Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Por meras casualidades de la vida mi próxima reseña, que espero entregar en breve, se centrará en la primera película rodada en color por el maestro Kenji Mizoguchi y que (espero) será la primera de cuatro entregas que dedicaré a los que se pueden considerar los grandes maestros del cine nipón, Kobayashi, Kurosawa, Mizoguchi y Ozu y su acercamiento al mundo del color.

Tengo pendientes de recibir de la tienda del BFI cuatro de las seis películas que Ozu rodó en color y con las que finalizó su carrera.

Espero que con ello contente a l@s compañer@s que piensan (erróneamente ) que únicamente me interesa el cine clásico norteamericano.

Y espero, con tiempo, dedicar una reseña a cualquier director, no importa de qué país proceda y comentar su primera película en color.

Así que yo también me apunto a reflotar ese hilo del cine japonés.

Iniciado por Alcaudón

Por meras casualidades de la vida mi próxima reseña, que espero entregar en breve, se centrará en la primera película rodada en color por el maestro Kenji Mizoguchi y que (espero) será la primera de cuatro entregas que dedicaré a los que se pueden considerar los grandes maestros del cine nipón, Kobayashi, Kurosawa, Mizoguchi y Ozu y su acercamiento al mundo del color.

Tengo pendientes de recibir de la tienda del BFI cuatro de las seis películas que Ozu rodó en color y con las que finalizó su carrera.

Espero que con ello contente a l@s compañer@s que piensan (erróneamente ) que únicamente me interesa el cine clásico norteamericano.

Y espero, con tiempo, dedicar una reseña a cualquier director, no importa de qué país proceda y comentar su primera película en color.

Así que yo también me apunto a reflotar ese hilo del cine japonés.

Iniciado por Alcaudón

Espero que con ello contente a l@s compañer@s que piensan (erróneamente ) que únicamente me interesa el cine clásico norteamericano.

Y espero, con tiempo, dedicar una reseña a cualquier director, no importa de qué país proceda y comentar su primera película en color.

Así que yo también me apunto a reflotar ese hilo del cine japonés.

Aquí te esperamos.

Iniciado por tomaszapa

Aquí te esperamos.

Iniciado por Alcaudón

Ya me extrañaba tanta manga ancha!! Uno, que se hace ilusiones...

Revisitada Alien Covenant

Sigo pensando que Prometheus (algunos defectos a parte), es mejor pelicula, aun asi, creo que con el tiempo, me ha ido gustando un poco mas, aun asi, no deja de tener autenticas sacadas de chorra de Ridley Scott en cuanto a la cucaracha espacial, que SIGUEN SIN CONVENCERME.

Me gusta su atmosfera y sus dos primeros actos me parece bastante solidos (aun repitendo los conceptos del primer Alien), aunque luego se descarrile en el tercer acto y comenta la cagada de repetir paso por paso todo el primer film en sus minutos finales. El casting es convincente, Michael Fassbender sigue siendo lo mejor de estas peliculas (e incluso Danny McBride me gusta lo suyo) y el diseño de monstruos (que no el CGI, mucho mas cuestionable en este film que en Prometheus) es impecable, ademas del trabajo impecable musical de Jed Kurzel, infinitamente superior al score de Marc Streintenfeld en el anterior filme y no solo por el uso del tema de Jerry Goldsmith.


Revisitada Centurion

Hacia casi 10 años que no revisitaba este tremendamente disfrutable film de Neil Marshall, es la Gladiator de bajo presupuesto, pero esta dirigida con eficacia, contundencia (casi 200 litros de sangre falsa se usaron en esat pelicula) y con un cast de portentosidad fisica memorable: Michael Fassbender, Dominic West y Olga Kurylenko en un demostramiento de fisica, carisma y fuerza que ayuda mucho a la peli, puede que su final sea abrupto (dura 90 minutos), pero entereamente disfrutable, amen al trabajo agresivo de Ilan Eskheri en uno de sus scores mas violentos de su carrera.

"Por cierto, la de "Centurión" creo que la revisé hará 2 años aprox, pero lo hice en una gran diagonal (pantalla de 120") y menuda decepción me llevé en cuanto a la calidad de imagen de la edición Bluray. Cuando la ví la primera vez en mi TV me pareció que contaba con gran calidad, ahora he cambiado totalmente de opinión respecto a eso.

En cuanto a la peli en sí, me gustó tanto o más que la primera vez. Probablemente esta sea candidata a una recompra, si es que la sacan por aquí en UHD.

I Will Buy You



Siguiendo con la filmografía de Kobayashi, en este caso “I Will Buy You” (Te Compraré) también fue realizada en 1956 igual que la anterior “The Thick-Wailled Room” (estrenada finalmente en 1960) y la posterior “Black River”. Aunque en estos dos últimos casos, imagino que porque la crítica al sistema estaba muy bien enmascarada, no tuvo problemas para estrenarlas y curiosamente el público las conoció primero.

Tratando de hacer una primera valoración concisa que resuma un poco la película para empezar la reseña, me doy cuenta de que me cuesta un poco etiquetarla dentro de algún género que de alguna manera la defina. Y no lo digo en el mal sentido precisamente, sino que posee unas particularidades muy concretas que hacen que beba de diferentes géneros sin acabar de verse representada del todo por ninguno de ellos. Más adelante trataré de concretar un poco el tono de la cinta para dar alguna pista.



En principio la historia es muy sencilla.

Un jovencísimo jugador de Béisbol, con unas aptitudes extraordinarias que evidencian un futuro prometedor profesional como uno de los mejores jugadores de los últimos tiempos, irrumpe de repente en el panorama deportivo y varios ojeadores de grandes equipos se embarcan en una lucha a contrarreloj para intentar convencer al joven jugador por todos los medios de que fiche por su equipo.

Kurita, el joven jugador, dejará en manos de su mentor y provisional mánager la decisión de elegir el equipo que considere más apropiado para su futuro, ya que tiene plena confianza en él después de cuatro años bajo su tutela.

Los ojeadores, que rápidamente se darán cuenta de a quién es realmente al hombre al que tienen que convencer, y por tanto, agasajar con toda clase de regalos y dádivas mientras trata de reflexionar sobre quién es el mejor postor, no tardarán en ir subiendo la apuesta conforme vaya pasando el tiempo para que acabe decantándose por uno de ellos, que evidentemente será el que mejores condiciones ofrezca al jugador y/o al mánager (), para que acabe firmando por su equipo.



Aunque lo descrito hasta el momento no tiene nada especialmente destacable (de hecho, es lo más habitual en el mundo del deporte en lo referente al fichaje de jugadores), las virtudes de la cinta residen en las particularidades y pequeños matices que la distinguen. Como por ejemplo, la relación del jugador con su mánager, que después de todo lo que le ha ayudado, decide confiar en él más por una cuestión de respeto y consideración que porque considere que es el más indicado para decidir sobre su futuro; la relación que mantiene con la novia, que mientras al principio soñaban ambos con una vida humilde y anónima lejos del foco mediático, poco a poco, conforme las ofertas se van volviendo cada vez más y más cuantiosas, el joven va cambiando de parecer para dejarse llevar por esa promesa de futuro tan halagüeño que le espera en el Béisbol, hasta acabar dejándole bien claro a la devota novia que tiene la intención de seguir su propio camino como jugador profesional con o sin su aprobación; o la relación de uno de los ojeadores para con el tutor y mánager del jugador, que aparte de fingir interés personal por su vida privada (el tutor tiene una enfermedad grave que requiere de cuidados médicos constantes), intentará a través de estrategias miserables engañarle para que, conmovido por su empatía y bondad, acabe decantándose por él y su equipo. De hecho, en este último caso la manipulación es mutua y la desconfianza entre ambos estratosférica.

La familia del jugador, que al principio del metraje se mantenía al margen, empieza también a tomar partido conforme la puja entre ofertas empieza a alcanzar valores desorbitados que la animan a entrometerse para sacar el máximo rendimiento posible a la situación, cuando al principio eran simples provincianos ignorantes que buenamente esperaban la mejor opción de futuro para su querido hermano y/o hijo, que estaba muy bien aconsejado por ese fantástico mentor que hasta el momento parecía haber cuidado tan bien de él.



La crítica soterrada de la película radica en el simbolismo capitalista y la consiguiente búsqueda del monopolio en forma de jugador, como pieza indispensable para controlar y conseguir rendimiento y beneficios. En este caso, en forma de títulos deportivos que otorguen éxito al equipo que se cuide de formar la mejor alineación posible para cosechar las mayores ganancias posibles. Éxitos deportivos que se acaban traduciendo en rendimientos económicos.

Y como siempre, la visión de Kobayashi radicará en la influencia que tiene el sistema en la vida de los japoneses. En cómo corrompe el capitalismo desbocado la naturaleza del hombre que poco a poco va dejándose arrastrar por los cantos de sirena, hasta que sin darse cuenta se encuentra completamente sumergido en una vorágine sin escapatoria, cuya corriente lo empuja hacia una espiral interminable desprovista de humanidad, donde lo único que importa es el individualismo y la lucha constante por llegar y mantenerse en la cima.

Curiosamente, al final, cuando el personaje más inocente y vulnerable durante toda la trama acaba por ganar la batalla y reírse de todos los demás, no podemos más que pensar que, efectivamente, ya ha sido corrompido y deshumanizado profundamente; arrastrado hasta el abismo y mimetizado con el sistema a la perfección; y ataviado con las nuevas iniciales en su gorra, prepotencia y vanidad, se encuentra a punto de efectuar con una cínica sonrisa que sabe a vencedor, su primer bateo ante la atenta mirada del público expectante, como la nueva y gran estrella del Béisbol japonés profesional.

Life



Peli que cuenta el momento pre STAR absoluta de James Dean con el fotografo D Stock y la célebre sesión para la revista LIFE icónica como todo lo referente a Dean. Anton Corbijn dirige lo que acaba siendo una crítica constructiva hacia el dominante Hollywood dorado...acatas las normas o ya puedes despedirte del triunfo.

Robert Pattinson interpreta al fotógrafo Dennis Stock,a través de su rol y cámara vemos a un Dean pasota...algo desagradable,cariñoso con sus más intimos y siempre rebelde. Dane DeHaan es James Dean; el hombre detrás del mito.A la peli se la tilda de fria,distante y ahí es dónde para mí está su virtud.No es un peliculón...en absoluto.Pero explora los inicios del icono de un modus que personalmente prefiero a otros métodos más ruidosos.Queda un misterio...lo tomas o dejas quizá como el propio James o no.Buena recreación.A mí me ha gustado.

https://www.vintag.es/2018/04/james-...tock-1955.html

6.8/10

¿Qué me podéis contar de la directora norteamericana Dorothy Arzner (1897-1979? La verdad es que su nombre parece haber sido relegado al olvido y es raro, o no, pensando más fríamente, siendo de las pioneras en ejercer esa labor en los USA. Su último film data de 1943 y pertenece al género bélico (¿film de propaganda?), situándose el grueso de su filmografía entre finales de los años 20' y mediados de los 30', la era "precode", que voy barruntando que es clave para comprender lo que pudo pasar.

Veo que en IMDB hay listada una especie de antología de 2017 llamada "Early Women Filmmakers", cuya sinopsis reza "More women worked in film's first 20 years than anytime since. Many have been cut from film history, their contributions lost to time. This collection highlights the contributions of 14 important women directors of cinema's early years.". Tremendo. Borradas de la historia de un mundo de hombres.

¿La conocíais?¿habéis llegado a ver algún film suyo?

Iniciado por Otto+

¿Qué me podéis contar de la directora norteamericana Dorothy Arzner (1897-1979? La verdad es que su nombre parece haber sido relegado al olvido y es raro, o no, pensando más fríamente, siendo de las pioneras en ejercer esa labor en los USA. Su último film data de 1943 y pertenece al género bélico (¿film de propaganda?), situándose el grueso de su filmografía entre finales de los años 20' y mediados de los 30', la era "precode", que voy barruntando que es clave para comprender lo que pudo pasar.

Veo que en IMDB hay listada una especie de antología de 2017 llamada "Early Women Filmmakers", cuya sinopsis reza "More women worked in film's first 20 years than anytime since. Many have been cut from film history, their contributions lost to time. This collection highlights the contributions of 14 important women directors of cinema's early years.". Tremendo. Borradas de la historia de un mundo de hombres.

¿La conocíais?¿habéis llegado a ver algún film suyo?

Síii.Agrego cuando pueda.Interesante directora pero notable poquito a mí parecer,meritoria síi.

Yo estoy con la revisión de Ida Lupino como directora...

Iniciado por Alcaudón

Yo estoy con la revisión de Ida Lupino como directora...

Lo sé, porque yo también , aunque de forma salteada, no cronológica.

Iniciado por Otto+

¿Qué me podéis contar de la directora norteamericana Dorothy Arzner (1897-1979? La verdad es que su nombre parece haber sido relegado al olvido y es raro, o no, pensando más fríamente, siendo de las pioneras en ejercer esa labor en los USA. Su último film data de 1943 y pertenece al género bélico (¿film de propaganda?), situándose el grueso de su filmografía entre finales de los años 20' y mediados de los 30', la era "precode", que voy barruntando que es clave para comprender lo que pudo pasar.

Veo que en IMDB hay listada una especie de antología de 2017 llamada "Early Women Filmmakers", cuya sinopsis reza "More women worked in film's first 20 years than anytime since. Many have been cut from film history, their contributions lost to time. This collection highlights the contributions of 14 important women directors of cinema's early years.". Tremendo. Borradas de la historia de un mundo de hombres.

¿La conocíais?¿habéis llegado a ver algún film suyo?

Sí que he visto algún film suyo.

Las últimas que he visto fueron:

"Dance girl, dance" (1940) con Maureen O´Hara y Lucille Ball, una deliciosa película donde ambas actrices apuntan maneras de grandes estrellas, además con algunos números musicales deliciosos, a mi en especial me encantó la joven O´Hara.

"La mujer sin alma" (1936) con Rossalind Russel y John Boles, que me pareció una gran película, muy bien dirigida e interpretada por todo el cast, eso sí, en ocasiones, algo difícil de seguir con tantos diálogos rápidos en boca de la Russel...

"La reina del boulevar" (1934), con Ann Stenn y Lionel Atwill, que aunque la encontré bien producida y dirigida no me gustó demasiado por culpa de la mediocre actriz protagonista, demasiado envarada intentando imitar a la Dietrich, en fin, para mi fallida.

Estas tres las he visto hace poco y tengo un recuerdo reciente, por eso las he comentado brevemente; ahora, hace ya años vi "Hacia las alturas" con Katharine Hepburn, "La novia vestía de rojo" y "The last of Mrs Cheyney" ambas protagonizadas por Joan Crawford, estas tres me parecieron buenas en su momento.

Iniciado por Alcaudón

Yo estoy con la revisión de Ida Lupino como directora...

Te recuerdo aquel proyecto de hacer un mini-ciclo de películas musicales de la Metro Goldwyn Mayer en glorioso technicolor... no sé si llegará a buen puerto o habrá que esperar pacientemente el turno entre tantas revisiones...

Iniciado por hannaben

Síii.Agrego cuando pueda.Interesante directora pero notable poquito a mí parecer,meritoria síi.

Merrily We Go to Hell



VestidazoS made in TRAVIS BANTON

Bonitas imágenes de Sylvia Sidey de la película "Tuya para siempre"... que no he visto. ¿que tal és?.

Iniciado por cinefilototal

Bonitas imágenes de Sylvia Sidey de la película "Tuya para siempre"... que no he visto. ¿que tal és?.

Menudo título le encasquetaron aquí

Perdonaaaa compicinefilototal...la Sylvia y el Fredric!!! FREDRIC MARCH

Está bien...pero sin pasarse.Se atreve con ciertos temas para eso es Pre Code peeero no salta el trampolín como otras pelis de la época.Y Federico está guapísimo y maravilloso...como siempre.Es de esos pocos actores clásicos pre 1950s a los que imagino perfectamente en el cine actual.

Vista anoche otra de las pocas que me quedaban de Woody Allen: Irrational Man.

De nuevo nos deslocalizamos (Allen en Nueva Inglaterra, bueno, también le pega; y además campus universitario, filosofía etc) y formato del serio (se atisba algun destello oculto de su humor pero es más que nada por como edita: corta muy rápido algunas escenas y genera ese efecto) pero no me parece cercano a sus mejores trabajos. Joaquin Phoenix y Emma Stone (que trabaja mucho con la voz) le dan cuerpo al asunto pero ni uno ni otro se me antojan Alleniticos en esta película.

En no se que escena, cuando hablan de Europa, listan tres posibles sitios donde ir y salvo Paris recitan las películas guiris de Allen: Roma, España, Londres.

Se me pasó, pero no pasa nada. Hoy celebramos que ayer cumplió 78 años, Martin Scorsese. Polémico, discutido y seguramente, uno de los mejores directores de los últimos 45 años.

Black River



Tratando de seguir denunciando las repercusiones de la guerra y mostrar los cambios políticos, sociales y culturales que supuso la forzada apertura del país bajo la supervisión del gobierno norteamericano, kobayashi, después de la experiencia de “The Thick-Walled Room”, abordaría sus dos siguientes films con cautela para evitar de nuevo la censura y verse obligado a cortarlos o a postergarlos. Y así como en “I Will Buy You” señalaba los peligros del capitalismo, que probablemente veía que se le echaría encima al pueblo japonés por influencia directa del sistema yanqui (aunque este no era ni mucho menos un sistema desconocido para el país), en este caso, en “Black River”, pondría el foco en las clases sociales más desfavorecidas y en cómo tenían que lidiar con la oligarquía de un país completamente deprimido, donde todavía existía una estructura económica basada en el sistema de clases donde el poderoso seguía teniendo todos los privilegios.

Y es precisamente en una pobre y mugrienta pensión al lado de una base militar americana, más parecida a un campo de refugiados que a un vecindario, donde el director desarrolla la historia como analogía para criticar las vicisitudes sociales por las que está pasando el país para poner de manifiesto la miseria y el abuso económico que está sufriendo el proletariado. Eso sí, todo ello camuflado bajo el drama de un triangulo amoroso que en forma de romance (duro, nocivo, violento; para nada una historia de amor complaciente o edulcorada) acapara mayoritariamente la atención del espectador para desviar un poco la mirada y suavizar la denuncia.


Empezaremos la historia acompañando a Nishida (Fumio Watanabe), un joven discreto muy bien educado, que malvive pagándose los estudios de ingeniería transportando mercancía industrial empujando un pequeño carro de madera, que está buscando un lugar asequible para vivir que le permita seguir estudiando.

El lugar al que acude es una pensión de mala muerte con agujeros en las paredes, goteras y pasillos desvencijados, que dirige la misma propietaria encargada de arrendar a los diferentes inquilinos, que trata a patadas hasta que consigue que le paguen las cuotas. Solo se reserva cierta simpatía para aquellos que puntualmente, sin importar de dónde saquen el dinero, paguen religiosamente el alquiler. Una miserable mujer obsesionada con el dinero, que aparte de extorsionar como puede a los desgraciados inquilinos, intenta echar a uno de ellos que no duda en tachar de comunista porque trata de poner al vecindario en su contra para exigirle obligaciones como arrendataria.



Una vez instalado en su habitación, el joven Nishida conocerá al resto de inquilinos y sus historias, y enseguida empezará a formar parte de la comunidad y a verse inmiscuido en los mil y un problemas que continuamente tiene que asumir el vecindario, cuya miserable propietaria, que vive lejos y ajena a los mismos, no tiene el más mínimo interés en arreglar; como la mala instalación eléctrica que provoca gastos añadidos a los vecinos, el cuidado de los espacios como la falta de higiene en lavabos comunitarios, o problemas de infraestructura que tienen que ir solventando los propios convivientes.

Entre toda esta retahíla de inconveniencias; duras jornadas de trabajo, falta de tiempo para estudiar o tediosa convivencia con vecinos de toda condición; el joven Nishida reparará en Shizuko (Ineko Arima), una hermosa chica del vecindario que trabaja como camarera, que día tras día, muy bien vestida y acompañada de su sombrilla, se cruza con ella de camino al trabajo.

Pronto establecerán conversación y empezarán a conocerse. Compartirán afición por la lectura y se evidenciará cierta atracción entre ambos que irá creciendo con el tiempo. Pero la chica, que aparte de ser la envidia del resto de mujeres de la comunidad que la tachan de engreída porque no se digna a hablar con ellas, también será el objetivo sexual de Joe (Tatsuya Nakadai), el líder de un grupo de extorsionadores que se ganan la vida delinquiendo y que trabaja como mano derecha de la despreciable propietaria para mantener a ralla a los inquilinos.








A partir de aquí se empiezan a desarrollar dos historias paralelas. Por una parte irá evolucionando la historia de amor, que se verá interrumpida por el mafioso Joe que se interpondrá entre ellos encaprichado completamente por la chica; y por otro lado, comprobaremos cómo un empresario con muchísimo dinero, tratará de comprarle el terreno a la propietaria para especular con el mismo, y empezaremos a ver cómo esta se las apaña para extorsionar e ir echando como pueda a cada uno de los inquilinos, tratando de estafarlos burlando sus derechos legales incluso con la ayuda del propio ayuntamiento sobornado por el acaudalado empresario.


Antes de que Nishida y Shizuko pudieran iniciar su historia de amor; de hecho, todavía no tenían claro si el uno se sentía realmente atraído por el otro; Joe trazará un plan para engañar a Shizuko y empezar una relación con ella. Y el plan no es otro que utilizar a sus secuaces para que la rapten, amordacen y venden los ojos con la intención de violarla, para aparecer él de repente como ángel caído del cielo y salvarla, aprovechando así la oportunidad en ese mismo momento para forzarla a tener relaciones con él como muestra de agradecimiento.

Contextualizando la moral imperante de la época, Shizuko, que pensaba denunciar a Joe a la policía por violarla (aun así, ella desconoce la vinculación de Joe con los secuestradores que también le robaron el bolso y la sombrilla ()), decide obligarle a casarse con ella para sentirse menos mancillada y deshonrada, pero este declina la proposición incapaz de comprometerse con nadie vacilando que se considera un alma libre. Aunque a partir de entonces, la joven será perseguida, controlada y obligada a estar constantemente al lado del violador traumatizada y aterrorizada como si fuera su novia, ante la atenta mirada de Shizuma que la observa desde lejos con rencor, porque aparte de que no entiende la perniciosa relación, se siente traicionado por la joven que no consigue encontrar la oportunidad de estar a solas con él para decirle que le ama y contarle la pesadilla que está viviendo.



Paralelamente veremos como la comunidad trata de sobrevivir día tras día con los pocos medios de los que disponen, ayudándose a regañadientes los unos a los otros compartiendo sus miserias.

También veremos como Joe y su banda tratan de condicionar la convivencia de los vecinos, entre los que se encuentra Nishima, para provocar como puedan su abandono del lugar. Ya sea sobornándoles con cantidades irrisorias de dinero, amenazándolos o robándoles para que deseen irse cuanto antes.

Más tarde, conforme Nishima empiece a darse cuenta de todo lo que hay detrás; tanto de la relación de Shizuko con Joe, como de las intenciones que motivan la extorsión a la que se ven sometidos para abandonar la pensión; el joven decidirá tomar partido y enfrentarse a Joe para ayudar a Shizuko, a la vez que la comunidad de vecinos se pondrá de acuerdo para luchar contra la despreciable propietaria que hace todo lo posible junto con el rico empresario para echarles.

Como se puede comprobar, Kobayashi une ambas lineas argumentales paralelas en tiempo y lugar para que coincidan a la vez en la estructura dramática del film. Y no es casualidad. Otorgándole la misma intensidad a ambas historias al mismo tiempo, consigue camuflar la crítica política que hay de fondo a la vez que remarcarla. Con esos pobres inquilinos que se ponen de acuerdo para luchar con un sistema corrupto que no tardará en pasarles por encima como una apisonadora, y con un desenlace que se avecina igual de violento, desolador y cruel como el que “probablemente” experimentará Shizuko. Y hasta aquí se puede leer...


Kobayashi, como comenté anteriormente en otra crítica, mezcla diferentes formas cinematográficas dependiendo de la escena (es una de las cosas que más me gustan de él). En este caso sucede lo mismo; dependiendo del momento del metraje, los personajes a filmar, o la situación a representar, opta por poner la cámara, iluminar y componer la escena como mejor enfatice la emoción que en esencia quiere subrayar. Sin miedo al artificio o a la sobre exposición técnica.

En cualquier caso, el film irá adquiriendo paulatinamente una atmósfera opresora gracias a una iluminación desasosegante y claustrofóbica, con una fotografía inestable y desequilibrada como sus protagonistas, conforme la historia se va pervirtiendo y volviendo cada ves más nociva para sus personajes. Que a través de un tratamiento Noir, influenciado también como Kurosawa por el cine americano de la época, acabará filmando no solo uno de los mejores films de su filmografía, sino uno de los finales más antológicos de su carrera.

Fan total de las reviews del compi DrxStrangelove

A la espera de la review de varios compañeros sobre películas de su filmografía, hoy se conmemora el centenario del nacimiento de la bellísima Gene Tierney. Nació tal día como hoy, un 19 de noviembre de 1920 en el neoyorquino barrio de Brooklyn. Con lo cual, hubiera cumplido 100 años de no ser porque sus problemas de salud, y en concreto, un enfisema, acabó con su vida a pocos días para cumplir los 71, el 6 de noviembre de 1991.

Una vida llena de luces y sombras, desde una gloriosa década de los 40, con películas para la eternidad y con idilio incluido con el años más tarde Presidente de los Estados Unidos, JFK, hasta una enfermedad mental que la perseguiría durante toda su vida, con episodios severos de depresión y otros, o una hija afectada por ceguera y discapacidad mental, que la hicieron con seguridad una mujer desgraciada durante gran parte de su vida.

De no tener todos estos handicaps, seguramente hubiera acumulado aún más éxitos en su carrera en el cine. Sin embargo, con lo que llegó a hacer, dejó una huella indeleble que llega hasta nuestros días.

Un modesto homenaje a la exquisita Gene Tierney (19 de noviembre de 1920 / 6 de noviembre de 1991)…



LEAVE HER TO HEAVEN (1945, QUE EL CIELO LA JUZGUE)

Copyright 1946 by Twentieth Century-Fox Film Corp.



Director: John M. Stahl.

Producción y distribución: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Productor: William A. Bacher.

Guion: Jo Swerling, basado en la novela homónima de Ben Ames Williams (Boston, 1944).

Dirección artística: Lyle Wheeler y Maurice Ransford.

Decorados: Thomas Little.

Fotografía: Leon Shamroy (en Technicolor).

Música: Alfred Newman.

Montaje: James B. Clark.

Reparto: Gene Tierney (Ellen Berent/Harland), Cornel Wilde (Richard Harland), Jeanne Crain (Ruth Berent), Vincent Price (Russell Quinton), Mary Philips (Señora Berent), Ray Collins (Glen Robie), Gene Lockhart (Dr. Saunders), Reed Hadley (Dr. Mason), Darryl Hickman (Danny Harland), Chill Wills (Leick Thome).

Duración: 1 h 50 m 00 s. (Copia en BD editada por Twilight Time en 2013).

Rodaje: desde finales de mayo hasta mediados de agosto de 1945.

Estreno: 25 de diciembre de 1945.

Recaudación: 5.750.000 dólares (Variety, 8 de enero de 1947).



Seguramente sea LAURA (1944, ídem) de Otto Preminger (director con el que la actriz trabajó hasta en cuatro ocasiones) la película más mítica dentro de la filmografía de la inmarcesible Gene Tierney (1920-1991), además de ser uno de los títulos claves dentro del cine negro norteamericano.



Igualmente no me duelen prendas al admitir que THE GHOST AND MRS. MUIR (1947) de Joseph L. Mankiewicz es seguramente una de las películas más deliciosas (y románticas) de la Historia del Cine.



Y difícil, por no decir imposible, resistirse al encanto a esa loa a la vida y al amor que es HEAVEN CAN WAIT (1943, EL DIABLO DIJO NO) del maestro Ernst Lubitsch.



Sin embargo, el papel de Ellen Berent (luego Harland) que encarna la actriz en LEAVE HER TO HEAVEN (1945, QUE EL CIELO LA JUZGUE) tal vez sea la mejor muestra de su (minusvalorado) talento interpretativo (siempre opacado por su extraordinaria belleza y elegancia), además de servir como nexo de unión entre el cine negro más tradicional y el melodrama más desaforado.



De hecho, puede QUE EL CIELO LA JUZGUE sea el único ejemplo de cine negro rodado en (Techni)color durante los turbulentos años ‘40 o al menos con la entidad suficiente como para engrosar las listas de las mejores películas de todos los tiempos.

Tendríamos que avanzar en el tiempo unos años para encontrar otro título casi tan mítico como el que hoy voy a comentar a continuación.

Me refiero, por supuesto, a NIAGARA (1953, NIÁGARA) de Henry Hathaway, la película que lanzó definitivamente a la fama a otra actriz, Marilyn Monroe (1926-1962)…

Curiosamente, en ambas películas (QUE EL CIELO LA JUZGUE y NIÁGARA), dos actrices igualmente bellas como son Jeanne Crain (1925-2003) y Jean Peters (1926-2000), deberían recibir un reconocimiento mayor porque en ambas cintas demuestran que podían estar a la altura (e incluso por encima, en el caso de Jean Peters) de las auténticas protagonistas.

QUE EL CIELO LA JUZGUE es una película por la que siempre he sentido una extraña fascinación desde que la vi por primera vez en la televisión cuando todavía era niño y, por supuesto, en blanco y negro, lo cual es ciertamente difícil de entender dada la importancia que el color tiene en la puesta en escena del director, el gran (y olvidado) John M(alcolm) Stahl (1886-1950), nacido Jacob Morris Strelitzsky y del que espero que esta reseña sirva de prólogo a la completa revisión que de su obra sonora pretendo llevar a cabo cuando las circunstancias (y el tiempo) lo permitan.

Stahl fue uno de los grandes directores de melodramas del Hollywood de los años ‘30.

De las nueve películas que rodó para la Universal (de 1930 a 1939) hasta cinco de ellas serían objeto de remakes en los años posteriores, con especial énfasis en los modélicos trabajos del gran Douglas Sirk (1897-1987), todos ellos ya comentados en este mismo rincón…

Sin embargo, su etapa en la Fox (de 1943 a 1949) es mucho menos conocida y/o apreciada, aunque la mayor parte de los críticos (y del público) están de acuerdo en considerar QUE EL CIELO LA JUZGUE, su primera película en Technicolor, es su gran obra maestra.

Yo soy el primero, como se verá a continuación, que hable maravillas de la misma, pero me parece completamente injusto olvidarnos de obras de igual calibre como son BACK STREET (1932, LA USURPADORA), ONLY YESTERDAY (1933, PARECE QUE FUE AYER), IMITATION OF LIFE (1934, IMITACIÓN A LA VIDA), MAGNIFICENT OBSESSION (1935, SUBLIME OBSESIÓN) o WHEN TOMORROW COMES (1939, HURACÁN) dentro de su periodo Universal o THE KEYS OF THE KINGDOM (1944, LAS LLAVES DEL REINO) ya para la Fox.

Pero ya es hora de hablar de QUE EL CIELO LA JUZGUE…

Un título, por cierto, que procede de "Hamlet" (1603), de William Shakespeare, en concreto de su acto primero, escena quinta, cuando la Sombra, el padre de Hamlet, le exhorta a no tomarse venganza contra su madre, la cual fue copartícipe de su muerte.

En la traducción más antigua que tengo de dicha obra (Madrid, Aguilar, S.A. de Ediciones, 1951) se usa la expresión “Abandónala al Cielo”, dando a referir que su castigo no ha de venir de los poderes terrenales sino del propio Creador.

Una película donde hay una mujer de arrolladora personalidad.

Una película donde hay dos mujeres enamoradas de un mismo hombre.

Una película donde hay tres actos brutales: un asesinato, un aborto (provocado) y un suicidio…

… y eso a pesar del Código de Producción vigente…

Una película en la que hay cuatro localizaciones:

- Rancho Jacinto, Nuevo México

- Warm Springs, Georgia



- Deer Lake, Maine



- Bar Harbor, Maine



Una película donde hay cinco secuencias magistrales:

- el (mágico) encuentro entre Ellen y Richard en el tren

- el (surrealista) momento en que Ellen esparce las cenizas de su amado (sic) padre

- el (terrorífico) asesinato a sangre fría (por omisión) de Danny a manos de Ellen

- la (cuidada) teatralidad en la puesta en escena con la que Ellen planea que nadie (ni siquiera el hijo que todavía está por nacer) le robe el cariño de Richard

- la (perfecta) venganza que les dejará como legado Ellen a Richard y a Ruth con el fin de evitar que ni siquiera la muerte se lo arrebate de su lado

Nos vendría como anillo al dedo el título de otra película de Otto Preminger no protagonizada por la actriz, FALLEN ANGEL (1945, ¿ÁNGEL O DIABLO?), si lo alteráramos ligeramente, de forma que podríamos considerar a Ruth (Jeanne Crain) como un ángel y a Ellen (Gene Tierney) como un diablo, aunque sería una visión demasiado simplista del excelente guion que Jo Swerling (1893-1964) elaboró a partir del best seller en que se convirtió rápidamente la novela del escritor Ben Ames Williams (1889-1953), un autor que vio varias de sus obras llevadas a la gran pantalla (THE STRANGE WOMAN (1946, LA EXTRAÑA MUJER) de Edgar G. Ulmer, ALL THE BROTHERS WERE VALIANT (1953, TODOS LOS HERMANOS ERAN VALIENTES) de Richard Thorpe).



- Cubierta de la primera edición norteamericana, Houghton Mifflin Company, Boston, 1944 -

Para no alargar en exceso el comentario dado que este tiene una fecha de entrega inexcusable y la parte gráfica me va a llevar su tiempo, centrémonos en esos cinco destellos de genialidad que convierten la película en uno de los títulos capitales del cine de los años ‘40 y más allá del infinito…

Aunque antes me gustaría tomar un pequeño desvío. Será cosa de un momento.

La historia está narrada por uno de los personajes secundarios de la película, Glen (Ray Collins) a un interlocutor no identificado, mediante la técnica del flashback, un recurso en el cine norteamericano de la época y que suele dar muy buenos resultados si se dosifica cuidadosamente.



Glen, amigo de Richard (Cornel Wilde) y de los Berent (la madre (Mary Philips) y sus dos hijas, Ellen (Gene Tierney) y Ruth (Jeanne Crain)), ejercerá de abogado del primero en el juicio por el presunto asesinato de Ellen a manos de Ruth.

Sin embargo, a poco que nos demos cuenta estamos, al igual que en el caso de CITIZEN KANE (1941, CIUDADANO KANE) de Orson Welles, ante un flashback que se revela un mero artificio pues es imposible que Glen sea partícipe de los acontecimientos que veremos desfilar ante nuestros ojos pues únicamente los propios protagonistas fueron testigos de los mismos.

Retomemos el hilo momentáneamente abandonado…

Primera secuencia:

El (casual) encuentro en el tren en el que viajan los protagonistas y que nos puede recordar poderosamente a los amigos del foro Hitchcock aquel otro encuentro (¿también casual?) entre Guy (Farley Granger) y Bruno (Robert Walker) en, lógicamente, STRANGERS ON A TRAIN (1951, EXTRAÑOS EN UN TREN).





Si en una el contacto se produce por un simple tropiezo, en la otra será debido al sopor producido por la lectura del libro de su (futuro) interlocutor, como ella le indicara inocentemente a él antes de saber que es el autor del mismo.



- No sería baladí el comentar que si la primera novela de Richard se llama “Tiempo sin fin”, la segunda se titulará “El pozo profundo”.



Dos formas inteligentes de aludir a la condición por la que pasará el protagonista masculino, desde el hastío de una vida monótona y sin alicientes hasta el abismo al que será arrastrado por Ellen en su locura de amor. -

Esa primera mirada y que tan nervioso pone a Richard, será el percutor que encenderá la mecha del amor sin barreras que desencadenará toda la trama que sirve que armazón a la película.





Dejo la captura de pantalla que tenía prevista de esa primera mirada de Ellen para el final porque quiero que la comparéis con la primera mirada que Ruth le dedica a Richard.

En una se adivina un atisbo de locura, con esos ojos que miran fijamente sin siquiera parpadear.

En la otra se atisba una sonrisa. Es una mirada limpia, sin dobleces, admirativa.

Os invito a que observéis la perfecta simetría que se establece entre ambas al final del comentario. A mí, al menos, me ha parecido un toque genial.

Segunda secuencia:

Si la mirada ha sido el percutor, la estancia de Richard y de los Berent en el rancho de Glen y de su familia, será lo que haga avivar el fuego, la abrasadora pasión, entre él y Ellen o más bien, entre Ellen y él. En este caso, el orden de los factores sí altera el producto.



Allí asistiremos a la brontëana escena en la que Ellen casi como si estuviese en trance esparce al viento las cenizas de su amado padre.



Uso el adjetivo brontëano porque me parece un pasaje extraído de la maravillosa (y delirante) “Cumbres Borrascosas” (1847), la única novela que escribió Emily Brontë.

De hecho, creo que la novela de la mediana de las Brontë tiene muchos elementos de contacto con la película de Stahl.

Richard se dejará seducir por la belleza irreal de Ellen de una forma tan drástica, casi como si hubiese caído víctima de un hechizo (y ciertamente la hermosura celestial de la actriz acentúa todavía más tal hecho) y aceptará desconcertado, aunque gozoso (aunque con un mohín de disgusto) la proposición de matrimonio que ella le espeta delante de su ex-prometido, Russell (Vincent Price).











Más adelante, en el tramo final de la película, durante el juicio veremos que al igual que Ellen, Russell tratará de tomarse cumplida venganza por la humillación sufrida al ser rechazado delante de todos por aquella.



También conoceremos a la dulce Ruth, una igualmente bellísima Jeanne Crane, una actriz que pienso reivindicar en esta modesta reseña, especialmente después de haber revisado para el rincón de Elia Kazan su excelente labor interpretativa en la atractiva PINKY (1949, ídem).



- Y si como decía Gene trabajó en cuatro películas de Preminger, Jeanne – curiosa similitud entre los nombres… - lo hizo en tres.

La primera sería la musa del director en sus incursiones en el cine negro mientras que la segunda encarnaría otro tipo de mujer completamente distinto en un registro menos conocido (y apreciado) del maestro. -

Mientras que Ellen siempre lleva vestidos glamurosos y de colores vibrantes, Ruth optará por los cortes sencillos y los tonos claros. Todo ello acorde con la personalidad de cada una de las dos mujeres. Una que siempre quiere ser el centro de atención y la otra, por el contrario, pasar desapercibida.

Por ejemplo, en la primera cena en el rancho, Ellen lucirá un espectacular vestido rosa con motivos florales y Ruth, en cambio, uno blanco y sin ornamentaciones.





Además, el personaje de Ellen estará asociado al agua y el de Ruth a la tierra.

En una curiosa escena simétrica (o más bien especular – algo, por cierto, que ya hemos visto en los melodramas de Douglas Sirk… -) Ellen se le aparecerá a Richard mientras este trabaja en su siguiente libro como una náyade, mientras que Ruth lo hará desde el cielo, recortando los rosales.





Esa asimilación entre Ellen y el agua será todavía más evidente en el siguiente apartado en la escena más impactante de toda la película y el motivo principal por el que la misma puede ser adscrita con toda justicia dentro de lo más granado del cine negro.

Tercera secuencia:

La aparición de Danny (Darryl Hickman), el hermano pequeño de Richard, a la vida de Ellen será un jarro de agua fría en las expectativas de esta de que ella sea el único centro de interés de su marido.

La aparente cordialidad con la que ella trata a Danny al principio no es más que el guante de terciopelo que esconde el puño de hierro con el que ella pretende monopolizar a su marido.



De nuevo esa mirada gélida en una persona que es incapaz de entender el amor ajeno y que ve en todos los que rodean a su marido como enemigos de su (imaginada) felicidad.



La escena de la muerte de Danny a manos de Ellen en el lago es, todavía hoy en día, una de las más crueles y perturbadoras que pueden verse en el cine clásico norteamericano.

Y un ejemplo pluscuamperfecto de planificación por parte del director, Stahl, que inteligentemente prescinde de la música, creando de esta forma una atmósfera todavía más angustiosa.

Y una imagen que nos quedará para siempre en las retinas.

Ellen, con las gafas de sol puestas, asistiendo imperturbable a la muerte de Danny.





Sobran las palabras.

Y mientras Ruth, la dulce Ruth, que poco a poco va vistiéndose de colores más cálidos y que sirve de perfecto contraste con el blanco puro del albornoz de Ellen.





Curiosa inversión de roles a través del uso del color, elemento decisivo a la hora de acentuar los elementos dramáticos de la trama y los estados de ánimo de los personajes.

Cuarta secuencia:

Tras la muerte de Danny, Ruth aconsejará a Ellen que esta le de un hijo a Richard para sacarle así del estado de profunda depresión en la que ha caído.



Sin embargo, el embarazo de Ellen no hará más que disparar los celos de esta que empezará a ver a Ruth, a la que hasta ahora no había hecho más que ignorar (o tratar con indulgencia, no sé lo que es peor), como a una rival por el afecto de su marido.



Si en el lago Ellen cometió un asesinato, en su casa provocará la muerte de su propio hijo por el que jamás sintió el más mínimo afecto (son terroríficas las palabras que le espeta a Ruth: “ Odio a la pequeña bestia. Ojalá se muriera”).



La forma en la que Ellen coreografía toda la acción bien podría ser el epítome del famoso libro de Thomas De Quincey, “Del asesinato considerado como una de las bellas artes” (1827).

Ellen, radiante, perfectamente maquillada y con un bellísimo salto de cama de color azul cielo, se tirará por las escaleras y de esta forma y aun a riesgo de su propia vida eliminará de un plumazo el siguiente de los obstáculos que se cruzan en su camino hacia el completo monopolio del cariño de su esposo.









- Una escena que bien podría haber rodado el maestro Hitchcock -

Creo que sólo el psicópata asesino encarnado por el gran Richard Widmark en la magistral KISS OF DEATH (1947, EL BESO DE LA MUERTE) de Henry Hathaway podría hacerle sombra a la Ellen de esta película.

Quinta secuencia:

La última decisión que le queda a Ellen por tomar, viéndose incapaz de recobrar el amor de su marido, será la más drástica de todas.



Una decisión que tiene como única misión el asegurarse de que Richard y Ellen, no lleguen a consumar en vida el amor que ha surgido entre ellos entre tantas adversidades.



"Nunca te dejaré ir, Richard. Nunca."

La farsa de juicio en el que se ven inmersos ambos y que seguramente no hubiera sido posible en la vida real dado que el fiscal estuvo involucrado sentimentalmente con la víctima acentúa el carácter inquisitorial del personaje, lo cual no deja de ser curioso dado que Ellen bien podría haber sido una de esas brujas que se quemaron en Salem por la forma en la que cautivó a Richard.







El personaje de Richard, bien encarnado por el poco apreciado Cornel Wilde (1912-1989), es ciertamente el más endeble de todo el entramado.

Las dos mujeres que luchan por su amor, aunque en distintos términos, serán las que den el primer paso.

Primero Ellen cuando pida su mano en matrimonio. De nuevo inversión total de los roles.



Segundo Ruth cuando admita delante del jurado y del público que siempre ha amado a Richard.



Richard siempre se dejará llevar. Primero por el deseo que siente por Ellen y luego por el amor que surge de la relación cotidiana con Ruth.

Ellen es el ideal. Ruth es la realidad.

No quiero alargarme más aunque la película, como obra maestra que es, da para hablar de ella y sobre ella durante horas y horas.

Sí me gustaría destacar antes de cerrar el comentario la espléndida puesta en escena de John M. Stahl y que este vehiculiza a través de la perfecta labor conjunta entre los directores artísticos, Lyle Wheeler y Maurice Ransford, y el decorador, Thomas Little y el director de fotografía Leon Shamroy, impecablemente asesorado en el uso del Technicolor por Richard Mueller.

Y sin olvidarnos del impresionante vestuario de Kay Nelson que la actriz luce a lo largo de toda la película.











Y es que uno de los mayores aciertos de la película, aparte de la inolvidable interpretación de Gene Tierney (y que además le supondría su única nominación a los Oscar en toda su carrera), es el impecable uso del color – merecido Oscar de Shamroy – a la hora no sólo de caracterizar a los personajes y los entornos en los que se mueven sino especialmente para enfatizar las escenas más dramáticas de la película.

Y la obsesión de Stahl de filmar los espacios cerrados, como vemos en el rancho de Glen, en la cabaña en el refugio de montaña de Richard o en la sala de juicios, destacando los techos mediante tomas cenitales, se verá inteligentemente contrastada con los espacios ilimitados de la naturaleza, como en el entorno que rodea el rancho o en el lago en el que perecerá Danny.











Las mieles del éxito:

QUE EL CIELO LA JUZGUE se convirtió en un extraordinario éxito de taquilla.

Si leemos el número del 8 de enero de 1947 de la popular revista Variety veremos que la misma se convirtió en la segunda más taquillera del año, con unos prodigiosos 5.750.000 dólares de recaudación, sólo por detrás de la imbatible THE BELLS OF ST. MARY (1945, LAS CAMPANAS DE SANTA MARÍA) de Leo McCarey (8.000.000 de dólares).

En el mismo listado y en el que aparecen todas las producciones con recaudaciones superiores a los 2.250.000 dólares, encontramos en el puesto n.º 16 MARGIE (1945, CÓMO LE CONOCÍ) de Henry King y protagonizada por Jeanne Crain. Y en puesto n.º 37 DRAGONWYCK (1946, EL CASTILLO DE DRAGONWYCK) de Joseph L. Mankiewicz, con Gene Tierney en el reparto.

En la misma página en la que aparece el listado con las películas más taquilleras aparece otro con las estrellas más rentables de la gran pantalla.

Y si Gene Tierney ocupa el 9º puesto (lógicamente Bing Crosby e Ingrid Bergman encabezan la lista), Jeanne Crain está sólo un poquito más atrás, en el n.º 11.

Ah, y Cornel Wilde en el n.º 20…

No tuvo igual suerte en los Oscar la película pues a pesar de estar nominada en 4 categorías únicamente ganó en la de mejor fotografía en color.

Al menos se reconoció uno de los valores fundamentales en la puesta en escena de John M. Stahl, como decía al principio, la mejor película de cine negro rodada en color de todos los tiempos.

Ahí es nada.

Feliz día, y buena suerte.

Y ojalá en el Cielo en el que no creo me encuentre con un ángel con la forma de la actriz que hoy ha sido objeto de este modesto pero sentido homenaje.



…

CURIOSIDADES:

Las simetrías en las miradas:





Las simetrías en los diálogos:

LEAVE HER TO HEAVEN (1945, QUE EL CIELO LA JUZGUE) de John M. Stahl.

ELLEN: Oh, I love you so, Richard. (1 h 27 m 38 s)



VERTIGO (1958, DE ENTRE LOS MUERTOS) de Alfred Hitchcock.

SCOTTIE: I loved you so, Madeleine. (2 h 06 m 57 s)



…

ADENDA:

Filmografía de John M. Stahl en los años ‘40:

1941 / OUR WIFE

1943 / IMMORTAL SERGEANT / EL SARGENTO INMORTAL

1943 / HOLY MATRIMONY

1944 / THE EVE OF ST. MARK

1944 / THE KEYS OF THE KINGDOM / LAS LLAVES DEL REINO

1945 / LEAVE HER TO HEAVEN / QUE EL CIELO LA JUZGUE (Technicolor)

1947 / THE FOXES OF HARROW / DÉBIL ES LA CARNE

1948 / THE WALLS OF JERICHO / MURALLAS HUMANAS

1949 / FATHER WAS A FULLBACK

1949 / OH, YOU BEAUTIFUL DOLL (Technicolor)

...

Filmografía de Gene Tierney en los años ‘40:

1940 / THE RETURN OF FRANK JAMES / LA VENGANZA DE FRANK JAMES / Fritz Lang (Technicolor)

1940 / HUDSON’S BAY / EL RENEGADO / Irving Pichel

1941 / TOBACCO ROAD / LA RUTA DEL TABACO / John Ford

1941 / BELLE STARR / Irving Cummings (Technicolor)

1941 / SUNDOWN / CUANDO MUERE EL DÍA / Henry Hathaway

1941 / THE SHAGHAI GESTURE / EL EMBRUJO DE SHANGHAI / Josef von Sternberg

1942 / SON OF FURY: THE STORY OF BENJAMIN BLAKE / EL HIJO DE LA FURIA / John Cromwell

1942 / RINGS OF HER FINGERS / Rouben Mamoulian

1942 / THUNDER BIRDS: SOLDIERS OF THE AIR / William A. Wellman (Technicolor)

1942 / CHINA GIRL / INFIERNO EN LA TIERRA / Henry Hathaway

1943 / HEAVEN CAN WAIT / EL DIABLO DIJO NO / Ernst Lubitsch (Technicolor)

1944 / LAURA / LAURA / Otto Preminger

1945 / A BELL FOR ADANO / LA CAMPANA DE LA LIBERTAD / Henry King

1945 / LEAVE HER TO HEAVEN / QUE EL CIELO LA JUZGUE (Technicolor)

1946 / DRAGONWYCK / EL CASTILLO DE DRANGONWYCK / Joseph L. Mankiewicz

1946 / THE RAZOR’S EDGE / EL FILO DE LA NAVAJA / Edmund Goulding

1947 / THE GHOST AND MRS. MUIR / Joseph L. Mankiewicz

1948 / THE IRON CURTAIN / EL TELÓN DE ACERO / William A. Wellman

1948 / THAT WONDERFUL URGE / ESE IMPULSO MARAVILLOSO / Robert B. Sinclair

1950 / WHIRPOOL / VORÁGINE / Otto Preminger

1950 / NIGHT AND THE CITY / NOCHE EN LA CIUDAD / Jules Dassin

1950 / WHERE THE SIDEWALK ENDS / AL BORDE DEL PELIGRO / Otto Preminger

...

Filmografía de Jeanne Crain en los años ‘40:

1944 / HOME IN INDIANA / Henry Hathaway (Technicolor)

1944 / IN THE MEANTIME, DARLING / Otto Preminger

1944 / WINGED VICTORY / CITA EN LOS CIELOS / George Cukor

1945 / STATE FAIR / Walter Lang (Technicolor)

1945 / LEAVE HER TO HEAVEN / QUE EL CIELO LA JUZGUE (Technicolor)

1946 / CENTENNIAL SUMMER / Otto Preminger (Technicolor)

1946 / MARGIE / CÓMO LE CONOCÍ / Henry King (Technicolor)

1948 / YOU WERE MEANT FOR ME / Lloyd Bacon

1948 / APARTMENT FOR PEGGY / George Seaton (Technicolor)

1949 / A LETTER TO THREE WIVES / CARTA A TRES ESPOSAS / Joseph L. Mankiewicz

1949 / THE FAN / Otto Preminger

1949 / PINKY / PINKY / Elia Kazan

1950 / CHEAPER BY THE DOZEN / TRECE POR DOCENA / Walter Lang (Technicolor)

Espléndido comentario, Alcaudón, te has superado a ti mismo si es que eso es posible. Por razones personales que ya conocéis, no creo que me sume a este homenaje a Gene Tierney con mi comentario, pero sí que hago constar que me parece la actriz más fascinantemente bella del Hollywood clásico. Os leeré con gusto.