Tema: Jean-Pierre Melville: revisando sus películas

Para mantener el hilo caliente, en este inicio de ciclo, me avanzo con el comentario del cortometraje que supuso el debut de Melville en el mundo del cine.

01. Veinticuatro horas en la vida de un payaso (24 heures de la vie d'un clown, 1946)



De regreso a París, después de participar activamente en las filas del Ejército Francés de Liberación durante la fase final de la II Guerra Mundial, Melville decide iniciar su carrera como cineasta, trasladar al celuloide su larga experiencia como espectador, plasmar en imágenes sus modelos extraídos del cine clásico hollywoodiense.

Para ello, elabora un guion sencillo, que se centra en la figura del veterano payaso Beby, amigo suyo. A través de 24 horas de la vida de Beby, Melville se propone una suerte de homenaje al mundo del teatro de variedades, del music hall, del circo, sus primeras pasiones como espectador, antes de entregarse al cine (homenaje que, inevitablemente, nos hace recordar I clowns, una de las magistrales películas pseudodocumentales de Fellini, donde también aparecía Maïss).

Dando muestra de su independencia radical, Melville reúne personalmente el dinero necesario, con ayuda de la que será su mujer, Florence Stern. Aunque sin carnet profesional (inmerso en el típico círculo vicioso: no podía obtener el carnet sin experiencia, y no podía ganar experiencia sin el carnet), y sin permiso sindical, y teniendo que recurrir a material de mala calidad, caducado, Melville se lanza a filmar, sin sonido directo, y con un reducidísimo equipo técnico

La película, oscurísima, por problemas técnicos y probablemente por gusto de Melville, se inicia con la silueta en la sombra de un personaje con sombrero (que intuimos es el propio director),



que da inicio a esas 24 horas (son las 11.40 de la noche, detalle, el de la precisión horaria, que encaja a la perfección con lo que veremos en algunos de sus polars). Melville será el narrador a lo largo de todo el corto, siendo la única voz que oímos, salvo al final cuando la pareja de payasos, Louis Maïss, el carablanca, y Beby, el augusto, representen uno de sus números cómicos. El recurso a la voz en off de un narrador se justificaba quizá porque, al no rodar con sonido director, se necesitaba un doblaje posterior, pero se dice que Beby no sabía leer (curiosamente, Beby ya había participado en un corto anteriormente, en 1934, Les affaires publiques, el debut de Robert Bresson, que, para mayor coincidencia con Melville, también rodó 13 largos y un corto).

Asistimos inicialmente a un número de la pareja de payasos:



Luego, se desmaquillan y se visten de ropa de calle. Dejan el circo (como si salieran de trabajar en la fábrica) y acompañamos a Beby hasta el modesto piso donde vive con su mujer. Cena un plato de espaguetis, siempre lo mismo desde hace 50 años, y ya en su camastro (separado del de su mujer), rodeado de recuerdos, hojea unos libros y unas fotos, para finalmente rezar una oración en compañía de su perro, Swing, con el que comparte las sábanas.



Esa preferencia por dormir con el perro antes de con la mujer, es un detalle más de un personaje que está retratado con ternura pero sin obviar una actitud claramente machista, muy de la época (a la que quizá el propio Melville no era ajeno: tendremos tiempo de hablar de la presencia a menudo problemática de las mujeres en la mayoría de sus films).

A la mañana siguiente, Beby se levanta, desayuna, se baña en un local ubicado delante de su casa, y se reúne con Maïss en una terraza de bar. Allí, como si fuera su oficina, observan a la gente a la búsqueda de inspiración para sus números cómicos (de hecho, la mezcla de un par de detalles captados en la calle da como resultado el gag que veremos más tarde).

Van al teatro, se maquillan, se visten con sus trajes “de faena” y salen a escena.



Volvemos a ver la sombra del narrador, que ahora, a les 11.50, 24 horas después, da por terminada la narración y se despide de nosotros.

Aunque Melville repudió este corto y no quería comentarlo ni incluirlo en su filmografía, me parece un gesto de cierta pretenciosidad, porque a pesar de las obvias carencias técnicas, no olvidemos que es la primera obra de un director que no había participado nunca en un film, y que además contó con medios muy reducidos, a mí me parece que tiene suficientes elementos de interés, incluso originales (ese narrador en la sombra, por ejemplo), como para no caer en el olvido. Incluso hay apuntes visuales más que interesantes, como el juego con los espejos o los claroscuros.

En todo caso, un borrador necesario para afrontar su siguiente film, un proyecto de lo más ambicioso: adaptar en parecidas condiciones de precariedad una novela convertida en símbolo de la resistencia: “Le silence de la mer”, de Vercors.

Siempre he dicho que me es muy complicado opinar sobre cortos con profundidad, y aunque soy el rey de la divagación, mi profesora de alemán me remató el otro día con esta sentencia, ya que preparando el examen de C1, la parte de desarrollar un texto con la temática de la introducción del deporte como materias obligatorias en la universidad, y acabé hablando de nutrición, yo le dije que yo escribo así en castellano y en catalán, pues me dio a entrever que me viene un zeraco como una casa como no cambie. Bueno después de la enésima divagación, decir esto, que me cuesta mucho analizar una obra de este minutaje de un director que aún no he visto nada, por lo tanto, decir que el tema es -siempre- interesante, y si me viene rápidamente a la cabeza el universos Fellini, sobretodso en los clowns y en menor medida la strada. Tampoco soy muy fan de la voz en off, pero aquí entiendo que es necesaria a nivel descriptivo. Y tampoco soy fan de ver en el ordenador films que se encuentran en la sección oficial del revisionado, pero esta vez, creo, que será una vez.

No entendí bien, el primer largo viene el viernes, o sea mañana , o el viernes de la siguiente?

Mañana o pasado. Ya dije que esta primera semana sería una entrega y media, porque el corto no tiene suficiente entidad para dedicarle en exclusiva una semana.

02. El silencio del mar (Le silence de la mer, 1949)



Melville se mostró, ya desde los inicios de su carrera, como un director ambicioso que no se arredraba ante nada. Ahí es nada asumir en 1947, desde fuera de la industria cinematográfica francesa, y sin contactos relevantes, el rodaje de la adaptación de la novela (o relato, solo una cuarentena de páginas en la traducción de Cátedra) de Vercors, texto clave de la literatura de la resistencia a la ocupación alemana.

Hasta incluso tuvo que superar las reticencias del autor. Jean Bruller, dibujante e ilustrador convertido en escritor como parte de su participación en la resistencia, firmó con el pseudónimo Vercors (que hace referencia a un macizo alpino) un texto que iluminaba casi en forma de consigna la actitud defensiva de la población francesa ante el invasor. El relato se publicó en 1942, clandestinamente, en una editorial creada para la ocasión entre otros por el propio Bruller, Les Éditions du Minuit.

Melville inició el rodaje sin los derechos sobre la obra, con un presupuesto ínfimo (se sirvió de colas de rollos de celuloide porque no podía acceder a más material), sin permisos y con solo el equipo técnico indispensable, en el cual destaca el director de fotografía, Henri Decaë, en el que era su primer largometraje (luego, Decaë participaría en varios films de Melville y en títulos clave del nuevo cine francés como Ascenseur pour l'échafaud, Le beau Serge o Les quatre cents coups). El reparto se componía de actores no profesionales, salvo el actor suizo Howard Vernon, en el papel del oficial alemán Werner von Ebrennac.

A pesar de que se dice que Vercors cedió su propia casa de campo para el rodaje, lo cual no deja de resultar sorprendente, Melville se comprometió a destruir el film si, al finalizarlo, un comité de personas relevantes de la Resistencia, entre los cuales el propio Vercors, no daban su aprobación al film.

Afortunadamente, después de un largo rodaje, que ocupó en jornadas muy reducidas (27 días) la segunda mitad de 1947, y una dilatada postproducción, la película obtuvo el beneplácito del “comité evaluador”, pudiéndose estrenar en 1949.

La película lleva a la pantalla con notable fidelidad una obra difícil de filmar. Que se trata de un libro especialmente significativo queda ya reflejado en el mismo inicio: cuando vemos un personaje que abre una maleta lleno de publicaciones clandestinas y extrae el libro de Vercors, cuya página con el título se convierte precisamente en el título del film.

La acción se desarrolla en una zona campestre, inidentificada, probablemente cercana a París, en 1941. Se centra en tres personajes, alojados en una pequeña casa, en semioscuridad. Son un hombre mayor (Jean-Marie Robain, cuya voz en off va a narrar la historia, siguiendo casi al pie de la letra el texto original) y su bella y turbadora sobrina (Nicole Stéphane).



El tercer protagonista es un oficial alemán al que han de alojar a la fuerza en su casa. Von Ebrennac se muestra en todo momento como un hombre educado, culto, sensible (es compositor musical), que ama profundamente Francia (se intuye, por su apellido, que tiene antepasados franceses). Ebrennac les impone un juego nocturno, consistente en monologar en presencia de tío y sobrina asumiendo que no recibirá nunca la más mínima respuesta (lo que parece, en el fondo, satisfacerle, como una muestra de dignidad de los franceses a los que impone su presencia).



Ebrennac cree que la invasión alemana tendrá como resultado una fusión beneficiosa entre ambos países, de manera que se intercambien las virtudes dentro de un “matrimonio feliz” (matrimonio que, en cierta manera, se intuye que podría ser también el suyo con la joven sobrina). Para ello, metafóricamente, se sirve de la narración del cuento de “La bella y la bestia”, en donde es evidente que él/Alemania juega el papel de la bestia, mientras que Francia/la sobrina es la bella, visión que contrasta con el inquietante flashback en que narra una excursión campestre con una novia alemana, en la que esta da muestras de brutalidad al arrancarle las patas a un insecto.



Pero toda su ingenuidad sobre el papel cultural de Alemania en Francia, expuesta a lo largo de seis meses, se derrumba cuando aprovecha un permiso para ir a París. Allí la brutalidad de la realidad de la invasión, la intención no disimulada de los alemanes de acabar con la cultura francesa, de destinar su literatura a la hoguera, le hace ver por primera vez cuál es su papel como ocupante, lo que le coloca en una posición que le imposibilita mantener la relación que tenía con sus anfitriones.

La solución que tomará el militar es pedir que se le destine a frente oriental, lo cual es casi una forma de correr voluntariamente a la muerte. Ebrennac, que ha querido suavizar su presencia vistiéndose de paisano para sus soliloquios, aparece ahora de nuevo de uniforme para despedirse, para pedirles que olviden todo lo que les ha contado en ese tiempo, puesto que ha descubierto la falsedad de su mensaje. Y será en el adiós cuando tío y sobrina se dirijan a él por primera vez, él con un conminatorio “entrez, monsieur” (puesto que Ebrennac, en contra de lo que solía, no entra directamente, sino que llama a la puerta), ella con un triste “adieu” final.

A pesar de lo fiel de la adaptación, Melville introduce algunas pequeñas variaciones. Por ejemplo, ese prólogo metalingüístico, en que se nos muestra el origen literario del film. Hay también un momento en que Ebrennac y la joven se cruzan en el exterior nevado, o un rótulo en un bar que prohíbe la entrada a los judíos (curiosamente, en la obra de Vercors no hay la más mínima referencia al antisemitismo; quizá ese brevísimo, casi invisible, apunte responde al hecho de que Melville era de familia judía). También introduce Melville, ya al final, cuando Ebrennac se va al frente oriental, una frase de Anatole France que parece una invitación a la desobediencia: “il est beau qu’un soldat désobéisse à des ordres criminels”.



Pero quizá el añadido más importante, y más discutible, sea que un amigo de Ebrennac, en París, le habla de los campos de exterminio, y en particular de Treblinka, cuando esa información resulta anacrónica en 1941.



Al margen de las cuestiones argumentales, de una gran densidad, especialmente teniendo en cuenta el contexto histórico, hay que destacar los aspectos visuales que Melville, a pesar de lo precario de la producción, introduce en la película. Teniendo en buena medida a Orson Welles y su Citizen Kane como modelo, Melville filma con un uso bastante marcado del contrapicado que aplasta a sus personajes dentro de unas reducidas estancias, mostrando a menudo el techo sobre sus cabezas. Asimismo, juega con la iluminación, sin duda influido por la maestría de Gregg Toland, y con la profundidad de campo.





En resumen, un film muy interesante, filmado de una manera brillante, demostrando que el director, a pesar de su inexperiencia, sabía lo que se traía entre manos. Desgraciadamente, los dos siguientes films de Melville van a suponer un cierto retroceso, aunque por otro lado significarán una manera de entrar en la industria convencional francesa. Para empezar, la semana que viene Melville confluye con un nombre consagrado, Jean Cocteau, del que llevará a la pantalla una adaptación de su novela “Les enfants terribles”.

Es curioso lo que hace el talento y el saber hacer ante un producto aparentemente del montón, en cuanto a temática se refiere, sin tener ningún tipo de conocimiento previo, ni del director ni del escritor; si uno lee la sinopsis de FA: "Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Durante la ocupación de Francia por las tropas alemanas, un anciano y su sobrina deben compartir alojamiento y convivir con un afable oficial nazi."(FILMAFFINITY), uno espera un film de la résistance al uso, claro siendo su primer film no esperas ese golpe de originalidad, y porque no, genialidad, en su estructuración, el no cruzar ni una palabra por parte de los invadidos al invasor, salvo el final claro, aunque también muy parca en ellas. Claro, no se muy bien si el kit, el silencio como arma, de todo esto es una crítica positiva o negativa hacia la resistencia francesa, aunque como dice Mad, el film pasó por un comité de aprobación, entiendo que dicha "tortura" psicológica a la que es sometido el oficial alemán, se le consideró una victoria absoluta ante el invasor, la victoria de los malos modales frente al sometimiento físico del pueblo francés, oigan menos es más, ya tuvieron suerte de poderlo contar.

Fantástica la primera aparición Howard Vernon, con un leve contrapicado y una iluminación digna del cine de terror, porque es lo que parece, la primera aparición de un Boris Karloff (por ejemplo) en pantalla. Por cierto una actor con un currículum de alta calidad: Delicatessen, Chacal, Alphaville, los crímenes del Dr. Mabuse (vista reciente pero ahora no lo visualizo, y un largo etc... Y la guinda del pastel, un sinfín participaciones con tío Jess Franco (concretamente 38 acreditaciones), y el remate, acreditado como director de fotografía en "les gloutonnes" (a saber el género). En resumen el pilar del film y una interpretación de alto nivel.



Del yayo y la sobrina pues acompañan a la prefección al nazi educado, ambos con pocas lineas de diálogo, él con esa voz en off, aquí, por ausencia de diálogos, SI necesaria, aunque dicho recurso no sea de mi agrado, sí lo es de muchos cineastas francesas de su movida, parece a veces incluso que sea un dogma para ellos.

En cuanto a Melville, sorpresa mayúscula, ya que uno no espera un resultado tan alto en una ópera prima, así a bote pronto, me viene a la cabeza la de Antonioni con su "Crónica de un amor", disfrutada y comentada por aquí. Se estrena con un amplio repertorio de recursos cinematográficos, ya sea contrapicados, primeros planos, algún que otro plano secuencias, variedad de planos dando como resultado un dominio de escenas interiores digno de mención, en el que uno, pudiera haber disfrutado sólo observando visualmente el film, digo esto, porque la edición alemana (fantástica calidad de imagen) y la tipología de film, con diálogos muy poéticos y una voz en off muy habitual, han hecho que el film en V.O. con subtítulos en alemán sea un desafío interesante, interrumpiendo a veces el visionado en busca de esa palabra tocahuevos, pero benditas interrupciones, aprendizaje a nivel cinematográfico y lingüístico. Quien da más!!!!!!



Ahh me olvidaba ese detalle a lo Renoir, cuando el oficial está en el tanque desarrollando la única escena supuestamente bélica del film, basándose con 4 escenas de él mirando por los prismáticos, con entusiasmo bélico y unas sacudidas de cámara para simular el disparo de proyectiles, a la vez con su correspondiente efecto sonoro. Evidentemente desconozco su filmografía, y sabiendo que Melville es una de los capos del polar, entiendo que debe dominar los registros del cine de acción, pero en el film, ya sea por presupuesto o porque simplemente no toca, no las hay. A ver si aprendemos Luchino!!!! que si no hay presupuesto para escenas bélicas, o simplemente no se saben hacer, no las hagas!!!!!!

En resumen, me estreno con Melville con un film diferencial, para mi con mucha originalidad y sobretodo calidad en todos los aspectos, tocando una temática muy recurrente bajándola a niveles terrenales de cotidianidad, lástima del gatillazo con el remate de Mad con el siguiente film, no me gustan los pasos atrás!!!!!

03. Los niños terribles (Les enfants terribles, 1950)



Cocteau quedó gratamente impresionado por el debut de Melville con Le silence de la mer. De hecho, el polifacético poeta francés fue uno de los presentes en la proyección de la película ante el comité evaluador cuya aprobación era condición necesaria para estrenar el film, tal como había prometido el propio Melville para convencer a Vercors.

Cocteau, que no había satisfecho a la crítica con algunos de sus films anteriores, como La belle et la bête y L'aigle à deux têtes, confía en el joven director para llevar a la pantalla la adaptación de su célebre novela “Les enfants terribles”, publicada en 1929, aunque Cocteau tuvo diversas formas de control sobre el resultado final. Por una parte, aparece acreditado como responsable de la adaptación y de los diálogos (bastante fieles en general a la novela). Por otro lado, será la propia voz de Cocteau la que actúe como narradora de la acción del film. También fue decisión de Cocteau la de trasladar la acción de los años 20 de la novela a la actualidad. Y, detalle que influye y mucho en el resultado final, impuso la presencia de uno de sus pupilos (amante, heredero, hijo adoptivo…), Edouard Dermithe, un joven pintor, en el papel de Paul.

Es importante tener presente que poco antes Cocteau había rodado Les parents terribles (1948), basada en una obra teatral del propio director (de 1938), con otro de sus protegidos, Jean Marais, como actor principal. Hay mucho de Les parents terribles en Les enfants terribles, tanto desde un punto de vista argumental, como formal, de manera que si uno ve las películas por orden cronológico, es altamente probable que se piense que Les enfants terribles también es un film dirigido por Cocteau.



Aunque tenía un mal recuerdo de Les parents terribles (probablemente influido por un pase televisivo doblado), la he revisado estos días y me ha parecido un film que, aunque no puede (ni quiere) disimular su origen teatral, resulta en mi opinión bastante más convincente que Les enfants terribles, quizá porque entre otras cosas el reparto está compuesto por actores de mucho más fuste, comenzando por el propio Jean Marais, que, aunque nunca ha sido muy de mi gusto, me parece muy superior a Edouard Dermithe, y siguiendo con tres veteranos: Yvonne de Bray, como la madre, Gabrielle Dorziat, como la tía Léo, y Marcel André, como el padre. Para mayores similitudes con el film de Melville, también aquí Cocteau participa como narrador. Y aunque tenga en general un tono más vodevilesco que Les enfants terribles, menos enfermizo, a pesar de que el papel de la madre y su edípica relación con un infantiloide hijo no desentonen respecto a la novela de 1929, también esa visión de los padres termina con un suicidio, como si fuera la otra cara de la moneda de la visión de los hijos. De esta forma, aunque en principio se trata de dos historias distintas, los hilos que unen una con otra son fuertes.

Quizá por eso Melville se tenía que sentir muy constreñido por lo que representaba llevar a la pantalla la famosa obra del gran Cocteau. En especial, era imprescindible contar con unos actores capaces de representar a Paul y Elisabeth, los dos “niños” terribles del título, una pareja de hermanos que mantienen una enfermiza relación, de autodependencia, llena de refinadas crueldades infantiloides, a medio camino de lo incestuoso y de lo demente.





El problema es que tanto Dermithe como Nicole Stéphane (la bella sobrina de Le silence de la mer) eran ya muy mayores para asumir unos papeles que, al inicio, corresponden a dos adolescentes de entre 14 y 16 años. El paso del tiempo tampoco parece que les afecte en demasía, aunque la acción no se alarga más de unos tres o cuatro años. Además, ambos eran actores noveles (Dermithe había aparecido en dos films anteriores de Cocteau). Si a eso le sumamos lo excesivo del argumento, lo rebuscado de sus juegos narcisistas y egoístas, llegamos a la conclusión que se trata de un film sin duda mucho más propio de Cocteau que de Melville, en cierta manera una rara avis dentro de su filmografía.

Obra de marcado carácter literario, “poético”, y de estructura narrativa muy teatral (aunque fuera en origen una novela), deudora de unos escenarios cerrados, asfixiantes, lastrada por las interpretaciones un tanto histriónicas no solo de Stéphane y Dermithe, sino también de Renée Cosima (en un doble papel, inquietante, de chico, Dargelos, compañero de Paul, y chica, Agathe, amiga de Elisabeth)



y de Jacques Bernard como Gerard, el compañero de escuela de Paul. A ello hay que sumar una música sumamente enfática (Vivaldi, Bach) y una decoración que tiende al barroquismo, un tanto asfixiante. En el apartado positivo, Decaë vuelve a destacar tras la cámara, y se consiguen algunos buenos momentos con la iluminación o algunos detalles de vestuario, de Christian Dior.

A pesar de que hay un par de escenas que rompen el tono un tanto pomposo de la acción, como cuando Dargelos lanza pimienta a la cara del director del instituto, o cuando Paul y Elisabeth enredan a Gerard a participar en sus inocentes robos de objetos inútiles, la película resulta un tanto pesada, poco ligera, lo que contrasta con el ritmo de Le silence de la mer.

Poco a poco, el film adquiere un tono cada vez más sombrío, cuando Elisabeth enviuda rápidamente de su matrimonio con un joven millonario americano, que muere en accidente de coche. Todos los personajes van a acabar concentrándose en la nueva mansión de Elisabeth, donde Paul reproducirá la escenografía enfermiza de la antigua habitación de los hermanos.





Allí Elisabeth va a manipular los afectos de Agathe, enamorada de Paul; de Gerard, enamorado de ella; y de su propio hermano, que ama a Agathe, para mantener atrapado en su telaraña al enfermizo Paul. Un final trágico sella la unión fraternal.



Personalmente, me siento un tanto alejado de este film, no sintonizo con los enfermizos hermanos. Cocteau siempre solía tener detalles de genio, pero en su conjunto me parece un film poco inspirado, y sobre todo muy poco melvilliano, a pesar de ser, como el anterior, una Melville production.

La próxima entrega representa, para muchos críticos, el punto más bajo de la filmografía de Melville, Quand tu liras cette lettre..., film que no había visto nunca antes de ahora, y que cuenta en su reparto con Juliette Gréco, actriz que siempre me ha parecido muy limitada, a pesar de ser un icono de la época del existencialismo francés. En todo caso, con ella llegaremos al final de la revisión por lo que a 2022 respecta. Ya en el próximo año comentaremos Bob le flambeur, el primer film propiamente noir de Melville, el que en cierto modo inicia su vinculación al género criminal (a pesar de que en Quand tu liras cette lettre… ya están presentes elementos propios de este género).

Fui muy crítico con James Dean en general, porque me parece un actor muy limitado, pero no es su culpa cuando le dan un papel de teeneger en la sobrevalorada Rebeld sin causa cuando está claramente dentro del "Síndrome de sensación de vivir", o sea personajes teenegers encarnados por hombres y mujeres hechos y derechos, cuando esto sucede ya me afea todo el visionado, con independencia de la calidad de la interpretación, que en ambos films, el de Dean, y el que toca, me parecen reguleras.

A parte de la sorpresa inicial, donde se conoce a los personajes de que pie cojean y que nos vamos a encontrar, el dúo protagonistas entra en una fase peligrosa para el espectador, ya que no simpatizas en absoluto con ellos, por ese carácter tan infantil en cuerpos de adultos; también esa decoración muy juvenil de su habitación no ayuda a sacar de la mente el problema con la edad. A veces, he llegado a un punto a sentir que ese par de "xixarel.los" son realmente insportables, con el resultado de la búsqueda en el mando del aparato de BD, del minutaje restante.

No todo es malo, aunque para mis gustos, lo malo, aquí pesa demasiado. Hay escenas impactantes, como cuando por ejemplo se encuentran a su madre muerta, escena digna del terror más puro (segundo guiño al género, el primero la primera aparición del generalísimo en "el silencio del mar"). Las escenas finales, la del desenlace, son chocantes, pero por falta de la empatía nombrada hacia los personajes, ni sufro, ni padezco

Foto de los niños jugando en su domingo de ducha. Ay ay ay si Bertolucci hubiera pillado esta escena en la época de "Soñadores".

En cuanto a Melville, él si que está a la altura de las circunstancias creo, bueno, si él eligió al casting, pues ya no tanto. A nivel formal me gusta lo que veo, vuelve a tirar de recursos y nos muestra un saber hacer a la hora de jugar con los planos, muchos contrapicados, hay concretamente un plano cenital que me ha encantado, cuando los dos están en la campa, vagueando y divagando en su mundo, me ha parecido Antonioni, el hecho de transformar la fealdad en algo bonito, ya que lo que es grabado, ese par de vagos, muy bonito no es.

Evidentemente después del Hype del primer visionado, te quedas con ganas de más, y éste no es un film continuista de Melville, no se si diría un paso atrás de Melville, porque él está bien, quizá un paso en falso. He leído por aquí que del próximo mejor tener el listón bajo, vamos a ver.....ahhh me olvidaba comentar algo sobre la edición en BD, pues seguimos igual que en el anterior, excelente edición con excelente nitidez de imagen, además en este film no he tenido que usar el diccionario español-alemán, ya que el vocabulario de calle que usan estos personajes ya "al borde del asilo" no tiene nada que ver con la poetización del generalísimo en la, por si no ha quedado ya claro, muy superior de "el silencio del mar"