Have and Have Not y Dark Passage. También fue la última en que compartieron pantalla Bogart y Edward G. Robinson (figurando en esta ocasión en igualdad de condiciones en los créditos del film, aunque Robinson aparece en el centro, flanqueado por Bogie y Bacall). Se cuenta que Bogie trató durante todo el rodaje con gran respeto al veterano actor, de forma muy amistosa. Esta vez, aunque fue Bogie quien mata a Robinson en la pantalla, creo que el pequeño actor de origen rumano se llevó la película de calle.

En la próxima entrega subiremos a bordo del Santana bogartiano, para la primera producción de su compañía. Será Knock on Any Door, dirigida por Nicholas Ray. Como es un film que Alcaudón y yo comentamos ampliamente en la revisión que dedicamos a Ray, me permitiréis que, en lugar de repetirme, dedique el comentario a aquellos aspectos que en el nuevo visionado me hayan parecido reseñables. Pero eso será la semana que viene.

Ya está Cayo Largo!!!! Así son las semanas de 5 días de Mad

Yo lo entiendo perfectamente. Cuando se vienen peliculones tan seguidos, es más fácil aumentar el ritmo. Por cierto, no veas la chupá que le metía la Felipa al cigarrillo que le enciende Bogart. Natural de Puerto Rico, vivió hasta los 96 tacos.

Iniciado por Alex Fletcher

Ya está Cayo Largo!!!! Así son las semanas de 5 días de Mad

Y esperaos a cuando me jubile.

Excelente review de "Cayo Largo" querido compañero mad, yo suscribo 100% todo lo que has puesto.

Siendo mi peli favorita de Bogart & Bacall, también es verdad que hay otra excelente pareja que casi los eclipsa en cada escena que aparecen y que no son otros que los veteranos Robinson & Trevor, se podría decir que es un filme con dos grandes parejas protagonistas... pero además la película tiene una trama excelente, buenos diálogos, ese hotel, esas palmeras al viento, esos gánsters, esos indios,... excelente todo en cualquier caso, uno de mis blurays favoritos.

Por cierto, ¿cual hubiera sido la próxima película de Bogart & Bacall?, ¿se llegó a realizar con otros actores?...

Iniciado por Alex Fletcher

Ya está Cayo Largo!!!! Así son las semanas de 5 días de Mad

Sí que va echando leches, sí Cómo se nota que los sesenta de ahora no son los sesenta de hace 40 años ..... Cayo Largo y La Reina de África quiero volver a verlas, menos mal que llegan las vacas gordas (la vacaciones) y espero que aflojéis un poquito....

Iniciado por cinefilototal

Por cierto, ¿cual hubiera sido la próxima película de Bogart & Bacall?, ¿se llegó a realizar con otros actores?...

Uno de mis primeros aportes en este hilo fue el momento en el que a Bogart le diagnosticaron su enfermedad. Un artículo sobre ello. De no haber caído enfermo (y recaído en cuestión de meses, ya fatalmente) su siguiente film hubiese sido de nuevo a priori con Lauren/Betty pues ya se habían hecho la pruebas de vestuario. Creo recordar que élla iba a interpretar a una política y él a un militar.

No os ha pasado alguna vez, que cuando leéis un título, confunden una palabra con otra, se quedan tan panchos y reaccionan tarde al error? A mi me pasó de joven (si, ya sabía leer) con el film a comentar, el tesoro de sierra madre , que cuando lo leí me salió "el tesoro de put@ Madre".

En cuanto al film, no defraudó las expectativas creadas, aunque me gusta, o me gustó (porque es la siguiente ) un pelin más Cayo Largo, quizá por afinidad al género Noir contra algo relacionado con un Western, que creo de Western es más ambientación y situación temporal que otra cosa, ya que se aleja mucho de la rigidez westerniana tan típica y que tan poco me gusta, y cuando un film se va por las ramas del western, eso me interesa más, y es el caso.

Con una intro que engancha y mucho, con Bogart mendigando, tres veces al jefe de la función, con un perfil más bajo donde puede esconder lo que después saca a la palestra, creando uno de los personajes más miserables que recuerdo, porque Dobbs es un hdp que cae rematadamente mal, y eso gusta, y más con el contrapunto de sus dos compañeros de búsqueda, ambos más allá de la excelencia: me rindo ante Walter Huston de principio a fin, se me pone gallina el piel en su parte final, fascinante el flash que se me pasa en la escena de la cura mágica de Huston con el niño y delante un público numeroso y concentrado, esperando un "el tesoro de put@ madre 2", siendo Huston el embrión del personaje de Brando en la maravillosa y rara Apocalypse Now (se me pone otra vez gallina el piel -por no decir una parte del cuerpo que sube y baja de tanto en cuanto- con el visionado en 4K en la escena de "the ride of the Valkyrias"). Me ido por las ramas ya se....Y tenemos al más "normal" aunque algo de cabroncete si tenía de Tim Holt (he visto algunas de él, pero ahora mismo no le sitúo, a falta de la revisión del sobrevalorado que Alcaudón está tramando a fuego lento....."TIC TAC TIC TAC", espero que la futura revisión no acabe como el famoso no fichaje, de futbol voy a volver hablar en el siguiente párrafo.



Vuelvo con el personaje de Bogart, que está también excelente, pero vean, me quedo un poquito más con los otros dos, será que al ser tan hdp me ha dejado algo chafado, porque podría haber sido más hdp que como se muestra en el film? yo creo que no, quizá si en vez de tirarle el agua al niño de la loto, le hubiera dado un guantazo a mano abierta a lo Bud Spencer. En fin, será el personaje de Bogart el que aporte un aroma de vinagre, no son ni gotitas, pero uno es demasiado exigente, y seguro que todos me negaran la mayor, pero es la sensación que me produjo en la escenas en que pasamos a una mala persona que desconfía (excelente la escena de los paseitos nocturnos de los tres comprobando o escondiendo su oro) a la locura total, en ese tránsito me falta una poco de minutaje para no encontrarme tan de sopetón la put. locura de Dobbs, pero bueno para ser quisquilloso sólo . Volvemos al futbol, con la escena en que Holt (ya curandero Huston se separó del grupo) reduce a Dobbs y le da las dos opciones de ir por separado: primero Dopps ir por delante, y este le dice que nanay que le atacará por la espalda, o Dopps ir por detrás, pero tampoco, ya que el personaje de Holt le prepararía una emboscada.....ahí instantáneamente, a parte de soltar una carcajada, me vino a la cabeza la prensa deportiva, o sea de futbol, de Barcelona, prensa que mamé mucho y mucho, por la compra diaria de uno de ellos por parte de mi padre, y que empecé a ojear por la información del basquet, y acabé con el daño colateral del futbol, y transformándome en un anti, por ejemplo para no enrollarme con el pasado y poniendo un ejemplo de estos días, el Madris está a punto de fichar a un jugador por 80 kilos está en la rifa también el Paris, parece que el Madrís lo ha fichado pero no es oficial, el mismo sector de la prensa dice: si lo ficha, el precio es indigno y se podría construir un hospital con ese dinero, y sino lo ficha, tito Floren hace otra vez un ridículo espantoso, en resumen, hagan lo que hagan, está mal.....y de ahí empalmo con el bueno de Holt, que haga lo que haga con Dobbs está mal , por delante o por detrás.

Ahhh pues eso, el film me ha encantado . Grande Huston!!!!! el padre!!!!! Gracias al Walter Huston, me han entrado ganas de leer el libro que tengo de los Huston, alguien lo ha leído?

Pido perdón por la reseña, creo que se me ha ido un poco la pinza, pero no pienso corregir ni borrar nada

Luego me leo vuestros comentarios dado que ahora me pongo con el visionado de EL TESORO DE SIERRA MADRE, que tengo tanto en DVD como en BD... de forma que no cometeré el error de LA SENDA TENEBROSA...

Y aunque con toda propiedad la cinta pertenece de lleno al cine de aventuras también podría incluirse igualmente en el western dada su localización geográfica.

Me hubiese gustado haberme leido la novela de Traven pero me temo que va a ser imposible y eso que hay una edición mucho más reciente (2009) que la que menciona mad dog earle en su excelente crítica.

Iniciado por Alex Fletcher

Pido perdón por la reseña, creo que se me ha ido un poco la pinza, pero no pienso corregir ni borrar nada

No pidas, te ha quedado guapa, guapa. Cualquiera que azuce y eche un poco de vinagre sobre la colmena del capo Don Floren para mí ya tiene ganada ya una parcela en el cielo si es que existe, ese es el problema; al menos ese solar no será propiedad de Don Floren. Quiero pensar que hay cosas que jamás podrán ser compradas con dinero de procedencia con frecuencia con sutil olor azufre.
"Sierra Madre" es TOP Bogart, TOP Huston (los 2), TOP 40s etc.etc. hasta en China, donde seguramente la relevancia de Humphrey haya pasado más discreta. Si no hubiese existido esta película, siempre hubiéramos dicho de la filmografía de Bogie que le faltaría un "Sierra Madre" tal cual; y eso sin existir, que ya tiene mérito realizar semejante aseveración pues. Y con "La Reina de África", ídem.

Iniciado por Alcaudón

Me hubiese gustado haberme leido la novela de Traven pero me temo que va a ser imposible y eso que hay una edición mucho más reciente (2009) que la que menciona mad dog earle en su excelente crítica.

Es más reciente pero la traductora es la misma, por lo que sospecho que ha de ser el mismo texto. Muy recomendable.

Iniciado por Otto+

"Sierra Madre" es TOP Bogart, TOP Huston (los 2), TOP 40s etc.etc. hasta en China, donde seguramente la relevancia de Humphrey haya pasado más discreta. Si no hubiese existido esta película, siempre hubiéramos dicho de la filmografía de Bogie que le faltaría un "Sierra Madre" tal cual; y eso sin existir, que ya tiene mérito realizar semejante aseveración pues. Y con "La Reina de África", ídem.

Amén a todo. Para mí no hay aroma de vinagre en la interpretación ni en el personaje de Bogart. Lo que pasa es que Alex es muy buena persona y eso le puede ante el comportamiento hijoputesco de Dobbs. En la novela se consigue una gradación quizá más ajustada de su progresiva locura, pero en la película también me parece muy convincente. Hay que tener en cuenta que lo que son minutos en el film son meses en la narración.

Aunque como dije antes parece mucho más clara la adscripción de EL TESORO DE SIERRA MADRE al cine de aventuras que al western no todo el mundo opina lo mismo...



Que, por cierto, es la edición que yo tengo en DVD, aunque más tarde la adquirí en BD.

17. THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE (1948, EL TESORO DE SIERRA MADRE)



Director: John Huston.

Producción y distribución: Warner Bros. Pictures, Inc.

Productor: Henry Blanke.

Guion: John Huston, basado en la novela "Der Schatz der Sierra Madre" de B. Traven (Berlin, 1927).

Fotografía: Ted McCord, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: John Hughes.

Decorados: Fred M. MacLean.

Música: Max Steiner.

Montaje: Owen Marks.

Reparto: Humphrey Bogart (Dobbs), Walter Huston (Howard), Tim Holt (Curtin), Bruce Bennett (Cody), Barton MacLane (McCormick) y Alfonso Bedoya (Sombrero Dorado) + John Huston (El americano del traje blanco).

Rodaje: del 17 de marzo al 22 de julio de 1947.

Duración: 2 h 06 m 08 s. (Copia en BD editada por Warner en 2010).

Estreno: 24 de enero de 1948.

Recaudación: 2.300.000 dólares (Variety, 5 de enero de 1949).



Espacio:

Tampico > Durango > Sierra Madre > Durango

Tiempo:

1925 > 1926

…

Cuarto largometraje en la carrera como director de John Huston (1906-1987) y primero tras su regreso a la vida civil después de la finalización de la Segunda Guerra Mundial, EL TESORO DE SIERRA MADRE es también su primera obra maestra, aunque EL HALCÓN MALTÉS le pisa los talones.



- Walter Huston, Tim Holt, John Huston y Jack Holt - padre del anterior - en el set de rodaje -

Aunque como bien dice el maestro mad dog earle “obra maestra” es un término que los aficionados tal vez usamos con demasiada ligereza, en este caso hace referencia a una película cuyos méritos artísticos superan con creces los de títulos coetáneos y que además se sitúa entre lo más granado de la filmografía de este director tan irregular (aunque apasionante) como es Huston.

Esta es una película en la que los nombres tienen una capital importancia.

El del misterioso (y elusivo) B. Traven, quien pese a publicar su novela en Berlín y, por tanto, en alemán, en 1927...



- Primera edición alemana, Berlín, 1927 -

... la misma no fue objeto de deseo de los grandes estudios de Hollywood hasta que vio la luz en Norteamérica en 1935...



- Cubierta de la primera edición norteamericana, Alfred A. Knopf Inc., Nueva York, 1935 -

El del productor (de origen alemán) Henry Blanke (1901-1981), quien se interesó por la novela a instancias de Huston (ambos se conocían desde los tiempos de JEZABEL (1938), de William Wyler, recientemente comentada en el rincón Bette Davis que lleva la infatigable hannaben ) y que pese a las presiones del estudio supo esperar pacientemente el regreso del director después de que este se enrolara a filas en 1942.



- Blanke era un ejecutivo muy apreciado por los directores hasta el punto de que por ejemplo el gran William Dieterle se negaba a trabajar con otro productor que no fuese él.

Dieterle, por cierto, dirigió al padre de John, Walter, en una de sus mejores interpretaciones, la del señor Scratch en la espléndida (e incomprendida) EL HOMBRE QUE VENDIÓ SU ALMA (1941).

Ambos volverían a coincidir en el (caótico) rodaje de la apasionante DUELO AL SOL (1946), de King Vidor… y William Dieterle… y Otto Brower… y… -

El de Humphrey Bogart, quien establecería con el director la relación laboral y amistosa más fructífera de su carrera (Howard Hawks aparte) y que cristalizaría en seis películas, incluida la que le haría ganar el único Oscar de su carrera.

El de Walter Huston (1883-1950), que se convertiría en el auténtico protagonista de la película y que incomprensiblemente ganaría el Oscar al mejor actor de reparto… cuando debería haberlo hecho como actor principal…

- Walter, por cierto, aparecería por última vez en la gran pantalla en el segundo de los tres westerns con los que Anthony Mann (director del que hemos hablado recientemente en el rincón Fritz Lang) debutó en el género en 1950. -

O el del propio John Huston, quien a semejanza de Alfred Hitchock, haría el primer cameo en una de sus propias películas…



[Recordemos que su padre ya había hecho lo propio en el debut de John en la dirección, puesto que encarnaba al personaje que, moribundo, entregaba la famosa estatuilla al detective Sam Spade (léase Bogie)]

... y que logró un equilibrio perfecto entre la escritura del guion (aun a falta de leer la novela de Traven y basándome en las apreciaciones de mad dog earle) y la puesta en escena que todavía hoy en día asombra por su modernidad.

EL TESORO DE SIERRA MADRE es, además, el primero de sus títulos que puede inscribirse en el cine de aventuras, uno de los géneros que cultivó con mayor asiduidad, aunque bien es cierto que no siempre los resultados estuvieron acordes con las expectativas.

LA REINA DE ÁFRICA (1951) – su primera película en Technicolor -, MOBY DICK (1956) – excelente adaptación de la compleja novela de Herman Melville -, EL BÁRBARO Y LA GEISHA (1958) – severamente mutilada por su estrella principal, John Wayne -, LAS RAÍCES DEL CIELO (1958) – una cinta de marcado (y atípico para la época) acento ecologista - o EL HOMBRE QUE PUDO REINAR (1975) – la última obra maestra del género dentro del período clásico, junto a EL VIENTO Y EL LEÓN (1975), de John Milius -.

Como podemos apreciar, las dos mejores cintas de Huston hasta la fecha tienen como nexo de unión la (infructuosa) búsqueda de un tesoro.

Y en ambos casos producto de la avaricia, uno de los siete pecados capitales que reconoce la Iglesia.

Una avaricia que se torna en este caso en auténtica locura, tal y cómo podemos observar en la perfecta gradación por la que pasa el personaje encarnado por Bogart, (Fred C.) Dobbs.





Pero la fiebre del oro también recorre las venas del veterano Howard (Huston) e incluso del más idealista Curtin (Holt), si bien ambos la subliman cuando encuentran causas más nobles a las que dedicar su vida y aceptan con deportividad los reveses que la diosa fortuna les ha deparado en uno de esos finales antológicos que ya forman parte de nuestro imaginario colectivo.

Antes de seguir adelante me gustaría romper una lanza a favor de Tim Holt (1919-1973), estrella de numerosos westerns de serie B en los años ‘40 y ‘50, pero que había tenido un rol principal en la gran obra maestra mutilada de Orson Welles, EL CUARTO MANDAMIENTO (1942) y que aquí tal vez tenga el papel más complejo de los tres protagonistas, equidistante entre el pragmatismo de Howard y el egoísmo de Dobbs.



Como acabamos de ver, otro de los temas fundamentales en la obra de Huston es el de la suerte, normalmente adversa, aunque no siempre, como comentaremos a continuación.

Por ejemplo, será la buena suerte – sorteo mediante - la que proporcione a Dobbs el dinero que falta para poder llevar a cabo la búsqueda del tan ansiado oro junto con sus compañeros de fatigas.



Y también será buena, al menos circunstancialmente, para Cody (Bruce Bennett, a quien acabamos de ver como pretendiente de la protagonista femenina en LA SENDA TENEBROSA) cuando la (providencial) llegada de los bandidos capitaneados por el temible Sombrero Dorado (Alfonso Bedoya) evite su ejecución a manos del trío protagonista.



Y, por supuesto, porque gracias a los conocimientos en primeros auxilios de Howard este salve la vida de un niño en una aldea remota.



Una escena, por cierto, con un hermoso carácter onírico...

Aunque, evidentemente, será ese doble final, primero la muerte de Dobbs a mano de un capitidisminuido Sombrero Dorado y sus dos andrajosos adláteres y después la cumplida venganza que se toma la Madre Naturaleza cuando los fuertes vientes le devuelvan lo que los hombres le han quitado, lo que se nos quede impreso en las retinas cuando finalice el visionado de la película.

Apenas he hablado de la interpretación de Bogie, pero que nadie piense que lo encuentro sobreactuado, sino todo lo contrario.

De hecho y aunque tal vez sea osado por mi parte, tal vez el haber interpretado a dos personajes desequilibrados como eran los protagonistas de cintas menores como AL BORDE DEL ABISMO y LAS DOS SEÑORAS CARROLL le valieran para preparar con muchos mejores mimbres su espléndida caracterización.

EL TESORO DE SIERRA MADRE es una película de miradas.

Como la de escepticismo de Howard cuando Dobbs y Curtin sellan con un apretón de manos su recién creada sociedad.





O cuando los primeros signos de locura empiezan a asomar en el rostro de Dobbs.



O cuando Curtin no puede resistir más y se deja vencer por el sueño en su pugna con el ya completamente desequilibrado Dobbs.



O la de puero regocijo de Howard y Curlin cuando se dan cuenta de que todos los meses de duro esfuerzo no han servido para nada...





... ¿o tal vez sí?

En ese intercambio de miradas es decisiva la espléndida labor tras las cámaras de Ted McCord y su contrastado juego de luces y sombras.

Ah, y pese a lo que pudiera parecer buena parte de la acción no se rodó en escenarios naturales sino en los platós de la Warner en Burbank…

Y paradójico el hecho de que pese a ganar 3 Oscar (mejor director, guion y actor de reparto)...



... la película no fuera un gran éxito de taquilla, aunque tampoco el fracaso que algunos dan a entender.

De hecho, si echamos un vistazo al número del 5 de enero de 1949 de la revista Variety, la película ingresó unos nada despreciables 2.300.000 dólares.

Claro que la siguiente entrega del coleccionable, la igualmente excelente CAYO LARGO (1948), obtuvo 3.250.000…

Como decía al principio EL HALCÓN MALTÉS fue una de las mejores óperas primas del Hollywood clásico, pero EL TESORO DE SIERRA MADRE es una película mucho más personal y entronca mejor con las inquietudes que por entonces y también más adelante asomarían en los mejores títulos de uno de los pocos directores que se despidió por la puerta grande con una cinta tan bella (y melancólica) como es DUBLINESES (1987).

Buenas noches y, buena suerte.



P. D. Entre EL TESORO DE SIERRA MADRE y CAYO LARGO Huston intervino como director, aunque de forma anónima (como también lo hizo George Stevens) en una película formada por varios sketches titulada UNA ENCUESTA LLAMADA MILAGRO (1948) y acreditada finalmente a Leslie Fenton y King Vidor.



Un interesante bonus track hustoniano aunque no bogartiano.

¿Alguien se anima?

Grandes reviews, Alcaudón y alex, cada uno en su linea. Comparto totalmente, y en esto, creo que ya lo hemos comentado todos (Otto, mad dog, etc...) que El tesoro de Sierra Madre es una pom. Y lo es porque sí. Y también porque todo me parece en su lugar. Y todo me parece "natural", desde las interpretaciones del elenco completo (que muestra lo variopinta de la mezquindad humana y que todos, en mayor o menor medida, tenemos dentro y desarrollamos, más o menos, en cada caso), la parte de la dirección que es de Oscar (y lo fue) y el desarrollo de la historia, que me parece genial.

Iniciado por mad dog earle

Amén a todo. Para mí no hay aroma de vinagre en la interpretación ni en el personaje de Bogart. Lo que pasa es que Alex es muy buena persona y eso le puede ante el comportamiento hijoputesco de Dobbs. En la novela se consigue una gradación quizá más ajustada de su progresiva locura, pero en la película también me parece muy convincente. Hay que tener en cuenta que lo que son minutos en el film son meses en la narración.

Lo que me hace comprobar o corroborar que el guión de Huston recibió merecidamente el Oscar.
Por cierto, además de los Oscar, tanto en los Globos de Oro como en la crítica de NY, El tesoro recibió el premio a mejor film y a mejor director.

Hace ya un tiempo reseñé un más que atractivo western con el oro, la avaricia, la desconfianza y esas miradas desesperadas y rayos de locura que trancurre en una doble línea temporal (una mucho más atractiva que otra aunque la buena sea la que acapare casi todo el protagonismo): Lust for gold (1949, a raíz pues del film de Huston), protagonizado por Ida Lupino y Glenn Ford. Muy recomendable por lo desconocido que es este film y por ciertos pasajes del film que hacen de él un western-noir.

Esa película con Ida Lupino, es ciertamente notable, la tengo en DVD original.

Revisada ayer Knock on Any Door, de Nicholas Ray, creo que no puedo aportar nada más a lo ya comentado en su día en la revisión que hicimos Alcaudón y yo del director, suscribo todo lo dicho entonces, por lo que me limito a reproducir de nuevo el comentario (que en un alarde de economía de medios ya figura en tres hilos diferentes ).

Iniciado por mad dog earle

Llamad a cualquier puerta (Knock on Any Door)
Amplio el comentario de Alcaudón. De entrada, si leemos la sinopsis del film y nos fijamos en su estructura, podríamos pensar que nos encontramos ante un híbrido entre They Live By Night y A Woman’s Secret (aunque ya aclaro que, afortunadamente, se parece más a la primera que a la segunda).
Como en la primera, tenemos una pareja de jóvenes marginados: él, Nick “Pretty Boy” Romano (John Derek, mucho más duro que Farley Granger, más ajustado a su papel de delincuente),


hijo de una familia de inmigrantes italianos, vio cómo su padre murió en la cárcel por no haber sido defendido correctamente (por culpa de la desidia de Andrew Morton, el abogado que encarna Bogart); al igual que Bowie (al que recordemos le llamaban “The Kid”) ha pasado por reformatorios y cárceles, y se ha ido hundiendo cada vez más en la delincuencia, ejemplo vivo del barrio más miserable de la ciudad.


Ella, Emma (una dulce y tierna Allene Roberts), vive con una tía alcohólica, que morirá pronto, quedándose sola. Como Keechie, es una muchacha triste, melancólica, que no confía demasiado en su futuro y que se agarra a Nick como a un clavo ardiendo, pero a diferencia de la protagonista de They Live By Night, no tendrá fuerzas para seguir adelante cuando compruebe que Nick le ha mentido y que ha vuelto al robo, al juego, al crimen (dando pie a una brutal escena en que, embarazada, se suicida con el gas, momento filmado por Ray con una enorme delicadeza).


Estamos pues ante una pareja en que todo lo que definía a Bowie y Keechie, y en consecuencia su inevitable fatalismo, está más acentuado, las esperanzas aún son menores (hay, sin duda, un cierto determinismo social en la narración).
Como en A Woman’s Secret, se parte de un acto homicida (en este caso un asesinato, estremecedor: un hombre no identificado mata a bocajarro al policía que lo persigue, de varios disparos, sin piedad), en un inicio electrizante, como el de They Live By Night. Los primeros minutos es de lo mejor del film. También en esta ocasión se nos va a narrar el pasado de Nick en forma de flashbacks (cuatro, como bien ha apuntado Alcaudón, el tercero de larga duración). Esos flashbacks sirven para ilustrar la descripción de su pasado que efectúa Morton ante el jurado,


intentando hacerles ver que en lo que se ha convertido Nick es el resultado de una vida de miseria, de injusticia, de pobreza, de ignorancia, en el que han participado de manera destacada los estamentos públicos (en especial el reformatorio, que en lugar de “reformarlo”, lo acaban de llenar de odio y lo convierten en un tipo violento, irascible). Es esta ocasión, como se trata de flashbacks que van contando linealmente el devenir de Nick no suponen un freno al ritmo del film tan acusado como pasaba en A Woman’s Secret, aunque remiten a una fórmula narrativa un tanto convencional.
Una vez contado todo ese background de Nick, el film se convierte en una típica película de juicios, auténtico subgénero en la cinematografía de Hollywood. Como es habitual, se vivirá un duelo entre el abogado defensor (Bogart), un profesional que ha triunfado saliendo del mismo arroyo que Nick, y el fiscal (George Macready), un tipo odioso y malcarado que presenta unos testigos convenientemente manipulados y un tanto caricaturescos.


Aquí el film de Ray prescinde de planteamientos novedosos (aunque filma con ligereza las secuencias) y plantea un duelo claramente maniqueo, hasta el punto de que vemos como el fiscal, que tiende a llamar a Nick “Pretty Boy”, se acaricia a menudo una ostentosa cicatriz que le cruza la cara (¡premio a la sutileza!).

Spoiler:

En el desenlace es donde podemos sorprendernos, porque a diferencia de lo que sería habitual, Morton no puede salvar a Nick, ya que el fiscal consigue arrancarle la verdad, y esta es que Nick mató al policía y que ha estado mintiendo todo el tiempo. Morton, golpeado por la revelación, por la confianza burlada, inicia un largo alegato en que intentará evitar a Nick la pena de muerte. El argumento en cierta forma ya ha sido expuesto: Nick Romano es fruto de la sociedad, en consecuencia es tan culpable como lo somos todos nosotros, de ahí que cuando el juez dicte sentencia (que en gesto de coherencia es condenatoria a muerte) Ray sitúa juntos a Romano y a Morton, en un plano picado, de forma que se explicita que condenando a Nick se nos condena a todos nosotros.
El final, sobrio, nos muestra a Nick camino de la silla eléctrica. Tal como ha apuntado Alcaudón, en ese último momento Nick no puede evitar hacer el gesto que muchas veces le hemos visto en el film, se peina su tupé... pero se nos muestra un detalle escalofriante: la coronilla afeitada, signo de la silla eléctrica que le espera.

Knock on Any Door es un film irregular, pero muy apreciable. Tiene momentos excelentes o detalles curiosos (la camisa con manchas de sudor del juez o el rastro húmedo que ha dejado en su butaca; la salida del ataúd que contiene a Emma, visto desde una azotea por Nick;


el inicio ya comentado, de una violencia seca; esos manguerazos de agua fría en el reformatorio, cruel forma de tortura;


el frustrado asalto en la estación de tren, cuando uno de los colegas de Nick cae violentamente desde una cierta altura y revienta contra el suelo; algunos apuntes antirracistas cuando se interroga a un testigo mexicano o a un amigo de Nick, negro; o las ya comentadas secuencias del suicidio y el paseo final hacia la silla eléctrica). Quizá si el juicio no se hubiera planteado de una manera tan convencional, con el recurso al flashback, y con el duelo maniqueo entre abogado y fiscal, podríamos estar ante un film excelente. Con todo, es una buena película, digna de la filmografía de Ray, y próxima a sus temáticas más reconocibles. Y además dejó para la historia una de las frases más míticas de la segunda mitad del siglo XX: “live fast, die young and leave a good-looking corpse”, que parece un eslogan pensado para tantos músicos de los 60 y 70 (Hendrix, Morrison, Jones, Joplin y un largo etcétera).
Para acabar, apunto algunas presencias destacables dentro del elenco de actores secundarios, excelente como era habitual entonces: Dewey Martin, otro de esos jóvenes rompedores, aunque nunca llegó a estrella, o Vince Barnett (el barman, testigo clave), al que recordaremos como el grotesco Angelo del Scarface de Howard Hawks.

Si acaso, puesto que este es un ciclo dedicado a Bogart, añado que la interpretación de Bogie me parece notable, pero que la película gira claramente alrededor de John Derek, uno de esos jóvenes actores que, como Brando o Dean o Farley Granger o incluso el Dewey Martin presente en la película, prometían ser las estrellas del futuro. Algunos lo fueron, una de ellas de forma fugaz, aunque con una estela que dura hasta nuestros días, y otras, como el propio Derek, tuvieron una trayectoria irregular (hubo una época en que a Derek se le conocía más como el marido de Bo Derek, otra actriz de éxito breve, que como actor o director).

En todo caso, la Santana Productions se estrenaba con un film de claro contenido social, aunque filtrado por los códigos del espectáculo hollywoodiense. Desgraciadamente, la siguiente producción de la compañía de Bogart, y próxima entrega de esta revisión, es un film bastante convencional, Tokyo Joe, en el que Bogie encarnaba un personaje hecho a girones de otros films, dirigido por el discreto Stuart Heisler.

John Derek está insoportable en "Los 10 mandamientos"

Cuando pueda me pongo con CAYO LARGO.

El problema no es verla sino que con este calor (que finalmente ha llegado incluso hasta el Norte... ) no me apetece nada ponerme con el ordenador a comentarla.

En cuanto a TOKYO JOE no creo que tenga copia de la misma aunque tendría que revisar mis archivos...

Iniciado por Otto+

John Derek está insoportable en "Los 10 mandamientos"

Al parecer, Derek nunca negó que no le gustaba actuar. Pero no sabía él que a los demás no nos gustaba que se decidiese a ser director Lo que envidio de él fue la de mujeres despampanantes que pasaron por el altar.

Iniciado por Alcaudón

En cuanto a TOKYO JOE no creo que tenga copia de la misma aunque tendría que revisar mis archivos...

Se editó dentro de la colección Bang Bang.