Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por Alcaudón

Lo del "desagravio" ya lo comento en mi reseña, amigo mad dog earle.

Sí, ya lo sé, ya vi que no compartías esa visión de film como una obra "para lavar las culpas", algo que no me encaja para nada en John Ford. Pero es un tópico que he oído o leído muy a menudo. Cuidado, no digo además que Cheyenne Autumn me parezca una mala película, en absoluto, pero me resulta un tanto cansino ese abuso hollywoodiense de los estereotipos a la hora de elegir actores, y que aquí cobra mucho protagonismo porque son varios los actores latinos y notable su presencia en pantalla. También hay que decir que es una película que, desafortunadamente, se ha pasado a menudo en versiones más reducidas o incluso mutiladas en su formato. Incluso el DVD que tengo, uno de esas lamentables ediciones impulsadas de la Warner, no es anamórfico (y no recuerdo qué duración tiene). Confío poder ver algún día una edición decente.

En el momento en que Impulso, una empresa con sede en las Canarias, compró las licencias para editar títulos de Warner en dvd (era antes de la aparición del BD), ahí es cuando se empezó a acabar la época dorada del formato dvd. Ratios inflados, portadas de cartón barato...

Bosque maldito (The Hole in the Ground, 2019), de Lee Cronin



Primer largometraje del director irlandés Lee Cronin que me ha deparado una agradable sorpresa. Sin que sea ninguna maravilla, y seguramente se diluirá pronto en mi memoria, me ha parecido un ejercicio de cine de terror atmosférico alejado de las habituales pirotecnias del género. Como la magnífica Babadook (de la australiana Jennifer Kent), la película se centra en las relaciones entre una madre y su hijo. Recién instalados en una casa a las afueras de un pueblo cercano al bosque, en donde hay un enorme y misterioso agujero, madre e hijo intentan superar la separación del marido, la falta de la figura paterna. Poco a poco el niño, Chris, de aspecto débil y asustadizo, empieza a comportarse de manera extraña, hasta el punto de que su madre cree que no es su hijo, pensamiento estimulado por el contacto con una mujer de la zona, enloquecida, que pasó por algo similar (interpretada por la actriz habitual del finlandés Aki Kaurismäki, Kati Outinen).



La película mantiene el interés dentro de su modestia, sin abusar del metraje (hora y media), y aunque el final quizá no me ha parecido del todo satisfactorio, creo que se trata de un film que merece un visionado y Cronin un nombre a tener en cuenta.

Iniciado por tomaszapa

En el momento en que Impulso, una empresa con sede en las Canarias, compró las licencias para editar títulos de Warner en dvd (era antes de la aparición del BD), ahí es cuando se empezó a acabar la época dorada del formato dvd. Ratios inflados, portadas de cartón barato...

Desde que entró esa "casposa editora" hubo un gran bajón de calidad en los títulos warner, sobre todo no respetado los formatos de imagen, copias no anamórficas, fotografía desvaída, ausencia de subtítulos en alguna ocasión, nulos extras..., al menos antes editaban en dvd prensado, ahora por lo que tengo entendido lo sacan todo en dvd-r (mon inter comerz s.l.) y en bluray-r... ¡¡cuidadín con ellos!!.

Iniciado por tomaszapa

Yo reconozco que, pese a lo mucho avanzado desde que acumulo películas en casa (a dónde vas, Diógenes? ), el género del western no es al que acudo más a menudo. Y eso que era el preferido de mi tío y en menor medida, de mi padre. Yo creo que es porque, de pequeñito, esperaba con la ilusión de la edad, a que cada semana pusieran alguna de risa (tipo los hermanos Marx) o de Hitchcock. Sin embargo, casi todos los sábados ponían en la tele un western. Creo que le cogí un poco de interés.

Algo parecido ocurrío en mi casa, hubo varias temporadas en verano que emitían TODAS las tardes una del oeste, y aunque a mi padre le gustaban, hasta a mi mismo me llegó a cansar, parecía que no había otros géneros cinematográficos...

Por eso yo tampoco tengo muchos westerns en mi colección, aunque ahora lo estoy remediando con títulos gloriosos como "Río Bravo", que compré el otro día y me encantó...

Iniciado por mad dog earle

Probablemente una major, no. ¿Pero ni uno solo había, que todos los principales han de ser latinos (Montalbán, Roland, Mineo, Del Río)? Pero como he dicho en el anterior comentario, entonces mejor no citar este film como "desagravio" de nada, cosa por otra parte que no creo que Ford sintiera la necesidad de hacer.

Para los americanos de la época, todo lo que no fuera USA para ellos eran extranjeros, y no veían diferencia entre mexicanos, latinos, etc...

Fíjate si hasta en los últimos oscar hubo una publicación de USA sobre las nominaciones, que llamaban a "nuestro" Antonio Banderas, un actor de color...

Iniciado por tomaszapa

Sin haberla visto, yo creo que acudían al método usual, al sencillo. Cogían al que tenían en contrato. Por cierto, hablando de Montalbán, tengo una anécdota. En una fiesta donde celebraban el cumpleaños de Frank Sinatra, y al que acudieron multitud de estrellas, Montalbán dio paso al invitado sorpresa, que iba a cantar para Frank. Era Julio Iglesias, que acababa de asentarse en Miami, y estaba entrando en el círculo de amistad de Sinatra (se dice que eso le ayudó enormemente para hacer amigos en la industria de la música).
Montalbán comentó en ese tipo de bromas tan yanqui: "ahora doy paso al hombre que habla inglés aún peor que yo".

Ricardo Montalbán fue uno de los pocos latinos que triunfaron en Hollywood, aunque nunca fue una super estrella, a mi me encanta este actor, tiene muchos trabajos sorprendentes, cambia de género como de camisa, hizo cine, tv y teatro, cantaba y bailaba, lo mismo era un galán, que un villano de Star Trek, que un indio..., además por lo que cuenta tomás, tenía incluso sentido del humor... ¡Inolvidable Ricardo!.

Sí, era un cachondo el tío. Decía que Julio había aprendido el inglés de él. Yo lo recuerdo de algún papelito en Dinastía y ya más protagonista en Los Colby. Por cierto, esta última, que se estrenó en España a principìos de 1988, sustituyendo a la exitosa Falcon Crest. Para entonces, ya las series de este tipo estaban sufriendo bastante desgaste, y de hecho, Los Colby fue cancelada por esa época. Los tiempos de éxito de Dallas (la que más), Dinastía y Falcon Crest habían quedado atrás.

Casi lloro de alegría después de ver el primer episodio the Twin Peaks: The Return. Espero que Lynch no se muera nunca.

Iniciado por cinefilototal

Fíjate si hasta en los últimos oscar hubo una publicación de USA sobre las nominaciones, que llamaban a "nuestro" Antonio Banderas, un actor de color...

Tampoco te creas que anda muy lejos de serlo. Nosotros somos "blancos" por los pelos, un malagueño más aún, y aún no sé si habrá clasificaciones que nos dejen fuera (yo hablo de lo poco que conozco). De todas formas, cuando se comentó lo racista que era Hollywood por este "error", a mí lo que me chocó fue lo racista de todas esas reacciones de agravio y estupor en España; se diría que más de uno sintió un sudor frío al ver cuestionada esa seguridad innata de que somos blancos, cual Christopher Walken en True Romance cuando le explican los orígenes de los sicilianos.

A mí me hizo mucha gracia ver, en el documental "Searching for Sugar Man", que los mismísimos sudafricanos del apartheid consideraban "blanco" a Rodríguez, algo en lo que unos cuantos estadounidenses no habrían coincidido.

Cuori puri
(2017)
https://www.imdb.com/title/tt5929226/



Debut como director de Roberto de Paolis.
Agnese es una chica de 17 años,educada en el catolicismo estricto, que vive con miedo al pecado. En contraposición está Stefano, un chico de 25 años cuyo mayor temor es la pobreza.

En CORAZON PURO las historias de los personajes confluyen por casualidad en un campo de refugiados en Roma, donde surgirá el amor entre ellos,hecho que les llevará a liberar sus miedos. Compartirán un camino difícil y tratarán de superarlo juntos.

La relación de una pareja para quienes el apoyo mutuo supone la vía de escape a presiones familiares, culturales y económicas. El acierto de la peli está en rechazar respuestas fáciles,reflexionar sobre la rigidez religiosa y la exclusión social sin caer en estereotipos ni falsas esperanzas en el devenir de sus personajes.Sutil y emocional sin imposturas ni clichés.

7/10

Estranho Encontro
(1958)
https://www.imdb.com/title/tt0189508/




Thriller psicológico con toques noir,atractiva puesta en escena y fotografía.

Khouri rueda con influencias del cine de género americano y el de autor europeo. Flashbacks,relojes y espejos que envuelven a la protagonista en su escapada.Marcos encuentra una noche en mitad de la carretera a Julia. Ella ha huido de Hugo un hombre atormentado tras la amputación de su pierna por una herida de guerra.

Julia se esconde en la casa del lago propiedad de la prima de Marcos. El guardia y la llegada de la dueña desencadenarán los acontecimientos.El elenco salvo Lola Brah le resta puntos al resultado final.


6.8/10

Esta mañana ha fallecido Pau Donés, el cantante de Jarabe de Palo. Ya llevaba tiempo luchando contra un cáncer, que se lo ha llevado con 53 años nada más. Descanse en paz.

Silencio (Silence, 2016), de Martin Scorses



Scorsese entrega otro de sus kilométricos films (161’), esta vez centrado en un episodio histórico-religioso que creo que no ha recibido demasiado atención en el mundo del cine: los sacrificados intentos de expansión del catolicismo en Japón durante el siglo XVII, de la mano de los jesuitas, y los esfuerzos de las autoridades japonesas por extirpar de raíz el “contagio” de la nueva religión, recurriendo a la tortura y a las ejecuciones si era necesario. No es la primera vez que Scorsese trata temas religiosos de forma explícita en su filmografía (recordemos The Last Temptation of Christ o Kundun), aunque de una manera u otra el catolicismo o ciertos elementos cristianos (recordemos las contribuciones de Paul Schrader) están presentes en la mayoría de sus films.

Al margen de ciertos formalismos, que brillan puntualmente, la película me ha interesado más bien poco, precisamente porque le he encontrado a faltar lo que se supone que debería ser su corazón: la emoción, el sentimiento, la fe que mueve al sacrificio de los jesuitas (que más bien me han parecido unos fanáticos) y a la conversión, poniendo en riesgo sus vidas, de los campesinos japoneses (¿qué es lo que encuentran en el cristianismo que le hace renunciar a la religión tradicional?). Dejando de lado lo extraño que resulta oír a jesuitas (que se supone que son portugueses) y japoneses hablando en inglés, el largo desarrollo de la misión de los padres Rodrigues (Andrew Garfield) y Garupe (Adam Driver) invita al bostezo, por mucho que la película no ahorre mostrar las torturas o los sufrimientos que se infligen a los cristianos.



Para mí el film solo remonta el vuelo en su última media hora, cuando aparece en pantalla el padre Ferreira (excelente Liam Neeson), que ha apostatado y ha abrazado el budismo, sinceramente o no. La dialéctica que se general entre Ferreira y Rodrigues, al que intenta convencer de que la mejor opción es apostatar, en beneficio suyo y del resto de cristianos amenazados con la muerte, me parece la mejor parte de la película, incluso la única con un cierto interés.



En conjunto, un film demasiado frío (a lo que ayuda la carencia casi completa de banda musical), demasiado literario (desconozco la novela de Shusaku Endo, japonés católico él mismo, que seguramente desarrolla con mucho más detalle los aspectos históricos y el dilema moral de los jesuitas), y que en ocasiones deriva hace lo que podría ser una especie de “vidas ejemplares” que parece pertenecer a otras épocas (reforzado por el final, tan efectista como previsible). Una decepción.

Madre (2019), de Rodrigo Sorogoyen



Sorogoyen se consolida como uno de los directores más interesantes del momento actual dentro del cine hecho en España. Madre procede de un corto del mismo título, rodado dos años antes. Como no lo he visto, no sé si el largometraje integra lo rodado entonces o lo modifica. Sea como sea, el arranque del largo, que supongo es el contenido del corto, es de lo más angustioso y escalofriante que he visto en cine: una madre recibe la llamada de su hijo pequeño, Iván, de seis años, que se ha quedado solo en una playa desierta, ya que el padre se ha ido para buscar algo en el coche, aparcado lejos de allí. La voz del niño nos transmite su miedo, que pasa a ser pánico cuando aparece la figura de un hombre que se le acerca. Todo lo vivimos a través de las reacciones de la madre, cada vez más histérica.



Diez años después, esa misma madre, Elena (una espléndida Marta Nieto), vive en una pueblo costero del País Vasco francés, cerca de donde se supone desapareció su hijo. Trabaja en un bar playero, donde es la encargada, pero su vida quedó atrapada en el drama de la pérdida de Iván. Un día ve a un muchacho, de la edad que tendría su hijo, Jean (Jules Porier), un adolescente parisino de vacaciones en la población, al que sigue hasta su casa y con el que inicia una cada vez más absorbente relación sentimental. Él se siente halagado por las atenciones de ella y ella experimenta una atracción hacia él en que es difícil separar lo emotivo de lo físico.



La resolución del film nos deja algunos interrogantes abiertos, aunque parece que Elena ha conseguido un cierto grado de estabilidad emocional. Perturbadora, inquietante, incómoda en muchos momentos, pero sobria, sin excesos, me ha parecido un magnífico film, donde destaca por encima de todo Marta Nieto. Sorogoyen se confirma como un director a seguir.

Madre la están echando en el plus. Tengo muchas ganas de pillarla y verla, porque sus dos anteriores películas, El reino y Que Dios nos perdone, me gustaron mucho.
Por cierto, el corto Madre fue uno de los nominados en los Oscar de la penúltima edición. Anteriormente, tuvo su estreno en Málaga, en marzo de 2017.

Iniciado por tomaszapa

Madre la están echando en el plus. Tengo muchas ganas de pillarla y verla, porque sus dos anteriores películas, El reino y Que Dios nos perdone, me gustaron mucho.
Por cierto, el corto Madre fue uno de los nominados en los Oscar de la penúltima edición. Anteriormente, tuvo su estreno en Málaga, en marzo de 2017.

Yo la he visto en Movistar. Aunque es muy diferente por lo que al tema se refiere a las que citas, a mí me ha gustado, es de las que unos días después (la vi el sábado) sigues pensando en ella. Me ha recordado quizá más Stockholm, que dirigió al alimón con Borja Soler.

La pasada noche puse en casa El Escándalo, un film basadas en hechos reales, sobre el escándalo de abusos sexuales del jefe de la Fox durante décadas y que terminó con su despido, previa indemnización millonaria.



El Escándalo es un film dirigido con maestría por Jay Roach. Este ya tenía experiencia en temas políticos controvertidos, que plasmó perfectamente en dos películas para televisión:

Recuento, sobre los escasos votos que hicieron ganar en el estado de Florida a Bush, hijo y así, hacerle Presidente de la Nación en el año 2000.
Game Change, sobre los trapos sucios de los candidatos republicanos (Sarah Palin y John McCain) en la campaña de 2008, en la que alcanzó la Presidencia Barack Obama.

También en su haber cuenta con la estupenda Trumbo, biopic del gran guionista, y uno de los famosos “10 de Holllywood”.

La historia trata de los abusos sexuales que sufrieron varias presentadoras de Fox News por parte del jefe de la cadena, Roger Ailes. Durante décadas se mantuvo impune, hasta que despiden sin ningún motivo, a una de las presentadoras, que lo denuncia por acoso.

Tras ella, le sucederán varias más que en el pasado les ocurrió lo mismo, y tras momentos de mucha reflexión y tensión, otras del presente, como la estrella de la cadena Megyn Kelly, que será lo que termine de dar la puntilla a Ailes.

La historia, con alguna que otra licencia cinematográfica, se atiene bastante a la realidad.
Se cuenta, de manera paralela, la historia de tres periodistas. Una veterana, interpretada por Nicole Kidman (Gretchen Carlson), que es la rebelde de la cadena y que, al no atenerse a las instrucciones de su jefe, es despedida.



La otra es la estrella actual, Megyn Kelly, interpretada por Charlize Theron (que consiguió una merecida nominación a mejor actriz en los Oscar de este año). Le debe mucho a Ailes, pero calla un secreto que terminará saliendo con la irrupción del escándalo. Se debatirá entre la lealtad a la cadena y a su jefe, y su propia conciencia, ambas en colisión.



Y la tercera mujer en escena es Margot Robbie, la chica que empieza y que pretende llegar muy lejos. Sin embargo, lo que encuentra, esa ascensión rápida al estrellato, no le hará ni un ápice de gracia.



Realmente es una fantástica historia, que queda perfectamente recreada en pantalla. Un escándalo de la doble moral que tienen las cadenas. En este caso, la más conservadora del país. Una cadena que, perteneciente al magnate Rupert Murdoch, encomendó a Roger Ailes el futuro de la cadena de cable de noticias Fox News. Lo que consiguió Ailes en pocos años, situándola en igualdad con las cadenas veteranísimas, como la CBS o la NBC, y llegando a superarlas en audiencia televisiva, es muy remarcable.

Pero Fox News, y sobre todo, su jefe, tenían una manera de controlar a sus trabajadores, que se salía de lo lícito y moral, y sobre todo, de dominar a sus empleadas femeninas, que durante años sufrieron los abusos de Ailes. Y no solo en lo que se refiere a abusos sexuales o proposiciones indecentes. También, y algo muy grave, en la política que inculcó en la compañía de que la mujer era un objeto de placer, que debía mostrar su cara, siempre resplandeciente y sus piernas, sobre todo, sus piernas.



Retrata perfectamente el final de una era de impunidad y también la doble moral, no ya de los hombres, sino (y es la más triste) la de las mujeres entre sí. Esos momentos en que la Fox News se divide entre las que creen y apoyan a Roger Ailes y las que empiezan a dudar y terminan poniéndose en contra de él, llegando a denunciarlo, es de lo mejor del film
Entre todo este jaleo interno, la política sigue funcionando y se nos muestra la batalla interna entre los republicanos para elegir un candidato que vuelva de nuevo a la Casa Blanca (acabaría ganando Donald Trump). Esos debates en los que Megyn Kelly (Theron) se enfrentó a Trump, relatando los improperios que había lanzado a bastantes mujeres de la esfera pública, son oro puro. Y también, la increíble reacción tuitera de Trump, poniendo a caldo a Kelly a cada momento, vía redes sociales, que es donde siempre ha estado más cómodo este cobarde presidente.

En resumen, un entretenimiento de primer nivel, de una historia muy interesante, y de la que apreciamos muchos detalles que no conocíamos, con un ritmo muy impactante, y con unas actuaciones muy destacadas de todo el elenco, y sobre todo, de Charlize Theron, de Margot Robbie (que también consiguió nominación en el apartado de actriz de reparto) y de Nicole Kidman.


Además, el fantástico apartado de maquillaje (que asemeja a las actrices a las presentadoras reales) consiguió un merecido Oscar en la última edición.

Menos mal. Por un (breve) momento me había parecido que mi adorada Charlize Theron había sido pasto (como su compañera Nicole Kidman, otra de mis ex) de los experimentos del cirujano plástico del momento.

Iniciado por tomaszapa

La pasada noche puse en casa El Escándalo, un film basadas en hechos reales, sobre el escándalo de abusos sexuales del jefe de la Fox durante décadas y que terminó con su despido, previa indemnización millonaria.

Sobre el mismo tema hay una serie bastante interesante: La voz más alta (The Loudest Voice), con un excelente Russell Crowe como Roger Alies y Naomi Watts como Gretchen Carlson. Sin conocer a fondo los detalles del caso, me pareció muy recomendable.

¨Silencio¨ sí que me gustó, curiosamente.

¿El film puede ser aburrido? Sí...¿Tiene poca emoción?..Sí. Es un film extraño de la que tendría que esperarse una especie de ¨Apocalipse now¨, ya convertida en el canon sobre estás temáticas.

El film carece de grandes planos generales, de alguna manera esto lastra e incluso confunde el tiempo-cine y tampoco ayuda a la ubicación de escenarios ni hay firmeza en los eventos dentro del hilo narrativo.

¿Es un film fallido?..No lo sé...La verdad. Hay una intencionalidad de llevar la cámara al suelo. Desde que el barco que lleva a los jesuitas de Filipinas a Japón, se ve desde el cielo en toma cenital, la cámara se posiciona en todo Japón en el suelo...Algunos dirán...a la altura de donde la pone Ozu...

Es un film aún así que no funciona perfectamente, sí...Quizás el problema está en confrontar una cinematografía oriental, que se enfrenta con un guión (el gran montaje de escenas) americano, propiamente occidental. Pero ni la cinematografía es finalmente oriental (esto es culpa de Scorsese) ni el guión es totalmente orgánico ni estructurado al modo americano.

La aparicion de Ferreira, no tiene climax alguno...Creo que Liam Neeson apela a ser Liam Neeson cuando cita su parlamento. A pesar de lo acertado del relato de la confrontación en la mente japonesa del católicismo con sus creencias anteriores.

Finalmente, ¨El bueno¨ aparece en la figura del Inquisidor...El simil del hombre de la casa que debe lidiar con 4 esposas que se pelean continuamente, me parece notable. El trabajo del inquisidor es el de mantener la paz social. Que seas de una nación, o de una religión concreta, eso...tampoco es tan importante. Lo importante es que los vecinos no se maten por ideas o creencias.

Y desde ese fragmatismo, desde esa figura, ¨malvada¨, surge la idea de la TOLERANCIA.

Iniciado por Alcaudón

Menos mal. Por un (breve) momento me había parecido que mi adorada Charlize Theron había sido pasto (como su compañera Nicole Kidman, otra de mis ex) de los experimentos del cirujano plástico del momento.

Tranquilo. Aquí otro admirador de Charlize. Y hasta transformada, está espectacular. Yo creo que haciendo de la Bruja del Norte en El mago de Oz y seguiría siendo guapa. Es una bestia de mujer (en el mejor sentido de la palabra)

Iniciado por mad dog earle

Sobre el mismo tema hay una serie bastante interesante: La voz más alta (The Loudest Voice), con un excelente Russell Crowe como Roger Alies y Naomi Watts como Gretchen Carlson. Sin conocer a fondo los detalles del caso, me pareció muy recomendable.

No lo he mencionado, pero John Lithgow está increíblemente bien en el papel de Roger Ailes, y totalmente irreconocible.

Iniciado por C.Bethencourt

La aparicion de Ferreira, no tiene climax alguno...Creo que Liam Neeson apela a ser Liam Neeson cuando cita su parlamento. A pesar de lo acertado del relato de la confrontación en la mente japonesa del católicismo con sus creencias anteriores.

No, clímax no lo hay en toda la película (quizá alguno apunte al plano final, bastante previsible y facilón), pero a mí es lo único que me interesó un poco, que me sacó de la atonía. Esa confrontación, no entre la mente japonesa y el catolicismo, sino entre el que ha renunciado a su religión para sobrevivir y el que todavía duda en hacerlo, me parece lo poquísimo atractivo del film. Y lo cierto es que a pesar de su crueldad (nada que no hiciera el cristianismo en todo el mundo, incluso aplicado a los supuestos fieles), me pareció bastante más coherente la posición del llamado inquisidor japonés que la de los fanáticos jesuitas. De todos modos, teniendo en cuenta que la película se basa en una novela de un japonés católico (rareza donde las haya, se dice que solo son el 1%), no sé en el fondo cuál es la intención del autor (y ya puestos de Scorsese). No digo que sea un film fallido, porque no tengo ni idea de qué quería conseguir Scorsese, pero sí que a mí me ha parecido poco interesante, sin brío, sin capacidad de llegarme en ningún momento. Lo cierto es que las andanzas de los dos jesuitas interpretados por Garfield y Driver, que se me han hecho profundamente antipáticos, me han traído bastante al fresco: me hubiera interesado mucho más saber el porqué de la conversión al cristianismo de esos campesinos. Y desde luego no hay nada de Ozu en la manera de filmar de Scorsese, salvo quizá algun plano concreto, pero ni siquiera creo que lo haya intentado de forma expresa.

El plano final es raro que lo ideara Scorsese y suena hasta a una imposición de productores.

Sí, coincido contigo que el brío y la insistencia en la forma de ser de estos misioneros pudiera ser medio antipáticos. Son jesuitas, y esa orden tiene sus peculiaridades que se reflejan en el film en sus comportamientos.

Sí hay una intención cinematográfica en tratar cinematográficamente japón, como un territorio no evangelizado. La última toma antes de llegar es la del barco desde el cielo, y luego, la cámara en japón se mantiene en niveles bajos.

Lo de Ozu es debido a las características de los escenarios, al igual que eran los planos de Ozu una imposición física. De cualquier manera tampoco veo la caligrafía de Ozu muy revolucionaria en su época. En Hollywood se practicaba este tipo de ubicación de la cámara (no en planos perpendiculares, pero sí en la descripción de instancias), casi por todos los directores, salvo el raro de Howard Hawks...

Para mí el mayor problema es lo difuso de su tratamiento del tiempo, donde el paso del tiempo no está buen definido, por tanto el tiempo no pesa...Y eso sí es un problema del que se tiene que responsabilizar a Scorsese. Sabemos que Adam Driver aparece y desaparece, sabemos que ha pasado un tiempo...no cuanto...Estamos desubicados dentro de la narración, sin buscarse ese efecto premeditadamente.

Pero ciertamente, el film sí que me parece maduro cuando habla de la Tolerancia...A pesar de que el ¨malo¨ sea ¨El bueno¨...Voluntaria o involuntariamente...

En ese aspecto de la BUENA EDUCACION nipona, siempre contrasto esto con la escena de ¨Patterson¨ de Jarmusch con Adam Driver también. En la escena éste habla junto a un japonés sentados en un banco viendo una caida de agua en un parque.

Iniciado por mad dog earle

la fe que mueve al sacrificio de los jesuitas (que más bien me han parecido unos fanáticos) y a la conversión, poniendo en riesgo sus vidas, de los campesinos japoneses (¿qué es lo que encuentran en el cristianismo que le hace renunciar a la religión tradicional?) [..] lo extraño que resulta oír a jesuitas (que se supone que son portugueses) y japoneses hablando en inglés

Iniciado por mad dog earle

La dialéctica que se general entre Ferreira y Rodrigues, al que intenta convencer de que la mejor opción es apostatar, en beneficio suyo y del resto de cristianos amenazados con la muerte, me parece la mejor parte de la película, incluso la única con un cierto interés.

Iniciado por mad dog earle

en ocasiones deriva hace lo que podría ser una especie de “vidas ejemplares”

Iniciado por mad dog earle

Y lo cierto es que a pesar de su crueldad (nada que no hiciera el cristianismo en todo el mundo, incluso aplicado a los supuestos fieles), me pareció bastante más coherente la posición del llamado inquisidor japonés que la de los fanáticos jesuita

Iniciado por mad dog earle

las andanzas de los dos jesuitas interpretados por Garfield y Driver, que se me han hecho profundamente antipáticos, me han traído bastante al fresco

Bastante de acuerdo contigo, aunque a mí quizás me dio todo un poco más de asco incluso. Lo elaboré más en el hilo que existe de la película. No voy a repetir lo que escribí allí, pero sí que enlazo este artículo que expone bastantes de los problemas con el punto de vista de la película: https://www.thedailybeast.com/silenc...an-from-itself

Acabo de ver mi copia VHS de Esfera, hacia tiempo que no veía y la recordaba peor, me ha gustado bastante, ha envejecido muy bien, me ha trasladado a cuando solo tenia la Tv con el VHS y los 4 altavoces, la trama esta bastante lograda y no recordaba el final el cual me ha gustado ya que pensaba que no todos habían entrado en la Esfera.

Iniciado por C.Bethencourt

Lo de Ozu es debido a las características de los escenarios, al igual que eran los planos de Ozu una imposición física. De cualquier manera tampoco veo la caligrafía de Ozu muy revolucionaria en su época. En Hollywood se practicaba este tipo de ubicación de la cámara (no en planos perpendiculares, pero sí en la descripción de instancias), casi por todos los directores, salvo el raro de Howard Hawks...

Yo sí, no solo es la posición de la cámara cerca del suelo, sino también en la composición del plano, la colocación de los actores dentro del encuadre, el montaje, importantísimo, la forma de presentar las secuencias, su estaticismo (hay poquísimos movimientos de cámara), eso sin entrar en cuestiones argumentales, el uso del color. Me parece uno de los directores más personales de la historia del cine, y como tantos otros, un perfeccionista que fue puliendo y puliendo un determinado tipo de películas, formalmente y en el contenido. Uno de los grandes, para mí sin duda.

Iniciado por mad dog earle

Yo sí, no solo es la posición de la cámara cerca del suelo, sino también en la composición del plano, la colocación de los actores dentro del encuadre, el montaje, importantísimo, la forma de presentar las secuencias, su estaticismo (hay poquísimos movimientos de cámara), eso sin entrar en cuestiones argumentales, el uso del color. Me parece uno de los directores más personales de la historia del cine, y como tantos otros, un perfeccionista que fue puliendo y puliendo un determinado tipo de películas, formalmente y en el contenido. Uno de los grandes, para mí sin duda.

Tiene su estilo, que duda cabe. Pero es la posición de la cámara la que se suele comentar cuando es muy común su uso a esa altura antes de Ozú, y después...De hecho, como digo, Howard Hawks no suele usar esas posiciones...cosa que para mí es lo no-natural. Sirve en algunos momentos concretos, pero sin abuso.