Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

"3:10 TO YUMA" (2007)
Un granjero en crisis económica se suma a escoltar a un peligroso forajido hasta la estación de tren.

La verdad, me ha decepcionado. El villano me ha parecido terriblemente frustrante hasta hacerme enojar.
Se deja capturar de una manera tan fácil que la mitad de la cinta me tenía confundido pensando que todo era parte de algún plan. Y al final ¿todo para qué?

Spoiler:

Ejecuta a su propia banda por ir a rescatarlo, y se sube al tren de todas formas... para escapar de todas formas.

En lo positivo, las actuaciones son muy buenas. A resaltar Ben Foster, uno de esos actores criminalmente infravalorados.

"THE PALE DOOR" (2020)

Un par de hermanos, huérfanos tras el incendio de su granja, crecen para unirse a una pandilla de bandidos. Después de que un asalto a un tren no termina como esperaban, se van a refugiar en un pueblo embrujado.

Película independiente, sencilla, pero bien hecha. De esas agradables sorpresas que no esperas encontrar en una B-Movie. Uno hasta desearía que la hubiera hecho un estudio con presupuesto para pantalla grande.

A aplaudir el brutal score musical.
https://www.youtube.com/watch?v=fVVsxyvbPVA
(Ya se me olvidó como insertar videos de youtube)

Un par de recomendaciones a vuelapluma al compañero Splash:

Te recomiendo encarecidamente el visionado de la versión original, EL TREN DE LAS 3,10 (1957), segunda de las tres colaboraciones entre el gran director Delmer Daves y el gran actor Glenn Ford.

Las otras dos serían JUBAL (1956) y COWBOY (1958).

Todas ellas espléndidas.







E igualmente te recomiendo, aunque imagina que ya la has visto, BONE TOMAHAWK (2015), de S. Craig Zahler, lograda (e inusitada) mixtura entre el western y el cine de terror.

Antes de que termine el año, no quiero pasar por alto que el pasado día de Nochebuena, se cumplió 100 años del nacimiento de Ava Gardner. Vivió muchas vidas en pantalla, aunque realmente, la más apasionante e interesante, creo que fue la que vivió en carne propia. Como ella misma dijo, "no me considero una actriz, pero soy una estrella".

PROGRAMA DOBLE:

DISOBEDIENCE (2018, ídem)



Coproducción entre Estados Unidos, Irlanda y Reino Unido.

Estrenada el 27 de abril de 2018 en los Estados Unidos y el 25 de mayo de 2018 en España y previamente el 10 de septiembre de 2017 en el Festival de Internacional de Cine de Toronto, Canadá.

Editada en BD en nuestro país el 10 de octubre de 2018.

Dirigida por Sebastián Lelio.

Escrita por Sebastián Lelio y Rebecca Lenkiewicz, a partir de la novela homónima de Naomi Alderman (Londres, 2006).

Fotografiada por Danny Cohen, en color y Scope.

Musicalizada por Matthew Herbert.

Protagonizada por Rachel Weisz (Ronit Krushka), Rachel McAdams (Esti Kuperman) y Alessandro Nivola (Dovid Kuperman).

Duración: 1:53:54. (Copia en BD editada por Sony en 2018).



Primer largometraje del chileno (aunque nacido en Argentina) Sebastián Lelio (1974) que ven mis ojos y del que recientemente y en este mismo rincón varios compañeros han comentado su última obra, EL PRODIGIO (2022), protagonizada por la ascendente Florence Pugh (y de la que yo mismo comenté hace unos pocos días la espléndida LADY MACBETH (2017), de William Oldroyd) y disponible en la plataforma de pago Netflix desde el 16 de noviembre.



DISOBEDIENCE (o sea, DESOBEDIENCIA en el idioma de Cervantes) fue la primera producción internacional de su director y se estrenó poco después de que este ganara el Oscar a la mejor película extranjera por UNA MUJER FANTÁSTICA.



Dado que varios de los últimos comentarios que estoy haciendo para el presente rincón están dedicados a actrices por la que siento una especial predilección, en este caso mi satisfacción es doble, puesto que no tenemos una sino dos y además ambas comparten el mismo nombre, Rachel.

Lógicamente, me refiero a la inglesa Rachel Weisz (1970)...



... y a la canadiense Rachel McAdams (1978)...



Dos actrices dotadas no sólo de una extraordinaria belleza sino también de un superlativo talento interpretativo.

DISOBEDIENCE es la historia de amor a tres bandas entre dos mujeres, Ronit (Weisz) y Esti (McAdams) y un hombre, Dovid (Alessandro Nivola).



Pero no es una relación al uso puesto que aunque Esti está casada con Dovid, postulante a rabino en una comunidad judía (ultra)ortodoxa en Londres después del (fulminante) fallecimiento de su predecesor, en realidad sigue amando a Ronit, hija del anterior y de la que aquel abjuró no sólo por sus tendencias “antinaturales” sino por el mero hecho de haber nacido hembra en lugar de varón.

Ronit, que ahora vive en Nueva York y se dedica a la fotografía, regresa a la antigua capital del Imperio para asistir al funeral de su – pese a todo querido – padre, aunque no a petición de ningún miembro de su familia, para los que prácticamente ha dejado de existir, sino de su más querida (e íntima) amiga, la dulce Esti.

A pesar de que la relación afectiva entre ambas tuvo lugar cuando apenas eran adolescentes y fue rápidamente cortada de raíz por sus respectivas familias ninguna de las dos olvidó jamás el profundo amor (físico y espiritual) que compartían.

Fue precisamente la marcha de Ronit lo que provocó que Esti se casara con Dovid, amigo común de ambas y adoptar, por tanto, el estilo de vida tan fundamentalista de la comunidad en la que vive.

Aunque Ronit parezca el elemento activo de la pareja y Esti el pasivo es en realidad esta última quien toma la iniciativa en la nueva relación amorosa que se establezca entre ambas...



... y que el director filma de una forma extraordinariamente delicada y alejada, por tanto, de cualquier tipo de exhibicionismo y más cuando estamos hablando de dos de las mujeres más bellas (y deseables) del cine moderno, a pesar de incluir una de las imágenes más sensuales/sexuales del cine comercial moderno como es el intercambio de saliva entre las dos amantes...



Pero no sólo los personajes femeninos están maravillosamente delineados sino que también el que encarna un magnífico Alessandro Nivola, que a pesar de sus ideas religiosas tan extremistas, es finalmente capaz de reconciliar su amor por Dios con el que comparten ambas mujeres, aunque para ello y en conciencia tenga que renunciar al cargo para el que se había preparado toda su vida.

DISOBEDIENCE no sólo destaca por el talento de sus protagonistas (con una Rachel McAdams absolutamente celestial) sino también por la excelente puesta en escena de Lelio sustentada por una espléndida fotografía algo degradada de Danny Cohen y por una hermosa partitura de Matthew Herbert.



Sin duda, no de los mejores melodramas de los últimos años.



…

UNDER THE SKIN (2014, ídem)



Coproducción entre Reino Unido y Suiza.

Estrenada el 14 de marzo de 2014 en el Reino Unido y el 10 de julio de 2020 en España y previamente el 29 de agosto de 2013 en el Festival de Cine de Telluride, Colorado, Estados Unidos.

Editada en BD en nuestro país el 7 de octubre de 2020.

Dirigida por Jonathan Glazer.

Escrita por Walter Campbell y Jonathan Glazer, a partir de la novela homónima de Michel Faber (Londres, 2000).



Fotografiada por Daniel Landin, en color y formato panorámico.

Musicalizada por Mica Levi.

Protagonizada por Scarlett Johansson (La hembra).

Duración: 1:48:09. (Copia en BD editada por Avalon en 2020).



A pesar de que con el paso de los años UNDER MY SKIN (o sea y de nuevo…, BAJO LA PIEL..) se ha convertido en una auténtica cinta de culto no es de extrañar que tardara casi siete años en llegar a las salas comerciales de nuestro país y eso a pesar de contar con el protagonismo de la voluptuosa (y marveliana) Scarlett Johansson (1984).



Y digo que no me parece extraño puesto que aunque parezca una boutade godardiana en toda regla (y en verdad que lo es) lo cierto es que UNDER THE SKIN es, al igual que 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO, una experiencia no verbal sino visual.



Pero a diferencia de la obra maestra de Kubrick, la cinta hoy comentada es notablemente más críptica y por momentos bastante confusa e incluso, por qué no, a veces hasta aburrida.



Sin embargo, si uno se deja llevar por el (innegable) talento visual (de nuevo la palabreja) de su director, el británico Jonathan Glazer (1965), del que reconozco al igual que en el caso de Lelio que esta es la primera suya que veo, el rompecabezas que va montando poco a poco empieza a atraparnos, especialmente a partir del momento en el que la protagonista comienza a “humanizarse”.

Aunque el director como digo va dejando pistas here, there and everywhere no será hasta el final de la proyección que descubramos que la misma es en realidad una alienígena...



... y al igual que su homólogo masculino se alimenta de los cuerpos de los hombres (nunca mujeres) con los que se va encontrando mientras circula por las solitarias (y no tan solitarias) carreteras escocesas.

Esa “humanización” a la que hacía referencia tiene un claro punto de inflexión cuando “la hembra” conoce al “hombre deforme”, una extraordinaria secuencia puesto que el actor que lo encarna, Adam Pearson, sufre la misma enfermedad – neurofibromatosis – que el personaje que lo encarna y que lo emparenta con el tristemente famoso “hombre elefante” que David Lynch llevó (magistralmente) a la gran pantalla en 1980.



Otro ejemplo magnífico es cuando la protagonista intenta alimentarse al modo de los humanos con resultados literalmente vomitivos.

O cuando entabla relación con uno de los pocos hombres que no han intentado aprovecharse de ella… aunque luego el tiro les saliese a todos por la culata…

Lo que no acabo de entender es la extraña “relación” que la protagonista mantiene con un motorista que, además y al igual que en el caso de Adam Pearson, está encarnado por un piloto profesional, Jeremy McWilliams.

Destacar aparte de la esforzada (y atípica) composición de la voluptuosa (en pocas ocasiones podemos verla más al natural que en la cinta hoy comentada) Scarlett Johansson...



... la subyugante (y desasosegante) banda sonora de Mica Levi y, como decía, la puesta en escena de Glazer que si bien es cierto a veces abusa del estatismo de las imágenes también es capaz de crear instantes de una desolada belleza.



Ese ojo kubrickiano... o scottiano...

Recomendable, aunque no apta para todos los paladares.



Buenas noches y, buena suerte.



Y creo que esta va a ser la última reseña del año...

... o tal vez no...

Confieso que, aunque hace solo un año y medio que vi este film de Glazer, lo he olvidado por completo, incluida las generosas prestaciones actorales de Scarlett Johansson (lo cual es merecedor de penitencia dura).
Mi última película del año creo que habrá sido "Diamond Flash" , de Carlos Vermut, vista esta tarde en Filmin, pero estoy "de vacaciones" en materia de comentarios, que me espera un 2023 muy cargado de revisiones (Melville, Kaurismäki, Buñuel, Angelopoulos... quizá Bresson y Lean...).
En todo caso, os deseo un 2023 "de cine".

A otros nos quedan Bogart, Davis, Dreyer, Hammer, Lang...

Last Christmas (2019)


Estamos ante una de estas películas que consigue llegarte al corazón.










Mi comentario:

Leo por ahí que está catalogada como una comedia romántica, pero yo no la veo como tal. A ver, sí, tiene muchos toques de comedia, pero yo la catalogaría como un melodrama puro, y no os digo nada por no meter spoilers a tutiplén. El caso es que, el tráiler te la vende de una manera y lo que se acaba viendo en la pantalla es otra bien distinta. La verdad es que no me esperaba un guión tan notable, que en principio pintaba a eso, vistos los tráilers, a una comedia romántica con temática navideña llena de canciones del fallecido George Michael como telón de fondo. pero que al final, el libreto escrito a cuatro manos por la también actriz Emma Thompson (Love Actually) y la dramaturga Bryony Kimmings nos han metido toda un giro argumental durante la trama que, sinceramente, yo no me esperaba. Eso sí, notaba algo raro durante un momento del metraje en uno de los personajes protagonistas, pero nada más, y no le he dado la mayor importancia. El film, por cierto, tiene a un muy buen realizador detrás de la cámara y no es otro que Paul Feig (La boda de mi mejor amiga). La pareja protagonista está formada por Emilia Clarke (la serie Juego de Tronos) y Henry Golding (Crazy Rich Asians, Un pequeño favor), que bueno, no tienen una química para tirar cohetes, pero se les ve creíbles. Además, entre las secundarias podemos ver a Emma Thompson y Michelle Yeoh (Guardianes de la galaxia Vol. 2). No será una obra maestra como lo fue en su momento la gran «Love Actually», pero en mi opinión es una película que consigue llegar al corazón de quién la vea. Me he reído y he llorado a partes iguales. No soy de los que suele llorar mientras está visionando un drama en una sala de cine, pero a veces caigo en la tentación. Hoy ha sido una de estas veces. Ha sido inevitable. Mi nota final es de 8/10.

¡Vaya programación de Nochevieja-Año nuevo nos ha programado Alcaudón! Pero aquí va la competencia POR LA AUDIENCIA .... ....

Spoiler:

Feliz buen año entrante para todos

Feliz salida de 2022 y un mejor 2023 para todos, con mucha salud, lo primero y paz y amor y un poquito de money.

Lo celebraré con unos amigos. Los de la fiesta del año pasado.

Un chiflado encantador (2011).......................... 7










La popular y el friki




Mi comentario:

Interesante propuesta la que nos propone esta cinta rodada expresamente para el Canal Disney. Un film lleno de tópicos, pero que me ha parecido simpática de ver. La historia nos muestra la relación que se entabla un buen día entre Dylan, la chica más popular del instituto y Josh, lo que llamaríamos un friki, un cinéfilo con buen gusto, todo gracias a que el chaval quiere hacer un documental sobre la chica en cuestión. Lo que empieza como una relación con malos rollos, acabará por convertirse en algo más. Él quiere hacer ver al gran público cómo es ella en realidad, empezando a observarla con otros ojos. La actriz protagonista es Sarah Hyland, una de las caras que aparecieron en la serie de la ABC, Modern Family. He notado que, durante la película (quién hubiera dicho que un plato de espaguettis ayudaría a iniciar esa relación, cuando la veáis, lo entenderéis) tiene una buena química con el chaval, Matt Prokop, visto en la tercera entrega de High School Musical. Y se agradece su metraje ligero, de unos noventa minutos, que para lo que tiene que contar ya es suficiente, en mi opinión.

Esta mañana me he enterado que ayer, fin de año, murió Anita Pointer, miembro del famoso grupo femenino de R&B de los 70 y 80, Pointer Sisters.
Ha fallecido a los 74 años de edad de un cáncer.
Era la que tiene la preciosa voz cantante en este hit de la época, I´m so excited

Ayer re-inaguré (el re es porque horas antes vi Avatar 2 en el cine) el tema cinéfilo viendo The Burning Plain (Guillermo Arriaga, 2008) porque hace tiempo me di cuenta no he visto mucho de Charlize Theron y le di a esta que está en Filmin (creo que también en Prime).

Pues bastante bien. Parece que es común en su director la narrativa mezclada en lo temporal pero me costó un poco darme cuenta de que son 3 tiempos (aunque 2 de ellos separados por escasas semanas parece ser). Algo raro vi cuando se pasa de lo que identifiqué com Oregon (era eso o algún punto al norte de la otra costa) del restaurante del personaje de la Theron a lo que era New Mexico o similar.

Muy notable el papel de la Theron pero también el de Kim Basinger. El de una casi debutante Jennifer Lawrence es menos sorprendente pero porque se apuesta por cierta frialdad. Lo que no cuadra es que si han transcurrido unos 10 años alguien pase de la Lawrence a la Theron. Vale que en la vida real había una diferencia de 15 años pero que de los 16-17 que tiene a 26-27 pues se puede alterar con maquillaje o algo (y no mucho) pero es que no se hace ese cambio. Creo que hubiera sido mejor que la niña tuviera unos cuantos años más...

Pues eso, que me sorprendió para bien, sobre todo porque le di sin saber nada de la película.

Viendo que es la noche de reyes, he visto por fin, antes de que se acaben ya por completo las fiestas navideñas, la película española "Reyes contra Santa".. y a decir verdad, me ha gustado mucho, mucho. Creo que es una película que si fuera americana, pasaría con los años a ser uno de los muchos clásicos en las listas interminables. De hecho creo que tampoco tiene mucho que envidiar a las americanas. A mí me ha parecido graciosa, algo "naif", pero entretenida de principio a fin. Muy buenas actuaciones de todos los actores y actrices, incluso los niños. Bien realizada. A mí me ha parecido una buena sorpresa, aunque a decir verdad, el tráiler ya apuntaba a cosa buena. Eso sí, debo decir, que no es 10/10 obra maestra,seguramente gente mas critica no le guste algo, pero vamos a mi me ha parecido redonda.

La recomiendo para las listas de las navidades proximas. No os la perdais.

EDIT en Spoiler:

Spoiler:

Mola la forma final del Krampus al final, me recuerda a las pelis de antaño, un efecto especial completamente practico.

Crush (2022).......................... 8







Enamorarse es complicado




Mi comentario:


Una película romántica ambientada en la escuela secundaria, en la que una joven que aspira a ser artista se une al equipo de atletismo de su instituto para intentar ganarse el corazón de una de sus compañeras de clase, aunqiue por el camino lo consigue con la que ella no se esperaba. Protagonizada por Auli'i Cravalho ("En plan estrella de rock", estrenada en el año 2020) y Rowan Blanchard ("Un pliegue en el tiempo", 2018), nos encontramos con este predecible, pero simpatico filme de adolescentes en su fase de transición del instituto a la universidad, sus dudas sobre el futuro, sus inquietudes, sus romances y, cabe destacar también, con la temática lgtbiq+ bien visible. No tenía constancia de su existencia, me la he encontrado en el catálogo de Disney Plus y el resultado final me ha parecido bastante positivo. Mi nota final es de 8/10.

REVISANDO EL CINE FANTÁSTICO DE LOS ‘80… Y MÁS ALLÁ DEL INFINITO...

DARKMAN (1990, ídem)



Estrenada el 24 de agosto de 1990 en los EUA y el 8 de noviembre de 1990 en España (y previamente el 5 de octubre en el Festival de Cine de Sitges, donde ganó el premio al mejor director (ex aequo) y a los mejores efectos especiales).

Dirigida por Sam Raimi.

Escrita por Chuck Pfarrer, Sam Raimi, Ivan Raimi, Daniel Goldin y Joshua Goldin, a partir de una historia de Sam Raimi.

Fotografiada por Bill Pope, en color y formato panorámico (1.85:1).

Musicalizada por Danny Elfman.

Protagonizada por Liam Neeson (Peyton Westlake/Darkman), Frances McDormand (Julie Hastings), Colin Friels (Louis Strack, Jr.) y Larry Drake (Robert G. Durant).

Duración: 1:35:11. (Copia en BD editada por Reel One en 2017).



DARKMAN, cuarto largometraje del cineasta norteamericano Sam Raimi (1959), fue un ejemplo a contracorriente del cine de superhéroes que ya se estilaba por aquella época dada su (des)ubicación entre las mucho más prestigiosas BATMAN (1989) y BATMAN VUELVE (1992) del por entonces intocable Tim Burton.





Y sin embargo ambos directores comparten la misma pasión por el cine de terror gótico, más o menos sangriento y el respeto por - y la reinvención de - los clásicos (con o sin pedigrí) no sólo de la gran (o de la pequeña) pantalla o de la literatura sino igualmente del mundo de los cómics.

Una película, por cierto, que significó el primer título del sello Reel One que inició su andadura en 2017 y que tantas alegrías (salvo alguna que otra excepción) están deparando a los que todavía somos seguidores de los formatos físicos y que, al igual que el lince ibérico, estamos en grave peligro de extinción.



Tuve oportunidad de ver la película cuando se estrenó en nuestro país allí por 1990/1991 (no recuerdo el año exacto) y ya entonces me pareció una cinta bastante agradable y, como decía, atípica porque el protagonista, el doctor Peyton Westlake (un ya por entonces excelente Liam Neeson), dista mucho de ser un superhéroe al uso puesto que en realidad lo único que le mueve es el deseo de venganza contra aquellos que le han convertido en un auténtico monstruo.





En ese sentido DARKMAN es una relectura de “El fantasma de la Ópera” (1910), de Gaston Leroux o más exactamente de EL FANTASMA DE LA ÓPERA (1925) dirigido por Rupert Julian y protagonizado por Lon “El hombre de las mil caras” Chaney (1883-1930).



Y es que al igual que este el Dr. Westlake es un maestro del disfraz gracias al uso de una especie de (proto)impresora 3D (¡!) con la que se dedica a diseñar el rostro de todos y cada uno de los villanos que han hecho de su vida un auténtico infierno y que le han apartado para siempre del amor de su vida, la abogada Julie Hastings (una guapísima Frances McDormand, que ya se había convertido por entonces en la musa de los hermanos Coen).



De hecho, Raimi homenajea una de las escenas más famosas de la citada película, aquella en la que el Fantasma (Chaney) se encuentra encaramado en lo alto de los tejados de la Ópera y que además tiene la peculiaridad de que fue rodada con el primitivo Technicolor bicromático.





Igualmente el Darkman de Raimi podría ser un emulo del profesor Henry Jarrod encarnado por el gran Vincent Price (1911-1993) (recordemos, uno de los actores favoritos también de Burton) en LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA (1953) rodada en 3-D por el talentoso André De Toth… a pesar de ser tuerto…



O, por qué no, de Rorschach, el más repulsivo pero también el más humano de los superhéroes de la mítica miniserie de cómics “Watchmen” (1986-1987), de Alan Moore y Dave Gibbons.



Y una galería de villanos digna de “Dick Tracy” (1931-1977), de Chester Gould y que ese mismo año llevaría a la gran pantalla el actor y director (y amante superlativo) Warren Beatty.



Una de las mejores bazas de la película es la espléndida banda sonora del gran Danny Elfman (1953), el músico favorito del ya mencionado Tim Burton, con quien ha colaborado hasta la fecha en 16 ocasiones, desde LA GRAN AVENTURA DE PEE-WEE (1985) hasta DUMBO (2019).

Y aunque menos conocida la colaboración entre Raimi y Elfman es igualmente significativa puesto que hasta hoy en día lo han hecho en 6 ocasiones, incluyendo sus otras aproximaciones al género superheróico, especialmente sus dos primeras (y espléndidas) adaptaciones del Spider-Man de Stan Lee y Steve Ditko (y John Romita y…), SPIDER-MAN (2002) y SPIDER-MAN 2 (2004), así como la mucho más reciente DOCTOR STRANGE EN EL MULTIVERSO DE LA LOCURA (2022).







A pesar de su factura de película de serie B, o precisamente por eso, DARKMAN ha envejecido mejor que otras citas coetáneas… de las que no menciono el nombre para no ser dilapidado en público...

Quizás porque Raimi, independientemente de su talento como director, siempre supo imprimir a sus creaciones el ritmo y la locura de los mejores cartoons de la Warner Bros.

Y por ello no acabaré mi comentario con aquel mítico “That’s All Folks!” sino todo lo contrario…



MANDY (2018, ídem)



Estrenada el 14 de septiembre de 2018 en los EUA (y previamente el 19 de enero en el Festival de Cine de Sundance) y el 31 de octubre de 2018 en España (y previamente el 6 de octubre en el Festival de Cine de Sitges, donde ganó el premio al mejor director y a la mejor actriz).

Dirigida por Panos Cosmatos.

Escrita por Panos Cosmatos y Aaron Stewart-Ahn, a partir de una historia de Panos Cosmatos.

Fotografiada por Benjamin Loeb, en color y Scope.

Musicalizada por Jóhann Jóhannsson.

Protagonizada por Nicolas Cage (Red Miller), Andrea Riseborough (Mandy Bloom) y Linus Roache (Jeremiah Sand).

Duración: 2:00:55. (Copia en BD editada por Divisa en 2019).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Las Montañas de la Sombra / 1983

...

… puesto que a continuación haré un breve comentario del segundo (y último por el momento) largometraje de su director, el italo-canadiense Panos Cosmatos (1974), después de su alabada (y ya lejana) ópera prima, BEYOND THE BLACK RAINBOW (2010)...



... y que espero visionar en breve…

Un Panos Cosmatos que es hijo del famoso George P. Cosmatos (1941-2005), el director, entre otras de diáfanas parábolas pacifistas como RAMBO: ACORRALADO – PARTE II (1985)...



... coescrita (¡qué casualidad!) por el individuo del que hablaré en el siguiente comentario…

Dado lo escueto, por ahora, de su filmografía y a la espera como decía de acceder a su primer largometraje, sólo había visto hasta la fecha su episodio para la serie “El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro” (2022) emitida por la plataforma de pago Netflix, sin duda uno de los mejores de la miniserie y ciertamente emparentado por el largometraje que le antecedió y que hoy es objeto de comentario.

MANDY – que, por cierto, es el nombre de la esposa del protagonista, un (aunque no os lo creáis) superlativo (y absolutamente desmadrado) Nicolas Cage...



... – me ha recordado en cierta forma a una película que comenté hace tan sólo unos días, UNDER THE SKIN (2014), de Jonathan Glazer, en el sentido de que ambas son experiencias sensoriales.







Eso sí, si esta última era más visual que verbal (y que en ciertos tramos me recordaba al mismísimo Tarkovsky de SOLARIS (1972)…) en cambio MANDY es una fusión perfecta entre la imagen y el sonido.

El sonido…

Una película que se inicia con el “Starless” (1974), de King Crimson, ya tiene el cielo ganado, al menos por mi parte.

Un tema, tal vez el más bello del grupo liderado por Robert Fripp, que formaba parte del que para mí es igualmente su mejor LP, “Red” (1974) y con el que su fundador cerró la primera etapa de la banda.



Por ello no es nada casual que el nombre del protagonista encarnado por Cage se llame Red...

La imagen…

… y de ahí que sea el rojo el color que determine por completo la puesta en escena de su director y no sólo en esta película sino igualmente y como antes comentaba, en el episodio para la miniserie de Guillermo del Toro.









El simbolismo del color rojo es usado por Cosmatos hasta el paroxismo, especialmente cuando Red se dedique, al igual que su homólogo Darkman, a ir eliminando sucesivamente a los torturadores y asesinos de su amada esposa, Mandy (una desconcertantemente atractiva Andrea Riseborough).





Además el director jugará no sólo con los colores sino con la propia textura de la imagen, incluyendo las ensoñaciones en forma de dibujos animados que sufre el protagonista...



... una vez su esposa ha sido brutalmente asesinada por los miembros de una secta hippie liderada por el carismático y mesiánico Jeremiah Sand (Linus Roache) después de que aquella se burle de este y lo deje en ridículo delante de sus seguidores.



Si ya Sam Raimi nunca le ha hecho ascos a la violencia más descarnada, aunque eso sí, siempre impregnada de un humor socarrón, en el caso de Pan Cosmatos y gracias a un Nicolas Cage que parece haber regresado “de entre los muertos” por la puerta grande nos ofrece un espectáculo pirotécnico de primera magnitud y donde también se cuelan referencias cinéfilas y literarias, que van desde “El Señor de los Anillos” (1954-1955), de J. R. R. Tolkien (el lugar donde acontece la acción se denomina “Las Montañas de la Sombra”), pasando por LA MATANZA DE TEXAS (1974), de Tobe Hooper (el duelo de sierras mecánicas entre Red y uno de los acólitos de Jeremiah) y hasta llegar a HELLRAISER (LOS QUE TRAEN EL INFIERNO) (1987), de Clive Barker (la pandilla de motoristas salidos literalmente del Infierno y que encuentran en el sufrimiento, ya sea ajeno o propio, su razón de existir).





La película está dedicada a la memoria del gran compositor islandés Jóhann Jóhannsson que falleció el 9 de febrero de 2018, o sea, pocos días después de su estreno en el Festival de Cine de Sundance, en Utah, EUA y cuya música se ajusta como una guante a la iconografía del director. Recordemos al respecto su estrecha colaboración con el director canadiense Denis Villeneuve con el que trabajó en PRISIONEROS (2013), SICARIO (2015) y LA LLEGADA (2016), aunque su score para BLADE RUNNER 2049 (2017) fue rechazado por este en beneficio de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch.

Una película que amarás u odiarás pero que, desde luego, no te dejará indiferente.





ALIENS (1986, ALIENS (EL REGRESO))



Estrenada el 18 de julio de 1986 en los EUA y el 29 de octubre de 1986 en España.

Dirigida por James Cameron.

Escrita por James Cameron, a partir de una historia de James Cameron, David Giler y Walter Hill.

Fotografiada por Adrian Biddle, en color y formato panorámico (1.85:1).

Musicalizada por James Horner.

Protagonizada por Sigourney Weaver (Ellen Ripley), Carrie Henn (Newt), Michael Biehn (Cabo Hicks), Paul Raiser (Burke), Lance Henriksen (Bishop), Bill Paxton (Soldado Hudson), William Hope (Teniente Gorman) y Jenette Goldstein (Soldado Vasquez).

Duración: 2:34:26 (Copia en BD editada por Fox en 2012).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Estación espacial “Pórtico” > Luna Acheron (LV-426) / 2179

…

Hace escasos días tuve oportunidad de comentar en este mismo rincón el primer “auténtico” largometraje de James Cameron, TERMINATOR (1984) y aunque mi intención no es ni de lejos revisarme toda su (breve) filmografía tenía ganas de volver a ver ALIENS (EL REGRESO), seguramente por la sencilla razón de que cuando finalmente puede verme las versiones completas de las cuatro cintas que forman la serie original (o sea, las protagonizadas por la maravillosa Sigourney Weaver) me pareció la más floja de todas, aunque me temo que pocos compañeros compartirían semejante aseveración.



Curiosamente de las cuatro películas mencionadas sólo tuve ocasión de ver en el momento de su estreno ALIEN ³ (1992), la opera prima del que pronto se convertiría en uno de los mejores directores del momento, David Fincher.

Gracias precisamente a la reedición en BD de la versión más aproximada a las intenciones de su autor esta tercera entrega me parece ahora la segunda mejor tras, lógicamente, la inalcanzable ALIEN (EL OCTAVO PASAJERO) (1979), de Ridley Scott, para mí su mejor película, incluso por encima de la mucho más mitificada BLADE RUNNER (1982).

Pero no estamos aquí para hablar de la tercera entrega de la serie sino de la segunda.

Y lo primero que he de decir es que su revisión me ha supuesto toda una sorpresa hasta el punto de que le puede discutir ese segundo puesto a la película de Fincher.

Dado que el propio Cameron prefiere la edición especial de 1991 a la versión cinematográfica de 1986 finalmente he optado por su recomendación y creo que ha sido todo un acierto.

Hemos pasado de...



... “En el espacio nadie puede oírte gritar” (ALIEN) a...



... “Esta vez es la guerra” (ALIENS), lo cual ya nos da una idea de que, al menos aparentemente, las tornas han cambiado.

Como indicaba al principio la presencia de Sigourney Weaver en las cuatro películas de la serie original es lo que da coherencia a todo el conjunto, más incluso que la presencia de los propios alienígenas que dan el título a las mismas.



Ya dije en mi comentario de TERMINATOR que todavía no he sido capaz de determinar si James Cameron es un lobo con piel de cordero o viceversa y uno de los motivos de mi razonamiento hasta ayer era precisamente la existencia de un título como ALIENS, que en un primer visionado nos puede parecer más bien un Rambo en el espacio con todas las de la ley.

Sin embargo, justo es de reconocer que esa parafernalia belicista que tanto parece complacer al director (y que también podemos observar en el díptico – por ahora... – AVATAR (2009) y AVATAR: EL SENTIDO DEL AGUA (2022)) en realidad podría (y digo podría) enmascarar justo todo lo contrario.

Después de todo será Ripley (una, como digo, espléndida Weaver, justa nominada a los Oscar a la mejor actriz) quien al final se haga con las riendas de la misión de rescate que le ha hecho regresar al planetoide de sus pesadillas y saque las castañas del fuego a todo un pelotón de marines.

Por cierto, un fundido casi a la altura de Lean o Kubrick, el rostro de Ripley transformado en el de la Madre Tierra...





Unos marines, como decía, que parecen salidos de las películas protagonizadas por Silvester Stallone y de las que, por cierto, Cameron coescribió la segunda entrega, como mencionaba en el comentario de la cinta anterior.

De hecho, la soldado Vasquez (Jenette Golstein) es un ¿homenaje/parodia? (de ahí el carácter elusivo de su director) del mismísimo Rambo, cinta roja al pelo incluida.



Dado que no es precisamente la sutileza uno de los atributos principales de James Cameron como director justo es de reconocer que bajo ese caparazón que forman los interminables combates con los aliens se encuentra el auténtico cuerpo de la historia.

¿Y cuál es este?

Pues aunque parezca ridículo algo tan sencillo como es la maternidad.

Ripley regresará a la Tierra (bueno, en realidad a la estación espacial “Pórtico”) tan sólo dos años después de la muerte de su hija, después de pasar 57 años en hipersueño.



“Newt” (Carrie Henn), la única superviviente de Acheron, la luna en la que fue descubierta la nave que transportaba los huevos de los aliens en la primera película, se convertirá en su hija adoptiva.



Pero igualmente existe una maternidad alienígena puesto que será la reina, como las hormigas en la Tierra, la que no sólo se encargará de poner los huevos que más tarde y gracias a un hospedador se transformarán en los xenomorfos que todos conocemos sino que igualmente los cuidará como haría cualquier otro progenitor.



Si en cuanto a puesta en escena no se le puede reprochar nada a Cameron, puesto que las más de dos horas y media de metraje se pasan en un santiamén, no podemos decir lo mismo del guion que sustenta a la película, aunque aquí sería justo indicar que el director se tuvo que someter a las directrices impuestas por los productores de la cinta original, David Giler y Walter Hill y que aquí coescribieron además junto al director la historia de base.

De hecho y como también indiqué en mi comentario de TERMINATOR el libreto presenta algunas lagunas bastante considerables.

Una de las más importantes es el hecho de que si Acheron se encuentra a 39 años luz de la Tierra, ¿cómo es posible que Ripley, Burke (Paul Raiser, el auténtico villano de la función) y el grupo de marines lleguen a él tan sólo unas pocas semanas después de que se perdiera todo contacto con la colonia que lo habita?



Veamos.

Incluso viajando a la velocidad de la luz, cosa que no es el caso, se tardarían 39 años en alcanzar el objetivo por lo que la misión no tendría ya ningún sentido.

Además viajan en hipersueño algo igualmente absurdo como decía dada la distancia que media entre la Tierra y Acheron y que más bien parece un guiño (por no llamarlo de otra manera) a la cinta original.



Igualmente es un absurdo que tanto los habitantes de la luna como la partida de rescate se desplacen por la superficie de la misma sin llevar trajes protectores dado el frío imperante y la escasez de oxígeno, pese a la existencia de los procesadores de oxígeno.



Y todavía más que Ripley sobreviva al frío del espacio (-270º C) durante el enfrentamiento final con la reina.



No sigo.

Por cierto, si en la película original la tripulación estaba formado por siete miembros aquí serán ocho inicialmente los supervivientes de las distintas escaramuzas con los aliens, aunque finalmente tan sólo sobrevivan (en mejor o peor estado) Ripley, “Newt”, el cabo Hicks (Michael Biehn) y el androide Bishop (Lance Henriksen).



Y si en ALIEN Ripley escapará por los pelos de la explosión programada del carguero estelar “Nostromo” en ALIENS pasará tres cuartos de lo mismo cuando los cuatro arriba citados hagan lo propio antes de que explote el propio planetoide.



E igualmente la reina morirá de la misma forma en la que lo hizo su antecesor...



A pesar de que como el propio título indica aquí no hay un sólo alienígena hostil sino decenas (que no centenares o miles, como se dice en un momento de la película, puesto que la población total de Acheron es (o era) de tan sólo 158 habitantes...



... y teniendo en cuenta que cada criatura necesita de un hospedador para alcanzar la fase adulta) pero Cameron sigue la senda marcada por su predecesor, Ridley Scott y prefiere sugerir antes que mostrar incluso en las escenas más espectaculares.

Desde el punto de vista visual ALIENS es la única entrega rodada en formato panorámico y no en Scope, algo de lo que el propio director habla en el audiocomentario que acompaña a la película.

Curiosamente, lo que en principio fue visto como un hándicap dadas las dimensiones de las pantallas de cine de las salas comerciales hoy es todo un acierto debido al predominio de las televisiones en formato panorámico que presiden nuestros salones.

Y en cuanto a la banda sonora James Horner mimetiza a la perfección la magistral partitura de Jerry Goldsmith, pero a la vez crea nuevos pasajes que se ajustan como un guante a esta historia trepidante que, para mi sorpresa, se ha convertido en uno de los mejores títulos de cine fantástico de los años ‘80.



Y ahora sí…

That’s All Folks!



Buenas noches y, buena suerte.

'Alas De Mariposa' ( Juanma Bajo Ulloa, 1991 ) es cine del bueno, thriller psicológico/melodrama oscuro y claustrofóbico tratado por momentos como una peli de terror. Es única, una joya escondida del cine español que debe ser vista. De culto.
Me sorprende que desconociera esto, ganó la Concha De Oro ( director más joven en la historia de San Sebastian ) y 3 Goyas. Y luego cada pedo de Almodóvar es la pelicula del año y te la meten hasta en la sopa.
7,5/10

Después de este posteo, seguro que dormiste muy bien

Open Range de Kevin Costner es uno de los grandes westerns del siglo XXI y probablemente su mejor película como director y al mismo tiempo como actor. Puede que la subtrama romántica haga languidecer un poquito el relato perdiendo ritmo en alguna fase (pecata minuta, porque que conste que Costner está francamente bien ayudado por una resplandeciente Annette Bening) y que haya metida alguna retórica artificial que chirría en su cohesión narrativa (en el clímax mismamente, ése ralentizado que llevará a pecho descubierto a Robert Duvall --excelso, majestuoso en todo momento a lo largo del metraje-- ante un atricherado Michael Gambon), pero Costner se deja de grandilociencias y discursos algo maniqueos aupado por su lealtad y admiración al género americano por excelencia (durante el rodaje de "Campo de sueños" ya habló con Burt Lancaster sobre el género allá por 1988 y con "Silverado" a sus espaldas).
La naturalidad que desprende el relato es pasmosa, ya sea en su violencia, la vida rural o los avatares de la meteorología adversa. La primera media hora, en la que parece no pasar nada y se suspende en el tiempo sin que la aguja del segundero del reloj se altere, es bellísima de puro contemplativa que es.

Excelente.



Y aunque sea off-topic, mirad el reportaje que nada más ni nada menos que el New York Times le ha dispensado al entrañable e imprescindible Juan Tamariz, al que deseo lo mejor de lo mejor desde siempre por los buenos ratos que nos ha hecho pasar, ¿o no?



https://www.nytimes.com/es/2023/01/0...ariz-mago.html

Une mère


https://64.media.tumblr.com/7103884a...922a11ccbf.jpg

Primera peli de S Audcoeur como directora.

Aline nunca ha conseguido hacer el duelo de su hijo, muerto con 17 años en una pelea callejera. De casualidad, se cruza con su agresor, que acaba de salir de la cárcel, Aline decide ir a por él. A pesar de su determinación,las dudas,el duelo no exteriorizado,los días con el homicida, hacen tambalear la revancha,incomprensible o no pero lícito.Esta es la propuesta de Audcoeur

Una madre dispuesta a vengar la muerte de su hijo. En el papel principal, K Viard está estupenda, pasando gradualmente de una afeccion a otra hasta su liberador desenlace.

A destacar tambien en el rol de asesino D Muselet.

6.7/10

Casi por alusiones.
Rompo dos lanzas:
Una, por cada pedo de Pedro Almodóvar.
Eso no quita que muchos (a mí me pilló con 17 tacos) admiráramos los primeros trabajos de Bajo Ulloa. Al menos en esa época fue un boom en el panorama de cine de este país y yo tengo a buen recaudo un par de buenas ediciones en dvd de esta, Alas de mariposa y de La madre muerta.

Dos, por Bailando con lobos. No por el Oscar (que a lo mejor debería haber sido para Uno de los nuestros y Scorsese), sino porque también tiene momentos de mucha belleza. Eso sí. Me quedo con el corte de tres horas y no el más largo.

Sex Appeal (2022).......................... 8








Mi comentario:

Una notable y disfrutable comedia romántica adoescente, aunque con un final que no me venía a venir. De ser por mí, la hubiera terminado de otra manera, o la habría alargado un poco y terminado como se hubiera hecho con la mayoría de las películas adolescentes de mediados-finales de los 90. En fin, que tampoco me quita el sueño, el resultado final es positivo, y para mí esto es lo importante. Una trama en la que nos encontramos a Avery Hansen-White (interpretada por la actriz Mika Abdalla), una chica que saca muy buenas notas y a la que se le plantea el reto de hacer una aplicación para un concurso. Avery, a partir de aquí, empieza a estudiar el funcionamento del amor con ayuda de su mejor amigo Larson (interpretado por el actor Jake Short) y, por el camino, se da cuenta de que las relaciones requieren de menos ciencia y de más corazón. Lo que me ha gustado también del film es la manera en la que se nos presentan las sensaciones que van viviendo, a lo largo del metraje, nuestros dos protagonistas, todas ellas con sendas metáforas visuales muy bien elaboradas. Mi nota final es de 8/10.

Anoche, en una suerte de mini (mini porque de momento lo dejo debido a que no he visto mucho más en las plataformas que tengo) ciclo de Charlize Theron, vi Atomic Blonde (David Leitch, 2017) en Filmin.

Lo primero es, y con perdón, pero put... traducciones. Atomic Blonde es una cosa pero es que al leer Atómica en el título sonaba, no sé, a película un poco kitsch, no una Barb Wire pero casi

Y no.

No es que me haya parecido un peliculon pero siendo bien normalita, de las que me olvidaré rápido (salvo de la Theron) (de eso uno no se olvida jamás), por motivos creo que de simplicidad lograda me resultó entretenida y sin más para ser, digamos, un sólido 6 (e ya).

Funciona como una suerte de James Bond femenino, a saber: agencias de inteligencia, agente enviada a una misión, aliados que no lo son, enemigos que no lo son, algún romance, no confiar en nadie etc Que ocurra todo en los albores de la caída del muro a primeros de noviembre de 1989 en ese Berlín (que no tiene nada que ver con el Berlín más pijo y modernete de los 90 hasta ahora) ya le da un plus. Se nota el uso de vehículos históricos (estan relucientes, y ese 911 Turbo, 965, negro que lleva él es ya por los pelos pero vaya: salió en 1989...) y todo el tema ambiental pues cuela, un poco cómic, pero el punto urbano guarrete, pero sin olvidar el aire de peli de espias, mola.

Y ella mola mucho. Su presencia, rostro, cuerpo, es idóneo para este tipo de papel: es atractiva pero ruda, podría ser una experta en artes marciales/pelea, y como malota (en ropa, en andares, hasta en como fuma) cuela porque, bajo una teoría muy personal que tengo, eso se lleva todo ya de la vida real. Otro tema es que el film es muy al límite y lo de que se cargue a hostia limpia a tipos de 100 kilos pos, eso, que ya es ir muy lejos pero vaya.

La acción mola, hay un plano secuencia larguísimo (que no sé si es real, lo buscaré), que mola mucho. Y que el film se cuente en flashback le da un punto extra. Y el doble giro final (

Spoiler:

que ella es Satchel y le cuela el muerto a Percival, pero al final resulta que era de la CIA y era una triple agente

) es un clásico pero, eh, mola.

Ocurrir ocurre poco, de hecho no ocurre nada en el fondo, no hay una trama trabajada, pero se pasa rápido con la Theron, la acción y todo eso.

McAvoy como siempre muy intenso. No lo termino de comprar.

Algo más: yo la vi V.O., pero COMO arreglaron el final de esta película en doblaje??? La gracia es que ella simula ser británica, tiene un acento idem durante toda la película (Theron es sudafricana así que cuela) pero la gracia es que al reunirse con el ruso y luego con el personaje de la CIA, utiliza un acento estadounidense (que Theron domina por su carrera como actriz, claro) y el shock está al escucharla de repente hablando así. Probablemente lo dejaron tal cual, claro, pero es una putada perderse ese shock sonoro.

Deseo

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En 1945 Elvira consigue un trabajo como asistenta de Pablo, un empresario argentino nazi. Elvira entra de nuevo en un mundo de cultura y lujos,al ser hija de un eminente doctor que perdió la guerra.

Los libros pondrán en contacto a dos seres distintos que irremediablemente comienzan una apasionada relacion.


Me ha gustado,L Watling una actriz que no me entusiasma... aquí creo que está muy bien, es la que mejor defiende su papel, buen reparto peero ella destaca en toda la extension

Interesante recreacion del Madrid de posguerra y la fuga de altos mandos alemanes a la Argentina de Peron.

6.8/10

A mi tampoco me entusiasma Leonor Watling como actriz, pero ese mismo año, apareció en esa maravilla de Hable con ella, aunque estuviera mucha parte del metraje en coma.