Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por mad dog earle

Te recuerdo que quien ha llevado el debate a ese terreno has sido tú con lo de que la frase es verdadera. Pero, en fin, si seguimos por ahí podemos aburrir hasta a las piedras.
Si el adjetivo "burdo" te ha molestado, lo siento, pero no sé muy bien a qué venia sacar a los santones a escena.
Encantado de seguir debatiendo, pero preferiblemente en otros términos.

Recalco que no es para nada mi intención ni ofender, ni ponerme a la defensiva. Ni siquiera el término burdo me ofende, sólo apunto a que pudiera alejarnos del asunto.

El enemigo no somos nosotros ni entre nosotros. Es una cooperación, no un enfrentamiento. Al menos, es una lucha del pensamiento para tratar de analizar algo tan dificil como el Cine...

En cualquier caso, repito, que al final siempre se acude a ¨la puesta en escena¨, como los antiguos científicos recurrian al ¨eter¨, para al fin y al cabo encajar en un ¨Limbo¨, lo que no se puede explicar de otra manera. O sea, cierta subjetividad.

Pero insisto...Buen rollo..hay apasionamiento, pero nada más...Ni muchisimo menos nada personal, es un placer.

GRAND PRIX (1966) -JOHN FRANKENHEIMER-

SÍ, el film posee escenas espectaculares de carreras, se nota el buen haber de Frankenheimer como director de acción, con escenas largas y dilatadas de tensión. SÍ, el film posee un reparto internacional de campanillas. El problema es que me importa un pito la temática, tengo 0 interés por la F-1 o las carreras de coches de esa época, y se nota que el film está hecho para los fans de dicho deporte, para mi gusto el film es casi eterno (casi 3 horas), con un exceso de minutaje en la pista y muy poco fuera de ella, cosa que va en contra en el desarrollo de los personajes y por ende hay poco empatía por ellos.

Sólo recomendable para fans del automovilismo, y a los demás, pues sinceramente no la recomendaría, y ahora mismo me apetece 0 volver a verla, ojo, repito, no es mala, simplemente no es de mi gusto.

Pongo la sinopsis prestada de FA, ya sabéis que por motivos de salud, no sinopseo:
"Pete Aron (James Garner), un corredor del Grand Prix americano, es expulsado de su equipo, el Jordan-BRM, por su responsabilidad en un accidente, en el que resultó herido el corredor británico Scott Stoddard. Ficha entonces por un equipo japonés, manteniendo, al mismo tiempo, una relación con la mujer de Stoddard".

Lo siento, pero un film sobre carreras de coches o de motos es en mi caso una invitación a

A mí me gustaban Los autos locos...

Pues hablando de coches, hay una película de Ron Howard, Rush, que en mi opinión es bastante notable y recomendable.
Trata de la lucha de dos campeones de la F1 en la era dorada de esta categoría, los 70. El británico Hunt, que ganó el campeonato de 1976, y el austriaco Niki Lauda, fallecido este año, y que ganó el mundial en tres años distintos (75, 77 y 84)

También hay una película pendiente de estreno este año, Ford vs Ferrari sobre la lucha de estas dos escuderías en las 24 horas de Le Mans en 1966. Con Christian Bale y Matt Damon en el elenco. PInta muy bien.

¡A mi tampoco me molan las películas de coches de carreras!... ¡que no las de carreras de coches..., esas si me gustan!:

"Genoveva", "La carrera del siglo", "El mundo está loco, loco, loco, loco", "Ahí va ese bólido"... ¡que divertidas son!...

Iniciado por cinefilototal

¡A mi tampoco me molan las películas de coches de carreras!... ¡que no las de carreras de coches..., esas si me gustan!:

"Genoveva", "La carrera del siglo", "El mundo está loco, loco, loco, loco", "Ahí va ese bólido"... ¡que divertidas son!...

Buena precisión, eso es otra cosa. Incluso películas como The Driver de Walter Hill (y ya no digamos uno de mis films preferidos, Crash). Pero lo de los coches de carreras dando vueltas a un circuito, haciendo ruido y echando humo... ¡para nada!

Pues más aburrido aún es la F1 actual, donde apenas hay un piloto (este año, Hamilton) y con suerte dos, que aspiren al título. El resto, comparsa.

The Forbidden Room (2015)



Hasta ahora había visto dos películas del director canadiense Guy Maddin, ciertamente singulares: Dracula: Pages from a Virgin’s Diary, aproximación al mundo de Bram Stoker, y la inclasificable The Saddest Music in the World. La presente The Forbidden Room supera con creces la extrañeza de los otros dos films. Según se comenta en imdb la propuesta programática era la siguiente: “Each sequence of The Forbidden Room is based on reviews and summaries of "lost" films, mostly from America in the early to mid-20th century. These films were destroyed intentionally or by natural degredation of the original film stock, and will likely never be seen again. Guy Maddin realized the only way he'd be able to see these lost movies was to make them himself”. En este sentido, Maddin (con la ayuda como codirector de Evan Johnson) construye un film que bebe directamente del cine mudo, mezclando diálogos (escasos), rótulos, música, y un frenético delirio visual en colores irreales.

Otro comentario recogido en imdb nos da la clave esencial para comprender el resultado final: “This project was originally concieved to be a series of stand-alone short films. The only way Guy Maddin was able to recieve enough funding was to string some of them together into a feature”. Y es que, ciertamente, el film es una colección de cortometrajes hilvanados mediante un tenue hilo conductor. La desbordante imaginería que Maddin pone en juego acaba agotando al espectador más curtido, lo cual dificulta un juicio final positivo. Si bien en pequeñas dosis la propuesta, que se puede calificar de innovadora, arriesgada, provocativa y original, puede resultar atractiva, interesante, incluso fascinante, presentada en plato único corre el peligro de ser indigesta. Con todo, darle un vistazo, ni que sea a alguno de sus fragmentos, algunos realmente delirantes, puede ser una experiencia inolvidable.

La película cuenta con la colaboración (no sé hasta qué punto desinteresada) de numerosos actores de primera fila: Mathieu Amalric, Geraldine Chaplin, Maria de Medeiros, Charlotte Rampling o el todoterreno Udo Kier. Este detalle me lleva a otra reflexión que concuerda que el pequeño debate que tuvimos hace poco sobre el cine “comercial”. Creo que es evidente que un film de estas características difícilmente puede recuperar la inversión en taquilla, puesto que ya en su origen está claramente pensado para un público muy minoritario. Entiendo que solo gracias en buena medida a la financiación pública se pudo sacar adelante: como muestra, en los títulos de crédito, además de varias instituciones canadienses, se hace mención del Centre Georges Pompidou (donde al parecer se gestó el proyecto), lo cual refuerza la impresión de film destinado a exposiciones culturales de vanguardia, no a salas comerciales.

Como detalle curioso, hay un segmento, titulado “The Final Derriere”, que está escrito, producido e interpretado musicalmente por el grupo Sparks (compuesto por los hermanos Ron y Russell Mael), que irrumpió en la escena pop de los años 70 con fuerza, pero al que luego le perdí la pista, hasta que hace poco tiempo descubrí un curioso y atractivo proyecto: “The Seduction of Ingmar Bergman”, grabado en disco y representado en directo con la colaboración precisamente de Guy Maddin. Para que os hagáis una idea de qué va el film si es que no lo habéis visto, os dejo precisamente el fragmento de los Sparks, en el que apreciaréis la presencia de Geraldine Chaplin y del siempre perturbador Udo Kier.

Una efeméride. Tal día como hoy, hace 45 años, es decir, un 1 de octubre de 1974 (yo no llegaba a los 3 meses ) tenía lugar la premiere mundial de La matanza de Texas, de Tobe Hooper. Tuvo lugar en Dallas, Texas (cómo no). Tres días más tarde, se estrenaba en todo el país. En España hubo que esperar a 1977 para poder verla.

Con un presupuesto escaso (se habla del centenar de miles de dólares o algo más, según otras fuentes) llegó a recaudar como 30 millones de dólares. Todo un record para una película independiente, hasta que llegó Halloween, de Carpenter para arrebatarle esa marca.

También un cumpleaños. Tal día como hoy, un 1 de octubre de 1935 nacía en Inglaterra Julia Elizabeth Wells, más conocida como Julie Andrews. Afortunadamente viva aún, cumple 84 años.
Los 60 fueron, sin duda, su década de esplendor: dos musicales ya clásicos, como Sonrisas y lágrimas y Mary Poppins (por el que ganó un Oscar a mejor actriz), Cortina rasgada, La americanización de Emily o Darling Lili.
Seguramente, y con posterioridad, el film más significativo en su carrera fue otro musical: Victor o Victoria.
Durante más de 40 años, unida en matrimonio con Blake Edwards, sus numerosos premios: Oscar, Bafta, Globos de Oro (hasta 5), Grammys, Emmys y otros honoríficos dan buena cuenta de una actriz polifacética y con un encanto especial.

Gracias al amigo Alex pude visionar "O.S.S" (1946) de Irving Pichel, una muy buena película sobre la organización norteamericana precursora de la C.I.A. y con una trama que nos lleva a la Francia ocupada por los nazis.

Como ya dijo en su momento el gran Alex, la película que a priori parecería rutinaria o de serie "B", gana muchos enteros según se va visionando, y eso que es un pelín larga, pero no aburre nunca y no se hace pesada.

Muy bien dirigida y enfocada por Irving Pichel, hace que nos enamoremos absolutamente y de primeras de la bella Geraldine Fitzgerald, en un papel de mujer auto-suficiente y muy resuelta, bastante adelantada a su época, la verdad no me esperaba un papel femenino tan bien escrito y tan bien interpretado; además hace muy buena pareja con Alan Ladd, la verdadera estrella de la película, aunque aquí algo ensombrecido por el resto del reparto que están todos magníficos.

A destacar a Joh Hoyt, el villano de la pelicula, pero con sus matices, y como curiosidad sale el niño de "La isla del tesoro" Bobby Driscoll muy jovencillo, también destacable el vicioso amante del dinero Harold Vermilyea, otro papel bombón para cualquier secundario.

A mi lo único que no me gustó fue la calidad de imagen del dvd... muy regulera, casi de vhs. pero visto lo visto parece que no hay nada mejor, pero vamos esta peli se merece una buena limpieza y remasterización, parece que la Paramount no está por la labor de cuidar sus clásicos menos conocidos.





A ver si ahora aparece también "Saigón" (1948) la última película de la pareja Ladd & Lake que me queda por ver.

Iniciado por tomaszapa

Una efeméride. Tal día como hoy, hace 45 años, es decir, un 1 de octubre de 1974 (yo no llegaba a los 3 meses ) tenía lugar la premiere mundial de La matanza de Texas, de Tobe Hooper. Tuvo lugar en Dallas, Texas (cómo no). Tres días más tarde, se estrenaba en todo el país. En España hubo que esperar a 1977 para poder verla.

Con un presupuesto escaso (se habla del centenar de miles de dólares o algo más, según otras fuentes) llegó a recaudar como 30 millones de dólares. Todo un record para una película independiente, hasta que llegó Halloween, de Carpenter para arrebatarle esa marca.

Y que se sigue manteniendo como una espléndida película de terror moderno, altamente perturbadora y sin lugar a dudas la pieza maestra de su director.

Iniciado por tomaszapa

También un cumpleaños. Tal día como hoy, un 1 de octubre de 1935 nacía en Inglaterra Julia Elizabeth Wells, más conocida como Julie Andrews. Afortunadamente viva aún, cumple 84 años.
Los 60 fueron, sin duda, su década de esplendor: dos musicales ya clásicos, como Sonrisas y lágrimas y Mary Poppins (por el que ganó un Oscar a mejor actriz), Cortina rasgada, La americanización de Emily o Darling Lili.
Seguramente, y con posterioridad, el film más significativo en su carrera fue otro musical: Victor o Victoria.
Durante más de 40 años, unida en matrimonio con Blake Edwards, sus numerosos premios: Oscar, Bafta, Globos de Oro (hasta 5), Grammys, Emmys y otros honoríficos dan buena cuenta de una actriz polifacética y con un encanto especial.

Una de cuyas películas, CORTINA RASGADA (por cierto, no de mis favoritas de su director), podremos comentar avanzado el año que viene en la revisión semanal sistemática y completa que un grupo de sospechosos habituales está realizando de la obra del citado director británico.

Iniciado por cinefilototal

Gracias al amigo Alex pude visionar "O.S.S" (1946) de Irving Pichel, una muy buena película sobre la organización norteamericana precursora de la C.I.A. y con una trama que nos lleva a la Francia ocupada por los nazis.

Como ya dijo en su momento el gran Alex, la película que a priori parecería rutinaria o de serie "B", gana muchos enteros según se va visionando, y eso que es un pelín larga, pero no aburre nunca y no se hace pesada.

Muy bien dirigida y enfocada por Irving Pichel, hace que nos enamoremos absolutamente y de primeras de la bella Geraldine Fitzgerald, en un papel de mujer auto-suficiente y muy resuelta, bastante adelantada a su época, la verdad no me esperaba un papel femenino tan bien escrito y tan bien interpretado; además hace muy buena pareja con Alan Ladd, la verdadera estrella de la película, aunque aquí algo ensombrecido por el resto del reparto que están todos magníficos.

A destacar a Joh Hoyt, el villano de la pelicula, pero con sus matices, y como curiosidad sale el niño de "La isla del tesoro" Bobby Driscoll muy jovencillo, también destacable el vicioso amante del dinero Harold Vermilyea, otro papel bombón para cualquier secundario.

A mi lo único que no me gustó fue la calidad de imagen del dvd... muy regulera, casi de vhs. pero visto lo visto parece que no hay nada mejor, pero vamos esta peli se merece una buena limpieza y remasterización, parece que la Paramount no está por la labor de cuidar sus clásicos menos conocidos.





A ver si ahora aparece también "Saigón" (1948) la última película de la pareja Ladd & Lake que me queda por ver.

Geraldine Fitzgerald era una excelente actriz (y una bella mujer). Yo la recuerdo, entre otros muchos papeles, por encarnar a una de las hermanas que cuidaban "amorosamente" de George Sanders en la excelente (e injustamente minusvalorada - tal vez por presentar similitudes con la magistral LA MUJER DEL CUADRO (1944) de Fritz Lang (permanezcan atentos a sus receptores...)-) PESADILLA (1945) del gran Robert Siodmak.



Alan Ladd era un actor muy limitado (y no sólo por su estatura) y desde luego su papel más importante fue en el magnífico western de George Stevens RAÍCES PROFUNDAS (1953), sin lugar a dudas una de las piezas maestras del género.

Iniciado por Alcaudón

Una de cuyas películas, CORTINA RASGADA (por cierto, no de mis favoritas de su director), podremos comentar avanzado el año que viene en la revisión semanal sistemática y completa que un grupo de sospechosos habituales está realizando de la obra del citado director británico.

Sí, He oído de ellos. Gente rara. Aléjate cuanto puedas!

A Geraldine Fitzgerald la tengo en la memoria cinéfila como la extraordinaria compañera de reparto de la excelente Bette Davis en Amarga victoria, un drama con letras mayúsculas.

Hoy he visto "Always goodbye" (1938), en España se tituló "Por otro querer", es una comedia dramática con grandes nombres como Barbara Stanwyck, Herbert Marshall, Ian Hunter, Cesar Romero, Binnie Barnes, Lynn Bari y el encantador niño John Russell, todos perfectamente integrados en sus respectivos roles, parecía que cada uno es ideal para encarnar al personaje de la película, todo un acierto para el director de casting, y suavemente dirigido por el artesano Sidney Landfield, del que ya he visto y disfrutado de alguna que otra buena película de los años 30/40, como "El perro de los Baskerville" o "Desde aquel beso".



De ritmo trepidante, como solían ser los títulos de los años 30 y escaso metraje, alrededor de hora y cuarto, tenemos una historia básicamente amable, con alguna amargura, pero que el director siempre tiende a suavizar y llevárselo al terrero de la comedia elegante, o la alta comedia, como se decía antiguamente.

Un vehículo para el exclusivo lucimiento de la gran actriz todoterreno Barbara Stanwyck, aquí muy jovencita, o al menos eso me ha parecido a mi, acostumbado más a verla en los años 40 y 50...

REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA FILMOGRAFÍA DE FRANK CAPRA (1897-1991) / PARTE I:

01. THE STRONG MAN (1926, EL HOMBRE CAÑÓN)



Director: Frank Capra.

Producción: Harry Langdon Corp.

Distribución: First National Pictures, Inc.

Guión: Hal Conklin y Robert Eddy, a partir de una historia de Arthur Ripley.

Fotografía: Elgin Lessley y Glenn Kershner.

Reparto: Harry Langdon (Paul Bergot), Priscilla Bonner (Mary Brown), Gertrude Astor (“Lily”, de Broadway), William V. Mong (“Holy Joe”), Robert McKim (“Mike” McDevitt), Arthur Thalasso (“Zandow el Grande”).

Duración: 7 rollos.

Estreno: 19 de septiembre de 1926.

Resulta harto difícil de compartir hoy en día el entusiasmo que el crítico norteamericano Donald C. Willis manifestaba en su libro “The Films of Frank Capra” (1974) (publicado en nuestro país de la mano de Ediciones J.C.) cuando proclamaba con orgullo que EL HOMBRE CAÑÓN era una de las cuatro mejores películas de su director (las otras serían DAMA POR UN DÍA (1933), JUAN NADIE (1941) y QUÉ BELLO ES VIVIR (1946)).

Harry Langdon (1884-1944) fue – como muchos otros – un cómico muy popular en los años ‘20 pero hoy en día su obra es escasamente recordada a excepción, precisamente, de sus trabajos con el director de origen siciliano, UN SPORTMAN DE OCASIÓN (1926) – donde colaboró anónimamente en la dirección además de su participación en el guión -, la película hoy comentada y SUS PRIMEROS PANTALONES (1927).



Y lo cierto es que los mayores aciertos de la película se deben más a la puesta en escena del director (tratando de crear una historia continua y no una mera sucesión de gags) que a las prestaciones actorales (su estilo de actuación creo que se ha quedado notablemente desfasado) de la estrella.

Y es que lo cierto es que “Cara de niño”, no era un cómico a la altura del triunvirato Chaplin/Keaton/Lloyd y hoy en día es difícil de entender el éxito que estas películas tuvieron entre el público de la época.

Langdon también fue el último de los cuatro en independizarse (1926, con la película anteriormente citada) mientras que Chaplin ya lo había hecho en 1918 (con VIDA DE PERRO), Keaton en 1922 (con EL POLO NORTE) y Lloyd en 1924 (con EL TENORIO TÍMIDO).

E igualmente Langdon rodó su primer largo (la película hoy comentada) después de que ya lo hubieran hecho antes los arriba mencionados (Chaplin y Lloyd en 1921 con, respectivamente, EL CHICO y MARINERO DE AGUA DULCE y Keaton en 1923 con LAS TRES EDADES).

Ese siempre ir a remolque parece que fue el sino de la carrera del actor al que además después del triunfo cosechado por las dos (tres) películas en las que actuó bajo las órdenes (es un decir) de Frank Capra al parecer el éxito se le subió a la cabeza y prescindió de los servicios del director en sus siguientes propuestas pensando que los méritos de las películas eran únicamente atribuibles a su talento.

Craso error pues a partir de entonces la carrera de la estrella cayó en picado y nunca más volvería a levantar cabeza.

Además la llegada del sonoro acabaría igualmente con las carrera de la mayor parte de las grandes estrellas cómicas (y no cómicas) del momento (salvo Chaplin).

Un triste final para personas habituadas a hacer reír a la gente.

La trama de la historia es bien sencilla.

Nuestro protagonista, Paul Bergot (lógicamente Harry Langdon), es un soldado belga que combate en el frente durante la Primera Guerra Mundial.

- El intertítulo inicial tiene ya cierta gracia: “When once a Belgian Orchard Bloomed” (“Donde una vez floreció una orquídea belga”) -

Mientras el soldado Bergot recibe una nueva carta desde los EEUU el mismo se encuentra desaparecido en tierra de nadie (o sea, entre trinchera y trinchera) a cargo de una ametralladora con la que, por cierto, es incapaz de acertar en el blanco que él mismo ha dispuesto. Sólo lo conseguirá usando un tirachinas, una forma inteligente por parte de Capra de indicar la inadecuación del personaje a los nuevos tiempos y a las nuevas tecnologías (algo que parece inherente al mismo como veremos a lo largo de la proyección).



En esa tierra de nadie (y donde millones de soldados morirían de la forma más absurda como pudimos ver en la magistral SENDEROS DE GLORIA (1957) de Kirk Douglas y Stanley Kubrick) el único enemigo a la vista es un alemán bajo de tórax (del que luego hablaremos con más detenimiento).

Después de su enfrentamiento con el enemigo al que en principio hace huir recibirá de un compañero más munición para la ametralladora (algo absurdo dada su incapacidad para usarla) y la carta recibida.

En la misma una de esas chicas/mujeres que escribían para animar a los soldados en el frente y de nombre Mary Brown (una preciosa Priscilla Bonner – con la que el actor volvería a trabajar en su siguiente largometraje, el citado SUS PRIMEROS PANTALONES -), una especie de Juan Nadie (como el protagonista de una de las mejores películas de Capra), creyendo que nunca llegará a conocerlo no duda en admitir que siempre ha estado enamorada de él. La fotografía que acompaña a la misiva, de no muy buena calidad, parece la de una joven muy hermosa.



Ese momento es aprovechado por el soldado alemán para capturar a nuestro héroe y llevárselo tras las líneas enemigas.

Una vez finalizada la guerra, los soldados vuelven a sus hogares.

Bergot y su captor llegan a los EEUU donde el primero hace de ayudante del segundo en su espectáculo “Zandow el Grande”, el hombre cañón.

- Ciertamente es extraña la relación entre ambos dado que no sabemos el motivo por el que el belga está al servicio del alemán (y del que éste se jacta ante los policías de la isla de Ellis de ser un prisionero de guerra (¡!)) y al que además trata con notable desdén –

Tan pronto como llega a Nueva York lo primero que hace Paul es intentar encontrar a su amor por correspondencia (tampoco es muy creíble que el belga haya sido capaz con el paso del tiempo – como en EL GUERRERO NÚMERO 13 (1999) – de aprender el suficiente inglés como para comunicarse con fluidez con su amada) como si fuese la cosa más sencilla del mundo. Después de todo lo único que sabe de ella es su nombre. Ni tan siquiera sabe dónde vive...

Inasequible al desaliento su primer contacto con el sexo femenino (y en este caso podríamos decir que lo es literalmente dado el carácter aniñado del personaje) es con un bella delincuente “Lily” (Gertrude Astor) que viéndose acosada por la policía optar por dejar un fajo de billetes (producto de un robo de su compañero) en el bolsillo de la raída chaqueta de nuestro amigo y haciéndose pasar por su anhelada Mary y fingiendo un desvanecimiento para que él le lleve a su apartamento para poder así recuperar "su" dinero.



Los dimes y diretes entre ambos, ella intentando recuperar el dinero y él tratando de evitar lo que parece un acoso en toda regla (inversión de los roles tradiciones hombre/mujer pero muy habituales dentro del género de la comedia) incluyen alguno de los mejores gags de la película.



- Como el de la escalera que Capra repetiría en su penúltima película, MILLONARIO DE ILUSIONES (1959) -



Capra colocará varias veces la cámara a una cierta altura para aportar mayor comicidad a las escenas.



Una vez ella ha conseguido lo que buscaba él volverá con su jefe (amo) y se dirigirán a la ciudad de Cloverdale.

Un lugar que antes era un remanso de paz pero que ahora debido a su situación geográfica y a la aplicación de la Ley Seca se ha convertido en una especie de Sodoma y Gomorra donde los delincuentes campan a sus anchas y donde los ciudadanos honrados, bajo el mando espiritual de su pastor, “Holy Joe” (William V. Mong), el padre – qué casualidad - de Mary, quien cual Moisés al frente de su rebaño recorre la ciudad, Biblia en mano, enfrentándose al cacique local, “Mike” McDevitt (Robert McKim).



Finalmente los enamorados se conocerán y Paul se dará cuenta de que Mary es invidente.

- Posiblemente la mejor escena de toda la película (o al menos la más bella) es el largo plano fijo que Capra mantiene sobre el rostro de la joven cuando le confiesa su condición. Un avance de ese otro Capra melancólico que siempre aparece incluso en sus obras más alocadas -



Lógicamente al ex-soldado no le importará tal circunstancia y se jurarán amor por toda la eternidad.



Mientras su compañero, el forzudo alemán, se deja llevar por el ambiente disipado de la ciudad y acaba borracho como una cuba por lo que tendrá que ser su ayudante, Paul, quien tenga que encargarse del espectáculo.



Esa parte final de la película es donde Capra echa el resto y donde se acumulan alguno de los mejores gags y donde nuestro protagonista se convertirá en un auténtico azote de Dios al acabar a cañonazo limpio con la escoria que se había adueñado de la tranquila ciudad.

Evidentemente la figura de Paul será aquello por lo que el padre de Mary y el resto de ciudadanos respetables habían estado rezando. Una lectura religiosa un tanto cargante, la verdad sea dicha, pero bien conducida por el director.

A lo largo de toda la película hemos visto al personaje encarnado por Langdon como un ser infantil, de reacciones tardías (de hecho alguno de los mejores gags se producen no como reacción inmediata del mismo sino a posteriori – especialmente gracioso es el del puñetazo a un molesto compañero de viaje en el minibus que le lleva a la ciudad donde vive Mary -), completamente asexuado (al igual que su virginal novia), una figura que provoca el caos allá por donde pisa pero que al final triunfará, no por su inteligencia, sino por puro azar y por no darse nunca por vencido.

Tal vez mi escasa afinidad por el humor destilado por el actor sea el motivo del escaso interés que me ha deparado la película y donde, desde luego, los mejores aciertos vienen de la mano del director.

La próxima entrega será la segunda (y última) colaboración entre Langdon y Capra. Espero que mis modestas espectativas no se vean demasiado defraudadas.



Presiento que este es el comienzo de una hermosa amistad…

Feliz noche.

Anoche quería ver una película reciente que contase una historia de amor verdadera y no se me ocurrió otra que La vida de Adèle.
Para mi una película que la hace buena parte de la premisa que su duración te atrape y se te haga entretenida. La vida de Adèle son 3 horas de duración y en ningún momento se te hace pesada. Pocas películas tratan las historias de amor de manera tan convincente como Adèle, sin maniqueísmos ni artificios, contada desde su cotidianeidad, como la vida misma. Sus personajes son reales y ahí radica su gran valor, que te puedes sentir identificado con sus vicencias y experiencias.

La interpretación de Adèle Exarchopoulos es digna de alabar, una interpretación desgarrada y descarnada donde se entrega en cuerpo y alma a su personaje. Cada poro de su piel interpreta a Adèle. Pocas veces en el cine veremos una interpretación como esta, tan real y tan pura. Me encanta porque todo en ella es real, sus acciones cotidianas: cuando come con la boca abierta, cuando llora a moco tendido, cuando se siente cohibida o tímida y se le pone la cara roja, la manera como siente el sexo con un chico y luego con una chica. Su compañera de reparto, le sigue a la zaga y poco más que añadir.


¡Qué lástima que los Óscars dejaron pasar la ocasión de premiar esta interpretación! Menos mal que en Cannes y los César, viven la época actual y reconocieron su labor. Quizás fue una interpretación demasiado transgresora, para estos tiempos en los que se habla de modernidad y tolerancia pero luego en el fondo no lo son.

El único aspecto negativo, son algunas elipsis temporales que no me gustaron del todo, de la manera como están, obviando aspectos que creo que hubiera sido importantes.


Un 9.5.

REVISANDO (SUCINTAMENTE) LA FILMOGRAFÍA DE JOSEF VON STERNBERG (1894-1969) / PARTE I:

UNDERWORLD (1927, LA LEY DEL HAMPA)



Director: Josef von Sternberg.

Producción y distribución: Paramount Famous Lasky Corp.

Productor: Hector Turnbull.

Guión: Robert N. Lee, basado en la adaptación de Charles Furthman de una historia de Ben Hecht.

Fotografía: Bert Glennon.

Reparto: George Bancroft (Bull Weed), Evelyn Brent (Feathers), Clive Brook (Rolls Royce), Fred Kohler (Buck Mulligan), Helen Lynch (Su chica), Larry Semon (Slippy Lewis), Jerry Mandy (Paloma).

Estreno: 20 de agosto de 1927.

Aunque hoy en día al genial Josef von Sternberg (1894-1969) se le recuerda más (mucho más, diría yo) por sus colaboraciones con la gran Marlene Dietrich (1901-1992) o sea, EL ÁNGEL AZUL (1930), MARRUECOS (1930), FATALIDAD (1931), EL EXPRESO DE SHANGHAI (1932), LA VENUS RUBIA (1932), CAPRICHO IMPERIAL (1934) y THE DEVIL IS A WOMAN (1935) – todas ellas, por cierto, auténticas obras maestras – igualmente no deberíamos olvidar sus decisivas contribuciones al cine negro con una serie de títulos, cuatro en concreto (uno de ellos, desgraciadamente, desaparecido), que servirían de antesala del cine de gánsteres que imperaría en los primeros años de la década siguiente (con títulos tan míticos como HAMPA DORADA (1930), THE CRIMINAL CODE (1931), LAS CALLES DE LA CIUDAD (1931), THE PUBLIC ENEMY (1931) o EL TERROR DEL HAMPA (1932)).



A esas películas que, como bien decía, podemos considerar fundacionales (leáse LA LEY DEL HAMPA (1927), LA REDADA (1928) – desaparecida -, LOS MUELLES DE NUEVA YORK (1928) y THUNDERBOLT (1929)) debemos añadir igualmente LA HORDA (1928) de Lewis Milestone.

- Por cierto, todas ellas, salvo THUNDERBOLT, mudas -

Sternberg había sido contratado por la Paramount en 1926 y su primer cometido importante fue intentar llevar a buen puerto un proyecto de Frank Lloyd, CHILDREN OF DIVORCE, que estaba en dique seco y que nadie sabía que hacer con él.



En sólo tres días y trabajando prácticamente sin descanso Sternberg consiguió no sólo salvar la película sino convertirla en un notable éxito de crítica y pública.

Aunque el nombre de Sternberg no apareció en los créditos de la película la Paramount, como agradecimiento, le ofreció el puesto de director en un proyecto basado en una historia del prestigioso Ben Hecht (1894-1964) y que, como decíamos, constituye el que podemos denominar con toda justicia como el primer largometraje de cine negro de la historia.

Aunque el guión final viene firmado por Robert N. Lee, la adaptación corrió a cargo de Charles Furtman (1884-1936), hermano mayor del más conocido Jules Furthman (1888-1966).

Ello viene a colación porque Jules, uno de los más estrechos colaboradores del gran Howard Hawks (1896-1977), fue el (co)guionista de RÍO BRAVO (1959) que además sería su despedida del mundo del cine.



Tal vez como gesto final y como homenaje a su hermano mayor, Furthman (en colaboración, no olvidemos, con Leigh Brackett – una de las escasas mujeres guionistas de la época -) llamó a la protagonista femenina, Angie Dickinson, “Feathers” que es, igualmente, el nombre del personaje objeto de deseo de los tres protagonistas masculinos principales.

Y no sólo eso sino que la celebrada escena inicial de RÍO BRAVO en la que un matón echaba a una mugrienta escupidera un dólar de plata para que el “borrachón” de Dude (Dean Martin), humillado, la recogiera, aparece igualmente en el inicio de LA LEY DEL HAMPA, donde el gánster “Buck” Mulligan (Fred Kohler) trata de igual forma al alcohólico pero regenerado “Rolls Royce” Wensell (Clive Brook). Si en RÍO BRAVO la intervención de John T. Chance (John Wayne) zanjaría de una forma drástica la situación, igualmente acontece en la película esta noche revisada, con el personaje encarnado por George Bancroft (“Bull” Weed).





Y si como decía LA LEY DEL HAMPA contiene muchos de los elementos que serían centrales en las películas de temática criminal que le seguirían, también lo es el hecho de que estamos más bien ante un melodrama con toques de cine negro que de una película de gánsteres al uso, dado que lo que en verdad más le importa al realizador (y de ahí el disgusto de Ben Hecht que en un principio quiso que su nombre no apareciera en los títulos de crédito pero que no tuvo ningún reparo en recoger la estatuilla a la mejor historia original en la primera ceremonia de los Oscars en 1928) es ese triángulo amoroso (o de atracción sensual/sexual) que se crea entre “Feathers” McCoy y sus tres “pretendientes”, el gánster de buen corazón “Bull” Weed, el abogado en vías de regeneración “Rolls Royce” Wensel y el violento mafioso “Buck” Mulligan.



- Ben Hecht -

Aquí ya podemos observar la cuidadísima puesta en escena de un casi debutante Josef von Sternberg que tiene la audacia de prescindir en buena manera de los intertítulos y que demuestra el grado de perfección que se había alcanzado en los años postreros del cine mudo y que se perdería en los primeros del sonoro.

- Precisamente serían títulos como los arriba señalados algunos de los mejores ejemplos de la adecuación de los equipos técnicos al nuevo mundo que suponía el sonido -

Por supuesto para conseguir esa perfección en los encuadres y en las imágenes Sternberg contó con la inestimable ayuda del director artístico Hans Dreier (que no aparece acreditado) y del director de fotografía Bert Glennon (un fordiano de pro no podía dejar pasar la ocasión para recordar sus trabajos con el irascible irlandés, los westerns WAGON MASTER (1950) y RÍO GRANDE (1950)).



Una historia sencilla de amor y de amistad que Sternberg sublima gracias a su talento en la creación de atmósferas y donde al final el malo (pero de buen corazón) se sacrificará para salvar a las personas que más quiere, su chica y el amigo al que salvó del arroyo y que (involuntariamente) se ha enamorado de ella.



El gánster encarnado por George Bancroft (que protagonizaría los cuatro títulos arriba mencionados y al que al menos todos recordaremos como el marshal Curley Wilcox de la igualmente fundacional LA DILIGENCIA (1939)) es la antítesis del violento “Buck” Mulligan.

Mientras que “Bull” (por cierto, no me había dado cuenta hasta ahora pero el nombre de los dos gánsteres es muy similar…) es alguien que siempre está de buen humor, que roba más por (com)placer que por necesidad, amigo de sus amigos y que trata con gran ternura a “Rolls Royce”, al que en lugar de matar al ser testigo de uno de sus robos lo adapta y se encarga de devolverlo a la sociedad, “Buck” es una persona violenta (que, curiosamente, rige una floristería – algo que hemos visto en numerosas películas del género -), que se encapricha de la bella “Feathers” y que siempre está rodeado de un grupo de matones a cual pero encarado.



- El bueno de “Bull” únicamente tiene a su lado al simpático “Slippy” Lewis, el popular actor de cine cómico Larry Semon (1889-1928) y no parece necesitar más ayuda dado que aunque es una persona de carácter risueño cuando se encoleriza más vale poner los pies en polvorosa -



Su amor por la bella “Feathers” (la bella Evelyn Brent, todo un avance, aunque quizás menos glamuroso que los personajes que encarnará más tarde la mítica Marlene) sólo se verá ensombrecido cuando ésta empiece a sentir algo más que curiosidad por el que antes no era más que un vagabundo borracho.



Encuadres llenos de sensualidad y de esa importancia que el director daba a las miradas y a los silencios más que a las propias palabras.



“Rolls Royce”, alguien educado y de buenas maneras, será el contrapunto a ese bruto de buen corazón que es “Bull” y esa atracción que empezará a manifestarse entre los dos será el inicio del fin del gánster aunque, como decía antes, su sacrificio final al entender que ambos le han sido siempre fieles será su regeneración espiritual.



La muerte de “Buck” a manos de “Bull” cuando aquel intenta forzar a “Feathers” llevará (irónicamente) al gánster ante los tribunales donde será declarado culpable y condenado a la horca.





Adelantándose al plan ideado por “Rolls Royce” que pretendía sacar por la fuerza a su amigo de la cárcel, éste que piensa que ha sido traicionado por sus seres más queridos se atrincherará en su antiguo cuartel general donde la policía tratará por todos los medios de acabar con él.

No obstante y aún a expensas de su propia vida “Rolls Royce” se jugará el tipo por intentar salvar a a “Bull” y demostrar a éste que ni él ni “Feathers” le han traicionado jamás.

Por ello su sacrificio, que permite que ambos puedan escapar al cerco policial, queda perfectamente ejemplarizado en la frase que “Bull” le espeta al policía que ironiza sobre el hecho de que su fuga sólo haya durado una hora: “Para mí, esa hora ha valido más que toda una vida”.

Hermosa forma de acabar una película.

Feliz noche.

Iniciado por Alcaudón;4435001

- El bueno de “Bull” únicamente tiene a su lado al simpático “Slippy” Lewis, [B

el popular actor de cine cómico Larry Semon [/B](1889-1928) y no parece necesitar más ayuda dado que aunque es una persona de carácter risueño cuando se encoleriza más vale poner los pies en polvorosa -



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Larry Semon era conocido en España como Jaimito. En mi infancia todavía era frecuente ver sus cortometrajes en algunos cines y por televisión, casi tanto como los de Chaplin. Veo en la Wikipedia que también se le denominó Tomasín (así aparece también en el segundo cartel), pero para mí siempre fue Jaimito.

La mayor parte de los actores (y actrices, que las hubo) cómicos, muchos de ellos muy famosos en su época, el viento se los llevó.

Si a Harry Langdon se le recuerda básicamente por las dos películas que hizo bajo las órdenes (es un decir) de Frank Capra, en el caso de Semon no tiene un gran título para el recuerdo.

Hoy en día sólo Chaplin, Keaton y Lloyd son recordados aunque con suerte dispar.

Por cierto, en JOKER (2019) hay un homenaje al Chaplin de TIEMPOS MODERNOS (1936).

En el libraco de Javier Luengos titulado SIN PALABRAS (Oviedo, 1996) se hace un repaso a los grandes actores de cine cómico mudo y engloba los siguientes epígrafes:

- Max Linder

- Mabel Normand

- Roscoe "Fatty" Arbuckle

- Charles Chaplin

- Harold Lloyd

- Ben Turpin

- Larry Semon ("El hombre que se hizo cineasta sin quererlo")

En una nota a pie de página se indica:

"En España Semon fue conocido como Tomasín en los años 20, cuando algunas de sus películas fueron estrenadas por primera vez. Posteriormente se reestrenaron de nuevo y los distribuidores cambiaron a Jaimito, que es el nombre utilizado en los títulos que se han encontrado en español".

- Buster Keaton

- Harry "Snub" Pollard

- Charley Chase

- Harry Langdon

- Stan Laurel & Oliver Hardy

- Varios

Iniciado por Alcaudón

- Larry Semon ("El hombre que se hizo cineasta sin quererlo")

En una nota a pie de página se indica:

"En España Semon fue conocido como Tomasín en los años 20, cuando algunas de sus películas fueron estrenadas por primera vez. Posteriormente se reestrenaron de nuevo y los distribuidores cambiaron a Jaimito, que es el nombre utilizado en los títulos que se han encontrado en español".

Esta explicación me parece más correcta que la de la Wikipedia, al menos cuadra más con mi recuerdo. En la Wiki se dice: "El público francés le conocía como Zigoto, el italiano le llamaba Ridolini, y el español Jaimito antes de la Guerra Civil Española. Tras la Guerra, los españoles le llamaban Tomasín." Mi recuerdo personal es que en los años 60 se le llamaba Jaimito, y no Tomasín. Para mí, de niño, era tan o más conocido que Charlot o el Gordo y el Flaco, y mucho más que "Cara de palo" o "Pamplinas" (o sea, Buster Keaton) o Harold Lloyd. Quizá puede influir en esa desaparición de Semon que murió muy pronto, en 1928, con solo 39 años.