Tema: Kenneth Branagh

Iniciado por Campanilla

¡Bravo a todos por los comentarios!



Seré idiota que hasta me he emocionado leyendo esto Estoy en modo Shakespeare B/D tiene la culpa Sí, tú, no te escondas

Hombre, es que cuando Tripley le da caña al teclado resulta en un placer inmenso. Muchas veces no se extiende, y por eso no paro de preguntarle directamente por su opinión, e intentar motivarle para hacerle escribir.


You sir are a gentleman and a scholar

Espero que Campanilla este (alucinada, maravillada, impactada) ,buscando esto desesperadamente para escucharlo aisladamente:

Para mí uno de los mejores debuts en la historia de la música de cine junto con el Kane de Herrmann.

Saludos

¿Cuantas veces lo has dicho ya? Pero no es una crítica. ¿Por qué no? Porque yo le comprendo.


Es difícil expresar con palabras lo que sentí al meter el disco en el reproductor en el ya lejano año 89 a mis tiernos 20 añitos , salvo la certeza que tuve al acabar de que había experimentado algo absolutamente impresionante. Único.

Pues si ya lo había comentado, no lo recordaba, qué cabeza

Efectivamente, escuchar por primera vez el gran trabajo de Doyle es espectacualr y toda la secuencia de la batalla de San Crispín, es una maravilla

Saludos

Ya que estamos, no te lo había dicho, pero aunque sin duda el cuarto de hora de la batalla de San Crispin es memorable, y el favorito de casi todo el mundo es el apoteósico tema coral yo me quedaría con los siguientes:


A ) El bellísimo tema de despedida a Falstaff y al grupo , preludio del furor romántico del autor.






B) El obsesivo ostinato de cuerdas que suena cuando el rey medita consigo mismo sobre su decisión de ir a la batalla, si es lo correcto y sobre si tiene autoridad moral para tomarla , (tema que más tarde se repetirá tortuosamente cuando los cadaverés ensangrentados muestren las consecuencias de dicha decisión).



C) Con la seducción de Katharine, escena rodada con un tono muy cercano a las comedias de Ernst Lubitsch.

Ya que tenía día casero aproveché para ver...

"Enrique V"



Uffff, no sé ni por dónde empezar. Pero vaya, lo primero es lo primero, y es que me resulta totalmente increíble pensar que esta película es la ópera prima del amigo Kenneth. Por más que lo piense, me parece un trabajo de tal madurez que no puedo más que rendirme una vez más ante el talento de este (no siempre valorado como se merece) hombre.

Me han sorprendido tantas cosas de la película... por ejemplo, los primeros minutos y la entrada en escena de Branagh, son algo espectacular. Sorprende verlo tan joven encarnando un papel de tanto peso, pero es que es alucinante ver cómo en dos segundos con su forma de hablar (qué bien recita el jodío ), te deja boquiabierta. Cómo se mete (y te mete) en el personaje. Porque si algo puedo destacar, es que me he quedado totalmente embobada escuchando esa dicción perfecta, esa manera de expresar los textos, esa fuerza y amor por la letra... Vamos, es que atraviesa la pantalla en más de una ocasión.

Además, es muy bonita toda la presentación teatral de las escenas con Derek Jacobi dirigiéndose al espectador. Unas transiciones realmente bonitas. Y es que absolutamente todos los actores están impecables y recitan de un modo impecable. Es un milagro escénico.

Como decía, me ha FASCINADO el inicio de la película. Porque ¡MADRE MÍA! Ese tema de Doyle para abrir la película es la cosa más alucinante que he escuchado dentro del género Es que me transportaba a otra época, a otro momento. De hecho, incluso he sentido nostalgia de mi infancia/adolescencia, que fue cuando me tragué casi todo el cine de Branagh. Una mezcla de sensaciones única. Sentir nostalgia de Branagh... tiene guasa, eh

Sorprendida con los jovencitos Bale y Thompson Pero como decía, todo el reparto está realmente espléndido. Increíblemente acertado.

Siguiendo con la escena inicial, eso es una entrada y lo demás son tonterías... ¡Qué música!



Y como digo, pese a que al principio ves a un joven Branagh, no tarda en crecer y crecer y crecer... de tal manera que al final es que hasta parece físicamente más mayor ¡Qué monstruo!

De la BSO de Doyle, ¿Qué puedo decir? ME HE ENAMORADO PERDIDAMENTE ¡Qué trabajazo más cuidado! Es un DIAMANTE!!! El tema musical central que se repite, es una cosa apoteósica Una 10+ para él

No conocía la historia (podéis imaginar mi cara con lo de las pelotas ), y quizás por ello, me ha sorprendido que me haya enganchado tanto, pero creo que es por la riqueza del texto y, sobretodo, por todo lo que Branagh ha orquestado a la perfección. Es que no hay nada que se pueda criticar en esta obra. Y eso que es bastante sobria. Sé que si se la recomendara a personas de mi entorno o amigos, me dirían que estoy muy mal, que qué aburrida, que qué le veo... La gracia, es que a mí ha conseguido hipnotizarme como un encantador de serpientes.

Hay muchas escenas memorables, pero mi favorita, sin duda alguna, es aquélla en la que Branagh se pone la...

Spoiler:

capucha y se infiltra entre los suyos para saber qué piensan de él.

El monólogo de Branagh es mi escena favorita Qué modo de recitar a la luz de la luna Maravilloso!!!



Se me cayó la baba!!!!!!!!! Con esa música además

Finalmente el discurso antes de la batalla final, es enorme. Igual que la música, se eleva, y eleva, y eleva... hasta lo más alto. Increíble que con tan pocos medios consigan emocionar dónde grandes superproducciones han fracasado estrepitosamente. Y es que las ganas, se notan. Por eso el milagro está ahí, para que el que sepa ver, lo vea.

Y para coronar todo esto, la escena musical final es exquisita Tanto que hubiese sido un final perfecto, de no ser porque la obra continuaba un poco más Pero bueno, es un placer ver a la bella y elegante Thompson Además, de ofrecer un pequeño respiro para cerrar la obra.

Sin duda, me he quedado prendada especialmente de la BSO , del trabajo actoral, y de Branagh Me he vuelto a enamorar de él como antaño, qué puedo decir. Creo que para hacerle justicia, estas Navidades intentaré ver lo que me falta de su obra como director.

En fin, las palabras se quedan cortas para describir semejante obra de arte. Como decía... los que sepan ver, verán.

Nota: 10.

¡¡¡¡¡¡SIIIIIIIIIIIIIIIIII!!!!!!!!



¡¡¡TOMA, TOMA Y TOMA!!!!



. Me tiemblan las manos, que emocionado estoy.


¿Y que me dices del momento de gloria de Judi Dench cuando narra la muerte de Falstaff sentada en la escalera y la cámara se va acercando a su rostro lentamente?



O esto: (¡¡LA MÚSICA)






No me he dado cuenta de que ya la habías puesto

Campa, si te digo que también fue el debut de Doyle en cine te da algo ya. . Fue llegar y besar el santo.

Pues si ahora tienes mono de Branagh, tienes otra más en la recámara para vez. ;)

Iniciado por Branagh/Doyle

Cuando entre en este hilo y vea la reseña de Campanilla de Enrique V, será mi regalo de Navidad foreril. Y si yo consigo sacarle una lagrimilla de emoción con mis comentarios de Malas Tierras y Días Del Cielo, espero que se lo tome como el suyo.

Mini-regalo hecho, pues

Jajaja, seguro que sí

Iniciado por Branagh/Doyle

Espero que Campanilla este (alucinada, maravillada, impactada) ,buscando esto desesperadamente para escucharlo aisladamente:

Lo estoy, lo estoy!!!

Iniciado por Branagh/Doyle

Ya que estamos, no te lo había dicho, pero aunque sin duda el cuarto de hora de la batalla de San Crispin es memorable, y el favorito de casi todo el mundo es el apoteósico tema coral yo me quedaría con los siguientes:


A ) El bellísimo tema de despedida a Falstaff y al grupo , preludio del furor romántico del autor.

Ese también es... Para enamorarse sin dilación

B) El obsesivo ostinato de cuerdas que suena cuando el rey medita consigo mismo sobre su decisión de ir a la batalla, si es lo correcto y sobre si tiene autoridad moral para tomarla , (tema que más tarde se repetirá tortuosamente cuando los cadaverés ensangrentados muestren las consecuencias de dicha decisión).

Mi escena favorita Me he enamorado

Iniciado por Branagh/Doyle

¡¡¡¡¡¡SIIIIIIIIIIIIIIIIII!!!!!!!!

¡¡¡TOMA, TOMA Y TOMA!!!!

. Me tiemblan las manos, que emocionado estoy

Ni siquiera yo estaba segura de esto No pensé que me fuese a gustar tanto porque la temática, en principio, tenía poco que ver con mi favorita

¿Y que me dices del momento de gloria de Judi Dench cuando narra la muerte de Falstaff sentada en la escalera y la cámara se va acercando a su rostro lentamente?

Emociona

O esto: (¡¡LA MÚSICA)






No me he dado cuenta de que ya la habías puesto

Lo vuelvo a decir, la mejor escena para mí Es cierto que hay muchas buenas, y que muchísima gente se quedara con el discurso pre y post Crispín Battle, pero a mí me llegó mucho ese momento nocturno Si es que la música de esa escena parece SOBRENATURAL!!! Como si no la hubiese hecho un humano, como si fuese parte de la naturaleza, de algo agazapado que acecha, de un presagio... ¿No crees?

Iniciado por Branagh/Doyle

Campa, si te digo que también fue el debut de Doyle en cine te da algo ya. . Fue llegar y besar el santo.

¿En serio? ¡No me lo creo! ¿Y premiaron esto?... Voy a mirar

A éstos dos me los comía yo a besos... ¡No se puede ser tan bueno, leñe!

Sólo ganó un premio el trabajo de Doyle No me lo creo

Por cierto, que siempre me da algo de penica ver tan juntitos a Branagh y Thompson

No, no gano nigun premio importante, y ni siquiera estuvo nominado al Óscar. Ese año ganaron Alan Menken y Howard Ashman un par de ellos por la Sirenita, conste que pienso que merecidamente. Branagh no gano ni el Óscar a mejor actor ( Daniel Day Lewis por mi pie izquierdo) ni a mejor director. Doyle anteriormente solo había compuesto música para los montajes teatrales de Branagh.

El film solo se llevó el Óscar a mejor vestuario.

Es si, Hollywood alucino en colores con la peliculita, y Sidney Pollack le ofreció a Branagh presupuesto y medios para dirigir una cinta de cine negro clásico, con plena libertad creativa que es la que te toca ver ahora y donde Branagh homenajea a Welles y Hithcock. Por cierto, si piensas que Thompson no puede salir más guapa que en mucho ruido... espera a ver esta. Y se nota que estaba tremendamente enamorado... como la encuadra, como la viste, como la ilumina.

Iniciado por Branagh/Doyle

No, no gano nigun premio importante, y ni siquiera estuvo nominado al Óscar

Es triste

Ese año ganaron Alan Menken y Howard Ashman un par de ellos por la Sirenita, conste que pienso que merecidamente

Branagh no gano ni el Óscar a mejor actor ( Daniel Day Lewis por mi pie izquierdo) ni a mejor director. Doyle anteriormente solo había compuesto música para los montajes teatrales de Branagh.

La verdad es que ahí lo tenía complicado porque es cierto que Day-Lewis estuvo perfecto. Y dirección veo que ganó Oliver Stone. Uffff, lo tuvo chungo, sí.

De todos modos es increíble lo que logró Doyle en un debut, sinceramente. Es de tal calidad que sorprende que fuese novato.

Es si, Hollywood alucino en colores con la peliculita, y Sidney Pollack le ofreció a Branagh presupuesto y medios para dirigir una cinta de cine negro clásico, con plena libertad creativa que es la que te toca ver ahora y donde Branagh homenajea a Welles y Hithcock. Por cierto, si piensas que Thompson no puede salir más guapa que en mucho ruido... espera a ver esta. Y se nota que estaba tremendamente enamorado... como la encuadra, como la viste, como la ilumina.

Cómo me tientas!! La verdad es que pensaba que no podía salir más guapa, pero leyéndote, ya veo que sí Qué malo eres!! Haces que me entre el gusanillo!!

Estupenda crítica, Campanilla. Henry V sigue siendo mi película favorita de Brannagh, además de una de mis obras favoritas de Shakespeare. La unión es realmente un evento planetario, una joya imperecedera. Hay muchos momentos donde elegir, tú has citado algunos de los mejores. Pero a mí me sigue emocionando hasta los huesos ese plano secuencia después de la batalla con el Non nobis Domine. Una escena que incluiría entre mis favoritas de la historia del cine siempre.

Campa, me autocito por si no lo leíste en su momento:

Nombre: Henry V

Compositor: Doyle, Patrick

Año:1989

Editado por: EMI (CDC 7 49919-2)

La película y su música: Es difícil imaginar un debut tan espectacular como el que tuvo Patrick Doyle en “Henry V”. Aunque siempre quiso dedicarse al mundo de la interpretación, Doyle estaba destinado a ser el compositor de Kenneth Branagh desde el momento en que ambos se entendían a la perfección adaptando obras de Shakespeare en la compañía Renaissance y Branagh inició su trayectoria cinematográfica meses después de conocerse. Es posible que Doyle no tuviese la experiencia requerida (aunque Branagh tampoco había dirigido nunca una película), pero su labor como actor, compositor y director de orquesta en adaptaciones como “Much Ado About Nothing”, “King Lear” o “Hamlet”, fue más que suficiente para el director al emprender, en 1989, el ambicioso rodaje de “Henry V”.


De hecho, haber trabajado como actor de teatro le proporcionaría una ventaja inusitada a la hora de interpretar los sentimientos y la evolución de los personajes, convirtiendo “Henry V”, más que en la obra de un recién llegado, en una banda sonora de una madurez arrolladora, en la que Doyle camufla la procedencia teatral de la historia no como lo haría cualquier novato (utilizando la orquesta y los coros de manera espectacular y llamativa), sino dosificando su aparición en función de la cantidad de diálogo, de su importancia para la narración o del sentido dramático de las imágenes.


Así, Doyle arranca la partitura con una majestuosa fanfarria de seis notas que resalta el heroísmo del rey británico, presenta incidentalmente el cántico que funcionará como tema principal (“Non Nobis, Domine”) y desarrolla un variado corpus de temas que ya aglutinan todas las virtudes que estarán presentes en la filmografía del autor, como sus hermosas melodías de aire romántico (“The Death of Falstaff” o “The Wooing of Catherine”) o sus grandes pasajes de corte épico, como la célebre secuencia que precede a la batalla de Agincourt y cuyos 14 minutos albergan uno de los crescendos orquestales más memorables del género (“St Crispin´s Day/The Battle of Agincourt”).

Lo mejor: La absoluta coherencia de la composición, la desbordante energía que transmitió a la película de Branagh y la fuerza con la que Doyle irrumpió en el ámbito de la música de cine.

Lo peor: Que, tratándose de un compositor novel y de un prestigioso director de orquesta, el nombre de Simon Rattle aparezca en la edición discográfica por encima del propio Doyle y en una tipografía mayor para acaparar el interés de la compra, cuando ya en 1989 era evidente que el futuro del compositor iría bien grande y en mayúsculas.

La duración: 59.16.


El tema: “Non nobis, Domine”, un cántico que Doyle escribió antes del rodaje del filme y que él mismo, caracterizado de soldado, comienza a entonar durante el plano-secuencia que recoge la devastación de la matanza de Agincourt mientras las voces del resto de soldados se incorporan progresivamente en un espectacular crescendo, que Doyle retomará durante los créditos finales en una versión más corta y donde los instrumentos de la orquesta se suman a los coros hasta alcanzar un clímax apoteósico.

Ya puse esto también en el hilo de bandas sonoras, pero lo pongo aquí para comentarlo más a fondo y por que expresa de manera certera lo que pienso sobre la peli, la aportación de Doyle a la misma, y sobre Branagh en general.


Siguiendo con Doyle, sobre su Henry V, nunca está de más recordar este magnífico artículo del abogado y crítico de cine Tomás Fernandez Valentí. Lo comentamos luego si queréis, no tiene desperdicio.

jueves, 7 de mayo de 2009

“ENRIQUE V”, O EL ALMA DEL REY DE INGLATERRA SEGÚN PATRICK DOYLE

Por más que uno no sea particularmente aficionado al tema de los aniversarios, el próximo 6 de octubre se cumplirán los veinte años del estreno en Inglaterra de la primera película dirigida por Kenneth Branagh, Enrique V (Henry V, 1989), según la obra homónima de William Shakespeare adaptada al cine por el propio realizador. Sospecho que no somos muchos quienes tenemos en estima a este cineasta inglés, que practica un estilo de cine escasamente influido por las modas al uso, y que a pesar de la notoria irregularidad de su carrera tras las cámaras –que incluye títulos tan sobrevalorados como Los amigos de Peter (Peter’s Friends, 1992, el cual acostumbra a gustar precisamente a quienes no comulgan con su cine) y En lo más crudo del crudo invierno (In the Bleak Midwinter, 1995); o una nueva versión de La huella (Sleuth, 2007) fácilmente olvidable—, atesora en su filmografía trabajos mejores de lo que se dijo en su momento –el estupendo y divertido Morir todavía (Dead Again, 1991), que sale ganando con la revisión— y al menos cinco largometrajes dignos de la más alta consideración: otras tres adaptaciones de Shakespeare, frescas y arriesgadas como pocas –Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1993), Hamlet (ídem, 1996), Trabajos de amor perdidos (Love’s Labour’s Lost, 2000)—; un extraordinario Frankenstein de Mary Shelley (Mary Shelley’s Frankenstein, 1994); y una no menos magistral versión de la ópera de Mozart La flauta mágica (The Magic Flute, 2006).





Pero, más que hablar de Branagh directamente, quisiera hacerlo indirectamente, centrándome en la labor de uno de sus más directos colaboradores, el compositor Patrick Doyle (a mi entender uno de los mejores autores de bandas sonoras para el cine de la actualidad), y más concretamente, en su excepcional trabajo para Enrique V, partitura que, desde que la escuché por primera vez hace veinte años y hasta el día de hoy, me sigue pareciendo una de las mejores de la historia del cine. Una banda sonora ya de por sí particularmente brillante si se escucha en disco, al margen de las imágenes del film, pero que escuchada junto con la propia película, tal y como debe ser, se revela como una de esas raras partituras cinematográficas que, además de realzar las imágenes a las que acompañan, les añaden un comentario musical. Dicho de otro modo, la música de Doyle para Enrique V no se limita a “adornar”, sino que elabora sutilmente un discurso paralelo sobre el personaje protagonista y el contenido específico de la obra de Shakespeare aquí adaptada, y lo hace de tal manera (y sobre todo, con tanta emoción) que prácticamente transforma al film en una amplia caja de resonancias de carácter operístico, algo nada raro tratándose de Branagh (y no sólo me refiero, por descontado, por obvio, a La flauta mágica, sino en particular a Frankenstein de Mary Shelley, un genuino exponente de cine-teatro en el que, en gran medida gracias a la música de Doyle, cada recitado de los personajes parece tener algo de musical).




Hay que tener en cuenta que, como la inmensa mayoría de las películas basadas en obras de Shakespeare, el Enrique V de Branagh es una adaptación; sin ir más lejos, si se tiene la ocasión de contrastarla con el no menos excelente Enrique V (Henry V, 1944) dirigido y protagonizado por Laurence Olivier (otra personalidad cuyos notables méritos tras las cámaras suelen olvidarse con pasmosa facilidad), veremos que en la versión de Branagh se reducen al mínimo ciertos elementos humorísticos presentes en el original escénico y que la versión de Olivier sí incluye, aunque sea brevemente: tal es el caso de Fluellen (encarnado por Ian Holm en la versión de Branagh), uno de los oficiales del ejército del rey Enrique, que poco después de concluida la batalla de Agincourt le hace referencia a su monarca de que sería un honor para él y a todos a los que representa que Su Majestad se dignara a coronar su cabeza con una rama de puerro, siguiendo una vieja costumbre; en la versión de Olivier, hay una escena entera en torno a este tema, mientras que en la de Branagh dicha cuestión está sencillamente apuntada. Ello se debe a que la adaptación llevada a cabo por Branagh del Enrique V shakespeariano, al igual que la inmensa mayoría de adaptaciones al cine de obras de Shakespeare, no toma el texto íntegro de la obra de teatro (caso de hacerlo hecho, el resultado hubiese sido un film de entre tres y cuatro horas de duración, como el Hamlet que el propio Branagh realizó después tomando el texto original homónimo en su integridad), sino que condensa en 137 minutos el retrato que se hace en el original escénico del monarca inglés, de tal manera que el Enrique V “de” Branagh acaba siendo no tanto una adaptación de la obra de Shakespeare sino también –algo, por lo demás, inherente a la labor de adaptación— una interpretación de la misma.




El Enrique V “de” Branagh ofrece, en base a esa interpretación, el retrato de un rey joven, duro e impulsivo, ambicioso y sediento de poder, que no duda en llevar a cabo, como primer acto de su reinado recién comenzado, el iniciar una guerra de conquista contra Francia para reclamar una nación que, según él, le pertenece. Como ahora veremos, la partitura de Patrick Doyle va añadiendo insospechados matices a esta descripción. Ya en la primera secuencia, tras el vibrante prólogo en un plató cinematográfico (sic) protagonizado por el Coro (Derek Jacobi), la llegada del monarca (Branagh) a la sala del trono está planteada y resuelta de manera tenebrosa: el rey Enrique prácticamente “aparece”, de pie y a contraluz, ante la enorme puerta de la sala, y en ese preciso instante, las notas de Doyle introducen una impactante sensación de inquietud, cercana incluso a la de los parámetros musicales propios del cine de terror (¡); hay una aureola de miedo alrededor del joven monarca incluso en el momento inmediatamente posterior, cuando le vemos entrar en la sala y avanzar hacia su trono, que Branagh planifica, escamoteándonos el rostro del rey, en virtud de un par de planos contrapuestos en travelling casi lateral, a izquierda y derecha del decorado, en los cuales vemos a sus caballeros y súbditos inclinándose respetuosa, temerosamente a su paso; en este preciso instante, la música de Doyle adopta otro tono, más ceremonioso, “protocolario”, pero no por ello menos inquietante. La oscuridad del decorado, propiciada todo hay que decirlo por la escasez presupuestaria del film pero, también hay que reconocerlo, en este caso “favorecedora”, contribuye sobremanera a esa tenebrosa presentación del protagonista.



Otro aspecto muy interesante de la adaptación, o mejor dicho, interpretación de Branagh sobre el Enrique V de Shakespeare reside en que su concentración en el perfil psicológico del personaje del monarca provoca que, de refilón, la película se concentre asimismo en las repercusiones que tienen las decisiones del monarca en las personas que directamente las sufren, es decir, sus súbditos: aquellos hombres, mujeres y niños que tienen que padecer en sus propias carnes las consecuencias de los actos del rey e ir a la guerra que este último ha decidido declarar contra los franceses. Branagh y Doyle logran al respecto un fragmento sentimental de enorme fuerza: me refiero a la escena inmediatamente posterior al momento en que la tabernera Nell Quickly (Judi Dench) les narra a Nym (Geoffrey Hutchings), Bardolph (Richard Briers), Williams (Michael Williams) y al paje (Christian Bale) cómo se produjo la muerte de Falstaff (Robbie Coltrane); tras el parlamento de Nell, la mujer se despide de los cuatro, que parten a la guerra contra el francés, y Doyle introduce un tema musical de gran carga emotiva que en buena medida resulta premonitorio, habida cuenta que será la última vez que estos cinco personajes estén juntos.




Ahora bien, sin duda alguna los momentos más perdurables de la partitura de Doyle para el film se producen alrededor del largo fragmento construido en tono al gran clímax de la función: la batalla de Agincourt. Resulta particularmente memorable la resolución musical de la escena en la que, después de haberse paseado por su campamento y departido con oficiales y soldadesca la noche antes de la batalla, el rey Enrique queda a solas con sus pensamientos, sus temores, pronunciando un largo parlamento que Branagh recoge en un primer plano del personaje encuadrado mediante un ligero semipicado que proporciona un tono agobiante, casi claustrofóbico, al momento; pero lo que interesa destacar aquí es el sutil tema musical de Doyle, construido como si fuera una cadencia de notas que se van repitiendo, casi obsesivamente, expresando de este modo, musicalmente, el pensamiento de un monarca obcecado en su decisión, obstinado ante la perspectiva de cumplir con un destino al cual, está convencido, ha sido llamado a cumplir y que no puede eludir; la repetición de notas musicales expresa, así, tanto esa obstinación como el carácter trágico del personaje.




Poco después tiene lugar uno de los grandes momentos de la película, alrededor de quince minutos en los cuales se produce una singular fusión entre imagen y música, entre acción y reflexión, entre continente y contenido. Este fragmento empieza con el memorable discurso de arenga del rey Enrique a sus tropas, quien subido en lo alto de un carromato anima a sus hombres al combate en virtud de uno de los más emocionantes parlamentos jamás surgidos de la pluma de Shakespeare. Pero no menos notable es el comentario musical de Patrick Doyle, que ilustra el discurso de exaltación del monarca con una partitura que, en cierto sentido, repite la construcción que hemos mencionado líneas arriba (una variación en torno a las mismas notas, pero aquí en progresivo crescendo), de tal manera que la exaltación que suscita el parlamento del rey sobre sus súbditos se superpone magistralmente con la euforia que transmite la música de Doyle; música que, vuelvo a insistir, lleva implícita un comentario sobre lo que se está narrando, dado que el tono deliberadamente exaltado, patriótico, del discurso real se corresponde asimismo con una composición musical exaltada, incitando al combate, asimismo construida alrededor de unas pocas notas para que pueda entenderla todo el mundo: a fin de cuentas, ¿no es esa la intención, ladina, que se encuentra en el fondo de todo discurso político de raíz populista: dar a entender mucho diciendo poco?




El discurso del rey se encadena, visual y musicalmente, con los inmediatos preparativos de la batalla y el desarrollo de la misma, formando coherentemente un todo: acción y consecuencia, causa y efecto, van cogidos de la mano. El tono exaltado de la partitura deja paso a una fuerte percusión, con predominio de tambores que parecen llamar a los hombres a matar al enemigo; la partitura se dinamiza, siguiendo el ritmo enfebrecido de los soldados prestos para la lucha. En medio del fragor del combate, que al principio del mismo está rodado a velocidad normal, Kenneth Branagh recurre al ralentí; de este modo, la batalla –como se ha dicho en repetidas ocasiones: inspirada en la de otro famoso film shakespeariano: Campanadas a medianoche (1965), de Orson Welles— adquiere un cariz abstracto que la partitura de Doyle potencia espléndidamente con una melodía trágica que no es sino una reformulación, con mayor aparato instrumental, del tema musical obsesivo, repetitivo, que acompañaba las reflexiones del rey Enrique la noche antes de la batalla. De este modo, la música asocia ambas secuencias y establece una sutil relación causa-efecto entre ambas, pues está muy claro a estas alturas que el baño de sangre en Agincourt es consecuencia directa de la decisión inapelable del joven y ambicioso monarca inglés.




Concluida la batalla, vencido el francés, llega uno de los momentos más brillantes de la película, tanto en lo que se refiere a la puesta en escena de Kenneth Branagh como al comentario musical de Patrick Doyle. Me refiero, claro está, al largo plano en travelling lateral donde vemos al rey Enrique cargar con el cadáver del joven paje y atravesar con el mismo el escenario del combate, regado de cadáveres y heridos, hasta depositar el cuerpo sin vida del muchacho en un carromato junto a otros restos humanos. Mientras tanto, de fondo, suena con solemnidad el extraordinario Non nobis, Domine compuesto por Doyle, una pequeña/gran obra maestra de la música de cine que ilustra ese excelente plano tiñéndolo de amargura e ironía. Amargura, porque la imagen del rey llevando a cuestas el cadáver del chico es una especie de ilustración simbólica de la propia inocencia del monarca, muerta ya para siempre; ironía, porque el canto religioso se presenta como un homenaje de los vencedores de la batalla hacia Dios, a quien consideran el auténtico artífice de su victoria sobre los franceses, intentando justificar por la vía de la religión lo que no es más que un baño de sangre, una carnicería provocada por la ambición de un monarca sin escrúpulos. Es significativo que el Non nobis, Domine empiece a ser entonado por un soldado interpretado por el propio Patrick Doyle, aportando así su propia reflexión musical al respecto; y que la secuencia, ese plano largo con travelling, termine con un corte de montaje que da paso a un último encuadre que cierra la secuencia de Agincourt: un plano medio del rey Enrique, el responsable directo de toda esa matanza, cubierto de sangre y de barro, mientras el cántico concluye con las voces del coro alcanzando su máxima intensidad y cantando: “¡Gloria!”.

Iniciado por Campanilla

Es triste







La verdad es que ahí lo tenía complicado porque es cierto que Day-Lewis estuvo perfecto. Y dirección veo que ganó Oliver Stone. Uffff, lo tuvo chungo, sí.

De todos modos es increíble lo que logró Doyle en un debut, sinceramente. Es de tal calidad que sorprende que fuese novato.



Cómo me tientas!! La verdad es que pensaba que no podía salir más guapa, pero leyéndote, ya veo que sí Qué malo eres!! Haces que me entre el gusanillo!!

Pero mujer, si el gusanillo ya lo tienes. Aprovecha ahora que tienes ganas de mas Branagh y que tenemos un puente, anda

Por cierto, los flashbacks pertenecientes a Enrique IV me parecen muy bien insertados.

Me parece un análisis muy bien escrito y articulado, pero yo no tengo nada claro que la película tenga ese fondo de crítica o denuncia. Por supuesto que muestra las terribles consecuencias de la guerra, y la repercusión en las vidas de los personajes, pero Fernández Valentí adopta una visión posmoderna del tema que yo no veo en el acercamiento de Brannagh, que para mí replica más bien el tono que busca Shakespeare, reflexivo pero sin duda épico.

Es curioso el enfrentamiento de posturas que se tiene con los dramas históricos Shakespirianos, pero yo también pienso que ver un alegato antibelicista aquí es ser bastante rebuscado.


Aunque en parte entiendo que se pueda pensar eso, sobretodo si uno la compara con la aproximación radiante y luminosa de Olivier (la película debía servir para animar a las tropas que estaban en guerra en ese momento), que elimina cualquier aspecto escabroso o reflexivo de la obra en su adaptación, y todo lo concentra en resaltar el heroísmo del monarca inglés -aunque ridiculiza y se mofa del clero- . Panfleto patriótico la llaman muchos. A mi me parece también una gran película, en cualquier caso .

Exacto, Brannagh muestra también el lado amargo, la muerte posterior a la batalla, algo que Olivier elude por el momento histórico que vivía.

Pero mostrando algo triste, la escena no cae en la desolación o en la recriminación. De hecho, la pieza de Doyle, que comienza la voz de un soldado raso y acaba en coro triunfal, lo que hace es reafirmar el liderazgo de Henry, el primero en cargar sobre sus hombros el peso de esa muerte, con el más terrible caso, el del muchacho. Su ejército camina detrás de él, seguidos por la cámara, que no se detiene en los cadáveres o la podredumbre, sino que sigue el ritmo marcado por Henry, cuya figura es exaltada en mi opinión. Y lo que está haciendo Brannagh es ser fiel a lo que transmite Shakespeare. Se trata de mostrar la mentalidad de la época, con sus claros y sus oscuros, no de hacer alegatos bajo conceptos que ni siquiera existían entonces.

Si, aunque en un momento determinado del plano secuencia se ven a madres desesperadas corriendo hacia los pajes muertos, creo.

El aspecto que me resulta más interesante a este respecto es que Branagh respeta de la obra que la invasión a Francia es en gran parte consecuencia de la intervención del clero, que temeroso de perder sus privilegios por una inminente reforma legislativa, deciden intervenir manipulando y tentando al joven monarca.

En la película de Olivier, la iglesia es representada en pantalla bajo los parámetros de la comedia slapstick, torpes, y ridículamente pomposos. El rey se muestra maduro y firme desde el primer momento, sin ningún tipo de titubeo.

También los métodos mas expeditivos del monarca son obviados en la versión de 1944, eliminandose la amenaza del rey inglés a las mujeres y niños de Harfleur (¡contemplareis sus cabezas en una pica!) , para forzar su rendición, algo que Branagh si mantiene. Pero insisto en que hay que tener en cuneta que la película fue un encargo de Winston Churchill a Olivier para aumentar la moral de las tropas británicas.

Por contra, Olivier si respeta todo apunte de ligereza o comicidad en su adaptación, cómo la escena de la tradición irlandesa del puerro en la cabeza con Fuellen, que cómo en la obra original tiene una larga secuencia a su disposición (y que sirve como contrapunto a la tensión dramática de la batalla precedente). Branagh hace referencia a esto de pasada, aunque se da la irónica circunstancia de que este es irlandés.


No obstante, adoro la secuencia de la versión de Branagh donde Katharine le pide a su criada que le enseñe inglés, y llegado cierto punto se escandaliza porque determinadas palabras en francés son insultos o contienen referencias sexuales, y ríen y juegan nerviosamente cuando se dan cuenta, hasta que pasa su padre por la puerta y la mira con mezcla de pesar y decepción, lo que hace que se le congele la sonrisa . Por cierto, que bien habla francés Emma Thompson.

En lo que si estoy completamente de acuerdo con el análisis de Fernandez Valentí es en que el rey se cuestiona su autoridad moral para mandar a tanta gente a la muerte, su propia legitimidad cómo monarca y su autoridad cómo soberano, así cómo si ir a la guerra es la decisión correcta. Aunque eso ya estaba en la obra.


Eso le atormenta, no me cabe duda. Ahora bien, no creo que eso la convierta en un alegato antibelicista, simplemente demuestra que es muy joven, y sobretodo, humano.