Tema: Jean Renoir: revisando sus películas

Es cierto, lo olvidé. A ver si la encuentro. Tengo un buen recuerdo de ella aunque la vi hace mucho, mucho tiempo.

Expectación es la palabra adecuada previo visionado del film, más que nada por la sorpresa que Renoir se adentrara en territorio fantástico y/o de terror, aunque fuera de manera tangencial, ya que asumía que así sería. Tengo que decir que la he visto dos veces, ya que la calidad de la copia me animó a ello, así como unos subtítulos fantásticamente sincronizados, y la verdad que en ambos visionados no he diferido mucho en mi opinión.

Hay géneros difíciles de mezclar, casi indivisibles, como por ejemplo, y no es la primera vez que lo digo por aquí, el terror y la comedia, varios géneros, y no es la primera vez que lo digo por aquí , me cuesta mucho, a nivel personal, aceptarlos y convivir con ellos, hay muchos ejemplos, mucho de ellos grandes films, aunque nunca estarán en mi cabecera. Dicho esto, la introducción del film me parece fantástica y sorprendente, un Mr Hyde, violento, sin corazón, liándose a hostias ya sea a una niña con moliendo a palos a alguien que pasaba por ahí, ese instinto salvaje me sorprende y me fascina, ese incontrolable impulso a la violencia innecesaria, placentera pero salvaje, me froto las manos ante esto y me pregunto como se van a desarrollar los acontecimientos a partir de ahora.



Pero creo que es en la tercera aparición de Mr Hyde, aquí primo lejano de Chaplin, cuando el amigo "Kosme" le hace una cabecera musical , dotándole de un cachondeíto slapstick que en contrapunto a lo que veo al principio, me indigesta, no es lo que esperaba, lo salvaje deja paso a lo absurdo a la payasada con bastón chaplinesco incluido, así como las poses marca de la casa del cine de Renoir, que las acepto en el mundillo de la comedia drámatica o el drama con comedia, pero me abruma en la intriga y/o terror. Lo peor de todo que va in crescendo esa dosis payasesca, teniendo dos momentos álgidos que uno reflexiona con el abandono del visionado, pero el trabajo es el trabajo y se aguanta como se puede: el primero cuando va a la consulta del Doctor y se encuentra a la secretaria y a la enfermera, un encuentro a lo Benny Hill, que te meto mano por aquí, que te estiro por aquí, es que el cambio de moler a palos a una niña o a una persona que pasaba por ahí, a levantar falditas de manera traviesa para mi es inaceptable y me supera. La otra escena flagrante, es por la parte final en el laboratorio cuando empieza a toquetear todo y desfilar en pantalla como Chaplin, me gusta los homenajes sutiles en momentos puntuales que hace Renoir en su filmografía como en Boudu y la escena del espantapájaros, pero aquí es demasiado, es irritable y es lástima porque el film en todo lo demás, es fantástico, sobretodo en su formalidad, estructura, planos e interpretaciones; no pongo la música porque el amigo "Kosme" es culpable de mi cabreo, con esas notas que te anticipan la aparición del momento payasete.

Por lo dicho, creo que aquí discrepamos bastante con el amigo Mad, encantado con el film, yo más bien desencantado. Vamos acabando el ciclo y esta semana viene "comida en la hierba", título que se repetirá cuando: "EXCLUSIVA!!!!!": el amigo Tomás y servidor, hagan el revisionado de la filmografía de Rocco Siffredi (Curiosamente siempre he pensado que eran dos, a los Simon y Simon, Starsky y Hutch y Roccos y Fredi), titulada "fuera gomas".

Por alusiones. Queda tan atrás en mi memoria ese Rocco De largo (nunca mejor dicho) me quedo con su versión de Tarzán. Ni el Johnny, ni el que fue marido de la después Baronesa, etc...

Pues sí, querido Alex, discrepamos y mucho. Lo que llamas "payasesco" yo lo llamo "juguetonamente malsano". Y la banda sonora de Kosma me parece de lo más acertada. Es obvio que Renoir plantea la adaptación en un tono alejado de los clásicos del género de terror, pero ahí está la gracia y el acierto, y lo hace siendo fiel a Stevenson. Y lo chaplaniano es evidente y encaja perfectamente con el tono del film. Además, ya sabemos de la adoración de Renoir por Chaplin.

No hay queja de la banda sonora de Kosma, si que la hay con la cabecera cada vez que sale Mr Hyde.

Si desde el principio hubiera sido un Hyde payasete, pues se acepta y punto, pero dista mucho la salvajada de las dos o tres primeras palizas que de comedia y slapstick nada de nada, con las ya comentadas charlotadas. Por cierto, no sólo por este film, pero me reitero que cuando Renoir quiere hacer comedia pura, en general no me hace gracia.

Iniciado por Alex Fletcher

No hay queja de la banda sonora de Kosma, si que la hay con la cabecera cada vez que sale Mr Hyde.

Si desde el principio hubiera sido un Hyde payasete, pues se acepta y punto, pero dista mucho la salvajada de las dos o tres primeras palizas que de comedia y slapstick nada de nada, con las ya comentadas charlotadas. Por cierto, no sólo por este film, pero me reitero que cuando Renoir quiere hacer comedia pura, en general no me hace gracia.

Pero es que, para mí al menos, Le testament du Docteur Cordelier no es comedia pura, ni mucho menos, y ahí está, precisamente, su gracia. Comedia pura es la de Jerry Lewis, The Nutty Professor, una magnífica parodia, pero no la de Renoir, que de parodia creo que no tiene nada. Creo que si se ve esta película fuera de contexto, se puede pensar de ella que es una rareza dentro de la filmografía de Renoir, pero vista ahora, dentro de la revisión completa que le estamos dedicando (y que ya finaliza), me parece que queda perfectamente integrada en el conjunto de su obra.

Para mi hay demasiado cachondeito para no considerarla una comedia, siempre combinada con otro género, ya sea comedia de terror, comedia dramática..., pero siempre la comedia en primera posición.

Que hay elementos de comedia es obvio, referencias a Chaplin incluidas, pero no es "comedia pura". De hecho, salvo alguna excepción, Renoir acostumbraba siempre a salpicar sus películas con elementos de comedia. La cuestión es si esos elementos están bien integrados en el conjunto. Para mí, en este caso, sí lo están.

35. Comida en la hierba (Le déjeuner sur l'herbe, 1959)



Después de su experiencia televisiva con Le testament du docteur Cordelier, Renoir vuelve a uno de sus temas más queridos: la relación con el paisaje, con claras referencias pictóricas, empezando por el mismo título, que lo es también de un famoso cuadro de Manet, presentado en 1863, y que a menudo se cita como obra inaugural del impresionismo.



De paso, cuestiona una vez más la cultura burguesa, haciendo especial hincapié en la ciencia que convierte a los humanos en seres mecanizados, artificiales, representada por el protagonista, el profesor Etienne Alexis (magnífico Paul Meurisse), defensor de la fecundación artificial y candidato a presidir Europa (en 1957 se había firmado el Tratado de Roma que creaba la Comunidad Económica Europea). Frente a ese modelo futuro, presentado casi como una distopía, algo que se refuerza por el matrimonio que Alexis ha de formalizar con su prima, una especie de amazona parafascista alemana, la condesa Marie-Charlotte, jefa de las Guía de Europa, Renoir opone la sencillez, la ingenuidad, la pureza de Nénette (Catherine Rouvel), una joven campesina que quiere contactar con Alexis para que le facilite un embarazo sin tener que bregar con los hombres, tan poco fiables.

Pero todo se trastocará por la actuación de unas fuerzas ocultas, misteriosas, despertadas por un extraño pastor, Gaspard (Charles Blavette, el inolvidable Toni de la película homónima), que merodea por la zona con una cabra. Cuando Gaspard haga sonar su flauta, entre las ruinas de un antiguo templo dedicado a Diana (lugar donde antaño se realizaban orgías), se desencadenará un fuerte viento que inoculará una especie de febril deseo sexual a los humanos que se encuentran almorzando en el campo, tanto Alexis y su cohorte, que esperan a la condesa, como un grupo de personas que se divierten al lado del río.



Inmersos en ese estado especial, dionisíaco, surgirá la relación amorosa entre Alexis y Nénette, sin asomo de romanticismo impostado, después de que esta se bañe desnuda en el río (la típica estampa de la bañista, un tema pictórico habitual entre los impresionistas).



El científico abandonará por un tiempo sus obligaciones y se refugiará en casa de la familia de Nénette, prototipo de los campesinos franceses, en este caso del Midi francés que tanto parece que amaba Renoir.



Fruto de esa relación, Nénette queda embarazada, fecundado a la manera tradicional por Alexis, que ve así cuestionado su programa político científico. En la resolución del film, no obstante, Alexis mantendrá su candidatura a la presidencia europea, pero se sobreentiende que desde un planteamiento distinto, presentando a Nénette como su futura esposa y “presidenta”.

Desde un punto de vista formal, la película presenta dos novedades: la vuelta al color, pero esta vez al Eastmancolor, más barato y manejable que el Technicolor (se nota en esos tonos dorados y en la forma de degradarse las tonalidades, debido a lo delicado de su conservación, a pesar de estar restaurada en 4K), y el uso por primera vez del formato panorámico (el habitual en Europa:1,66:1, aunque la edición en BD lo amplia a 1,77:1, lo que provoca que en algunos planos las cabezas queden demasiado ajustadas al marco superior). Renoir se sirve de la amplitud de los encuadres y del color para recrearse en las imágenes de los paisajes y en dotar de movimiento a las secuencias. Pero eso no es óbice para que mantenga la referencia televisiva: así, las primeras imágenes que vemos son las correspondientes a un noticiario televisivo.



Un Renoir cien por cien puro, aunque quizá uno pueda pensar que, por el camino, con la vejez, el director se ha ido haciendo cada vez más conservador. Ese canto a la pureza del campo resulta demasiado ingenuo, aunque, sin duda, consigue transmitir esa “joie de vivre que tanto caracteriza su cine.



En la próxima entrega, Le caporal épinglé, volveremos al blanco y negro en la que parece una vuelta al universo de los prisioneros de guerra de La grande illusion, aunque esta vez durante la II Guerra Mundial.

Embobado quedo con la calidad del Bd a nivel visual, ayudado por el colorido made in Renoir marca de la casa, y supongo que la remasterización al 4K se nota, además los paisajes rurales son un caramelito también.

Sigo pensando lo mismo, la historia es extremadamente sugerente, arriesgada y original, que como he dicho a nivel visual da la talla, y se goza, pero el Renoir haciendo comedia, me hace, aquí levemente, gracia, hemos mejorado unas décimas, pero sigo pensando que no es un director de comedia pura, y se puede discutir que el anterior lo sea o no, pero en esta es indiscutible, y no me hace apenas sonreír un par de veces. Una comedia ligada demasiado al slapstick, siempre hablando de mi gusto personal claro, a muchos les gustan en comedia, a mi en parte, siempre busco el equilibrio entre diálogo y humor corporal, siendo los Hnos Marx un ejemplo perfecto para mis gustos.

Seguro que Shyalaman vio la peli de Renoir para su menospreciada "el incidente", ya que repite el elemento clave en ambos: el poder de la naturaleza expuesto sin niveles de destrucción masiva, sino con una simple brisita, y lo que uno lo usa en la comedia y el otro en el terror.

La parte final, la de la boda con "Ilsa", curiosamente en interiores, es la que a nivel de comedia, me ha resultado más adecuada a mis gustos, un poco más de sutilidad a la locura previa.

En resumen, el film, muy recomendable, pero por cuestiones de gustos personales, estará entre la Conference LEague y las posiciones de comodidad. Y del próximo film, no tengo ni idea ni he leído nada, pero huele a cachondeito permanente.

Escena a lo verano azul

Esta vez estoy de acuerdo: es una comedia pura, aunque yo no veo ese slapstick que dices. Es Renoir 100%, para lo bueno y para lo malo. Esperaba que dijeras algo de la sesión de baño de Catherine Rouvel, la rotunda Nénette.

Iniciado por mad dog earle

Esta vez estoy de acuerdo: es una comedia pura, aunque yo no veo ese slapstick que dices. Es Renoir 100%, para lo bueno y para lo malo. Esperaba que dijeras algo de la sesión de baño de Catherine Rouvel, la rotunda Nénette.

Aún me estoy recuperando del gozo!!!.

Por ejemplo, en la parte final cuando se dirijen a la boda, el tiene unos andares muy de Groucho. También, como en el film anterior, la música y/o los efectos sonoros, anticipan una escena de contorneo corporal espasmódico. Pero lo dicho, el film es recomendable y su compra es justificable.

En su momento, la dejé pasar. Pero vuestras críticas, sobre todo Alex , me ha hecho ponerla en la lista de deseos. me sale caro seguir este foro.

36. El cabo atrapado (Le caporal épinglé, 1962)



Como punto final a su carrera cinematográfica (aunque todavía rodaría un film para la televisión, Le petit théâtre de Jean Renoir), Renoir adaptó en Le caporal épinglé la novela del mismo título de Jacques Perret aparecida en 1947, en la cual el autor contaba sus experiencias como prisionero en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. Perret protagonizó diversos intentos de escapada, consiguiendo finalmente volver a París e ingresar en la Résistance.

Como no he leído la novela, no puedo afirmarlo, pero da la impresión de que Renoir, autor del guion junto a Guy Lefranc, ha seguido con cierta fidelidad el desarrollo argumental de la obra, que tuvo un gran éxito en su día, aunque probablemente con diferencias en el perfilado de los personajes y en los diálogos. Quizá por ello la estructura del film da la apariencia de ser más rígida, más ordenada, de lo habitual en Renoir, siempre dado a dejar que sus películas se desarrollen con una aparente mayor libertad. Aquí todo está más controlado, medido, siguiendo la pauta de las películas de evasiones, todo un subgénero con numerosos e ilustres ejemplos, aunque sin que esas fugas respondan al prototipo de planes elaborados y múltiples implicados, más bien siendo todas las acciones bastante espontáneas y, en la mayoría de los casos, fallidas.

Así, la película va contándonos en paralelo a los avances de la guerra, mostrados mediante el uso de imágenes documentales (lo que, probablemente, justifica que la película se rodara en blanco y negro, por coherencia estética), cómo un grupo de soldados franceses hechos prisioneros durante la invasión de Francia por las tropas germanas intenta repetidas evasiones,



intentos todos ellos que giran alrededor del personaje del caporal (Jean-Pierre Cassel, se supone que un trasunto del propio Perret, personaje que en el film permanece anónimo) y sus dos amigos, Papa (Claude Brasseur, actor que me ha recordado en ocasiones a Cassen) y Ballochet (Claude Rich). Completa la nómina de prisioneros un conjunto de soldados que responden a tipos concretos: el campesino, preocupado por sus vacas; el camarero, al que llaman Penche-à-gauche (Jacques Jouanneau); el deportista (Mario David); el tartamudo (Guy Bedos)… En el retrato de esos personajes y en su manera de dialogar uno intuye la mano de Renoir, que les aporta ese populismo desdramatizado tan grato al director. A su lado, los guardianes alemanes resultan en ocasiones hasta afables y paternales.



Es obvio que Le caporal épinglé se presta a la comparación con la que, ya a punto de acabar esta revisión, es para mí la mejor película de Renoir, La grande illusion, una sobre los prisioneros franceses en la I Guerra Mundial, la otra ambientada en la II Guerra Mundial. Pero las diferencias, al margen de que una resulta más satisfactoria que la otra, son evidentes. Aquí no resuena esa llamada a la paz del film de 1937, ni se sitúa en primer plano el conflicto entre clases sociales, aunque algo se insinúa en el contraste entre el caporal y Papa. No hay rastro de la aristocracia como una clase social en proceso de desaparición, ni los personajes tienen la grandeza, decadente, que tenían el capitán Boeldieu y el capitán Von Rauffenstein. Por el contrario, Renoir recurre una vez más al tono vulgar en las conversaciones y a momentos de humor un poco grueso, como el fugado vestido de mujer, o el intento de escapar moviendo la cama donde duerme un viejo soldado alemán, con musiquilla de Kosma de fondo (que Alex seguro que calificará de slapstick), o la espectacular aparición de O.E.Hasse (al que recordamos de la hitchcockiana I Confess) como un pasajero borracho del tren que ha de llevar al caporal y a Papa hasta Francia, y que es bombardeado providencialmente justo cuando han sido descubiertos.

Donde sí coinciden ambos films es en la parte final, con esa pareja, todavía en Alemania, formada por un francés, huido de un campo de prisioneros, y una campesina alemana que ha enviudado por la muerte de su marido en el frente, y que nos recuerdan los personajes de Gabin y Dita Parlo. También hay un momento romántico, aunque breve y mucho menos intenso que en La grande illusion, entre el caporal y la joven hija de una dentista, Erika (Cornelia Froboess).



Hay detalles que me han parecido interesantes: la semblanza, compartiendo discurso fascistoide, que se establece entre un suboficial francés prisionero, Hippolyte, dispuesto a colaborar con los carceleros con entusiasmo, y el oficial alemán, Otto. O esa salida de escena de Ballochet, en una especie de suicidio voluntario al intentar fugarse sin la más mínima opción de éxito (y que Renoir filma fuera de campo, mostrando la reacción a los disparos letales por medio del rostro del caporal). Y, finalmente, la frase con la que el caporal se despide de Papa en un puente sobre el Sena: “la esvástica me deprime”, que anuncia su futuro ingreso en la Résistance.



Y la próxima semana llegamos al final del trayecto con Le petit théâtre de Jean Renoir, película que creo que no está editada en DVD o BD, ni siquiera en Francia, pero de la que disponemos una copia, de mala calidad con subtítulos en inglés, en YouTube. Si alguien sabe de alguna copia en mejores condiciones, le agradeceré la información.

Como me gusta el Renoir alejado del cachondeito permanente!!!! Y esta vez, Kosma, se ha portado bastante bien con los efectillos para anticiparnos esos momentos que tanto me han deleitado en este ciclo. No voy a decir que sea mejor o peor, pero mis gustos son los que son y me gustan este tipos de films en la filmo de Renoir, para decirlo chapuceramente, filmes serios con latigazos de comedia, si, a veces una comedia muy alocada, como el momento disfraz de mujer, pero siempre hay la sensación de peligro de muerte en el film, aunque haya amabilidad en los soldados nazis, donde está la leyenda que los alemanes están siempre cabreados????? Muy divertido también en una de las huidas, simulando que están midiendo no se con una cinta blanca, se van alejando, se van alejando, todo muy profesional, doblan la esquina, siguen con ello para disimular y tschuss

Renoir juega con esa sensación de peligro, ya que uno piensa que por repetición e insistencia, los prisioneros deberían ser ejecutados. Puede dar esa falsa sensación, de que hagan lo que hagan los protagonistas no tiene peligro de muerte, ya pueden intentar huir 50 veces, y como digo en mi trabajo cuando siempre faltan los mismos al trabajo (siempre con el mismo perfil: joven y fin de semana, no falla) y el jefe afirma que esto tendrá consecuencia, pero al final "nichts passiert", pues aquí parece que igual, pero nadie está a salvo, como bien dice Mad, en la muerte fuera de plano de uno de ellos, que sin ver nada, me emocionó lo suyo, me caía bien el individuo ese.

El momento dentista, no llega a ser lo de Marathon Man pero combina muy bien dolor y humor, y porque no decirlo, bellísima la hija del dentista, con ese contraste con su madre, richtige Deutscherin contra un perfil más amable y amoroso de la hija. También el momento en que son descubiertos en el tren en la última huída con el borrachuzo alemán y son salvados por la campana, me recuerda a la Gran evasión, los momentos de tensión en el tren y aunque estos son descubiertos al bajar de él. Esos momentos de tren, mezclados con el pueblo alemán, tanto civil como militar, que con la lengua, ya se por desconocimiento o por falsa pronunciación, me crean unos momentos de tensión increíbles, y en el film de Renoir también, aunque haya algo de cachondeo, pero ese momento que se le piden los "Ausweis" está resuleta de maravilla.



En resumen, se que no es una maravilla de film, y como dice Mad, la comparación con la gran ilusión es inevitable y siempre sale perdiendo, pero oigan, la he disfrutado mucho, sobretodo con el repertorio de fugas, muy bien equilibrado y que por tono y formas, es ineludible, comparándolo también con la gran evasión que tiene también esos intentos de fuga ligeritos y propensa al fracaso, como la intro por ejemplo, y como el personaje de Steve McQueen, que curiosamente puede haber la misma sensación que en el film de Renoir, del nichts passiert ya se por reiteración y tono, pero el gran film de evasiones, tampoco hay nadie a salvo. Lo dicho, bastante recomendable.

¿Hay momento slapstick o no, con el movimiento de la cama donde duerme el vejestorio guardia alemán?

Iniciado por mad dog earle

¿Hay momento slapstick o no, con el movimiento de la cama donde duerme el vejestorio guardia alemán?

si lo hay, poco, ya que no me acuerdo

Ha sido para mí una terrible frustración no haber podido colaborar en esta magnífica revisión pero me temo que uno no puede estar en todos los sitios a la vez y no por falta de ganas sino porque tengo que cuidar mis rodillas que cada vez me dan más guerra. Al contrario que Superman y la kryptonita el ácido hialurónico de las infiltraciones no hace el menor efecto en mis doloridas articulaciones. De todas formas espero que aunque sea a toro pasado pueda al menos completar el comentario de los títulos de su etapa norteamericana que no me dio tiempo a revisar así como EL RÍO.

En cualquier caso mi enhorabuena a todos los que participáis por vuestro entusiasmo y dedicación.

37. Le petit théâtre de Jean Renoir (1970)



El adiós de Renoir se da con una producción televisiva franco-ítalo-germana, entre la ORTF, la RAI y la Bavaria Film TV, que a partir de 1975 se distribuyó en salas. Ya hemos visto anteriormente que Renoir pareció asumir como inevitable la influencia del medio televisivo en el mundo de la creación cinematográfica, participando él mismo del fenómeno con films como Le testament du docteur Cordelier.

Para su canto de cisne, Renoir asume, como en el caso de la adaptación del relato de Stevenson, el papel de presentador, y lo hace frente a un teatrillo (ese “petit théâtre” del título). Él mismo introducirá los cuatro episodios que forman la película y presentará los intérpretes.



1) “Le dernier réveillon”, es un cuento dedicado a Andersen, y que nos retrotrae al universo navideño de La petite marchande d’allumettes. Un grupo de burgueses, de “alto copete”, celebra la cena de Navidad en un lujoso restaurante, a base de caviar, foie-gras y champagne. Para redondear el festejo, uno de los comensales tiene la ocurrencia de pagar a un pobre vagabundo (Nino Formicola), que deambula por la calle bajo la nieve, para que se sitúe frente a la mesa, al otro lado de los cristales del local. Pero la escena les acaba sentando mal y abandonan la cena. El vagabundo recibe, en desagravio, dinero, los restos de la comida e incluso unas prendas de abrigo. Reunido con su compañera (Milly), cenan el banquete y se acurrucan bajo la nieve, donde otros vagabundos los encontraran muertos. Un cuento patético, que quizá resulta demasiado sentimentaloide, especialmente debido a la caracterización de la pareja de vagabundos.





2) “La cireuse électrique”, adquiere la forma de una opereta moderna, una especie de cruce entre Jacques Demy y las luchas contra los objetos protagonizadas por Jacques Tati. Un grupo de ciudadanos que surge de una boca de metro actúa como coro, mientras que la anécdota del film se concentra en el matrimonio que forman Émilie (Marguerite Cassan) y Gustave (Pierre Olaf). Él, un gris oficinista que acaba de ser ascendido; ella, una ama de casa modélica que vive obsesionada por el encerado de su parqué. Por ello, ante la perspectiva del aumento de sueldo, reclama a su marido una enceradora eléctrica. Pero esa enceradora será el origen de sus desgracias, ya que Gustave resbalará con la cera, matándose en la caída. La desconsolada viuda recibe la visita de un antiguo admirador, Jules (Jacques Dynam), con el que se casa. Pero Jules, como ya le pasaba a Gustave, está harto de los ruidos mecánicos, por lo que acaba arrojando la enceradora desde la terraza, estrellándose contra el suelo. Émilie, enloquecida por la pérdida, seguirá el mismo camino. Un episodio cómico, en el que Renoir juega con su visión, habitualmente crítica, de la vida moderna, de lo artificial y urbano como una forma de degeneración de lo humano.



3) “Quand l'amour meurt”, es un intermedio, que sirve a Renoir para homenajear el período de la Belle Époque, tan reivindicado por el director en, por ejemplo, French Cancan. Para ello, una cantante (Jeanne Moureau) interpreta sobre un escenario la canción que da título al episodio, clásico de 1904 compuesta por Crémieux y Millandy, que cantó en su día Marlene Dietrich en Morocco.





4) “Le roi d'Yvetot” supone el final de la obra de Renoir, y parece una elección coherente. En un ambiente rural, que parece situado en el Midi, el episodio sirve como elogio de la figura de un cornudo, un antiguo marino, bonachón, perezoso y afable, Duvallier (Fernand Sardou, al que ya vimos en un papel parecido en Le déjeneur sur l’herbe), que reparte sus amores entre su joven esposa, Isabelle (Françoise Arnoul), y la petanca. Un problema con el perro provoca la aparición en escena del doctor Féraud (Jean Carmet), que, de manera inmediata y sin sentimentalismos, como era habitual en Renoir, entabla una relación amorosa con Isabelle, conformando uno de los numerosísimos triángulos amorosos del cine de Renoir. Duvallier, en un primer momento, sufre al descubrir el engaño y las burlas de los vecinos, pero después lo asume con naturalidad, primando la felicidad de su esposa y lo apacible de su existencia, antes que la violencia de los celos. Todo se resuelve con risas generalizadas y con los actores saludando a la cámara, o sea, al espectador. Es hermoso pensar que ese saludo final es el que nos dedica el propio Renoir a los que hemos seguido con admiración su carrera cinematográfica. Un aplauso para él.



Y con este “petit théâtre” finalizamos el ciclo Renoir. Quedan algunos flecos que completo en un par de posts adicionales. Y, cuando Alex tenga a bien, daremos cumplida cuenta de su tradicional cuestionario. Sobre si se puede o no hacer una lista con los casi 40 films que hemos analizado, lo dejo a manos del creador del cuestionario. Si se considera excesivo, siempre podemos dejarlo en una lista de los 10-15 mejores títulos. Como dijo el ínclito Alex el otro día, es cuestión de

Finalizado el recorrido por la filmografía de Renoir, he vuelto atrás para volver a visionar, por motivos distintos, dos de los films, La nuit du carrefour y La bête humaine, sobre los que añado unas breves notas adicionales.

La vuelta a La nuit du carrefour se debe a lo que ya dije en su momento: la copia que visioné para mi comentario fue una disponible en YouTube, con una imagen penosa, lo que dificultaba enormemente valorar los aspectos visuales del film e incluso las interpretaciones de los actores. Gracias a las indicaciones de la compañera hannaben he podido acceder a través de Internet a otra copia en mejores condiciones, con unos subtítulos en inglés inteligibles, aunque lejos todavía de ser suficientemente satisfactoria. Pero al menos me ha permitido confirmar lo que intuí en su momento: que se trata de un film sumamente interesante, no solo por ser una buena adaptación de la magnífica novela de Georges Simenon, sino porque, además, Renoir experimenta a fondo tanto con el sonido (la banda sonora de los ruidos del cruce de caminos donde se desarrolla la acción es parte íntima del film) como con la iluminación y la ambientación, situando la trama en un entorno desolado y solitario, en buena parte entre brumas y durante la noche, en el que adquiere vida propia el caserón de los supuestos hermanos daneses Else y Carl Andersen. La mejor definición de la imagen también me ha permitido gozar de una interpretación sorprendente, como es la de la joven debutante Winna Winifried como la perturbadora Else, y confirmar la sobriedad de Pierre Renoir como Maigret. De este modo, este visionado de La nuit du carrefour se convierte en una buena muestra de que las condiciones en que se ve un film influyen de manera decisiva en su valoración: lo que en su momento me pareció un film simplemente atractivo, ahora confirmo que me parece una película más que notable, una de las más interesantes de la etapa inicial del cine sonoro dentro de la obra de Renoir (con anterioridad solo había rodado dos films hablados, On purge bébé y La chienne).

La nueva aproximación a La bête humaine responde a otro motivo. En esta ocasión he vuelto a visionar la misma copia en BD de Divisa-StudioCanal. La diferencia es que, por el camino, he terminado la lectura de la novela de Émile Zola adaptada por Renoir. De esta forma he podido comprobar las diferencias entre el original literario y la película, tarea que me servirá también de cara a la revisión de Human Desire en el hilo dedicado a Fritz Lang.

La lectura de la novela, que me ha parecido excelente (aunque con ese tono un tanto tremendista que parece característico del naturalismo de Zola), me permite afirmar que, si bien Renoir modifica bastantes cosas del texto, se mantiene más cercano a la obra que no Lang. De hecho, como ya comentaré cuando llegue el momento, es evidente que Lang parte de la película de Renoir, obviando por completo la novela de Zola, con el resultado de que, si bien Renoir suaviza algunos de los aspectos del texto, Lang todavía va más allá, alejándose notablemente del retrato que hace Zola del conductor de locomotora Jacques Lantier, de cara al Jeff Warren interpretado por Glenn Ford.

A la reducción de elementos argumentales y simplificación de personajes y tramas secundarias, algo en cierto modo lógico y previsible, Renoir añade algunas modificaciones más significativas. Primero, el punto de vista inicial. Si Zola empieza su narración con Roubaud y su joven esposa Séverine, Renoir, creo que acertadamente desde un punto de vista cinemático, lo hace con Lantier y Pecqueux a bordo de la “Lison”, la “máquina bestial” que conduce la “bestia humana” (o sea, Lantier).

Por otra parte, simplifica notablemente el papel de Flora, la hija de la madrina de Lantier, que en la novela tiene un papel esencial en la trama, provocando por despecho una catástrofe ferroviaria de la que Lantier saldrá herido. Lantier, en la novela, es un auténtico psicópata asesino (nada que ver con el Jeff de Glenn Ford), que en más de una ocasión está a punto de dejarse llevar por su pulsión de muerte, por la atracción/repulsión que siente por las mujeres, llegando finalmente, como en el film (aunque situado en otro contexto físico), a matar a Séverine. Una diferencia menor en lo argumental, pero importante en la composición del film, es que en Zola Lantier asiste fugazmente al crimen como espectador, desde fuera del tren, a través de la ventanilla del vagón que pasa a gran velocidad, sin reconocer al asesino. También en Zola se da mucha más relevancia al personaje de Cabuche, reducido al mínimo en Renoir, y perjudicado por una interpretación un tanto extremada del propio director (aunque, en su descargo, hay que decir que el personaje, tal como se dibuja en el texto, es un hombre rudo, simplón y violento). También difiere el final: si en la película Lantier se suicida lanzándose desde el tren en marcha, quedando su cuerpo tendido sin vida al lado de la vía, en Zola se caen de la locomotora tanto Lantier como Pecqueux, enzarzados en una violenta pelea, cerrándose el texto con el convoy lanzado a toda velocidad, cargado de soldados, en plena movilización a causa del inicio de la guerra franco-prusiana de 1870, un apunte histórico, de clara connotación política, con el que Zola también cerraba “Nana”, tal como comenté en su día. Reproduzco el fragmento final de la novela que adquiere sin duda un valor simbólico y crítico que ni la película de Renoir ni menos aún la de Lang conservan.

“¿Qué importaban las víctimas que la locomotora aplastara en el camino? ¿No marchaba hacia el porvenir, a pesar de todo, indiferente a la sangre vertida? Sin conductor, en medio de las tinieblas, cual bestia ciega y sorda que se hubiera desatado en medio de la muerte, corría y corría, cargada con carne de cañón, con soldados embrutecidos de fatiga, borrachos, y que cantaban”.

En todo caso, avanzándome a la probable lista final de películas dentro del cuestionario Fletcher, anuncio que La bête humaine estará en mi top-5, y que La nuit du carrefour rozará el top-10.

Y como apunte final a esta revisión, antes de entrar en el cuestionario Fletcher y en los comentarios de balance, vale la pena recordar que, de la mano de uno de los integrantes de esa generación de críticos-cineastas franceses surgidos de Cahiers du Cinema, y que solemos agrupar bajo la bandera de la Nouvelle Vague, Jacques Rivette (para mí el más desconocido de entre los nombres más célebres del grupo), disponemos de un documental sobre la figura de Jean Renoir, dividido en tres partes, que arroja un total de casi cuatro horas y media de duración.

El documental, titulado, un tanto reverencialmente, Jean Renoir le patron, fue programado en 1967 en la televisión francesa (ORTF) dentro de la serie Cinéastes de notre temps.




Disponemos de las tres partes como extras en las ediciones en DVD de Versus de Elena et les hommes (1e partie: La recherche du relatif), Toni (2e partie: La direction d'acteur) y French Cancan (3e partie: La règle et l'exception). Nos llegan en un estado de imagen y sonido bastante precario, lógicamente en blanco y negro, y con fragmentos de las películas de Renoir de una calidad bastante lamentable. Tampoco destacan ni por su estructura argumental ni por la agudeza de las preguntas ni por lo exhaustivo de la revisión de la obra del director (por ejemplo, se incide muy poco en su obra muda y nada en sus películas realizadas en Estados Unidos o en The River ni en su trilogía "en color" de los cincuenta). Fundamentalmente, tienen el valor de ser documentos sonoros, más que visuales, sobre Renoir, que da rienda suelta a su tendencia a hablar por los codos, mezclando temas e intentando siempre transmitir esa sensación de huir de lo “artístico” entendido como algo “elevado”, algo que se puede rastrear también en sus películas.

La recherche du relatif pasa revista, con enormes lagunas, a su filmografía, partiendo de Nana. Para ello se cuenta con la colaboración de algunas personas importantes en la carrera de Renoir, con los que el director dialoga con su peculiar estilo: el productor Pierre Braunberger (que lo fue, entre otras, de Nana, La chienne o Partie de campagne);



el actor Charles Blavette, el inolvidable Toni de la película homónima, o el Gaspard de Le déjeuner sur l’herbe; o Catherine Rouvel, la turgente Nénette.

La direction d’acteur es una larga conversación, con algunos incómodos silencios, entre Michel Simon y Jean Renoir, en lo que parece una sobremesa, tomando café, rodeados de Rivette y su equipo. Ambos ya septuagenarios, transmiten una entrañable impresión de camaradería y de sincera amistad, aunque el paso de los años se deja sentir. En mi opinión, es un capítulo demasiado largo, en el que hubiera sido de agradecer un montaje más ágil, descartando quizá fragmentos del diálogo, en algunos momentos un poco patéticos (en especial, por parte de Simon). Con todo, se consigue cierta sensación de espontaneidad y de autenticidad.





Por último, La règle et l'exception analiza en particular la que para muchos es la obra maestra de Renoir, La règle du jeu. El documental incluye, junto a la entrevista de Rivette y colaboradores, una conversación de Renoir con Marcel Dalio, el marqués de la Cheyniest de La règle du jeu (y el teniente Rosenthal de La grande illusion, o también el crupier de Casablanca), en el mismo palacio donde se rodó el film.



El capítulo se cierra con imágenes de La Marseillaise, que sirven de telón de fondo a algunas reflexiones de Renoir sobre el concepto de revolución.

Un documental, en definitiva, alejado de los estándares actuales, pero que sirve para confirmar la importancia que tuvo Renoir para esos jóvenes cineastas franceses surgidos a finales de la década de los 50.

Joder Mad esto SI que es una traca final!!!!!!

De "traca i mocador".

Iniciado por mad dog earle

De "traca i mocador".

LO que aprende uno con vosotros. Un vino de la D.O. MOntsant, de la provincia de Tarragona.

Vinos cuya denominación de origen calidad/precio son bastante apreciables.