Tema: Humphrey Bogart: revisando sus películas (1941-1956)

Iniciado por mad dog earle

Desde su inicio este ha sido un ciclo muy personal mío, que no compromete a nadie más, aunque se agradecen las participaciones. Estoy de acuerdo en que un ciclo dedicado a un actor no es lo ideal, porque las filmografías suelen ser largas y muy irregulares. Lo de Bogart ha sido un antojo cinéfilo, que no creo que tenga continuidad, a no ser que en algún momento me dé por dedicar alguna revisión a un actor/actriz con pocas películas.

Aunque haga solo una cita, también va por lo comentado por Alex. Mirándolo bien, es un ejercicio interesante, pero demasiado exhaustivo y por tanto, puede llevar a forzar el deseo de ver ciertas películas. Como lo que Alcaudón comentaba una vez que se estaba convirtiendo su labor de reviews. Cuando ya se vuelve una obligación se pierde el deseo, la magia.
En cierto modo, esa es una de las causas por las que no participo con reviews (la otra es no encontrar la película en los montones de cintas ). Aunque ayer pillé, como dije, en la tele la última de Bogart y me supo a gloria.

Iniciado por jmac1972

Ah, un ciclo de Renny Harlin... Interesante...

No, me temo que vas desencaminado.

Iniciado por mad dog earle

No, me temo que vas desencaminado.

Perro malo...

29. El motín del Caine (The Caine Mutiny, 1954), de Edward Dmytryk



“The dedication of this film is simple: to the United States Navy”. Así finaliza la película y, con esta frase, podría dar por concluido el comentario, porque explica muchas cosas. Mucho más si la película empieza con el siguiente rótulo: "There has never been a mutiny in a ship of The United States Navy. The truths of this film lie not in its incidents but in the way a few men meet the crisis of their lives”, lo que viene a documentar las reticencias que tuvo inicialmente la Marina de Estados Unidos para dar apoyo al film. La presencia de la palabra “mutiny” en el título, tomado del original literario que adapta, “The Caine Mutiny” (1951), de Herman Wouk (exmilitar de la Marina, ganador del Pulitzer por esta novela), incomodaba a las autoridades militares, porque, como se apresuraron a dejar constancia en ese texto introductorio, la sola sospecha de que en la Marina hubiera habido nunca un amotinamiento era algo intolerable.

Con todas esas precauciones tomadas, el proyecto ya pudo tirar adelante, contando incluso con el asesoramiento técnico de un comodoro.



Sorprende que un film tan timorato a la hora de enjuiciar les acciones de los oficiales de la Armada (¡hasta los títulos de crédito se superponen a una insignia de la U.S. Navy!) fuera una producción de Stanley Kramer para la Columbia, estando Kramer habitualmente implicado en proyectos de temática “fuerte” para Hollywood, dentro de lo que podríamos denominar “ala liberal”.



Menos sorprendente quizá es que el director fuera Edward Dmytryk, uno de los Diez de Hollywood, conociendo cual fue su actitud después de su paso por la cárcel. Talmente parece como si productor y director tuvieran que hacer un acto de contrición, vistos los ánimos que corrían por el cine norteamericano en plena Guerra Fría y con la caza de brujas mccartista en marcha.

Ante este panorama, ¿qué nos queda, si no somos apologetas de lo militar? Primero de todo, destacar que se trata del primer film de Bogart en formato panorámico y el segundo en color, después de The African Queen. El guion de Stanley Roberts, con diálogos adicionales de Michael Blankfort, según parece difiere en bastantes cosas de la novela de Wouk y del tratamiento teatral que el propio autor confirió a la obra para su representación en Broadway, bajo la dirección de Charles Laughton, a pesar de que tanto la novela como la obra teatral habían tenido un gran éxito. Como no conozco ni una ni otra no puedo juzgar las diferencias, pero al parecer hay cambios notables en el final.

La película, acompañada de las pesadas fanfarrias de Max Steiner, que encaja en la banda sonora diversas marchas militares, entre las cuales el himno de la Marina, sigue los tópicos de las películas apologéticas del ejército. Nos introduce en la acción por medio de un joven que acaba de salir de la academia militar, el alférez Willie Keith, encarnado por Robert Francis, un actor prometedor que, desgraciadamente, murió al año siguiente en un accidente de aviación, con solo 4 films en su haber, el último The Long Gray Line, de John Ford. A pesar de las similitudes con James Dean (murieron con solo unos días de diferencia), huelga decir que su repercusión en la historia del cine y en la cultura popular no tienen parangón.

El joven e inexperto alférez, hijo de familia bien (personificada en una madre posesiva y absorbente), es destinado al dragaminas (minesweeper) Caine, un navío algo destartalado, al mando del capitán DeVriess (excelente Tom Tully).



Keith se muestra desilusionado por la poca disciplina que reina a bordo, por lo que celebrará el relevo del capitán por otro oficial, Philip Francis Queeg, Bogart en uno de sus papeles más reconocidos, por el que fue nominado al Oscar, un personaje que el actor quería interpretar ya desde el momento de publicarse la novela, y por el cual aceptó una menor retribución. Recordemos que en su juventud Bogart sirvió en la Marina en los últimos meses de la I Guerra Mundial, aunque no llegó a entrar en combate.



Aunque Bogie no aparece hasta, aproximadamente, el minuto 26, desde el primer momento su magnética (quizá un tanto excesiva) interpretación del desquiciado oficial inunda la pantalla, siendo uno de los elementos más destacables del film. A pesar de su admiración inicial, Keith irá perdiendo poco a poco la fe en Queeg, y con él la mayor parte de los oficiales, incitados por el “maligno” oficial de comunicaciones Tom Keefer (un excelente Fred MacMurray). Keefer es un personaje clave porque representa la manzana podrida, alguien que ya desde el primer momento habla mal del barco, del capitán y de la Marina, y que solo parece preocupado en escribir una novela. Es un “intelectual”, y como suele ser habitual en este tipo de películas, eso es como tener la peste.

Junto al inocente y al pérfido traidor, se sitúa el segundo de a bordo, el teniente Steve Maryk (un sobrio, aunque algo anodino, Van Johnson, aquí luciendo unas profundas cicatrices en la cara, reales, que en otros films se solían disimular con el maquillaje).



A pesar de ser la voz más cuerda y moderada en las críticas a Queeg, le corresponderá a él, por rango, encabezar ese “motín”, aunque de hecho más que un motín, tal como solemos entenderlo, lo que ocurre es que, interpretando el reglamento (“by the book”), sustituye a Queeg en el mando del buque de guerra durante una terrible tempestad, en la que el capitán se muestra incapaz de tomar decisiones atinadas.

La película, como por otra parte era habitual en el cine de Kramer, no es especialmente sutil a la hora de señalar el deterioro mental de Queeg. Las famosas bolas metálicas con las que juguetea nerviosamente desde el principio indican bien a las claras (incluidos algunos insertos para que el espectador se fije aún más en el detalle) que es un hombre emocionalmente fracturado. Algunos detalles, como la rotura del cable que sujeta un blanco de tiro, o una pintura amarilla tirada al agua a destiempo (lo que hace que se gane el apodo de “Old Yellow Stain”, o sea, “vieja mancha amarilla”, que apunta a su cobardía y que se traslada a una cancioncilla satírica) o su obsesión por encontrar una llave que, según dice, ha permitido el robo de unas fresas, van convenciendo a los oficiales, permanentemente instigados por Keefer, de que Queeg es un paranoico.

Después de la secuencia de la tempestad (sumamente espectacular para la época, aunque a día de hoy la maqueta utilizada canta notablemente) y del amotinamiento de Maryk, la película dedica su último tercio a la parte culminante de la historia: el juicio al que se ha de someter Maryk. Se encarga de su defensa el teniente Greenwald (José Ferrer), que, a la vista del caso, dice que hubiera preferido ser el fiscal (papel reservado para E.G. Marshall).



Los testimonios de Keefer (que traiciona a su compañero, mintiendo), de Keith, del propio Maryk o de un psiquiatra (Whit Bissell) quedan eclipsados por la intervención de Queeg, uno de los momentos culminantes de la carrera como actor de Bogart, aunque a mí siempre me ha parecido que los personajes desquiciados de Bogie suelen estar algo sobreinterpretados.



La conclusión del juicio viene a añadir más vaselina al conflicto planteado, cuando el defensor se una a la fiesta que los oficiales del Caine han organizado para celebrar la absolución de Maryk (algo que el film elide, se supone que Queeg ha quedado tan en evidencia ante el tribunal que este ha liberado al segundo de a bordo de las culpas). Greenwald defiende ahora a Queeg, al que ve como una víctima de unos oficiales que no le prestaron su apoyo, en especial Keefer, al que señala como el “malo” de la función, poniendo así un broche maniqueísta y corporativo a la narración, por si no había quedado bastante claro al espectador.



Añadir solo que, de manera lamentable, Dmytryk o sus guionistas, o ya Wouk en su obra, introducen una relación amorosa entre Keith y una cantante de cabaret, May Winn (actriz de corta carrera que adoptó el nombre del personaje como nombre artístico), bochornosa, por lo conservadora y pacata.



Desde luego, con personajes así difícilmente Francis iba a poder ser otro Dean. También merece mención la pareja cómica que forman Meatball (Lee Marvin) y “Horrible” (Claude Akins), aunque su presencia no pase de anecdótica.

En resumen, en mi opinión un film más o menos resuelto con profesionalidad, especialmente en el capítulo interpretativo, con algunos momentos tensos (el de las fresas, la tempestad, el testimonio de Queeg ante el tribunal), pero en su conjunto una película rancia a mayor gloria de la Marina… donde nunca ha habido (ni habrá) un motín.

La próxima entrega (ya avisé que volvería a hacerlo ), será otro programa doble, formado por Sabrina y The Barefoot Contessa. Lo de unirlas viene dado porque me parece que se trata de dos films muy conocidos, que he visto muchas veces, por lo que espero comentarlas brevemente, y porque además tienen un evidente nexo en común, a pesar de ser uno en blanco y negro y el otro en color, de dos directores tan diferentes como Wilder y Mankiewicz (primeros, y últimos, films que rodó Bogart con ellos). Luego, ya entraremos en la recta final con films que hace mucho tiempo que no veo (incluso uno de ellos, We're No Angels, me parece que no he visionado nunca), a los que dedicaré un comentario por semana.

El motín del Caine fue todo un éxito en taquilla americana. Solo Navidades blancas la superó ese 1954.
En los Oscar obtuvo 7 nominaciones, incluidas película y actor principal, Bogart, aunque aquel año el (merecido)triunfo fue para La ley del silencio y su protagonista, Marlon Brando. Ya mostré mi entusiasmo hace la tira de tiempo, en su hilo que dedicamos a Kazan.

Iniciado por mad dog earle

La próxima entrega ...y The Barefoot Contessa.

Que copia? El DVD de MGM de siempre?

Iniciado por jmac1972

Que copia? El DVD de MGM de siempre?

Eso me temo... Deja mucho que desear.

Iniciado por mad dog earle

Eso me temo... Deja mucho que desear.

Pues si. Hubo una edición BD de Masters of cinema, pero recuerdo vagamente pocas opiniones entusiastas.

Iniciado por mad dog earle

Eso me temo... Deja mucho que desear.

Una cosa tenían buena y eran las ilustraciones de esos dvd. De cuando empecé a coleccionar dvds allá por 2003 (empecé más tarde que otros)

“Once upon a time…” (1ª parte)

30. Sabrina (Sabrina, 1954), de Billy Wilder



Uno los comentarios de estos dos films de Bogart, Sabrina y The Barefoot Contessa, porque, aunque dirigidos por distintos directores, ambos de fuerte personalidad, y, además, estar uno rodado en blanco y negro y el otro en color, tienen muchos puntos en común, conformando un programa doble de lo más coherente.

El principal vínculo entre ambos es que se trata de dos películas que no disimulan su condición de cuentos de hadas, aunque el segundo tenga una resolución particularmente sangrienta. En ambos casos, la referencia es la Cenicienta, que, si está ímplictamente sugerida en Sabrina (junto, quizá, a “El patito feo” de Andersen), es en cambio el explícito leitmotiv de The Barefoot Contessa.

En Sabrina, Wilder, junto a Ernest Lehman (siempre recordado por su trabajo en el guion de la hitchcockiana North by Northwest), adaptó la obra teatral “Sabrina Fair”, de Samuel Taylor (colaborador también de Sir Alfred en los guiones de Vertigo y Topaz), obra que se había representado en los escenarios de Broadway con Joseph Cotten y Margaret Sullavan.



También de Taylor era otra obra teatral que, años después, llevó Wilder a la pantalla, con la ayuda de I.A.L. Diamond: Avanti!

Sabrina, producción de la Paramount, era la primera película de Bogart para la compañía (luego seguirían dos más). Según cuenta Wilder a Cameron Crowe, en el imprescindible “Conversaciones con Billy Wilder”,



el rodaje se desarrolló en un clima de tensión entre actor y director (Wilder le dedica a Bogart unos epítetos un tanto groseros, además de comentar: “era un antisemita que se había casado con una judía”). Bogie se sentía desplazado en una compañía nueva para él, con un personal que no conocía. Además, apreció una camaradería y un especial trato de favor de Wilder hacia William Holden, actor por el que sentía antipatía desde hacía años, a lo cual no ayudaría, seguramente, el posible romance entre Holden y Hepburn durante el rodaje. Otro factor distorsionador fue que Wilder quiso, en todo momento, que el papel de Linus Larrabee lo encarnará su amigo Cary Grant, pero el encantador Cary se escabulló del compromiso (de manera que Wilder nunca pudo llegar a dirigir a Grant, a pesar de que los unía una buena amistad).

Es fácil para el espectador pensar que con Grant en el papel de Linus la película hubiera sido mucho más creíble. Si tiene, en mi opinión, algún defecto el film (además de la tendencia habitual de Wilder a adornar demasiado los diálogos, a buscar el efecto del gag de manera para mi gusto excesivamente artificiosa: véase la rotura final del frasco de cristal con las aceitunas) es que cuesta imaginar al envejecido y aburrido Linus enamorando a Sabrina, convirtiéndose en su príncipe azul, algo que no nos hubiera resultado tan dificultoso con Grant (aunque solo tenía cuatro años menos que Bogie), a pesar de que ya empezaba a estar carrozón, como quedaba en evidencia en To Catch a Thief. Uno puede entender que Linus acabe rendido al encanto de Sabrina, pero no que la bella joven se sienta atraído por el maduro empresario, después de años suspirando por el vivalavirgen de su hermano, David (Holden, con casi veinte años menos que Bogart).





Con ello no quiero decir que Bogart esté mal. Al contratio, defiende con notable profesionalidad el personaje, pero, no nos engañemos, ya no era el tipo duro de mirada romántica de Casablanca o To Have and Have Not como para volver a encadilar a una jovenzuela veinteañera que acababa de ser la princesita de Roman Holiday. A pesar de todo, es tal el encanto de Hepburn y tanta la habilidad de Wilder para contarnos historias románticas con fondo ácido, que la película sigue atrapándonos de principio a fin, desde el mismo momento en que la voz en off de Sabrina pronuncia el “Once upon a time…” inicial, que no deja dudas sobre la intención del film.

A destacar la presencia en el reparto, excelente en su conjunto, de otro habitual del cine de Sir Alfred, John Williams, en el papel del chófer de los Larrabee y padre de Sabrina (por cierto, de apellido Fairchild, o sea que ella es Sabrina Fairchild… no hace falta decir nada más).



Por otra parte, a pesar de que se le concedió un Oscar por el vestuario a Edith Head, los fascinantes y sofisticados modelos que luce Audrey Hepburn son creación de Hubert de Givenchy, modisto habitual de la actriz.



Musicalmente, Wilder recurre a unos temas que, hoy en día, nos suenan a tópicos, desde “La vie en rose” (que Hepburn canta en una de las secuencias), para ilustrar las referencias parisinas,



o el “Isn't It Romantic?” en el momento de la fiesta nocturna en la mansión de los Larrabee o el baile posterior entre Linus y Sabrina (aquí en una versión de Rod Stewart).



Por cierto, Wilder no puede dejar de introducir un “avance publicitario” personal, cuando Linus compra dos billetes para ir al teatro a ver… “The Seven Year Itch”, cuya adaptación para la pantalla fue, precisamente, el siguiente film del director.

En todo caso, Wilder le reconoce a Crowe que en Sabrina fue la única vez en su carrera que trabajó con dinero, o sea, que la producción fue como quería, algo que se nota en el acabado de las escenas, los decorados, el vestuario o la iluminación, con un magnífico trabajo fotográfico de Charles Lang Jr.

(continuará)

“Once upon a time…” (2ª parte)

31. La condesa descalza (The Barefoot Contessa, 1954), de Joseph L. Mankiewicz



Y, mientras Linus y Sabrina se dirigen a Francia a bordo del trasatlántico “Liberté”, recuperamos a Bogart para otro cuento fílmico, The Barefoot Contessa, estrenado casi al mismo tiempo que Sabrina.

A diferencia de Sabrina, The Barefoot Contessa es una coproducción italo-norteamericana (en la que Mankiewicz participó por medio de su propia productora, Figaro), distribuida por United Artists, rodada en Italia en diversos escenarios naturales, además de los estudios de Cinecittà en Roma. Si Sabrina nos remitía implícitamente a la Cenicienta, aquí no hay disimulo: la historia de la bailarina gitana española, Maria Vargas (una espectacular Ava Gardner, anunciada como “the world’s most beautiful animal”), es la contraimagen del popular personaje, incluida el carácter simbólico que adquieren los zapatos de esa “princesa” que solo se siente libre cuando va descalza. En su caso, la búsqueda del príncipe azul tendrá un trágico final, una sombría conclusión, de una crueldad que desvanece cualquier edulcoramiento propio de los cuentos de hadas, algo que Wilder no consiguió (o no le interesó conseguir).

La película de Mankiewicz, como film de Bogart, puede resultar algo insatisfactoria. De hecho, su personaje, el director de cine Harry Dawes, juega un papel equivalente al hada madrina, una figura protectora de la “cenicienta” madrileña. Bogart cumple sin esfuerzo, pero su personaje resulta un tanto gris. Es, desde luego, María la que llena la pantalla, no solo por la arrolladora presencia de la Gardner, en un momento de plenitud física, sino también porque es su personaje el que estructura todo el film, incluso en su ausencia.



De hecho, como es bien sabido, la película se articula en una serie de flashbacks que ilustran los recuerdos de los asistentes al entierro de María, ahora convertida ya en la condesa Torlato-Favrini. Bajo una intensa lluvia, se van sucediendo los recuerdos de Harry, Oscar y Vincenzo.



Harry nos cuenta el descubrimiento de María en Madrid, en un club donde actúa la bailarina. A Harry le acompañan el financiero y productor Kirk Edwards (un viscoso Warren Stevens), la amante de turno de Kirk, Myrna (Mari Aldon),



y sus relaciones públicas, Oscar (el sudoroso Edmon O’Brien).



Esta es quizá una de las mejores secuencias del film, a pesar del macarrónico castellano de que se sirve la Gardner o su madre (la italiana Maria Zanoli) y su hermano, Pedro (el “vitellone” Franco Interlenghi). Para acabar de darle una atmósfera “castizamente madrileña” al local, reconocemos como joven camarero a Enzo Staiola, el niño de Ladri di biciclette.

Ya en esta primera parte del film, queda clara la corrosiva mirada de Mankiewicz (autor del guion) sobre Hollywood. Mirada que todavía se acentuará más cuando Harry nos cuente lo que sucedió en una fiesta en la mansión hollywoodiense de María, ahora la gran estrella Maria D’Amato. Asistimos a una lucha de gallos entre Kirk y un venenoso empresario sudamericano, Alberto Bravano (el británico Marius Goring), con la posesión de María como motivo de enfrentamiento. El resultado será la marcha de Maria con Bravano, no por amor o interés, sino por desairar al Kirk, que cree poseerla como a una esclava.



Será Oscar el que tome el relevo de Harry para contarnos un episodio en la Costa Azul, en el cual el conde Vincenzo Torlato-Favrini abofetee a Bravano y se lleve a María. ¡Por fin parece que ha aparecido el príncipe azul que esperaba!

Pero en un giro de lo más retorcido y cruel, el cuento se convierte en una sórdida historia en la que descubrimos la impotencia de Vincenzo (un Rossano Brazzi un tanto insípido), los amoríos de María, su embarazo y el trágico final. Todo ello enmarcado en el decadente palacio de los Torlato Favrini en Rapallo, con la presencia de la inquietante hermana, de Vincenzo, Eleanora (Valentina Cortese), un ambiente que tanto daría para un film viscontiniano sobre la descomposición de la aristocracia, como uno de Corman en el mejor estilo de sus films sobre Poe.



Harry adquiere en esta recta final, más si cabe que con anterioridad, el papel de confidente, de paño de lágrimas, en especial en una larga noche de lluvia en que se intercala un flashback dentro del flashback, para que la propia María nos cuenta la frustrada noche de bodas. El desenlace parece inevitable.

Si bien The Barefoot Contessa es un film sobre el que visionados anteriores me habían transmitido ciertas reservas, reconozco que esta vez me ha gustado mucho, a pesar de que la producción puede resultar algo extravagante (esos gitanos, esos madrileños de pacotilla, lo demasiado tópico de los personajes de Kirk y Bravano). Hay algo oscuro, malsano, perverso, en las desventuras de la pobre María Vargas, pasando de manos de un canalla (Kirk, que algunos ven como un trasunto de Howard Hughes en su relación con Rita Hayworth) a otro (Bravano), para acabar en brazos de un falso príncipe azul, que la ata a un matrimonio imposible para dar satisfacción a su orgullo aristocrático. A pesar de todos estos alicientes, la película no fue demaisado bien recibida por la crítica.

Un comentario final sobre las copias visionados de ambos films. Tanto Sabrina como The Barefoot Contessa se presentan en formato estándar, aunque al parecer se rodaron pensando en una proyección en formato panorámico. Como en tantos otros films de esa época de transición al formato panorámico, lo ideal sería poder ver la película en los dos formatos. A esto hay que añadir que el DVD de The Barefoot Contessa, editado por MGM, presenta una calidad de imagen lamentable, lo cual impide gozar con plenitud del trabajo tras la cámara de Jack Cardiff.

En toco caso, me temo que la comparación con el siguiente film, We’re No Angels, pueda ser odiosa. Último trabajo de Bogart con Michael Curtiz, para la Paramount, en clave de comedia, con unos compañeros de reparto de lo más inesperados: Aldo Ray, Peter Ustinov y Joan Bennett entre otros. Como no la he visto nunca, no aventuraré la valoración, aunque no acabo de ver a Bogart en este fregado.

Una curiosidad de Sabrina, más allá de los premios más conocidos, y es que John Williams, que está magnífico como padre de la protagonista, recibió de la National Board of REview, el premio a mejor actor de reparto por esta peli y por Crimen perfecto. Fue su único reconocimiento en su carrera

A mi también me ha parecido siempre poco creíble que Sabrina se enamore de Linus, Bogart ya estaba para hacer de su padre, y Holden "casa" mejor con ella.

Yo he leído que Cary Grant rechazó el papel porque no quería interprestar al hermano mayor... era muy coqueto el hombre... , pero Cary sí hubiera sido mas creíble que Bogart... además con Audrey hay poca química y se nota en la pantalla... con Holden sí que la hay, pero absurdamente sale de campo al final...

"La condesa descalza" hace mucho tiempo que no la veo, aunque la última vez me pareció algo pesada, no obstante sólo me acuerdo de escenas puntuales y del final... (por cierto, impagable en el doblaje original, que lo cambian todo y no tiene ni sentido lo que "hablan")

"No somos ángeles" la tengo en dvd, en su época me resultó simpática, es como una obra de teatro filmada, ni mas ni menos.

Iniciado por cinefilototal

"La condesa descalza" hace mucho tiempo que no la veo, aunque la última vez me pareció algo pesada, no obstante sólo me acuerdo de escenas puntuales y del final... (por cierto, impagable en el doblaje original, que lo cambian todo y no tiene ni sentido lo que "hablan")

No lo tengo presente, de hecho no sé si la he visto nunca doblada. Pero si el doblaje que dices es del momento del estreno en España, seguro que la censura metió baza, porque la historia es de lo más retorcida y enfermiza, poco apta para las mojigaterías de la época. Al menos, en el doblaje, cuando María Vargas y la familia hablan en castellano se las entenderá, porque el idioma que utilizan en la versión original en inglés es de lo más macarrónico.

Es curioso. Ya se ha hablado mucho de ese tema, pero en España, muchas películas llegaban en los años 50 casi enseguida del estreno de USA (muchas veces las dejaban para el Domingo de Resurrección, que era la fecha idónea) y las tramas que relataban "otro tipo" de relaciones familiares o sentimentales ajenas a la Iglesia ultracatólica se veían fastidiadas en los doblajes o directamente cortaban por lo sano, literal.

De esta existe un redoblaje para mi superior con Sansalvador de Bogart.

Iniciado por jmac1972

De esta existe un redoblaje para mi superior con Sansalvador de Bogart.

Sí, ese es el bueno, que no falsea la parte final, pero en el dvd que yo tuve metieron el otro doblaje mas antiguo (y falsete...)

32. No somos ángeles (We're No Angels, 1955), de Michael Curtiz



A pesar de no haberse encontrado a gusto durante la producción de Sabrina, Bogart repitió con la Paramount en esta adaptación de una obra teatral del dramaturgo francés Albert Husson, “La cuisine des anges” (1952), con guion de Ranald MacDougall que partía de My Three Angels, obra de Samuel y Bella Spewack que adaptaba para Broadway el original francés (dirigida en las tablas por José Ferrer, y con Walter Slezak en el papel de Joseph). El film supuso el reencuentro con Michael Curtiz, con el que había vivido uno de los momentos culminantes de su carrera, Casablanca, y con el que no había vuelto a trabajar desde Passage to Marseille (film en el que, curiosamente, también interpretaba el papel de un fugado de la Isla del Diablo). Esta vez será en un film rodado en Vistavision, en rutilante Technicolor, y fotografía de Loyal Griggs (poco después de fotografiar Shane, de George Stevens, y antes de The Ten Commandments, de DeMille).

No obstante, antes de su estreno, Bogart hizo su aparición en una adaptación para la pequeña pantalla de The Petrified Forest, dirigida por Delbert Mann (el mismo año en que estrenó la exitosa Marty), con Henry Fonda y Lauren Bacall en los papeles que Leslie Howard y Bette Davis encarnaron en la versión de 1936, dirigida por Archie Mayo. Como es de imaginar, Bogart repite el papel del forajido Duke Mantee. Como no la he visto (la copia disponible en YouTube es un horror, y la prudencia más elemental me sugiere evitarles la tortura a mis delicados ojos), no la comentaré, aunque por alguna imagen suelta que me he atrevido a visionar, parece que Bogart, mucho más envejecido (lógico, después de casi 20 años) repite la feroz interpretación del criminal, papel que fue su primer paso hacia la fama.

We're No Angels tiene la particularidad de ser la primera (y última) comedia pura dentro del ciclo que le hemos dedicado. Aunque hay otros films en que asomaban rasgos propios del género (por supuesto, en Sabrina, como comedia romántica no exenta de acidez, o incluso en un film noir como The Maltese Falcon o, más evidente, en su réplica aventurera Beat the Devil), es sin duda esta su principal contribución a un film en clave de comedia disparatada, con ingredientes de humor negro, que a mí me ha hecho recordar el teatro de Alfonso Paso, muy de moda hace décadas en las programaciones televisivas de TVE.

La acción nos sitúa en Cayena (Guayana Francesa), en 1895, en la víspera de Navidad. Tres presos se han fugado del penal de la Isla del Diablo, y se esconden camuflados entre la gran cantidad de población reclusa en régimen abierto, reconocibles por sus pobres vestimentas, pero que gozan de una relativa libertad, colaborando con la población civil en sus negocios o realizando pequeños trabajos.

Los tres fugados son Joseph (Bogie), Jules (Peter Ustinov) y Albert (Aldo Ray).



Con la intención de “limpiar” la tienda (y costearse así su huida de la Guayana), se ofrecen a realizar pequeños trabajos en el negocio regentado por Felix Ducotel (Leo G. Carroll), casado con Amelie (Joan Bennett), padres de Isabelle (Gloria Talbott).



La acción, una vez situados en el negocio de Ducotel, se concentrará en el colorista y abigarrado interior del local y la vivienda anexa, sin que Curtiz disimule en ningún momento que nos encontramos ante teatro filmado (a favor de la adaptación hay que decir que no se pretende en ningún momento que los actores imposten un acento francés, evitándonos así esa sensación de ridículo tal habitual en el cine de Hollywood de antes… y me temo que a menudo de ahora).

El peso del film, por tanto, más allá del trabajo de puesta en escena (nunca mejor dicho), iluminación y decorado, se va a concentrar en los diálogos y las interpretaciones. Al interés del intento de fuga de los tres presos, criminales condenados por diversos delitos, se sumará el dilema romántico que vive Isabelle, enamorada de Paul (John Baer), sobrino del primo de su padre, André Trochard (Basil Rathbone), propietario del negocio. Ambos, André y Paul, se presentan de forma inesperada en Cayena, puesto que André quiere que su sobrino se case con la hija de un armador (lo que nos recuerda el matrimonio forzado de David en Sabrina).



El problema es que Isabelle está perdidamente enamorada de un tipejo sin escrúpulos, que solo aspira a conseguir riqueza. Nuestros tres “ángeles de la guarda” (o reyes magos, o hadas madrinas) tomarán bajo su protección a la ingenua Isabelle, y ayudarán a resolver la situación con la ayuda de una serpiente venenosa que porta Albert en una cajita. En el final de la obra se acumulan los cadáveres para beneficio de los Ducotel y, en particular, de Isabelle, que de un amor no correspondido pasará a los brazos de un apuesto oficial médico, un inesperado príncipe azul (John Smith, un soso guaperas). O sea que, de hecho, podría haber comentado el film junto con los dos de la última entrega, porque también aquí estamos en el terreno del cuento.

La película nos puede parecer simpática, y da la impresión que los actores se lo pasaron bien, pero gracia, no lo que se dice gracia, a mí no me ha hecho. Además, un final demasiado conformista estropea un tanto la función.



Destacan los actores más veteranos: Carroll, Bennett (Bogie presionó para que participara en el film; la actriz tiene su momento musical cantando “Sentimental Moments”)



y Rathbone. Del trío protagonista, el que muestra una vis cómica más convincente es, como era de esperar, Ustinov, mientras Bogart se defiende, aunque lo veo un poco fuera de lugar, y Ray me parece el menos entonado.

Un film que se visiona con una levísima sonrisa, pero que estoy seguro que se me borrará de la memoria en poco tiempo. Años después, Neil Jordan rodó una nueva versión de la obra de Husson, aunque con notables variaciones argumentales, con Robert de Niro y Sean Penn: We’re No Angels.

En la próxima entrega, The Left Hand of God, saltaremos a la Fox y al Cinemascope, y nos volveremos a encontrar con Edward Dmytryk, que ya comprobé, cuando comenté The Caine Mutiny, que cuenta con un nutrido club de fans en este foro. El otro aliciente puede ser ver a Gene Tierney, que también me consta que goza del favor del respetable. En todo caso, es un film que he visto solo una vez, en un lejano pase televisivo (en versión doblada), y que no me gustó nada. Veremos qué me depara esta revisión, que será casi un primer visionado.

Antes del día del Juicio Final espero ponerme al día (valga la redundancia) con los tropecientos últimos comentarios que el compañero mad dog earle ha escupido cual metralleta gansteril.

Life is very short...

Esa Nunca fuimos ángeles, que menciona mad dog, dirigida por Neil Jordan, la vi hace muchos años en el plus, casi al comienzo de tenerlo en casa. Era una comedia correcta, con un Robert De Niro al que yo no conocía su faceta de cómico (no había visto El rey de la comedia).

Animado por el comentario de mad dog earle, he decidido desempolvar mi viejo dvd patrio de "No somos ángeles"



Filme muy simpático que nos tira varias carcajadas y algunas sonrisas, sobre todo por la parte inicial y media...

Curtiz no disimula su origen teatral, al contrario, y además, parece también olvidar lo que es un primer plano, y aquí es imperdonable, con la cantidad de actores tan buenos que hay recitando sus divertidos diálogos, pero no, parece que no quiere perder el tiempo en sacar primeros planos... , así que está todo filmado en plano general aunque eso sí, la cámara es fluida y se mueve como puede entre el hermoso decorado de la casa-almacén.

La parte final es quizás para mi gusto lo mas flojo, pero bueno, supongo que la censura metería mano, y no permitiría que estos "ángeles" finalmente escaparan del presidio.

Bogart no destaca demasiado entre todos, pero bien es verdad que el protagonismo es más coral, que de estrella, y aunque Peter Ustinov se lleva los mejores golpes, nuestro Boggie también resulta "guasón", y es un placer volver a ver a Joan Bennett, mas guapa en technicolor si cabe, o al "villano" Basil Rathbone, o al encantador Leo G. Carroll como el despistado "dueño" del almacén.

No he visto el remake moderno con Robert De Niro, pero pienso que no tendrá ese encanto propio de los años 50.

Como dice mad dog, ese "remake" de Neil Jordan, en la parte del guión de David Mamet, toma cosas de la peli de Bogart, pero también difiere, acercándose más, al parecer, a la obra teatral de la que parte. Entre otras cosas, en la de 1989 son solo dos los protagonistas: el propio De Niro y Sean Penn.

33. La mano izquierda de Dios (The Left Hand of God, 1955), de Edward Dmytryk



¡Bogart en Cinemascope por primera (y única vez)! Una ocasión de ver a nuestro admirado Bogie “en toda su extensión”. Pero… mi gozo dura solo unos segundos. Porque la bochornosa (una más) edición en DVD de Impulso (probablemente con la connivencia de la Fox) recorta el formato hasta dejarlo en un panorámico de 1,77:1. ¡Qué horror! Además, para que la mamarrachada indecente quede todavía más en evidencia, el cinemascope se mantiene en los títulos de crédito, para reaparecer en los últimos segundos y permitir ver el “The End” en todo su esplendor.



En fin, después de esto a uno ya no le quedan muchas ganas de ver la película (y eso que, afortunadamente, no pasé por caja, ya que el DVD lo saqué de la biblioteca). Poco margen queda para hablar de la composición del plano, los movimientos de cámara o de la labor en la fotografía de Franz Planer (que ya se ocupó de ella en la otra colaboración de Bogart con Dmytryk: The Caine Mutiny). Además, para más inri, la calidad de la imagen resultante del recorte deja bastante que desear, como si se hubiera sometido a un zoom que perjudica la nitidez (incluso hay momentos que me ha dado la impresión de que podía haber algo de pan & scan).

¿Qué nos queda para el comentario? El argumento y, dentro de lo que cabe, las interpretaciones. El guion es de Alfred Hayes (autor también del de Human Desire, que comentamos hace poco en el hilo de Lang, y del de un film de Robert Rossen por el que tengo cierta debilidad, Island in the Sun), a partir de la novela del mismo título de William E. Barrett, publicada en 1951. Nos cuenta las peripecias en China, en 1947, del piloto norteamericano James Carmody (Bogie). Carmody se estrelló en territorio chino durante la II Guerra Mundial y sobrevivió uniéndose a la banda, más o menos a la fuerza, de una especie de señor de la guerra de la zona, Mieh Yang (un maquilladísimo Lee J. Cobb, que tarda tres cuartos de hora en aparecer).



El acierto de la estructura narrativa es que lo primero que vemos es a un sacerdote (Carmody “disfrazado” como el padre O’Shea) empuñando una pistola en medio de un paisaje montañoso. O’Shea/Carmody llega a una misión católica donde espera esconderse durante un tiempo de Yang, antes de intentar llegar a la costa. Allí se encuentra al doctor Sigman (E.G. Marshall) y su esposa Beryl (Agnes Moorehead), que quieren cerrar la misión y poder abandonar las peligrosas tierras donde impera la ley de Yang.



Con ellos se encuentra una enfermera, Anne (Gene Tierney), llegada a China en busca de su marido, un piloto que, como Carmody, también se estrelló, pero del que no se ha encontrado rastro.

Lo que pasará a continuación es fácil de imaginar, pero tiene la gracia expositiva de que, aunque sospechamos desde el primer momento que O’Shea es un falso sacerdote, no sabemos el porqué de su disfraz. Carmody ha de hacerse pasar por cura católica, y aceptar lo que implica el cargo: bodas, comuniones y bautizos; extremaunciones; confesiones; bendiciones; sermones, etc. Y lo curioso es que lo hace de tal manera que se gana el afecto y admiración de la población china, incluso de los escépticos Sigman. Y, por encima de todo, despierta el amor de la joven viuda, Anne, que lucha con el problema de conciencia que le supone enamorarse de un sacerdote, ya que ella es una católica estricta.

Más o menos a media película, Carmody le contará la verdad a un pastor protestante que dirige otra misión. Un flashback nos muestra su actividad como miembro destacado de la tropa de Yang, de quien era el hombre de confianza.



O’Shea/Carmody tendrá que hacer frente a dos problemas: por un lado, la aparición de Yang, que insiste en que vuelva con él a cambio de respetar las misiones (se lo acabarán jugando a los dados); por otro, resolver su impostura, en especial ante Anne, de la que él también se ha enamorado. Quizá lo decepcionante del film es que todo acaba de manera un tanto anticlimática. El enfrentamiento con el cruel Yang se reduce a la tirada de dados; la falsedad como sacerdote es, en cierto modo, bendecida por la iglesia; y su amor otoñal con Anne se diluye en un adiós sin que la pasión acabe por aflorar, todo muy recatado y contenido.

Con todo, la película me ha parecido bastante mejor de lo que recordaba. Desde luego no destaca ni como película de Dmytryk ni como film de Bogart, pero se deja ver, a lo que ayuda la banda sonora de Victor Young, con un aire ligeramente orientalizante (que incluye una canción cantada a dúo por Bogart y Tierney).



Quizá un David Lean podría haberle sacado más jugo a una historia de este tipo, pero puede que las limitaciones argumentales ya vengan condicionadas por el material literario de partida. En todo caso, Bogart está correcto, bien arropado por Marshall y Moorehead (aunque sus papeles tienen menos relieve de lo que se intuye al inicio del film). Cobb, como solía suceder, da rienda suelta a un histrionismo excesivo para mi gusto, además de tener que vérselas con un maquillaje exagerado. Por último, Tierney, de la que se dice que tenía graves problemas emocionales (en parte motivados por una hija discapacitada; seguro que Otto+ nos podrá dar una profusa información sobre el caso ), mantiene el tipo, conservando todavía parte de su belleza, aunque su personaje está muy poco desarrollado. Se cuenta que Bogart la ayudó en el rodaje, aunque Bogie ya empezaba a mostrar problemas de salud, con frecuentes ataques de tos.



Espero que la próxima entrega, The Desperate Hours, que supuso el regreso de Bogart al cine de Wyler después de muchos años (con él había alcanzado el éxito en 1937 con Dead End, encarnando al gánster Baby Face), pueda comentarla sin sorpresas (dispongo del DVD de Paramount).

Iniciado por mad dog earle

33. La mano izquierda de Dios (The Left Hand of God, 1955), de Edward Dmytryk

Por último, Tierney, de la que se dice que tenía graves problemas emocionales (en parte motivados por una hija discapacitada; seguro que Otto+ nos podrá dar una profusa información sobre el caso ), mantiene el tipo, conservando todavía parte de su belleza, aunque su personaje está muy poco desarrollado. Se cuenta que Bogart la ayudó en el rodaje, aunque Bogie ya empezaba a mostrar problemas de salud, con frecuentes ataques de tos.



Espero que la próxima entrega, The Desperate Hours, que supuso el regreso de Bogart al cine de Wyler después de muchos años (con él había alcanzado el éxito en 1937 con Dead End, encarnando al gánster Baby Face), pueda comentarla sin sorpresas (dispongo del DVD de Paramount).

Sí, es como dices. Tierney llegó al rodaje con la salud mental ya muy tocada y Bogart no tardó en reconocer los síntomas, después de haber presenciado lo que sucedió con su hermana y su exmujer Mayo Methot; claro, encima se echó a la espalda varios personajes a lo largo de su carrera de lo más esquizofrénicos, pues ya no te digo más ... y el actor la convenció para que buscara ayuda, ingreso en clínica mediante acompañada de elctroshocks que más tarde la pasaron factura. Los tratamientos farmacológicos parece ser que no llgaron a comercializarse hasta finales de los años 60' o comienzos de los 70', o sea, anteayer como quien dice. Esto viene a cuenta de la mala salud mental que se dice padece mucha gente a raíz de la pandemia mismamente, con brotes de ansiedad y depresiones, pero así se da uno cuenta de que estos problemas antes sonaban a chino mandarín y no había solución para ellos.


Iba a preguntaros una cosa, aunque sospecho la respuesta: está comprobado que en los años 70' y 80' hubo un revival por el interés del denominado cine clásico norteamericano. Desde entonces no atisbo que haya habido otro periodo consistente nuevamente a modo de florecimiento, claro, ya casi no hay supervivientes de aquella época, ¿creéis que definitivamente aquella época, como estudio de una época pues somos de donde venimos, volverá a tener algún tipo de retrospectiva generalizada al alcance del gran público que vaya a interesar a nuevas generaciones? Yo lo dudo mucho; si el advenimiento del DVD solamente trajo pequeñas partículas del revival setentero y ochentero, tengo claro que la llegada de nuevas tecnologías que prometen inmersiones sensoriales de primer nivel en un futuro cercano conseguirán que los nombres de Bette Davis o Humphrey Bogart caigan en un olvido mayoritario. Quedarán paradigmas muy especiales, figuras icónicas como Greta Garbo, James Dean u Audrey Hepburn, pero no tanto por sus éxitos profesionales sino por lo que significaron sus vidas.
Nosotros, que crecimos en los años 80' ante el televisor viendo todo tipo de clásicos, seremos el último remanente generacional que pueda ser identificado como "apreciativo" de aquella forma de entender el cine? Es cosa seria si lo piensas, pues Hollywood es historia del siglo XX y de la humanidad, y sus modos -muchs de ellos negativos- siguen vigentes hoy en día, mismamente en el marketing o la esfera política.
No creo que se estudie en las escuelas, pero un mínimo de "HiSTORIA DEL CINE" aunque sea en "Historia del Arte" como asignatura, sí que debiera tener cabida. Explica muchos vicios que se han perpetuado y muchas luchas de poder como reflejo de la sociedad.

Si no cala es por cuestión de imagen, nadie contrataría a un tipo con la jeta de Bogart siguiendo los cánones actuales no ya de belleza sino de paisano que te en cuentres en la calle. Y en actrices pues quedan algunas que aún conservan una especie de impronta impercedera propia de la Davis o de la Katherine Hepburn, como la Rampling o la Huppert, incluso Cate Blanchett, pero son las menos.... Por cada una de estas excepciones te salen 10 Keanu Reeves aburridillos.... ¿Me seguís?

Cuando pueda intentaré retomar el hilo desde donde lo dejé (LA REINA DE ÁFRICA + 2 bonus tracks) y me leeré igualmente todos vuestros comentarios para así poder coger de nuevo el pulso al mismo aunque me temo que me va a llevar mucho tiempo dado el estrés que soporto últimamente.