Tema: Jim Jarmusch: revisando sus películas

Dead Man (1995)



Comentaba a raíz de Night on Earth que Jarmusch parecía necesitar darle una sacudida a su obra, que quizá empezaba a dar signos de excesiva reiteración. Y a fe que lo doy con Dead Man… aunque un poco menos de lo que parece. Por una parte, hay un giro copernicano en la temática: de pequeños dramas con cierto fondo cómico (Jarmusch tiene un personalísimo sentido del humor, muy suyo, a veces casi imperceptible, pero siempre presente) pasamos a un western con todos los típicos atributos del género: pistoleros, indios, ferrocarril, largos itinerarios a caballo, duelos a tiro limpio, etc., todo ello filmado en un precioso blanco y negro que firma de nuevo Robby Müller (como en Down by Law).
Pero en el fondo los personajes protagonistas (un petimetre de Cleveland, William Blake, encarnado por Johnny Depp, y un indio con sangre de dos tribus distintas, solitario y desarraigado, Nobody, que encarna con gran convicción Gary Farmer) parecen tan despistados, desorientados, desubicados, perdidos en un mundo del que apenas se puede decir que sea el suyo como el Allie de Permanent Vacation; los Willie, Eva y Eddie de Stranger Than Paradise; los Bob, Jack y Zack de Down by Law; y muchos de los personajes de Mystery Train o de Night on Earth.





A ello se añade un tono fantasmal ya desde el inicio, cuando el fogonero del tren que transporta a Blake hacia la población de Machine le hace una serie de extrañas reflexiones (casi como si se tratara de Caronte transportándolo en su barca a través de la laguna Estigia).



Más adelante, Nobody preguntará a Blake (al cual suele denominar como “stupid fucking white man”) quién lo ha matado, ante su sorpresa. La película (con guion una vez más de Jarmusch) juega con la confusión que el nombre del protagonista genera en Nobody: nuestro Blake se llama como el famoso poeta inglés (muerto en 1827), a la obra del cual tuvo acceso el indio durante una larga estancia en Londres, donde se le exhibió durante un tiempo como una atracción de feria. Para Nobody Blake es desde el primer momento el fantasma del célebre escritor que vaga ahora entre los vivos y que tiene que regresar al mundo de los muertos (lo que hará en la secuencia final).

Durante los primeros minutos pasan muchas cosas: Blake llega a Machine para ocupar un puesto de contable en la fábrica metalúrgica de Dickinson (Robert Mitchum), mostrándosenos la embarrada calle principal de la población mediante diversos travellings, como si de Nueva York o Memphis se tratara.



La recepción por parte del encargado (John Hurt) en una oficina siniestra, kafkiana, ya avanza su destino: será rechazado y obligado a salir de la fábrica a punto de rifle.



Luego, en defensa propia, matará al hijo de Dickinson (Gabriel Byrne), lo que va a desencadenar su persecución, en especial por parte de tres pistoleros, entre los que destaca Cole Wilson (un espléndido Lance Henriksen), tipo hosco, silencio y violento, con aficiones canibalescas.



En un momento de su periplo conjunto, a veces con cierto aire de viaje iniciático o propio del Ulises de la epopeya homérica, Blake y Nobody tienen un encuentro con tres peculiares personajes, no se sabe si tramperos, ladrones o qué, encarnados por Billy Bob Thornton, Jared Harris y un sorprendente Iggy Pop (otro de los músicos amiguetes de Jarmusch) que interpreta a “Sally”, un individuo que viste como una mujer, en una secuencia casi de humor absurdo.



Más enfrentamientos a tiros van a jalonar el viaje de nuestros protagonistas y de sus perseguidores, un viaje sin destino concreto, salvo el de la muerte. Al final, Nobody llevará a un agonizante Blake hasta un poblado indio que se nos muestra mediante imágenes que recuerdan la entrada en Machine, en una especie de contraimagen de significado enigmático.



Gran película, de gran belleza, arropada por una banda sonora espléndida y nada usual de Neil Young, en donde Jarmusch no solo introduce una variante argumental inesperada sino que también nos muestra todo un catálogo novedoso de formas de filmar la historia dentro de lo que había sido hasta entonces su estilo habitual, en especial el uso abundante de primeros planos, como si hubiera una fascinación de Jarmusch por el rostro de Johnny Depp/William Blake, aunque también de los otros personajes, algo que hasta el momento más bien era una rareza en su cine. También hay un trabajo más complejo de montaje, con una planificación distinta a la habitual, y un uso frecuente del fundido en negro (incluso del fundido en blanco o de los encadenados).

Por cierto que esa pintura india que luce Depp/Blake en forma de rayo, siempre me ha recordado el maquillaje de David Bowie en su célebre "Aladdin Sane". ¿Otro guiño de origen musical?

El año del caballo (Year of the Horse) (1997)



Y tal como avancé, comento también el film sobre Neil Young que Jarmusch rodó dos años después. Se trata de un documental sobre la gira de 1996 del músico canadiense con su grupo Crazy Horse, aunque se intercalan fragmentos de sus giras de 1976 y de 1986. Mezcladas con imágenes de la interpretación de algunos de sus temas asistimos a la entrevista que Jarmusch realiza a los cuatro integrantes del grupo: Neil Young, voz, guitarra y compositor habitual; “Poncho” (no Pancho como se dice en imdb) Sampedro, guitarra; Billy Talbot, bajo; y Ralph Molina, batería, en un austero espacio, con lavadora al fondo. También pasa por el “confesionario” el padre de Young.



En general, es una película para seguidores de Young, especialmente del Young más salvaje y rockero (no tanto el cantautor acústico, con tendencias folk y country, que por ejemplo acompañó a Crosby, Stills y Nash a finales de los 60, o que podemos ver en el recomendable film de Jonathan Demme: Neil Young: Heart of Gold). Aquí estamos frente al Young más duro, más enérgico, de sonido sucio, sin pulir, tosco incluso, para muchos precursor del grunge (el godfather of grunge, como se le ha llamado).

Desde el punto de vista visual, vale la pena destacar que como proclaman los títulos de crédito la película está “proudly filmed in Super 8… (and 16 mm & Hi8 video)”, lo que se nota en las distintas texturas de las secuencias, en especial cuando vemos a la banda on stage. Se añade en los créditos: “made loud to be played loud... Crank it up”. Pues eso, a verla a todo volumen.. y a gozar, por ejemplo, de su antológica versión de “Like a Hurricane” (en la que se mezclan imágenes de conciertos separados por lustros).



Cuento una anécdota personal sobre Crazy Horse. Cuando en 1975 lanzaron su LP “Zuma”, una de las canciones tuvo graves problemas con la censura española, la titulada “Cortez the Killer”, por las razones que uno se puede imaginar en aquella España de los “300 millones” y del día de la Raza (ay, no, de la Hispanidad). Si no recuerdo mal, aunque la canción se incluyó en el disco (que tengo en mi discoteca), se prohibió su emisión por radio. Cosas de la censura, que últimamente parece que renace de sus cenizas… o más bien nunca ha muerto del todo.

Dos pelis!!!!! eso es inadmisible!!!!. Yo puedo darte una sarta de malas excusas, pero mejor que no, acepto el castigo, y si se puede elegir, prefiero unos azotes . Del fin del semana no pasa, Entschuldigung ;)

Segundo film episódico, pero en éste, a diferencia de "Mystery Train" (MT) no se entrecruzan historias de ninguna manera, sólo tienen el nexo en común el Taxi. Directo al grano, a mi, por ahora y por lo visto, el cine de Jarmusch me gusta más cuando se centra al largo de todo su metraje en los mismos personajes, su desarrollo a largo plazo me parece más interesante que unir un número de cortometrajes para hacer un film, pierde alma, no hay apenas tiempo para un desarrollo del personaje, por ejemplo, John Lurie en sus films como protagonista, al principio me cae como el culo, pero en su desarrollo le voy cogiendo cariño, tanto en MT y sobretodo en éste film dicha empatía y conexión se me hace muy difícil, creo que Jarmusch no está hecho (o me gusta menos) para el cine episódico, no se, es mi impresión, prematura eso si, no se si tiene más films episódicos.

El primer episodio, tiene a una titán que lleva el mando de las operaciones, fantástica Gene Rowlands!!!! con una sucia Winona Ryder que seguro que estuvo dos semanas sin ducharse para hacer el papel más creíble. El desenlace de éste episodio me parece genial, la Rowlands se queda pasmada, y el espectador creo que también. (Que manos más feas de Winona por Dios )

Coincido en el segundo, el más divertido, y con la premisa inicial de un taxista sin saber conducir, el episodio va casi solo, ayudado por tres fantásticos actores. Lo mejor que no cae en el esperpento y la comicidad, que era muy fácil hacerlo.

El tercero, también de los mejorcitos, Isaach de Bankole, quizás el actor/actriz que más sobresale en el film, ya que nos muestra dos caras distintas, la mala hostia que se gasta con los africanos y las buenas formas con Beatrice Dalle, eso si siempre con su cara de mal humor permanente.

El cuarto, se acerca a la comedieta italiana pero sin destape, el sexo con diálogos suavecitos del parlanchín de Roberto y con un par de planos generales de una polvete callejero. Este episodio puede avasallar al espectador, yo he resoplado un par de veces, y pesa a la gravedad de los hechos, pues eso, estan tomado muy a la comedieta ligera italiana

El quinto, me ha parecido un poco tostón, el mas flojo de todos, el más frío y quizás es la parte global que menos me gusta del film, parece un film episódico sobre estereotipos estándares culturales de muy de ir por casa, por ejemplo el episodio italiano nos presenta ese descaro y viva la vida típica (o lo que nos muestran) de dicha nacionalidad, el último capítulo más frío que el hielo típico de la zona, el de los Angeles y relacionar inmediatamente con Hollywood, NY y el black power a base fucks y shits, y el francés ahí tengo mis dudas, quizás su mal carácter (cuando viajé por ahí si no es en francés, no te contestan porque no quieren, a diferencia de nosotros que no contestamos porque no sabemos otros idiomas). Sólo me faltaba un episodio español, donde el cliente entrara de flamenquera y comiendose un pincho de tortilla.

En resumen, un film para nada malo, para nada decepciona, pero uno, personalmente quiere otras cosas (que ya he expuesto), parece ser que en Deadman hay un cambio radical....mientras sea para bien. Ahhhh por cierto la edición de Avalon en dvd del film comentado, luce de manera genial.

Alex... ¡vamos con retraso! Lo de los dos films de esta semana ya lo advertí. En realidad, es un film y un "extra" en forma de documental sobre Young, que compuso la banda sonora de Dead Man. Si no te va la música de Young, puedes saltarte esta película, porque tampoco te va a aportar demasiado en relación con la obra de Jarmusch.

De lo que comentas de Night on Earth, veo que coincidimos en situarla algún escalón por debajo de las anteriores (a mí ya no me entusiasmo cuando la vi de estreno, y sigue sin hacerlo). Además, ciertamente, los episodios tienen algo de tópicos (lo del episodio español, tranquilo, lo habrá pero en forma de largo: The Límits of Control está rodada íntegramente en España). Con el tiempo, el episodio de NY ha acabado siendo el que más me gusta, en detrimento del de LA, quizá porque la interpretación de Ryder (que me enamoró en esa época), ahora me resulta cargante. Por suerte, como dices, Gena Rowlands se come la pantalla. El de París me resulta profundamente antipático (quizá ese es también un apunte tópico sobre la capital gala ), el de Roma demasiado previsible y al servicio del humor de Benigni, del que no soy un fan, y por último el de Helsinki es, evidentemente, frío, gélido, y sumamente triste. Este último segmento es claramente un homenaje a Kaurismäki, pero Jarmusch no es Aki, y se queda un poco a medio camino. Me apunto tu juicio sobre las uñas de Winona (¿y las de la Rowlands?). Ah, y sí que tendremos otro film de episodios, ni más ni menos once: Coffee and Cigarettes, film fundamentalmente verboso, en blanco y negro, por el que desfilan actores y músicos amigos de Jarmusch, la mayoría relacionados o vistos de una u otra manera en films anteriores.

De momento, pero, tendremos una incursión en el cine de gángsters, Ghost Dog: The Way of the Samurai, que nos remite claramente ya desde el título al cine de Jean-Pierre Melville, en especial a El silencio de un hombre (Le samouraï).

Extraño film de Jarmusch, y extraño no en un sentido negativo, en un western de los que se llaman crepuscular no? o sea cuando no es un western de manual automáticamente es crepuscular....no lo afirmo, pregunto.

Pues eso el film me causa mucho interés en su inicio, presentación de los personajes, elevado número de secundarios de lujo: Mitchum, Hurt, Glover,...recreación fantástica, sobretodo en el tren y en el pueblo típico de manual pero con un plus de suciedad marca de la casa. También creo que cambia un poco el estilo cinematográfico, muchos más primeros planos, sobretodo de Johnny Deep (cuando su rostro expresaba algo) en detrimento de los planes secuencia, aunque los hay pero con menos protagonismo.

En su inicio hay una especie de fallo de raccord, en la escena de Deep, Byrne y creo que Mili Avital, ésta última en las manos de Deep, hay tres cambios de plano, y ella

Spoiler:

muerta

se encuentra en tres posiciones diferentes, de la 1ª a la 2ª es fallo es indiscutible, de la 2ª a la 3ª cabría la posibilidad de que Deep moviera a la chica, puede colar, pero repito de la 1ª a la 2ª nein, nein, nein....pero nada un pequeño detalle aislado que para nada resta.

El film gana enteros en la aparición de Nobody y la transformación a killer del contable empanado. Nobody, mas cercano a la Salchicha peleona que a los indios marca de la casa de John Ford, pues si, un indio con un sobrepeso Mcdonaldero bastante pronunciado, hace que rápidamente te compre, y te encariñas con el, pero el film cuando se transforma en una western road movie, se convierte en la ley de la selva, los personajes no se sabe muy bien donde van, que hacen y que quieren, muy típico de Jarmusch.

Me gusta com Jarmusch retrata al pueblo indio, si señores, los indios podrían ser divertidos, porque no, ai!!! si John Ford se levantara de la tumba y viera como son tratados por el bueno de Jarmusch. Eso sí con la contra de que son poco creíbles, sobretodo el personaje de Nobody, su vestuario se acerca mucho a la de un disfraz de 5€ carnavalesco de indio de toda la vida, que puede tener un efecto contraproducente, o sea tener una sensación (falsa) de cachondeo y de casi comedia cuando no lo es, pero el peligro existe.

La fotografía en blanco y negro, luce mejor que nunca, y la BSO de Neil Young, si bien es muy original y en la parte final se luce, a veces la encontré repetitiva, sobretodo en su nudo.

En resumen, si bien valoro mucho este tipo de productos diferentes, y los disfruto a mi manera, con una propuesta bastante arriesgada para un público generalista (supongo que el 70-80% de personas que fueron al cine a verla, salieron algo/bastante/o muy cabreados) y valorando sus virtudes y sus pocos aspectos negativos encontrados, no es un film de cabecera para mi, le falta algo, algo relacionado con los gustos concretos personales y nada que ver con la calidad del producto, teniendo la sensación de estar viendo una buena película, pero claro uno siempre busca encontrar una obra total cuando ve un film.

Y cumplí a falta de 2 minutos para las 00:00

Yo creo que la película tuvo bastante éxito (algo siempre relativo hablando de Jarmusch), y tanto el personaje de Depp (que estaba en uno de sus mejores momentos) como el de Nobody calaron hondo (de hecho, como verás pronto, Nobody vuelve a aparecer en su siguiente film, Ghost Dog). Una cosa curiosa es que en España no se tradujo el título, se mantuvo el Dead Man en lugar de "Hombre muerto". Nunca he acabado de entender por qué a veces se traducen los títulos (sin ir más lejos, así había sido con films como Extraños en el paraíso o Bajo el peso de la ley) y en otras ocasiones no.

Sobre lo cómico, yo creo que sí hay de fondo ese peculiar sentido del humor de Jarmusch, a veces absurdo, que lo emparenta en ocasiones a otro director singular como es David Lynch. El plano de Lance Henriksen devorando la mano de su colega inevitablemente te genera una risa entre incómoda, sorprendida y asqueada, o cuando el mismo actor aplasta la cabeza de unos de los perseguidores muerto por Blake. Además, todo el personaje de Nobody está construido de un modo claramente distanciador, desde luego no es un indio de John Ford, aunque también Ford se permitió ciertas personajes semicómicos (como la india de Centauros del desierto), pero en otro sentido. Respecto a la banda sonora de Young, a mí me gusta, te sumerge en un ambiente extraño, contemplativo, muy alejada de los tonos más folklóricos o a veces épicos de los westerns clásicos. En fin, reconozco que en este visionado Dead Man me ha gustado más que otras veces, situándose entre los mejores trabajos de Jarmusch hasta la fecha.

Ghost Dog: el camino del samurai (Ghost Dog: The Way of the Samurai) (1999)



Si William Blake era algo así como la reencarnación de un poeta muerto, y su deambular sin rumbo por el Oeste americano parecía llevarlo inexorablemente de vuelta al país de los muertos, Ghost Dog (Forest Whitaker), el apodo de un eficaz asesino a sueldo de extrañas costumbres, contratado por la mafia de Jersey City, es un ser solitario que se rige por el “Hagakure” (obra de principios del siglo XVIII, escrita por el samurái Yamamoto Tsunetomo, inspirada en el código Bushido), y tiene como máxima “el camino del samurái se encuentra en la muerte”. Ghost Dog es alguien que vive como si ya estuviera muerto, algo que parece casar bien con su oficio.

Jarmusch pasa así de un western fantasmal al cine de gángsters, donde la muerte es un elemento narrativo esencial. Al igual que hizo en Dead Man con el género norteamericano por antonomasia, Jarmusch somete el género criminal a un tratamiento peculiar, casi caricaturesco (acentuado por el hábito de los mafiosos de ver constantemente cartoons en sus televisores; o por el hecho de que se reúnan en la trastienda de un restaurante chino; o tengan sus propiedades en venta y sus negocios al borde de la bancarrota), desde una perspectiva claramente distanciadora. Hay una secuencia en que Louie cuenta a Vargo y sus máximos secuaces su peculiar relación con Ghost Dog que recuerda el estrambótico sentido del humor que suele destilar David Lynch en algunos de sus films.



El argumento es simple: cuando ejecuta a un miembro de la mafia de Jersey porque se ha enrollado inadecuadamente con la hija del capo (el señor Vargo, encarnado por un clásico villano, Henry Silva), se cruza de manera inesperada en su camino la muchacha (Louise – Tricia Vessey), que está donde no debería estar.



Este hecho casual, imprevisto, que desbarata la eficacia y limpieza habitual de sus acciones, conlleva su condena: Vargo dicta sentencia, hay que matarlo. A partir de ese momento se va a producir un enfrentamiento cruento entre la banda de Vargo y el asesino profesional, con terribles consecuencias (que recuerdan esas ensaladas de muerte y destrucción de muchos films de samuráis).

Pero, como en otros films de Jarmusch, lo importante no es tanto esa trama como los detalles que la colorean: las sentencias que oímos en off en la voz de Ghost Dog extraídas del “Hagakure” y sobreimpresionadas en la pantalla (como los poemas en Paterson);



los hábitos reproducidos con precisión maquinal por el asesino a la hora de robar los coches, entrenarse o cuidar de sus palomas mensajeras (con las que se comunica con su contratista mafioso);



su relación un tanto absurda con su “mejor amigo” (Isaach De Bankolé), un vendedor de helados inmigrante que solo habla en francés y que no entiende el inglés (al igual que Ghost Dog no entiende el francés; un detalle de incomunicación pero a la vez de relación entre culturas diversas que hemos visto en prácticamente todos sus films); su amistad con una niña, Pearline, a la que da a leer “Rashomon”, con quien comenta “Frankenstein” y a quien hará depositaria al final del film de su “Hagakure”; su vínculo filial, con Louie (John Tormey), el mafioso que le salvó la vida cuando era un muchacho (encarnado por su hermano Damon Whitaker) y al cual sirve con reverencia; o esos encuentros enigmáticos con un perro solitario, símbolo quizá de sí mismo.



Jarmusch, con fotografía una vez más de Robby Müller, filma Jersey City como antes Nueva York o Memphis o las ciudades de Night on Earth, con predominancia de escenas nocturnas, travellings de “reconocimiento”, calles vacías, barrios marginales, edificios destartalados. Con todo, introduce algunas notables variantes en su catálogo de formas visuales: hay un uso frecuentísimo de los fundidos encadenados (tanto para hacer avanzar la secuencia como para recrear en flashback imágenes de su pasado) o un peculiar empleo de la cámara lenta a la hora de mostrarnos su entrenamiento o su mortal ataque a la mansión de Vargo. Como pasaba en Dead Man, en que la cámara parecía fascinada por el rostro de Johnny Depp, aquí el protagonismo es absoluto para el rostro y el cuerpo de Whitaker, su manera de caminar, de moverse, sus gestos (Jarmusch cuenta que concibió la película pensando en este actor).
Junto a la concreción visual, más variada que en otras ocasiones, dejando atrás su estilo de planos secuencias y cámara con pocos movimientos, una vez más la música adquiere un protagonismo esencial, en esta ocasión servida por el hip hop de RZA, al que podemos ver en un cameo hacia el final del film (reconozco que nunca he sido aficionado a este género musical).



Tampoco faltan las referencias literarias, desde los citados libros japoneses “Hagakure” y “Rashomon” al “Frankenstein” de Mary Shelley o a un libro en francés sobre los osos que actúa como elemento simbólico de Ghost Dog, el mismo una especie de oso (algo que se refuerza, quizá con exceso, en su encuentro con los cazadores que han abatido un oso negro o con los dibujos del pijama de Pearline en la escena final). Hay también, pero menos evidente, una referencia al Quijote, en forma de agradecimiento final a Miguel de Cervantes.

Por último, vale la pena destacar las influencias cinematográficas no disimuladas del film: una es obvia desde el mismo título, Le samouraï de Jean-Pierre Melville, donde Alain Delon encarnaba a un pistolero de hábitos parecidos a los de Ghost Dog. Otra referencia clara es el cine de samuráis de Kurosawa (Yojimbo, en especial) y el de yakuzas de Seijun Suzuki (por ejemplo, Marcado para matar, del que al parecer toma prestada la manera de matar a Sonny a través del desagüe de un lavabo; he visto el film de Suzuki pero no lo recuerdo, quizá porque no me gustó, como todo lo que le he visto). Y no faltan tampoco las autorreferencias, por ejemplo haciendo aparecer brevemente a Gary Farmer, dando vida a un personaje acreditado como Nobody y que suelta de nuevo su famoso “stupid fucking white man” dirigido a uno de los mafiosos. ¿Otro fantasma, que vaga de un film a otro de Jarmusch? O que Ghost Dog robe un Jaguar, la misma marca que conducía Zack en Down by Law con fatales consecuencias.

En resumen, un buen film, que sigue abriendo el horizonte fílmico de Jarmusch, aunque quizá pueda parecer que pierda por el camino algo de la pureza de sus primeros films, y que cae en demasía en rasgos caricaturescos (por ejemplo, en ese duelo final que nos remite a un western como The Last Sunset, entre Ghost Dog y Louie, a mi modo de ver no demasiado bien resuelto).

La próxima semana volveremos al Jarmusch de episodios puro y duro en Coffee and Cigarettes.

Como previa al comentario sobre Coffee and Cigarettes,he localizado en Internet un corto que Jarmusch rodó después de Ghost Dog:


Int. Trailer Night (segmento de Ten Minutes Older: The Trumpet) (2002)




Realizador él mismo de varios films episódicos, en esta ocasión Jarmusch participó en un film de episodios, este Ten Minutes Older: The Trumpet (que tiene continuación en Ten Minutes Older: The Cello), con un segmento de 10 minutos de duración. Los otros directores convocados para este proyecto fueron: Victor Erice, Werner Herzog, Spike Lee, Wim Wenders, Aki Kaurismäki y Kaige Chen, un grupo heterogéneo pero que responde a un cierto tipo de director/autor cinematográfico. Todos ellos empezaron a descollar en el cine durante las décadas de los 70 y 80. Algunos (Wenders, Lee, Kaurismäki) ya han aparecido en comentarios anteriores: Jarmusch colaboró con Wenders en alguno de sus films y el alemán le ayudó en sus primeros pasos en el cine; Lee es un colega neoyorquino, y vimos a actores muy ligados al cine de Lee en el episodio de Nueva York de Night on Earth, como Giancarlo Esposito y Rosie Perez, o incluso a su hermano Cinqué Lee en Mystery Train (y volverá a aparecer en Coffee and Cigarettes; sobre los Kaurismäki ya insistimos en la clara referencia que se incluye el episodio de Helsinki de Night on Earth, además Jarmusch apareció en Helsinki-Nápoles, todo en una noche, de Mika, y en Leningrad Cowboys Go to America, de Aki.


El segmento firmado por Jarmusch, en un contrastado blanco y negro (fotografía de Frederick Elmes, que firmó Night on Earth), tiene una estructura argumental mínima: una actriz (Chloë Savigny) se refugia en su caravana para descansar de un rodaje durante diez minutos, pero en realidad poco podrá descansar, aunque lo intenta poniendo música de fondo (Bach) y encendiendo un cigarrillo (en una caravana donde luce el rótulo “Thank you for no smoking”, detalle muy de Jarmusch). Suena el teléfono y mientras atiende la llamada entra en la caravana la encargada de su peinado; el de vestuario; un chico que le trae comida, que no toca, etc. La imposibilidad de descansar, de aislarse en un mundo lleno de incidencias triviales pero que condicionan la existencia. Un pequeño apunte costumbrista, pegado al mundo del cine, que nos plantea situaciones muy típicas del director.

Pues yo, y debido al tono caricaturesco que se le da la trouppe de mafiosos, es uno de sus films en que he disfrutado más. A trocitos me recuerda el cine de los Coen, sobretodo en las escenas disparatadas del intento de asesinar a Ghost Dog, primero contra el indio (que poco ha salido, después de ser la estrella de "Dead Man") y contra el personaje de color que al final ejecutan, al estilo bueno creemos que no es el, pero por si acaso. La escena de los dos mafiosos subiendo la escalera asfixiados sacando la lengua es genial, vaya padillos, los gangsters se hacen mayores.

Eso si, mi escena favorita, la cual la he vuelto a pasar dos veces más, es la que comenta el compañero, cuando le explican el modus operandi a los tres capos, un diálogo larguísimo a nivel de los eternos diálogos tarantinianos, pero ese trio de gangsters está formidable, me gusta sobretodo el elegante Henry Silva, un exploitero de mucho cuidado, cuanta bazofia ha hecho, siempre me he confundio con Jack Palance:



La relación de los personajes de Ghost Dog con el francés vendedor de helados (su habitual Isach de Bankolé) y con el plus de la niña, está muy bien insertada y para nada empalagosa (aquí nadie tiene que salvar a nadie), un punto fuerte del film. Una pregunta, "los límites del control" no podría ser una extensión del personaje de Isach...? no la recuerdo bien, pero me suena que siempre iba con un maletín y también era un asesino a sueldo, creo recordar.

Yo veo muchos rasgos del cine Jarmusch, sobretodo en los personajes, casi nula información de ellos, solo se retrata el presente (hay un flashback explicativo para unir piezas), personajes antipaticos inicialmente y que al final los acabas queriendo, paisajes casi postapocalípticos, casas destartaladas, curiosa escena del hombre construyendo un barco en el ático.

Para mi de lo mejorcito que he visto de Jarmusch, muy disfrutable, sin tener un ritmo trepidante (sino no seria Jarmusch) y con escenas de acción pocas y logradas, para mi es un film de personajes, hay excentricidades retratadas como los hobbys de los personajes y no por lo que hacen, ghost Dog: samurai y cuidador de palomas, el trio de mafiosos, uno ya casi acabado, el otro fan de los gangsta hip hop (muy original su desenlace, he quedado sorprendido) y Henry Silva fan de los cartoons (y no es el único) y la panda de mafiosos de la tercera edad

Que no compañero Mad, no falta la subsección manos y uñas de cada semana, esta vez en un fallo de raccord, al final del film en el coche está la chica con las dos manos sin esmalta de uñas, hay un primer plano de la TV, mirando cartoons of course, y en un rapido plano corto se le va las manos pintadas de rojo, después en un plano general, la misma mano, su izquierda, está sin esmalte. Nada se me escapa!!!!!

Hoy he ido sobradísimo, una hora antes!!!!!!

Me alucina tu capacidad de percibir esos detalles de las manos y las uñas.

El personaje de De Bankolé en The Limits of Control es ciertamente el de un asesino que viaja arriba y abajo (de España, por cierto), con un maletín. ¿Quieres decir que ese asesino sea una prolongación del vendedor de helados reciclado gracias al maletín que le cede Ghost Dog? Bien visto, será cuestión de tenerlo en cuenta a la hora de revisarla. Creo que ya he avanzado que The Limits of Control es una de las películas de Jarmusch que menos me gustaron cuando la vi por primera vez, directamente en DVD, y no la he vuelto a visionar. Es una conexión entre films interesante. De hecho a Jarmusch le gusta introducir esos vínculos entre sus películas, como la presencia imposible en Ghost Dog de Nobody. ¿Un "indio" de la época del Salvaje Oeste en Jersey City a finales del siglo XX?

Coffee and Cigarettes (2003)



Con este film, Jarmusch vuelve a las películas de episodios, como lo era Night on Earth y, en cierta manera, también Mystery Train, como hasta cierto punto episódica era la estructura de Stranger Than Paradise y en menor medida Down by Law. En este caso, se trata de una colección de cortos que giran alrededor de algunos temas comunes. De hecho, esta colección de cortos se gestó a lo largo de un período temporal que abarca 17 años, desde la realización del primer episodio en 1986 (el corto titulado entonces Coffee and Cigarettes, y que se proyectaba junto a Down by Law) al estreno del largo en 2003, pasando por el segundo episodio en 1989 (titulado Coffee and Cigarettes II) y el tercero en 1993 (titulado Coffee and Cigarettes III). Esa procedencia justifica la presencia de diferentes directores de fotografía (Tom DiCillo, Robby Müller, Frederick Elmes o Ellen Kuras), lo cual redunda en ciertas diferencias en la textura de las imágenes, aunque no tanto en la planificación y estructura de los cortos.

Se trata de 11 segmentos, de duración parecida, que comparten una misma presentación: una mesa en una cafetería o restaurante (salvo en el último segmento, de ubicación más dudosa), casi siempre decorada con cuadros negros y blancos, como si de un tablero de ajedrez se tratara (tal como muestra el cartel que reproduzco), alrededor de la cual se citan dos personas (salvo en un caso, en que solo hay una), con la aparición en algunos casos del camarero. Esas personas incluyen siempre en sus conversaciones alguna referencia al café, que suelen beber con fruición (en dos casos es té), y a los cigarrillos. La conclusión parece ser que no es sano alimentarse a base de café y cigarrillos, aunque esa sea una excusa para construir los breves diálogos, tan jarmuschianos. De hecho, todos estos segmentos podrían formar parte de cualquiera de las películas de Jarmusch, y quizá por ello están representados casi siempre por actores o músicos presentes de una u otra manera en su filmografía.

Como detalle visual característico, abundan los planos cenitales sobre las mesas, con las tazas de café y los paquetes de cigarrillos, y los primeros planos de los personajes (en construcciones más o menos clásicas de plano/contraplano).

Se trata sin duda de uno de los films de Jarmusch más decididamente humorístico, con algunos diálogos francamente hilarantes. Brevemente, los episodios, o quizá mejor denominarlos sketchs, son los siguientes:

1) “Strange to Meet You”: diálogo entre Steven (Wright) y Roberto (Benigni). Ambos defienden la bondad del tabaco y el café (Roberto se bebe las tazas de café de manera compulsiva). Benigni explota el mismo tipo de personaje excéntrico, hablador y simpático que en Down by Law. El episodio se cierra con un detalle absurdo digno de un cómic (Steven ha de ir al dentista, pero no le apetece; Roberto acepta ir en su lugar).



2) “Twins”: los hermanos Lee (Cinqué, que conocemos de Mystery Train, y Joie) tienen una conversación con el camarero (Steve Buscemi, también presente en Mystery Train) sobre los hermanos gemelos y sobre Elvis Presley (estamos en Memphis). Los Lee acusan a Elvis de apropiarse de canciones de intérpretes negros, mientras el camarero lo justifica diciendo que Elvis tenía un hermano gemelo malvado.

3) “Somewhere in California”: diálogo entre Iggy Pop (que tenía un breve papel en Dead Man, y al que Jarmusch dedicará su último film hasta la fecha, Gimme Shelter) y Tom Waits (al que ya hemos visto u oído diversas veces en su filmografía) que se representan, más o menos, a sí mismos. Afloran ciertos celos entre ellos y el encuentro acaba de manera un tanto embarazosa.



4) “Those Things’ll Kill Ya”: dos veteranos, de acento italiano y aspecto parecido a los mafiosos de Ghost Dog (de hecho, ambos actores aparecen en este film), discuten sobre los daños del tabaco. De fondo, en la pared, hay una foto de Henry Silva.

5) “Renée”: el segmento más minimalista, sin duda. Una chica solitaria intenta conseguir el color y la temperatura exacta de su café, mientras hojea una revista con un catálogo de armas. El camarero arruina su café y la obliga a volver a intentarlo.

6) “No Problem”: dos hombres de color, se han citado en el café. Uno de ellos, que ocasionalmente habla en francés (Isaach De Bankolé, al que ya hemos visto en Night on Earth y en Ghost Dog, y que protagonizará The Limits of Control) cree que el otro tiene algo grave que contarle, pero este lo niega. Se separan sin que haya salido a la luz qué le ocurre, si es que le ocurre algo.

7) “Cousins”: se encuentran una actriz de éxito (Cate Blanchett, haciendo de sí misma) y su prima, que guarda un gran parecido con ella (también interpretada por Blanchett). Su conversación tiene algún momento un poco tenso, porque la prima parece afearle su divismo, su estar por encima de los demás, mientras que Cate intenta defenderse como puede. Cuando la prima se queda sola, quiere encender un cigarrillo… pero el camarero le advierte que allí no se puede fumar.



8) “Jack Shows Meg His Tesla Coil”: Dos jóvenes (Jack y Meg White, miembros del duo The White Stripes) hablan sobre
Tesla. Jack defiende a Tesla como un gran inventor. Ha traído al café una bobina Tesla que ha construido y pretende mostrar su funcionamiento a Meg. Pero a los pocos segundos de ponerse en marcha, se estropea, ante la mirada sorprendida del camarero (de nuevo, Cinqué Lee). Dos detalles a destacar: en la pared cuelga un retrato de Lee Marvin (Jarmusch es el miembro fundador de la asociación “The Sons of Lee Marvin”) y de fondo suena “Down on the Street”, uno de los temas más conocidos del mítico álbum “Fun House”, de The Stooges, banda liderada por Iggy Pop.

9) “Cousins?”: Alfred Molina (que aparecía brevemente en Dead Man) tiene una cita con Steve Coogan, al que quiere hacer partícipe de un descubrimiento: son primos, ante la sorpresa divertida y escéptica de éste. Cuando Molina le propone hacer una película juntos, Coogan intenta eludir el tema y se niega a darle su número de teléfono personal. Pero más tarde, cuando Molina recibe una llamada de Spike Jonze, Coogan parece dispuesto a darle finalmente ese teléfono… pero ya es demasiado tarde. En este segmento los dos actores, como buenos ingleses, toman té.

10) “Delirium”: Se reúnen para tomar té (rechazan el café como algo insano, que causa delirios) RZA (el compositor de la banda sonora de Ghost Dog, donde aparecía en un cameo) y GZA (un rapero norteamericano). RZA defiende las medicinas alternativa y la vida sana. Ante su sorpresa, el camarero resulta ser Bill Murray (Murray protagonizará el siguiente film de Jarmusch, Broken Flowers, del que hablaremos la próxima semana), bebedor empedernido de café y fumador compulsivo. ¿Qué hace Murray sirviendo en una cafetería? Misterio.



11) “Champagne”: ultimo y enigmático segmento del film. Primero por la ubicación: no es una cafetería o restaurante, sino que parece quizá el office de un lugar de trabajo, como un taller o almacén, al cual uno de los personajes denomina “The Armoury” (la armería). En esta ocasión son dos hombres ya mayores, en una pausa del trabajo, que beben café en vasos de plástico y que sueñan con estar bebiendo champagne, y citan de nuevo a Tesla. Uno de ellos (Taylor Mead, actor y escritor que se describe en la Wikipedia como “a beloved icon of the downtown New York art scene since the 60s”) dice oír de fondo una canción de Mahler, en concreto uno de los Rückert-Lieder: “Ich bin der Welt abhanden gekommen”, algo así como “me he alejado del mundo” (¡Alex, traduce! ). Taylor solo desea una cosa: una siesta, y con Taylor dormido (¿quizá muerto?) acaba el film.



Para acabar, un detalle musical que nos recuerda Mystery Train. Si allí la canción que da título al film se oía al principio en versión de Elvis Presley y al final en la original de Junior Parker, aquí se invierte el orden: el film se abre con el “Louie Louie” de Chuck Berry y se acaba con la versión que incluyó Iggy Pop en su álbum “American Caesar”, de 1993. Y cerrando los títulos de crédito, una dedicatoria: “Long live Joe Strummer”, que había muerto en diciembre de 2002.

Personalmente, me lo he pasado pipa revisando el film. Los segmentos son irregulares, unos me gustan más que otros, pero el conjunto me parece armonioso, notablemente coherente, y bien resuelto. Puestos a elegir, me quedo con el diálogo entre Pop y Waits (será porque me gustan mucho como músicos), el tour de force de Cate Blanchett y la hilarante conversación entre Molina y Coogan. Por evocador y enigmático, me quedo también con el último segmento, y por fresco en su día (el único que llegué a ver en sala de cine) con el primero. Ah, y advierto que no nunca he sido fumador, y el café lo tomo descafeinado y en pequeñas dosis.

Empalmando con tu final, yo tampoco soy cafetero y en cuanto al tabaco peor aún, me da bastante asco por un echo de infancia: en las navidades me tocaba ayudar a recoger el día de Navidad, y un día estaba recogiendo el típico cenicero que no cabe ni el aire, y me dieron unas arcadas con evidentemente premio, los canelones......ala!!!!!. Y a partir de ese momento no puedo con el tabaco, y evidentemente la primera historia del film me ha resultado muy incómoda, Don Roberto y su frenetismo para encender y apagar cigarrillos.

Yo continuo pensando que Jarmusch luce más en films no corales, o no episódicos, sus personajes me interesan menos porque ya de por si no tienen interés (Jarmusch creo que lo hace aposta) y si solo les das 10-15 minutos, para mi, sólo funcionan los que se salen, y son 2 o 3 solo, los demás quedan en excentricidades o en personajes con poco interés y poca profundidad.

GREATEST HITS

1) Mi corto preferido el de Steve Coogan y Alfred Molina, magistral el arte de girar la tortilla, al principio uno parece el pesado de turno y de un pronto, zas!!! se intercambian los papeles. Y ambos están fantásticos, también me ha emocionado la referencia a "Boogie Nights" (unas de mis prefes de siempre).

2) Esta vez Tom Waits si que me ha gustado, no se si él es así o lo ha exagerado o simplemente ha interpretado; Iggy siempre me ha caído bien y pesa a sus límites actorales sus apariciones me parecen muy agradables, hasta en "Atolladero" me gusta!!!!

3) Los viejitos que salen en "Ghost Dog", supongo que al recordarlos ya me han caído bien, aunque no está claro que sean mafiosos pero se intuye. Y la foto de Herny Silva que menciona Mad Dog de cracks totales!!!! me gustan los autohomenajes sutiles!!!!

LOS QUE MENOS

1) El primero me ha resultado muy incómodo, por las razones expuestas, y aunque al final se arregla con un toque cómico absurdo, me han dado pequeñas arcadas.

2) "Twins" no me ha acabado de convencer, demasiado excéntrico en el tema, el típico tema que se pasa de gracioso que no me cae bien, y dan vueltas sobre él ya de manera molesta.

3) "No Problem" un corto muy francés, me ha recordado a una de las últimas pelis de Xavier Dolan

Spoiler:

UN escritor vuelva a casa para contar a su familia que va a morir pronto, se pasa toda la peli jodiendo jodiendo y jodiendo y al final se va sin decir nada.....muy francés

Y esperando "Flores Rotas" con muchas ganas, ésta y "PAterson" les tengo muchas ganas y esperanzas en que sean de las top5 Jarmusch.....veremos.

Tal como dije en mi comentario, coincido contigo con los cortos de Waits/Pop y Molina/Coogan. A mí el primero, el de Benigni, no me produce esa misma reacción que a ti, aunque me molesta mucho el humo, el olor, la ceniza y las colillas del tabaco (incluyo cualquier cosa que se fume, o sea también la maría). Benigni hace su papel de siempre, y eso no es un factor a favor en mi caso. Els de los "mafiosos" está bien, pero me parece algo intrascendente, de aliño. Prefiero el último, quizá porque Jarmusch se pone un poco "filosófico", y ya tocaba. Te dejas el de la Blanchett, que me encanta (bueno, me encanta la actriz y aquí la tenemos por partida doble), y estoy de acuerdo en lo que apuntas de "Twins" (donde Buscemi hace de Buscemi, un poco como Benigni). Creo que merece una atención el de Murray, más que nada porque es una marcianada y sirve para enlazar con el siguiente film. Con todo, me parece una obra quizá menor pero para mí muy disfrutable.

Mañana, Broken Flowers.

Flores rotas (Broken Flowers) (2005)



Después de un film de episodios breves o sketchs, en blanco y negro, sin relación entre sí, aunque compartían elementos estructurales, cierta uniformidad visual y el lema argumental que se expresaba en el título, Coffee and Cigarettes, Jarmusch vuelve al color y a la fórmula dibujada en otros de sus films: un personaje itinerante a la búsqueda de algo indeterminado (en este caso un posible hijo del que no sabemos nada, ni siquiera si existe o no), que se desplaza por la geografía de Estados Unidos (sin identificación de los lugares) para contactar con las amantes que tuvo hace unos 19 o 20 años, candidatas a madres del hijo incógnito.

El tema es un mero Mcguffin (en un film que mantiene el suspense hasta el final): Don Johnston (Bill Murray), nombre que todo el mundo confunde con el del actor Don Johnson, un hombre maduro, mujeriego en decadencia, enriquecido gracias a los ordenadores (no se concreta más de su pasado profesional), vive en una casa amplia y lujosa, donde asiste un tanto abúlico al adiós de su última amante, Sherry (Julie Delpy), mientras contempla alelado por televisión La vida privada de Don Juan, film de Alexander Korda.



El mismo día recibe una carta anónima, de una supuesta antigua amante, que le comunica que tiene un hijo de 19 años que se ha ido de casa en busca de su padre. Con la ayuda e insistencia de un vecino con aficiones detectivescas, Winston (Jeffrey Wright, al que recuerdo de Boardwalk Empire), que es su antítesis (mujer, cinco hijos, tres trabajos, vida ocupadísima, pero feliz), planea visitar a las cuatro mujeres (una quinta murió hace años) con las que tuvo relaciones por aquellos tiempos, una de las cuales podría ser la remitente de la carta. Las únicas pistas son el color rosa del sobre y el papel de carta, y la escritura hecha con una máquina de escribir algo gastada (quizá una ironía respecto a su experiencia con los ordenadores, un rasgo de obsolescencia).



Iniciado el periplo, después del largo prólogo, el film se estructura en cuatro partes, una para cada examante (y una breve secuencia dedicada a visitar la tumba de la muerta), más un epílogo.

1) La primera mujer es Laura (una espléndida Sharon Stone), viuda (su marido, piloto de carreras, murió en un accidente), con una hija adolescente llamada Lolita (Alexis Dziena), que hace honor al nombre (dibujada con referencias obvias a Nabokov y a Kubrick). Laura será la única de sus examantes que lo recibirá con ternura, hasta el punto que pasarán la noche juntos.



2) Dora (Frances Conroy) está casada, se dedica al negocio inmobiliario, y vive en una casa lujosa en una urbanización de alto standig. No obstante, parece un matrimonio infeliz, frío, aséptico, sin hijos y sin pasión. Don se queda a comer, pero la reunión resulta un tanto embarazosa e incómoda.



3) Carmen (Jessica Lange) es una comunicadora de animales, los “oye” y “entiende”, y “dialoga” con ellos. Parece ser una mujer de éxito (ha escrito varios libros), con una activa consulta, controlada con mano de hierro por su secretaria (quizá algo más que secretaria: Chloë Savigny, a la que vimos en Int.Trailer Night). Su encuentro carece de sintonía, Carmen lo despacha rápidamente, no hay nada que los una. En este segmento, Jarmusch introduce un chiste privado: por teléfono hablan con un cliente que dice de traer a su iguana, llamada Iggy. Sabido es que Iggy Pop es conocido como “la iguana”.



4) Por último, Don localiza a Penny (una irreconocible Tilda Swinton, a la que veremos en los dos siguientes films de Jarmusch) en una casa aislada en una zona rural, donde parece convivir con unos rudos moteros. Don, de manera algo violenta, le pregunta directamente si tiene hijos, lo cual le cuesta recibir una somanta por parte de los amigos de Penny.



Fracasada su búsqueda, de vuelta a casa, recibe otra carta rosa, de Sherry, lo cual provoca que aumente su desconcierto: ¿pudo ser Sherry quien le enviara la otra carta, cuyo contenido, entonces, sería falso? Coincide con un muchacho, al que ya ha visto a la salida del aeropuerto, del que empieza a sospechar que quizá es su hijo, pero el joven huye a la primera insinuación de carácter paterno por parte de Don. El film se cierra, después de que Don mire con curiosidad a otro joven (que es en la realidad Homer, el hijo de Bill Murray), con un movimiento circular alrededor del personaje, como un reflejo de su total desorientación vital. Aunque el film ha ido sembrando la investigación de pistas (objetos o vestidos de color rosa, incluida una vieja máquina de escribir de ese color), acabamos el recorrido igual de perplejos que al inicio y sin saber si realmente Don tiene o no un hijo

La película está perfectamente engrasada, con fotografía de Frederick Elmes, música del etíope Mulatu Astatke y montaje de Jay Rabinowitz, nombre que no había citado hasta ahora pero que aparece como montador de la mayoría de sus films (y algo debe tener que ver con una cierta unidad de estilo). Con todo, en este film Jarmusch reduce algo su tendencia al estatismo, a los planos secuencia y a los travellings laterales. Pero sigue utilizando a menudo los fundidos en negro para separar los segmentos, la precisa composición de los planos o el laconismo de sus personajes, en particular Don, además de un tratamiento del color que juega con el rosa, elemento clave en la investigación que lleva a cabo. Jarmusch parece recrearse fascinado en el rostro cansado y confuso, falto de vitalidad, melancólico, de Murray, como antes en los de Johnny Depp o Forest Whitaker. Un Don que proclama que “lo único que hay es el presente”, ni pasado ni futuro (como la mayoría de los films de Jarmusch, que captan un momento en la vida de sus personajes, de los que no solemos saber gran cosa de su pasado ni se apunta nada concreto de su futuro… salvo quizá la muerte). Otro rasgo reconocible, es que, como en Mystery Train y en Coffee and Cigarettes, la película se abre y se cierra con la misma canción: “There Is An End”, de Holly Golightly and The Greenhornes (con aire a lo años sesenta).



No falta el detalle cinéfilo, en forma de dedicatoria al realizador francés Jean Eustache (del que confieso no haber visto ninguna película), aunque puestos a buscar conexiones, a mí me ha recordado el cine de Rohmer, incluso en lo de hitchcockiano que hay en su estructura. En definitiva un buen film, irregular como suele ser habitual en las películas de carácter episódico (hay segmentos que me parecen más conseguidos que otros: me quedo con el contacto con Laura y con Dora), potenciado por unas excelentes interpretaciones, incluido Bill Murray quizá en su mejor papel (junto al de Lost in Translation; lo digo sin nostalgia, no me gusta nada de nada en Los cazafantasmas o en Atrapado en el tiempo), actor que ya se había incorporado al mundo de Jarmusch en uno de los cortos, el más absurdo, de Coffee and Cigarettes (y que volveremos a ver en The Limits of Control, que espero comentar la semana que viene). Como nota negativa, señalaría que se carga demasiado la mano en el prólogo sobre el carácter del personaje de Murray: se llama Don, es como un envejecido Don Juan, ve una película sobre Don Juan, etc. Quizá no hacía falta tanta insistencia en el tema, ya de por sí bastante evidente. Por lo demás, me ha encantado revisarla.

Esta es mi primera vez con Flores rotas, y tengo que decir que por ahora, siendo todas interesantes, es la que más me ha gustado. Una historia sencilla, perfectamente estructurada e hilvanada, pausada pero entretenida, sólo con el 2º episodio algo flojo, no por los personajes, ya que reflejar un matrimonio así es el pan de cada día de muchos matrimonios, simplemente creo que se le podía haber sacado más jugo.

Si, hay menos planos secuencia y estatismo, pero el primero del cartero es eterno .

Tengo mis dudas, Don vive en Nueva York? o en las afueras, Manhattan está claro que no, lo digo porque en la intro aparece US Mail, se ve todo el proceso de una carta, y las instalaciones me son conocidas, ya que trabajé 3 meses (casi) en la cafetería de US Mail de Queens en NY, pero quizás son todas iguales; por cierto en esos momentos entendí algunas fallas de seguridad de los USA, como puede ser que un españolito sólo con el pasaporte puede trabajar (en la cafetería) en una institución federal del gobierno? los controles de seguridad eran dos guardias, si armados, pero nunca me registraron, y no tenía ningún pase de nada, simplemente mi ex jefe le decía que yo iba (seguramente algún sobornillo de ir por casa).

A parte del segundo segmento, los otros tres me parecen muy buenos. Sharon Stone (a la que acabo de ver en una lista de las 25 peores actrices por su interpretación en "Instinto Básico", siendo ella lo mejor del film , hay esas listas qie se hacen para rellenar!!!!!) está fantástica y su hija lolitesca ni te cuento, que se le ve el plumero ya cuando recibe a Don mostrando ciertos indicios de que Lola es y será una fresca, y así es, desnudo total frontal cuando atendía una llamada haciéndose la despistada, y genial reacción de Don, que se quiere ir asustado delante tal panorama. Otros directores hubieran aprovechado para poner una escena de sexo, pero parece que el bueno de Jim es un poco asexual por lo visto hasta ahora.

El tercer capítulo, el segundo ya lo he despachado al inicio, también me parece muy interesante, esa Medium de pacotilla, Jessica Lange, ya maltratada con Botox, nos deja momentos fantásticos, como la corta consulta y la despedida, y con el plus de la mas guapa de las feas, Chloe Sevigny, como secretaria leal, que odio desprende hacia el bueno de Don.

El cuarto, también a muy buen nivel, aunque uno se queda con ganas de más Tilda Swinton y en la cual parecía que se resolvería el misterio, pero nada, todo, como ya dije en otra reseña de Jarmusch, muy francés.

Y la quinta mujer, en un tono más anecdótico, sin tanto peso.

Aunque a mi, lo que mas me gusta es la relación entre el personaje de Bill Murray y el Sherlock de Jeffrey Wright, y esa duda razonable en la conversación final entre ambos en la cafetería. Aquí también uno que no es fan de Bill Murray, aunque no me molesta, no creo que sea la estrella de los cazafantasmas (si bien no me disgusta tanto no es un film de cabecera), fue uno más, y "atrapado en el tiempo" no la he visto aún, la tengo eso si, pero la comedia scifi (viajes en el tiempo) es un género que se me atraganta bastante, incluso los regresos al futuro, y me da algo de pereza verla. "St Vincent" es un film que si recomiendo, un Bill Murray haciendo de él pero con un entorno muy agradable, o sea Naomi Watts.

En el film, como bien dices, Bill Murray lo borda, esa rostro cansado de todo, el me la suda todo (aparentemente), el de crear un personaje algo antipático para después cogerle cariño, eso es muy de Jarmusch; aunque ya es mayorcito, tiene el adn mujeriego, como bien nos muestra Jarmusch con sus flashbacks fotográficos de las mozas que se le van cruzando por esta aventura sin pies ni cabeza. Si bien, aquí si hay un objetivo claro, la misión de encontrar indicios, bien es cierto que el aura de personajes perdidos, descolocados, sin saber lo que quieren ni lo que hacen, Jarmusch sigue dando esa entidad propia a sus personajes, eso, por ahora no falla.

En resumen, film que me deja la mar de contento, sin ser comedia sonríes, aparenta drama, pero realmente el McGuffin dramático al igual que a Don, se la suda bastante, parece que lo haga para que su vecino se calle y le deje en paz más que por su propio interés, en todo momento da una sensación de desgana por los viajes, de estar obligado a hacerlo, un típico personaje de Jarmuschiano de "me la suda todo".

Los límites del control (The Limits of Control) (2009)





Tal como apunta Alex en su comentario, Broken Flowers es quizá el film más llevadero, más cercano al mainstream de Jarmusch, aunque sin perder ni un ápice de su personalísimo mundo. Con The Limits of Control, Jarmusch realiza una especie de cruce entre Broken Flowers y Ghost Dog: estamos ante un personaje del que sabemos muy poco, menos aún que de Don Johnston: básicamente, solo se nos muestra que se dedica profesionalmente a alguna suerte de trabajo criminal, como el que encarnaba Forest Whitaker; que le gusta tomar dos expresos en tazas separadas; que parece tener un cierto interés por la música y sobre todo por la pintura (visitará el Reina Sofía, donde contemplará cuadros de Juan Gris, Antonio López o Antoni Tàpies); que practica ejercicios de tai chi; y, muy importante, que no mantiene relaciones sexuales mientras está trabajando. Lo encarna un habitual: Isaach De Bankolé, lacónico hasta el extremo, al que solo oiremos pronunciar algunas pocas palabras (lo que lo acerca tanto a Ghost Dog como al que personaje que encarnaba Alain Delon en Le Samouraï).

Como casi siempre en Jarmusch, la acción se desarrolla por medio de un itinerario geográfico. Isaach (el personaje no tiene nombre) llega a Madrid.



No conocemos su misión concreta, pero lo vamos a ver intercambiando cajas de cerillas con diversos y algo estrafalarios personajes. El primero es Luis Tosar, que llega a la cita con un violín. La primera pregunta, que parece una especie de contraseña, y que le van a hacer todos sus contactos, es: “¿Vd. no habla español, verdad?” Tosar, como los próximos interlocutores, suelta un monólogo, en su caso sobre la música, al que Isaach parece asentir sin añadir nada. Estos monólogos me recuerdan al que ya oímos en la inaugural Permanent Vacation: el del hombre sentado en el vestíbulo del cine que diserta sobre el efecto Doppler.

Cuando Isaach vuelve a su lujoso apartamento, se encuentra (como le pasaba a Marlowe en las novelas de Chandler) a una chica desnuda (es Paz de la Huerta, vista también en toda su extensión en Boardwalk Empire; su desnudo en la cama me recuerda la Brigitte Bardot de Le mépris de Godard... aunque prefiero la Bardot). El personaje de Paz es misterioso, enigmático, del que además de su gusto por exhibirse y de querer tener sexo con Isaach, sin éxito, poco más sabremos.



El siguiente contacto es Tilda Swinton (luciendo una espectacular peluca), que hablará de cine.



La caja de cerillas, que dará a continuación a Paz, contiene diamantes, cuando generalmente solo contienen un papelito con un código (que Isaach procede a hacerlo desaparecer comiéndoselo). Después Isaach toma el tren hasta Sevilla donde hablará con una japonesa (es Yuki Kudo, la joven de la pareja de turistas nipones de Mystery Train), que habla de moléculas, y con John Hurt, que le da una guitarra y le cuenta el posible origen del término “bohemios” (como curiosidad, Jarmusch cuenta que tiene antepasados de la región de Bohemia).



También asistirá a un ensayo en un bar donde tocan flamenco; verá como raptan a Tilda, o fugazmente a Paz en un balcón (desnuda, por supuesto).

La siguiente etapa será un pueblo de Almería (Doña María-Ocaña, según el cartel de la estación). Allí Gael García Bernal (le toca hablar de alucinaciones y de peyote) recogerá la guitarra y le presentará a una conductora (la israeliana Hiam Abbass) que le llevará hasta una mansión aislada en el campo, pero con fuertes medidas de seguridad. Por un momento, en una casa vacía volveremos a ver a Paz (¿dormida, muerta?). Luego, de manera inexplicada e inexplicable, Isaach consigue entrar en el interior de la fortaleza (en una elipsis que ríanse de la de la fuga de Down by Law), y allí asesinar al que parecer ser un alto jerifalte norteamericano (encarnado por Bill Murray), que antes de morir va a soltar otro monólogo que viene a resumir todos los anteriores.



Viaje de regreso, desandar lo andado. Y ya en Madrid, última visita al Reina Sofía (se queda contemplando un cuadro de Tàpies, que recuerda la casa almeriense donde encontró a Paz, y que entiendo que sintetiza muy bien la película), última caja de cerillas (con un papelito en blanco) y final de la misión.



Todo el desarrollo del periplo por España se realiza de una manera notablemente abstracta, sin contexto ni aclaraciones de ningún tipo. Isaach (al que unos niños en Sevilla le preguntan si es un gángster americano) es un hombre metódico (como Ghost Dog), silencioso, que no deja traslucir sus emociones (solo quizá cuando oye flamenco en un bar). A esa abstracción ayuda la fotografía del australiano Christopher Doyle (habitual del cine de Wong Kar-Wai), que le da al film un tono algo distinto a lo acostumbrado, como si los encuadres se desentendieran a veces de lo que atañe a los personajes. También ayuda a esa abstracción la música un tanto etérea de Boris (un grupo japonés para mí completamente desconocido).

Film enigmático, que se balancea entre la verborrea de los monólogos y el silencio de Isaach, con una fotografía más extrema en algunos momentos que en sus otros films, y que compendia todo el universo jarmuschiano en una especie de film criminal, donde la misión de Isaach vuelve a ser una mera excusa, un McGuffin, para asistir a otro repertorio de repeticiones, de variaciones sobre el mismo tema (algo que, según confiesa el propio Jarmusch en un making off que acompaña la edición en DVD, era su objetivo).

La película me decepcionó la primera vez que la vi, pero ahora me ha parecido perfectamente coherente con su obra, y mucho más interesante, aunque le sigo viendo algunas limitaciones, como el exceso del personaje de Paz, o demasiada acumulación de cosas significantes (música, pintura, los monólogos). Broken Flowers funcionaba mucho mejor narrativamente, aunque quizá demasiado para el gusto habitual de Jarmusch. Abundando en las repeticiones, en la próxima entrega volveremos a ver a John Hurt y a Tilda Swinton (y recuperaremos a Jeffrey Wright) en Only Lovers Left Alive.

Por motivos personales, he de avanzar mi visionado del ciclo Jarmusch, tengo entendido que la economía de casa no va lo suficientemente bien que se esperaba, así que me veo en la obligación de venir al país para ayudar en este realce económico a base de blurays, dvds, libros, música y revistas de cine, el deber me llama!!!!

Cuando leí que el compañero Mad le gustaba muy poco el film, me sorprendió, porque cuando lo vi, ya me pareció interesante, y a lo largo de este revisionado a la filmografía de Jarmusch, me daba cuenta que el film es uno más, que no desentona ni suma, parece que la filmografía de Jarmusch sea un todo que se divide en pequeñas muestras reiterativas de su estilo, y eso es un punto fuerte, pocos pueden decir que son fieles a su estilo (espero que su incursión al género vampirico no me deje mal, aunque sospecho que estará más cerca del "the Addiction" de Abel Ferrara que de la franquicia crepuscular de mi querida y poco valorada Kristen Stewart - o Kirsten ?).

También al igual que "flores rotas" es un film episódico con el mismo personaje principal, el cual van pasando un elenco de personajes la mar de interesantes, para mi ese desfile de stars (los fieles y los nuevos) es lo más disfrutable del film, uno se anticipaba al film intentando adivinar quien aparecería ahora. El problema (o no) del film, es que sino entras en su juego, acabarás odiándolo, ya que es muy contemplativo, lento, y le sumas las características del cine Jarmusch (poco o ninguna información de los personajes, diálogos que se van pon las ramas, estatismo....) y no ayuda mucho,pero yo entré en el juego y sin ser un film de cabecera del director, lo acabé disfrutando, mucho más que en su primer visionado.

Los actores excelentes, destacar la sorpresa de ver a Luis Tosar, no lo recordaba, y también a los nacionales OScar Jaenada (el camarero) y sobretodo Hector Colomé ya en la parte final cuando descubre a Bill Murray "de postureo". Por cierto, aquí sí, si bien es cierto que la elipsis de "Down By Law" no me la creo pero queda bien, ésta es de tarjeta roja directa!!!! sin tanta vigilancia, o sea dos o tres guardias, hubiera colado, pero en ese fortín acorazado, esa licencia muy a lo Verhoeven es sin duda lo peor del film, estas elipsis, para mi estan a la altura, como por ejemplo en un film, aparece un personaje, y un par de secuencias después aparece el personaje sin brazo, esto no lo harían ni los exploits italianos. Compañero Mad en el making of (o no se si hay audiocomentarios) el director no dice nada de esta escena?

En el campo sexo, seguimos igual, el desnudo integral marca de la casa de cada peli, pero aquí repetido varias veces, eso si, sin sexo. Por cierto la actriz, Paz de la Huerta, me ha llamado la atención, por motivos evidentes, pero al poner su nombre en el buscador me han salido fotos mas actuales, y he tenido que comprobar que realmente es la misma actriz, esta actriz está hecha polvo!!!! a pasado de ser una femme fatale espectacular a un monstruo (supongo por la cirugía estética)



Sigo teniendo las mismas dudas de que sea la misma actriz.

En resumen, un film diferente, dentro del mundo parejo de la filmografía de Jarmusch, ya sea por el diferente toque en la fotografía, o el ritmo más lento y contemplativo que en sus otros trabajos (sin ser prodigio de un ritmo rápido, tampoco lo necesita)...Y es un placer ver desfilar a tantos actores/actrices, Tilda Swinton, John Hurt, G.G.Bernal, Youki Kudoh....Y ahora una de vampiros (parece un chiste si hablamos de Jarmusch).

Me temo que sí, que es la misma actriz. Lo cierto es que es una mujer de belleza algo incierta (a mí no me gusta), pero con una facilidad pasmosa para los desnudos (sale a pelo a menudo también en Boardwalk Empire, donde es la amante del mafioso que interpreta Steve Buscemi).



Sobre la elipsis (sabía que pondrías el grito en el cielo, Alex ), digo lo mismo que en Down by Law, es una forma descarada de decir que los elementos de intriga de la trama le importan un comino, aunque reconozco que en esta ocasión Jarmusch se pasa unos cuantos pueblos. Un detalle que no comenté, pero que ya es habitual en Jarmusch, es la mezcla idiomática, reproducida con total naturalidad: se habla en francés, en inglés, en castellano con distintos acentos, e incluso creo que en hebreo (la conductora). La aparición de Jaenada según se cuenta en imdb fue casual: se encontró a Jarmusch en Madrid y le convenció para salir en la película. Y lo del sexo... merecerá un comentario extenso cuando acabemos el ciclo. Clama al cielo que en esta ocasión nos pasee delante de los morros a la señora De la Huerta (aunque, insisto, no es muy de mi gusto) en traje de Eva, y el amigo Isaach diga que cuando está trabajando no mantiene relaciones sexuales... Eso sí, se dice (García Bernal en su fragmento) que Isaach tiene una novia negra muy bella, o sea que no parece que sea por asexualidad, al menos del personaje.

Como a ti, este segundo visionado me ha gustado mucho más que el primero, cosa que quizá no me ha pasado con Only Lovers Left Alive, que ya he visto. Puesto que has avanzado tu comentario, seguramente publicaré el mío sobre la de "vampiros" antes del viernes.

Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive) (2013)



Con Only Lovers Left Alive Jarmusch entra en lo que podríamos denominar su particular terra incognita, ya que nos entrega ni más ni menos que una película, sui generis eso sí, de vampiros. Difícilmente hubiéramos asociado nunca antes de este film el nombre de Jarmusch con el subgénero de los émulos de Drácula, pero hay que aclarar ya de entrada que ni se trata de un film de terror (aunque hay un muerto por el método clásico de mordisco en la yugular… o tres, según cómo se mire), ni de ambientación gótica (a pesar de las letras con que se dibujan los títulos de crédito, no hay criptas mohosas, ni ataúdes polvorientos, ni transformaciones en murciélago), ni siquiera se potencian los aspectos fantásticos de la historia (que más parece un film sobre adictos a la sangre, llenos de hastío y aburrimiento secular). Pero vampiros, haberlos, haylos. Y además centenarios y por partida cuádruple. Por un lado, tenemos a Eve, una vampira residente en Tánger y de ocupación desconocida, interpretada por una adecuadísima Tilda Swinton (que parece haber nacido para papeles como este; ¿para cuándo la veremos en un biopic de David Bowie encarnando al cantante que fue Ziggy Stardust?).



Allí comparte sus gustos sanguíneos (y los suministros) con Christopher Marlowe (un decrépito John Hurt), el dramaturgo inglés del siglo XVI (y, según cuenta él mismo, auténtico creador de las tragedias shakespearianas).



A distancia, en una fantasmagórica Detroit, tiene a su marido, Adam (Tom Hiddleston), que vive encerrado entre instrumentos musicales, componiendo para sí mismo, con la sola ayuda de su “Renfield” particular, Ian (el malogrado Anton Yelchin), un simpático y dicharachero joven que le proporciona guitarras de coleccionista.



Adam consigue la sangre, pura por supuesto, en un hospital, gracias al Dr.Watson (Jeffrey Wright), ante el que se presenta identificado como Dr.Faust, con un estetoscopio vintage al cuello.



El consumo de la sangre pura les proporciona una especie de éxtasis que nos recuerda más a los yonquis después de su chute de heroína que a los vampiros Hammer style relamiéndose los labios. Estos vampiros postmodernos abominan de la violencia de otros tiempos, porque, dicen, están en el siglo XXI.



En un determinado momento, Eve se traslada a Detroit, en avión, para instalarse en la casa de Adam. Pero sin esperárselo reciben la visita de Ava, la hermana “joven” de Eve (Mia Wasikowska), un auténtico coñazo con un comportamiento propio de una desmadrada teenager que les perturba la existencia y que, para más inri, va a despacharse al pobre Ian a la vieja usanza. La aparición de Ava casi nos remite a la estructura y situaciones de una sitcom, sin forzar la mano, o sea a lo Jarmusch.



La muerte de Ian va a provocar que Adam y Eve dejen Detroit y se trasladen a Tánger, justo a tiempo de descubrir que Marlowe se está muriendo por haber consumido una dosis contaminada de sangre. Sin suministro ellos mismos, no les va a quedar más remedio que, en una bella noche iluminada por la Luna, lanzarse sobre una pareja de jóvenes que se están besuqueando. Con un primerísimo plano de los colmillos de Eve en aproximación al objetivo se cierra el film.



Como todo el cine de Jarmusch hay que tomárselo con sentido del humor y paciencia. Aunque quizá formalmente (como ya pasaba en cierta medida en The Limits of Control) Jarmusch introduce variantes (por ejemplo, gran profusión de planos cenitales sobre los protagonistas;



o el uso de un ligero ralentí que produce la impresión que Adam y Eve flotan cuando andan, algo que también había utilizado Jarmusch en el film anterior a la hora de filmar a Tilda Swinton), y temáticamente parece que se aleja de su universo personal, en realidad seguimos estando en lo jarmuschiano: en este caso esos personajes, de los que tampoco sabremos gran cosa, más que desorientados o despistados, lo que parecen es estar de vuelta de todo, y al igual que ya le pasaba a Allie en su film de debut, Permanent Vacation, dan la impresión de ser turistas permanentes en un mundo que ya no es de su gusto, en particular Adam en Detroit, rodeado de lo que denomina “zombis”, es decir, los que no son vampiros (Jarmusch se permite una puya a Hollywood cuando Adam dice que Los Angeles es “la capital de los zombis”; de allí precisamente llega la molesta Ava).

No falta el gusto por la descripción de paisajes urbanos degradados, durante los paseos nocturnos de Adam y Eve por Detroit (¡¡ese espectacular Michigan Theater!!, que viene a ser como los castillos o monasterios en ruinas de la ambientación gótica).



O también los recorridos a través del dédalo de callejuelas de Tánger, en un ambiente de aire medieval, que parece ser más del gusto de estos peculiares vampiros.



Todo ello adornado con una extraña banda sonora (que ganó un premio en Cannes), obra del compositor minimalista holandés Jozef van Wissem con la colaboración de SQÜRL (grupo del que forma parte Jarmusch). La novedad en la música del film se completa con una renovación en la fotografía (firmada por el francés Yorick Le Saux, que ha trabajado con Ozon o Assayas) y en el montaje (ya no tenemos al habitual Rabinowitz, sinó a Affonso Gonçalves, que tiene en su haber la maravillosa Carol, de Todd Haynes, y que repetirá con Jarmusch en Paterson y en Gimme Danger).

En resumen, al igual que me pasó con The Limits of Control, este visionado me ha gustado más que el primero, pero en este caso creo que voy a necesitar un tercer o cuarto visionado antes de hacerme con el film. Quizá influya el hecho que estos vampiros resultan un tanto snobs, bastante pedantes, algo no obstante que da la impresión que es intencionado: el propio Jarmusch afirma que unos seres centenarios que han visto, leído, escuchado, miles de cosas, libros, músicas, han de ser por fuerza snobs. Quizá sí, pero resulta un tanto excesivo que cuando Eve haga su equipaje para ir a Detroit cargue dos maletas con libros. Con todo, y a pesar de los chupadores de sangre, un film Jarmusch cien por cien.

Y la semana que viene… acabamos el recorrido por su obra con Paterson y, de propina, el documental Gimme Danger, sobre Iggy Pop y The Stooges. Precisamente la letra del “Gimme Danger” de The Stooges me parece que establece un claro vínculo con Only Lovers Left Alive:

Gimme danger, little stranger
And I feel with you at ease
Gimme danger, little stranger
And I'll feel your disease
There's nothing in my dreams
Just some ugly memories
Kiss me like the ocean breeze
Now, if you will be my lover
I will shiver and sing
But if you can't be my master
I will do anything
There's nothing left alive
But a pair of glassy eyes
Raise my feelings one more time

Al ver de qué iba esta película (que no he visto ) me ha asaltado una sensación de dejá vu muy chunga . Pues el argumento se parece a una historia que empecé a escribir hace tiempo sobre una vampira atrapada en un mundo futurista chungo, y cuya existencia dependía de la posibilidad de alimentarse con cierta regularidad de sangre humana -cada vez más escasa debido a una extraña epidemia que está acabando con la humanidad-. También había un personaje llamado Adam, interés romántico de la protagonista, si bien tenía un desarrollo bastante distinto. Y una parte importante de lo que pasaba estaba relacionado con el otro interés romántico de la vampira, que también era alguien digamos poco común y del cual no contaré más.

En este caso el mundo no es futurista, más bien presente, demasiado presente, y además muy decadente (con Detroit como símbolo y Los Angeles como capital de todos los males). Estos vampiros viven con un cierto aire de poetas románticos malditos, dados a los paraísos artificiales (en este caso con sangre pura, creo recordar que O negativo), con la que se deleitan en sus sofisticados estudios, rodeados de libros e instrumentos musicales. Intentan vivir fuera del mundo, pero les es imprescindible mantener un cierto contacto (Adam con Ian y con el Dr.Watson; Eve con su colega Marlowe, que también parece tener su particular Renfield, Bilal, un árabe tangerino. Esa sangre que los "coloca", que los transporta, que los lleva al éxtasis, la beben en pequeñas copas, como si fuera un jerez exquisito, pero si se tercia rellenan con ella una petaca (como hace la descarada Ava) o incluso la convierten en un polo, para poder "chuparla" sin riesgos. Son vampiros letraheridos y melómanos, que detestan actuar como sus salvajes antepasados, o sea nada que ver con ese vampiro popularizado por Christopher Lee. Incluso a nivel de pulsiones sexuales van a bajas revoluciones (algo que no nos puede extrañar viniendo de alguien que parece tan poco interesado en el sexo como es Jarmusch). Aquí también temen por la contaminación de la sangre, que es en definitiva lo que va a llevar a la muerte a Marlowe, de ahí que se nutran en hospitales.

Respecto al detalle de que la pareja de personajes principales se llamen Adam y Eve, Jarmusch comenta que no estaba pensando en la Biblia sino en un libro de Mark Twain: "The Diary of Adam and Eve", aunque en definitiva esos Adam y Eve de Twain son los bíblicos, y además Jarmusch nos muestra en inserto una foto de uno de los plafones en relieve de la puerta del baptisterio de Florencia de Ghiberti, donde vemos a la pareja en cuestión. Creo que es esta:



Vista la coincidencia con ese relato tuyo, y conociendo tu interés por la temática, creo que deberías darle un vistazo, aunque hay que adoptar la perspectiva jarmuschiana que hemos ido describiendo en este hilo para encontrarle su punto de interés, muy alejado en todo caso de la Universal o de la Hammer.

Sin ser muy amante del cine de Jarmusch diré que su película Only lovers left alive me pareció muy buena. Me encantó y eso que reconozco que, a veces, la encuentro algo lenta para mi gusto.
Bajo mi opinón subjetiva, en el tema vampírico, sólo está por encima de ella Drácula de Bram Stoker's de Coppola y Let right one in de Alfredson.
Como se ha dicho es una película para visionarla varias veces y disfrutar de los pequeños detalles.
Gracias por el post. Muy entretenido.
Saludos.

Gracias por tu participación, wakamaku. Da ánimos ver que otros foreros participan en este hilo que nos "parimos" Alex Fletcher y yo. Es curioso que os habéis animado, tú o Jane Olsen, justo cuando hemos tocada la película sobre el papel más atípica de Jarmusch, aunque en realidad, como ya apunto en mi comentario, es menos atípica de lo que parece.

De hecho, Jarmusch ya había jugueteado con elementos fantásticos en otros films: el fantasma de Elvis en Mystery Train; esa especie de bajada a los infiernos o, si se prefiere, de regreso de entre los muertos de William Blake en Dead Man; el misterioso Ghost Dog, de la película homónima (y ese perro que se le aparece un par de veces, quién sabe si como una especie de símbolo de la muerte que acecha); e incluso lo misterioso del personaje de Isaach De Bankolé en The Limits of Control, y esa forma "sobrenatural" de colarse dentro de una mansión fuertemente custodiada por los norteamericanos y asesinar al Bill Murray, y a continuación desvanecerse como un fantasma.

Sobre el vampirismo hay decenas de títulos (o quizá centenares). Creo que para Jarmusch no deja de ser una excusa (como los gángsters de Ghost Dog; el Oeste de Dead Man; o ese extraño profesional del crimen en The Limits of Control), una especie de colorido McGuffin que le permite hablar un poco más de lo que siempre tratan sus films. Comenta Jarmusch que esos vampiros centenarios le permiten adoptar una perspectiva temporal de largo alcance, quizá como ese famoso ángel de la historia del que hablaba Walter Benjamin, que avanza irremisiblemente hacia delante por la fuerza del progreso, pero con la mirada puesta en lo que deja atrás, que no es más que ruina y destrucción.

Respecto a los dos títulos que citas, lo cierto es que no me gusta el film de Coppola, no ya como adaptación de Stoker (que lo es de manera muy libre), sino tampoco como film de terror o romántico, sin negar que tiene algunos aspectos visuales de gran belleza. El de Alfredson, en cambio, sí me parece un buen film, y la novela que adapta, de John Ajvide Lindqvist, también (el mismo autor tiene otra novela sobre la temática zombi, bastante interesante).