Tema: Luchino Visconti: revisando sus películas

Qué interesante,me gusta la chica.A pendientes va.

Obsesión (Ossessione, 1943)



La gestación del debut de Visconti tras la cámara tiene un largo recorrido. El primer paso se dio en París, en 1936, durante el rodaje de Une partie de campagne, cuando el director del film, Jean Renoir, entregó a Visconti, que colaboraba en la película como ayudante de dirección, una traducción mecanografiada al francés de la novela de James M. Cain, “The Postman Always Rings Twice”, publicada en 1934, traducción que le había proporcionado otro director francés, Julien Duvivier.

Suponemos que Visconti guardó esa traducción en algún cajón, mientras se dedicaba a otros menesteres. Mientras tanto, en 1939, se filma la primera adaptación de la novela de Cain, Le dernier tournant, de Pierre Chenal. En ese mismo año, Visconti se reencuentra con Renoir en Roma, a donde el director francés se había desplazado para el rodaje de Tosca, versión de la obra del mismo título del dramaturgo Victorien Sardou que Puccini convirtió en ópera. Visconti colaboró en el guion de la película, aunque sin acreditar, y como ayudante de dirección. El estallido de la II Guerra Mundial provocó que Renoir tuviera que abandonar el proyecto, finalizado y firmado por el alemán Carl Koch. Visconti comienza a mostrar interés por la dirección, siendo su proyecto inicial la adaptación de un relato de Giovanni Verga. Pero la obra realista de Verga no era la más adecuada en plena dictadura fascista, con el país embarcado en una guerra. Así que Visconti sacó del cajón aquel texto de Cain y se lanzó a su adaptación cinematográfica. Curiosamente, parece ser que las obras de Cain se toleraban en la Italia mussoliniana, porque daban una imagen crítica de la sociedad capitalista norteamericana.

Para la tarea, Visconti se rodeó de un conjunto de jóvenes colaboradores, claramente desafectos al régimen, vinculados a la revista milanesa Cinema, que, paradójicamente, dirigía el hijo del Duce, Vittorio Mussolini. Comunistas eran los tres guionistas acreditados: Mario Alicata (que era uno de los editores de “L’Unità”, el órgano oficial del PCI), Giuseppe De Santis (director de cine y responsable de un film clave en la cinematografía italiana, como es Riso amaro) y Gianni Puccini (también director, con casi una veintena de títulos en su filmografía). Además, participó Alberto Moravia, revisando el guion y reescribiendo algunos diálogos, aunque sin acreditar, probablemente por ser de origen judío por vía paterna.

La adaptación traslada la acción de la California de la época de la Gran Depresión a la Italia del momento, y lo hace de tal manera que, al menos vista hoy en día, la película puede tomarse por una historia veraz generada a partir de experiencias propiamente italianas, algo que se ve reforzado por la ausencia del nombre de Cain en los títulos de crédito, ya que no se disponía de los derechos sobre la obra (lo que impidió su estreno en Estados Unidos hasta 1976), debido a que la MGM estaba ya preparando la que sería la primera adaptación norteamericana, dirigida por Tay Garnett.

Y la adaptación viscontiniana sabe elegir perfectamente una selección de ambientes y personajes perfectamente ajustados. Por un lado, geográficamente, la acción se desarrolla en los alrededores de Ferrara (ciudad en la que se vivirán algunos momentos del film), con una extensión hasta la ciudad portuaria de Ancona, en la costa adriática. La escena inicial, mientras aparecen los títulos de crédito, ya es una declaración de principios: vemos la carretera desde el interior de la cabina de un camión, mediante un travelling que nos trasmite esa idea de itinerancia que encarna perfectamente el protagonista, Gino Costa.



Gino es un personaje de aspecto imponente, a pesar de su ropa sucia y raída y su aspecto sudado y fatigado. Dice tener conocimientos de mecánica y haber sido en algún momento bersaglieri (cuerpo del ejército italiano). Viajero como polizón en el camión, se va a ver forzado a apearse frente a la trattoria Bragana, de aspecto destartalado, en la que hay también un puesto de gasolina. Visconti nos revela la totalidad de la localización mediante un majestuoso movimiento de grúa, que, desde luego, no parece en absoluto algo propio del cine neorrealista.

La trattoria está regentada por Giuseppe Bragana, un afable pancione, que comparte con Gino el haber sido bersaglieri. A su lado, en la cocina, encontramos a Giovanna, su esposa. Visconti nos la presenta en una escena que es pura dinamita. Primero, nos muestra sus piernas desnudas, balanceándose mientras está sentada sobre la mesa de la cocina, ante la mirada atenta de Gino.



Un primer plano de Giovanna y un rápido acercamiento de la cámara al rostro de Gino nos transmite la atracción irresistible que se establece al momento entre hombre y mujer. La frase de Gino es toda una invitación a la lujuria: “si mangia qui?”.

Ya tenemos a los tres personajes sobre los que gira la trama triangular del film (y de la novela). Lógicamente, la elección de los actores era un elemento clave a la hora del éxito del film, y el resultado es perfecto. Massimo Girotti, del que ya hemos hablado un poco en post anteriores, es Gino, un bello macho, quizá junto al Stanley de Brando una de las presencias más arrolladoras físicamente que recuerdo en una pantalla. Clara Calamai, que ya era en aquel momento una estrella, protagonista de muchos films considerados “oficiales”, daba una pátina de respetabilidad a un film conflictivo, y a la vez dotaba de verosimilitud al personaje, mucho más que la sublimada aparición de Lana Turner en el film de Garnett. Como ya se ha comentado con anterioridad, la primera actriz elegida para el papel fue Anna Magnani, pero su embarazo la dejo fuera de la película. Por último, el vasco Juan de Landa (doblado para la ocasión) es Giuseppe, una muestra de la “buena relación” entre la cinematografía de la España franquista y la italiana fascista (por ejemplo, De Landa actuó también en Frente de Madrid, dirigida por Edgar Neville en 1939 y rodada en Roma).



Atraído por una treta de la mujer, que le dice al marido que Gino se ha ido sin pagar, cosa que es falsa, la relación carnal entre ambos se establece de inmediato.



Giovanna ha encontrado en el bonachón Giuseppe la seguridad, el refugio, que le ha permitido dejar atrás una vida de cafés e “invitaciones masculinas” (una forma indirecta de referirse a la probable necesidad de prostituirse). Pero la relación con su marido, poco favorecido físicamente y mucho mayor de edad, junto al trabajo agotador de la trattoria, no le es satisfactoria, por lo que la presencia de un macho bello y joven, como Gino, tiene un efecto fulminante.

Gino le propone lanzarse a la carretera e iniciar una nueva vida, pero Giovanna se echa atrás, no está dispuesta al vagabundeo de Gino.


Él, por su parte, continuará viaje, recalando en Ancona, junto a un nuevo compañero que ha conocido en el tren, al que llaman lo spagnolo (Elio Marcuzzo), aunque no porque sea español (como equivocadamente se dice en alguna monografía), sino porque ha vivido en España durante algún tiempo.



“Lo spagnolo” se dedica a ir de pueblo en pueblo con unos pájaros que “adivinan” el futuro eligiendo una tarjeta (atracción que estaba aún bien viva durante mi infancia). Se nota que “lo spagnolo” siente una especial atracción por Gino, en un apunte de homosexualidad que es cosecha propia de la película, ya que está completamente ausente de la obra de Cain.

Será en Ancona donde, casualmente, Gino se reencuentre con los Bragana. El marido, Giuseppe, quiere participar en un concurso de canto, en el que interpreta una aria de “La Traviata”, con notable éxito. Luego, Gino acuerda regresar a la trattoria con el matrimonio. Durante una parada en un garaje, los amantes se besan apasionadamente. Un bebido Giuseppe conduce el coche, de noche. Se para un momento a descansar, mareado. Quiera volver al volante, pero le convencen de que conduzca Gino. Con medias palabras, la pareja de amantes decide el destino de Giuseppe. El vehículo se funde en la oscuridad de la noche, pero la música de Giuseppe Rosati nos da a entender que algo grave va a pasar. Visconti elide el momento clave del film, mediante un corte brusco que nos lleva del coche desvanecido en la negrura, al resultado del accidente que han sufrido, como consecuencia del cual morirá el marido.

De vuelta en la trattoria, pesa sobre la pareja el recuerdo del muerto. Él quiere irse, pero Giovanna plantea que se casen y continúen el negocio. Durante una fiesta, lo Spagnolo visita a Gino, y le propone que continúen juntos hacia el sur de Italia, pero Gino se niega, y acaban peleándose (una pelea que tiene algo de disputa entre amantes).

De visita en Ferrara, mientras Giovanna descubre que su marido tenía una póliza de seguros que la beneficia con 50.000 liras, Gino conoce una joven bailarina (que se prostituye), Anita (Dhia Cristiani).



Cuando después Giovanna le cuenta lo de la póliza, Gino cree haber sido utilizado por la mujer. Rompe con ella y visita a Anita (momento que nos proporciona unas imágenes de marcado tono neorrealista por las calles de la ciudad), con la mala fortuna de que los verá Giovanna.



Esta amenaza a su amante con contarlo todo a la policía, sin saber que esta ha iniciado una investigación ya que sospecha que la muerte de Giuseppe ha sido intencionada. Gino tiene el tiempo justo de escapar del acecho policial por los tejados de la casa de Anita.

Celos, remordimientos, persecución policial, y el embarazo de Giovanna, precipitan los acontecimientos, llevándolos a huir. Visconti parece querer cerrar el círculo del destino (algo que suena muy languiano ), al mostrarnos, como contraimagen de la secuencia con la que abre el film, a los amantes en fuga filmados frontalmente mientras el coche avanza por la carretera. Pero la fatalidad se abate sobre ellos en forma de accidente de tráfico, este sí real, cuando Gino intenta adelantar un humeante camión por la derecha. Casi se podría cerrar el film con aquel dicho bíblico de “quien a hierro mata, a hierro muere”.

El debut de Visconti me parece excelente, un film enorme, sorprendentemente sólido para estar dirigido por un principiante (aunque tuvo un buen maestro en Renoir). Se comenta que, a pesar de ser novato, Visconti mostró durante el rodaje un gran seguridad y destreza técnica. Calamai comentó también que fue un director-dictador, lo que no le impidió enamorarse “locamente” de Luchino.

Estrenada en mayo de 1943, la película se prohibió en algunas ciudades, y pronto fue retirada de la circulación, aunque se dice que Mussolini la vio en su residencia de Villa Torlonia y la autorizó. No obstante, parece ser que el gobierno acabó destruyendo el negativo, aunque afortunadamente Visconti consiguió salvar una copia del film.

Magnífico inicio de ciclo, que completaré en otro post con una breve comparativa con la novela de Cain. Y con la próxima entrega seguirá la revisión “por todo lo alto” con la espléndida La terra trema, esta vez sí adaptando a Giovanni Verga.

Siempre le he tenido una tirria especial a está novela...A sus adaptaciones realmente.

No me gusta nada la versión Nicholson y Lange...Y no por ser mala precisamente, es muy buena...La del 1946 americana, nunca me ha llamado, y Obssessione, la verdad es que tampoco.

Es como ¨que el cielo la juzgue¨...Son films que nunca me gustaron nada..

La trama central de la película es similar a la novela,adaptación que encaja con el tono de Cain y es neorrealista total.

El trotamundos Gino (maravilloso y guapísimo Massimo Girotti) se detiene en un bar de carretera, próximo a Ferrara donde conoce a Giovanna (Clara Calamai), casada con el propietario del establecimiento, Giuseppe Bragana, un hombre mayor que la ha sacado de la calle.

Entre ambos surge una pasión arrebatada, que junto al hastío de Giovanna hacia su marido..culmina la fuga de los amantes. Pero Giovanna siente un gran apego por la seguridad económica que le ofrece su marido y regresa al hogar.

Gino sigue su viaje solo y aparece Lo espagnolo.

Esos planos a Massimo Girotti están hechos con amor del bueno...a Visconti le molaba lo cual es comprensible totalmente. Visconti,homosexual reconocido,plantea levemente una atracción fisica entre Gino y Lo espagnolo...que queda en el imaginario o no...


Gino no puede olvidarse de Giovanna...tras un encuentro casual,los amantes deciden acabar con la vida de Bragana. Después de tan terrible suceso,la pareja es incapaz de soportar el sentimiento de culpa y remordimiento,que poco a poco va destruyendo su relación.

Con fotografía de Domenico Scala y Aldo Tonti y música de Giuseppe Rosati de aires festivos añadiendo fragmentos de varias óperas.. atención al concurso de canto popular maravilloso,impagable momento.

Película pionera del movimiento neorrealista, nos muestra un retrato misero y cruel de la Italia de Mussolini fusionado notablemente con un relato pasional.

Estupenda opera prima.
7.7/10

“El cartero siempre llama dos veces” (“The Postman Always Rings Twice”, 1934), de James M. Cain
Vs.
Obsesión (Ossessione, 1943), de Luchino Visconti

He leído la traducción al castellano (diría que hecha en Argentina o en todo caso en Latinoamérica, por algunas expresiones que se usan) publicada por El País hace unos años. Lo primero que contrasta con el film de Visconti es que está narrada en primera persona por el protagonista, el vagabundo Frank Chambers. Al final del texto, sabremos que lo que cuenta lo hace desde la prisión, a la espera de su ejecución.

El inicio es similar al film. Chambers deambula por el país, a bordo de trenes y camiones. Llega al restaurante “Los Robles Gemelos”, que regenta el griego Nick Papadakis, situado a unos 30 km de Los Angeles. Allí experimenta una atracción irresistible por la mujer del viejo propietario, Cora Smith. Nos la describe de la siguiente manera: “salvo su cuerpo, en verdad, no era ninguna belleza arrebatadora, pero tenía una mirada hosca y los labios salidos de un modo que me dieron ganas de aplastárselos con los míos”. Esta Cora, de cabellos negros, me parece más cercana a la Calamai, e incluso a Jessica Lange, que a Lana Turner.

Como en el film, Nick tiene tendencia a cantar, y es un tipo afable y comunicativo. A semejanza del Giuseppe de Visconti, es un tipo grasiento “y apesta”, que asquea a Cora. La mujer trabajaba en un café cuando conoció a Nick. En él vio una forma de huir de una vida miserable, a la que había caído cuando llegó a Los Angeles, procedente de Des Moines (Iowa), a la búsqueda de una oportunidad en Hollywood, uno de tantas mujeres deslumbradas por la luz artificial de la capital del cine, y caídas en una vida de miseria y degradación.

De inmediato, inician una relación de amantes y pasan a planear el asesinato de Nick. El primer intento se ve frustrado por un apagón de luz provocado por un gato (primera ironía del destino). Como en el film, con Nick convaleciente, hay un primer intento de fugarse juntos, pero Cora se echa atrás. Más adelante, Nick, ya recuperado, se encontrará a Frank y retornaran juntos al restaurante.

En la novela, los preparativos de la muerte de Nick y la forma en que llevan a cabo el asesinato están claramente descritos, Cain no recurre a la elipsis de Visconti. También aquí hay una póliza de vida, de 10.000 dólares, que pone el foco sobre la mujer y su supuesto amante.

Detenidos y llevados a juicio, hace su aparición un abogado llamado Katz (en alemán, “gato” es “Katze”, nueva ironía del destino), que mediante una algo confusa maniobra con las compañías aseguradoras consigue que salgan libres de cargos y con los 10.000 dólares en el bolsillo.

La pareja tira adelante el negocio del restaurante con éxito, pero Frank no puede sacarse de la cabeza la muerte de Nick. Durante un ausencia de Cora, que ha ido a visitar a su madre, Frank conoce a una muchacha, Madge, que se dedica a cazar y vender… grandes felinos: “miau”. Pero, aunque ella le propone irse de cacería a Nicaragua, Frank regresa con Cora.

A la vuelta de Cora de Iowa, se presenta Kennedy, un detective que trabajó con Katz, con la intención de chantajearlos, ya que está en posesión de una declaración de Cora contando toda la verdad, algo a lo que recurrió en su momento el abogado Katz como parte de su astuto plan. Pero Frank, como si de un detective en el más puro estilo hard boiled se tratase, se deshace de Kennedy y sus matones.

Pero justo en ese momento, Madge se cruza en su camino de nuevo, enviando a Frank un cachorro de puma como regalo. Despechada y celosa al descubrir la infidelidad de Frank, Cora le amenaza con ir al fiscal. Pero su embarazo los lleva al matrimonio. Después de la ceremonia, van a la playa a nadar, donde Cora se siente indispuesta. Rápidamente, Frank la lleva al hospital, pero durante el trayecto, al intentar adelantar por la derecha a un camión que frena su marcha, sufren un accidente que ocasiona la muerte de Cora.

Cuando Frank recupera el conocimiento oye algo espantoso: “Era como si la lluvia cayera sobre una chapa de cinc, pero no era aquello. Era la sangre de Cora que goteaba sobre el capot, a donde su cuerpo había ido a parar después de atravesar el parabrisas. Se oían sonar muchas bocinas y la gente venía corriendo a auxiliarla. La levanté e intenté contener la sangre, mientras le hablaba y lloraba, y la cubría de besos. Pero aquellos besos no llegaron. Estaba muerta”.

En las últimas páginas, Frank nos cuenta sucintamente el final de la historia. El juicio, en que fue condenado sin que Katz, que vuelve a hacer su aparición en escena, pueda evitarlo (eso sí, de paso, se embolsa todo el dinero, los 10.000 dólares de la póliza incluidos, y todas las propiedades). El jurado solo necesitó cinco minutos de deliberación, y el juez dijo “que me tendría la misma clemencia que podría concederle a un perro rabioso”. Frank, mientras espera en capilla que llegue el momento de la ejecución, escribe el relato, y se despide con una frase en que apela a nosotros, lectores: “Si habéis llegado hasta aquí, elevad una [oración] por mí y por Cora, para que estemos juntos, sea dónde sea”. El círculo del destino se cierra.

El estilo de Cain es seco y descarnado, cortante. Su visión del drama es fatalista, como si el destino se cerniera sin piedad sobre los dos amantes. Creo que Visconti sabe recoger la esencia en su film, la mezcla de pasión y crítica social que destila la novela. Las diferencias más notables son el estilo narrativo, puesto que Cain recurre a la primera persona, y la presencia del personaje de “lo Spagnolo”, que dota de mayor ambigüedad sexual al film de Visconti. Por otra parte, me parece más redondo el personaje de Anita que el de Madge, que resulta un tanto excéntrico, con sus pumas y jaguares (aunque refuerzan ese simbolismo del destino en forma de felino). En la película se evita la complicada trama del juicio y el chantaje, introduciendo en cambio más presencia de la policía.

En conjunto, me parece una magnífica novela. De Cain también recomiendo vivamente “Mildred Pierce” (1941), adaptada para el cine por Michael Curtiz (Mildred Pierce, 1945), con Joan Crawford, y por Todd Haynes en forma de serie televisiva (Mildred Pierce, 2011), con una espléndida Kate Winslet. En cuanto a “The Postman Always Rings Twice”, sería interesante ver, después del magnífico film de Visconti, los de Garnett y Raphelson. A ver si me animo.

OSSESSIONE (1943)

Interesante debut de Visconti donde se basa en la novela que no película el cartero siempre llama dos veces, Mussolini se encargó que no fuera la primera peli sobre el cartero suele normalmente llamar dos veces, el honor de ser la primera parece que sea el notable film de Tay Garnett del 1946, pero nein nein. Después creo que el film de Visconti se pudo ver, porque guardó una copia, en los 70. El saber este dato en el previsionado, me chafa un poco el factor sorpresa, ya que habiendo visto la 2 y 3 versión del film (que no la 1 y la 2 como yo pensaba antes y creo que muchos) no me apetecía mucho volver a la misma historia, sólo al ser made in Italia, me causó algo de interés previo.

El film en la parte inicial puede parecer rutinario, ya que la historia es muy manida ya, pero una rutina con clase, con planos cinematográficos de alta calidad, como el primer contacto visual entre la parejita futura, y para ser opera prima, sorprende dicha calidad, y aunque he empezado a leer un libro sobre Visconti, aún no he llegado a sus inicios artísticos, aunque si se que pertenecía a la clase alta burguesa italiana, que ya sin leer nada sospecho que el gatopardo puede tener tintes autobiográficos, pero eso ya llegará.

Me gusta mucho la escena del encuentro en la sala de espectáculos, donde la parejita se reencuentra con un duelo intenso de miradas, mientras que el marido de ella, Giuseppe está actuando a voz suelta. Es interesante que el objetivo del asesinato del marido de Giovanna sea sexual y pasional más que monetario, como se demuestra después, por lo menos, sobretodo, por parte de él. Encuentro curioso el uso de la elipsis en momentos de gran potencia visual, como puede ser el asesinato de Giuseppe (realmente no se sabe si fue un asesinato o no, ya que el él estaba como una cuba y conduciendo) aunque hubiera habido deseos, pero los deseos no eran en principio delito. Y también hay elipsis en el primer encuentro de sexo entre ellos, habiendo un plano muy bonito de ella como aburrida después del post coito. No lo digo negativamente lo de las elipsis, pero si me sorprenden porque en la resolución del film, no hay nada de eso, dejándonos un crudo y fatal accidente de tráfico.



A todo ello, me interesa mucho más lo que sucede a los personajes tras la muerte de Giuseppe, ella quiere seguir con el negocio un tiempo, pero está claro que le aborrece, en cambio él quería vender y ambos largarse de allí, cosa que hubiera sido sospechosa, él cede y se quede, con el resultado del hundimiento de él y de su relación con ella, ya que un nómada, que no vagabundo, no se le puede cortar las alas. Estas escenas para mostrarnos esto son de alta calidad y las encuentro de extremo interés, así como la aparición de un personaje inventado por el director, “el spagnolo” donde subraya esa falta de libertad al comprometerse a estar con Giovanna. Más interesante aún resulta cuando él, conoce a una bella signorina de la calle, dícese bailarina con o sin final feliz, y seguidamente después se conoce la noticia que Giuseppe tenía un seguro de vida, que por la reacción de Giovanna, parece ser que desconocía; interesante es la reacción de él a ello, ya que uno espera todo lo contrario, una especia de coje el dinero y lárgate, pero no, el se indigna y carga contra Giovanna acusándola de que ha sido utilizado para obtener dicho botín (quizá esto fue una pista para afirmar el asesinato aunque no se viera); pero es su reacción al rechazo del dinero lo sorpresivo, o quizá él usa esa indignación para cortar con Giovanna e irse con Anita para volver a ser libre, ya que Anita le afirma que también es una nómada de la vida; es sorprendente que ponga por delante su estilo de vida al dinero, y eso me fascina; al igual que ella, aunque sea más tópico, me da que el dinero, si está bien, pero lo que quiere realmente es estar con Giovanni.

Seguiría pero me tengo que ir a trabajar, y al igual que el visionado de pelis, no me gusta escribir en dos tandas. Como vinagre sólo decir que hay algún corte en el montaje un poco bestia, como que se ve que faltan unos segundos ahí, y sobretodo que el accidente fatal te lo anuncian con demasiado subrayado, no hay sorpresa alguna, se sabe con esa humareda, que algo va a pasar, eso si el accidente crudo y duro, una buena patada en los OO, sobretodo después de ver el cuerpo y la cara de ella. También me quejo de la calidad de imagen de mi copia, aunque no sea en formato físico, se puede intuir que el film es visualmente potente.
En resumen un muy notable debut que me sorprende por un mensaje algo atípico, dejando de lado las avaricias humanas con el dinero para centrarse ,sobretodo en él, en la defensa de un estilo de vida por encima de todo, la libertad, el nomadismo, no son derrotados por el dinero, incluso en unos personajes miserables y llenos de fatalidad. Bravo por el debut.

Iniciado por C.Bethencourt

Siempre le he tenido una tirria especial a está novela...A sus adaptaciones realmente.

No me gusta nada la versión Nicholson y Lange...Y no por ser mala precisamente, es muy buena...La del 1946 americana, nunca me ha llamado, y Obssessione, la verdad es que tampoco.

Es como ¨que el cielo la juzgue¨...Son films que nunca me gustaron nada..

Iniciado por Alcaudón

Yo también me sumo a la perplejidad. La versión de El cartero siempre llama dos veces con Garfield y Turner me parece una obra maestra y Que el cielo la juzgue prácticamente igual.

Iniciado por tomaszapa

Yo también me sumo a la perplejidad. La versión de El cartero siempre llama dos veces con Garfield y Turner me parece una obra maestra y Que el cielo la juzgue prácticamente igual.

Pues fijate que ¨Que el cielo la juzgue¨ la volví a ver hace relativamente poco...Y tampoco se salva porque esté muy bien hecha...

Repito...admito mi subjetiva...Me he preguntado por qué estos dos films, me asquean tanto...Pues que ¨los malos¨ sean los protagonistas, no tiene por qué ser el motivo...Hay muchísimas películas así que me gustan muchísimo...

Puede ser la antipatía?...Gene Tierney me cae bastante mal...Y curiosamente ¨Laura¨ es como film grandioso...Pero la Tierney más ¨domestica¨...como ¨Que el cielo..¨ o romántica incluso la de ¨El fantasma...¨ siempre le he tenido una inquina especial...Repito, totalmente subjetiva. Pero es el ¨Que el cielo...¨ me parece un film demasiado televisivo, demasiado dúctil (poco elástico), un producto demasiado industrial, con un look muy de comedias de Doris Day/Rock Hudson...Muy para un satisfacer a un target, con una historia demasiado dura para siquiera plantearte un target...Y es que ni siquiera me funciona bien como ¨contraste¨ entre fondo y forma...

Luego ves lo que hace Hitchcock con ¨Los pájaros¨...y tira por tierra cualquier argumentación de como plantearse un guión...Pero ahí, hay un enfasis..hay un tipo que sabe..

¿Eso quiere decir que con guiones tan arriesgados (por difusos, por sútiles, o...porque no decirlo..Insustanciales) se necesita cinematografias potentes..?Sería una pregunta interesante de debatir...Yo creo que finalmente sí...


¨El cartero... igual...Le tengo tirria...Y creo que estos dos films son de los pocos que siendo subjetivo ( y a veces objetivo) no puedo ni verlos...

Pocas veces me permito ese lujo....

Con respecto a Obsession¨..Quizás la estética cinematografica de Visconti, me haga olvidar y la vea como otra película...Por qué no?...Al final, hay bastante films del cine negro con historias similares....Si es habitual que nos gusten las películas originales, y no nos gusten sus remakes...Por qué no puede pasar lo contrario con ésta....?

Ahora...Ciertamente la versión americana antigua no la pienso ver...Esa sí sigue vetada...Sería demasiado..

Una Clara Calamai que protagonizó seguramente el primer topless del cine sonoro italiano...

Spoiler:

LA CENA DELLE BEFFE (1942), de Alessandro Blasetti

... que no todo va a ser babear con el apolíneo Massimo Girotti...

Intentaré verme y comentar la película esta semana pero ando retrasado con las reseñas.

Esta mañana me he dado un buen tute con la tercera entrega del ciclo Alexander Mackendrick y todavía no me he puesto con el comentario de la segunda (y última) entrega de LAS ARAÑAS, de Fritz Lang.

A ver si a más tarde puedo darle un rato al teclado pero últimamente ando renqueante de salud.

Y comparto totalmente con el querido compañero tomaszapa mi admiración por la versión de 1946 de Tay Garnett, sin duda uno de los grandes clásicos del cine negro y/o del melodrama.

Por cierto, parece que James M. Cain tenía una especial predilección por las polizas de seguros como queda perfectamente reflejado en EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES (1934) y PACTO DE SANGRE (1936), que darían lugar a dos obras máximas del cine negro (y del melodrama...) como la ya citada de Tay Garnett y una de las cumbres de Billy Wilder, PERDICIÓN (1944).

Iniciado por mad dog earle

Así, algunos de los productos que lanzó, según Servadio, fueron: Contessa Azzurra, en extracto, eau de toilette y polvos de talco; Il Giacinto Innamorato o Tobacco d'Harar, "fragancia de los tiempos coloniales italianos" [Harar es una ciudad etíope], que fue su última creación.



Otra rama de los Visconti se dedicó a la producción de "batines de toalla aterciopelados de-luxe".

¡Me suena! ¿Se sigue comercializando?

Iniciado por hannaben

Ay cuando veas a Gino ponte en cuanto puedas

Entre todos me convenceréis . Estoy pensando que como se acercan días de fiesta igual me animo .

Iniciado por hannaben

Qué guapísimo Massimo Girotti !!!

¿Es el abuelo de Jude Law o qué? . Es clavadito .

Iniciado por Campanilla

¡Me suena! ¿Se sigue comercializando?

Según la Wikipedia, la empresa cerró en 1970.

Iniciado por Campanilla

¿Es el abuelo de Jude Law o qué? . Es clavadito .

No, es el padre de Terence Hill.

Mis comentarios los tengo pensados pero no tengo tiempo ahora mismo.

El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Rings Twice, 1946), de Tay Garnett



El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Rings Twice, 1981), de Bob Rafelson



Aprovechando la reciente relectura de la novela de Cain y el visionado de la adaptación de Visconti, me programé ayer una sesión de tarde con la tercera y la cuarta versión cinematográfica de la obra del novelista estadounidense.

Sin duda, la tercera, dirigida por Tay Garnett, es la más famosa de ellas, lo que no quiere decir la mejor. Como es natural, a diferencia de la de Visconti y la anterior de Chenal, tanto Garnett como Rafelson sitúan la acción en California. Garnett parece hacerlo en un período contemporáneo al film, sin ninguna referencia explícita al contexto de la Gran Depresión, mientras que Rafelson la fecha de diversas maneras: describiendo las calles de la ciudad repletas de migrantes desplazados por la crisis económica y mostrando un calendario en el cuarto de Frank Chambers (Jack Nicholson) del año 34.

La película de Garnett se puede encuadrar claramente dentro del género noir que tanta presencia tuvo en el cine norteamericano durante los años 40, de un género que en 1946 ya estaba perfectamente codificado. Si acaso sorprende que se trate de una producción de la MGM en lugar de la Warner, aunque, ironías del destino, ahora parece que los derechos del film los tiene precisamente la compañía de los hermanos, a juzgar al menos por el DVD que he visionado. De hecho, la Warner prestó a John Garfield para el papel de Frank Chambers.

El guion lo firman dos bregados guionistas: Harry Ruskin y Niven Busch, aunque es fácil suponer que la presión de la censura obligaría a más de una modificación. Uno de los cambios (aunque no creo que por la censura) es la nacionalidad de Nick. El marido de Cora no es un griego ni se llama Papadakis, sino Smith. Su intérprete, Cecil Kellaway, responde más o menos al Nick de la novela, por edad (aunque lo veo un poco mayor) y afabilidad, pero no tiene ese aire “apestoso” que describe Cain. Todo en el film de Garnett es un punto demasiado pulido, limpio, sin aristas, supongo que para hacer más creíble la aparición estelar de Lana Turner.



Es cierto que la primera aparición de Cora, con ese lápiz de labios rodando por el suelo (el mismo que caerá de su mano en el momento del accidente fatal) y la cámara acercándose a sus piernas, para luego mostrárnosla en “todo su esplendor”, es uno de los momentos más icónicos del cine negro norteamericano, pero en mi opinión Lana Turner resulta demasiado glamurosa para el papel de Cora. En la novela, Cora procede de Iowa y quería ser actriz en Hollywood, pero solo consiguió arrastrarse por cafés de mala muerte hasta que Nick la pone “a salvo”. No hay glamur en el personaje, si acaso ha de desprender atracción sexual, que es otra cosa.

A diferencia de la Giovanna de Visconti, siempre vemos a esta Cora impecable, como recién salida de la peluquería, perfectamente peinada y maquillada, en ningún momento nos la creemos como sufrida trabajadora de un restaurante de carretera. ¿Dónde están los platos sucios? En cambio, en la de Rafelson, Jessica Lange sí resulta creíble, sí nos transmite el esfuerzo, el duro trabajo, de ponerse detrás de los fogones y servir a una clientela de camioneros y viajeros de paso.





Hay otras diferencias: por ejemplo, Cora se ve ante la perspectiva de seguir a Nick, su esposo, que quiere vender el restaurante (el “Twin Oaks”) para irse a vivir con su hermana, parapléjica, y que Cora la cuide, pero no se hace mención a la intención de Nick de tener un hijo. También es diferente el papel que se otorga al fiscal, Sackett (Leon Ames). En el film de Garnett es el que deja a Frank en los “Twin Oaks” y el que descubre el accidente mortal, porque desconfía de las intenciones de la pareja respecto al marido y los sigue por la carretera. El enfrentamiento entre el fiscal y el abogado (un magnífico Hume Cronyn, que aquí se llama Keats y no Katz) se aproxima a lo que se narra en la novela, aunque reconozco que ni en el texto ni en las películas la compleja historia de las pólizas de seguro (en Cain son tres; en Garnett, una, y en Rafelson, dos) me resulta demasiado comprensible. De ahí el buen criterio de Visconti y sus colaboradores de eliminar toda esta parte, demasiado pegada a la realidad norteamericana, pero no a la europea (¿quién tenía en los 40 un seguro de vida?).

El episodio en que hace su aparición el exdetective Kenendy (Alan Reed, la voz original de Pedro Picapiedra) y su intento de chantaje es bastante fiel a la novela, más que en el caso de Rafelson (en Visconti, lógicamente, no existe tal personaje). En cambio, tal como acabó quedando el film (ya que se aplicó la tijera al personaje, siendo casi eliminado del todo), Madge (Audrey Totter), la domadora y cazadora de grandes felinos, casi no juega ningún papel, salvo por el detalle de la corbata delatora, lo cual, vista la manera un tanto grotesca con que la introduce Rafelson en su película (interpretada por Anjelica Huston), casi es de agradecer. Es un personaje que ya en la novela resulta un tanto excéntrico, solo justificable, a mi modo de ver, por el papel que Cain otorga a los felinos, quizá un símbolo del destino.

Pero lo menos satisfactorio se concentra en la parte final. Por un lado, ese patético intento sacrificial de suicidio de Cora en el mar, dando la posibilidad a Frank de que la deje morir, agotada como está (y que, por supuesto, Frank no acepta en absoluto). Ni sale en la novela ni le veo el menor sentido, más allá de acentuar el calvario punitivo que supone el tramo final de la historia para los amantes culpables del crimen. Luego, los momentos finales en la cárcel, con ese Frank implorando una especie de perdón divino, recibiendo la recompensa por boca del fiscal, el mismo que lo ha acusado sin concesiones, que le hace ver que su muerte no será por matar a Cora, en lo que se supone que se consideraría un accidente provocado, sino por matar a Nick, incluyendo esa referencia al cartero que llama dos veces (y que, en realidad, no aparece en la novela). Solo faltaría que la banda sonora nos ofreciera de fondo un coro angelical. Es cierto que Cain también termina con unas frases de Frank en que nos pide a los lectores una oración por Cora, pero el tono es muy distinto.

¿Y el sexo? A mí, personalmente, me parece una versión mucho más comedida que la de Visconti. Sorprende que sea mucho más atrevida una película rodada en pleno régimen fascista que otra en una democracia como la norteamericana. Salvo por algunos besos, más o menos apasionados, y unas “inocentes” escenas playeras, poco nos ofrece Garnett en esta materia. A pesar de ello, la película arrastra desde su estreno una cierta fama de film escándalo. Y corren rumores, ciertos o no, de tensión sexual durante el rodaje entre Garfield y Turner. A mí, ¡qué queréis que os diga!, en este capítulo el film no me convence en absoluto. Es ver a la Turner con sus modelitos y sus mohines y toda la tensión que podría haber entre Cora y Frank se desvanece.

Por el contrario, la película de Rafelson se va al otro extremo. Supongo que 35 años después ya se podía ser explícito (la novela lo es bastante más que la película de Garnett), y a eso se dedica el director con la participación de David Mamet en el guion, el primero de su carrera. Mamet ya era en aquel momento un reputado dramaturgo con varias obras de éxito en el off-Broadway. Su guion potencia el aspecto sexual que actúa como motor de la relación entre Cora y Frank, plasmada en la célebre escena del polvo en la cocina. Pero hay más: esa relación que mantienen junto al cadáver de Nick, algo que está en Cain, pero que, por supuesto, ni siquiera se insinúa en Garnett. Jessica Lange consigue resultar tremendamente sexi, sin maquillar su aspecto de trabajadora.

Por otra parte, Rafelson-Mamet restituyen a Nick su condición de griego, incluso la refuerzan en relación con la novela, mediante una fiesta con sus compatriotas. Además, la interpretación de John Colicos sí nos hace pensar en ese personaje “grasiento y apestoso” que describe Cora en la novela, y nos hace creíble su deseo de tener un hijo (el Nick de Garnett es demasiado mayor): es ejemplar esa secuencia en que rodea a Cora con sus pies desnudos, tocándole la barriga. Desde luego el abogado (que aquí sí se llama Katz), interpretado por Michael Lerner, no tiene la fuerza del de Cronyn, pero en general veo esta versión más cercana a Cain, que no la de Garnett. El final, aunque nos ahorra las últimas palabras de Frank antes de ser ejecutado, me parece mucho mejor: con Frank junto al cadáver de Cora, sin necesidad de explicar al espectador cuál es la condena moral que experimenta el protagonista.

Acabo con una referencia a los aspectos visuales. La película de Garnett sigue la plantilla del cine criminal de la época, con fotografía de Sidney Wagner. A mí, personalmente, no me parece que la dirección de Garnett aporta demasiado a la película. Hay algunos buenos momentos, como la presentación de Cora o ese gesto final del brazo inerte dejando caer el lápiz de labios, y se trabaja bien la negrura del relato, pero no la destacaría especialmente dentro de las decenas de películas noir de la época. Por el contrario, Rafelson se sirve del “bergmaniano” Sven Nykvist para la fotografía, que recurre como es habitual en él al uso de poca luz, con preferencia por los tonos marrones, terrosos, que se ajustas perfectamente a la historia. Además, gracias a la excelente ambientación, uno siente la mugre, el olor, la grasa, del restaurante, algo que no experimentamos en el film de Garnett.

No me alargo, porque en definitiva este es un hilo dedicado a Visconti. Me permito reiterar, eso sí, mi opinión de que la película del director milanés es claramente superior a la de Garnett.

Iniciado por Abuelo Igor

No, es el padre de Terence Hill.

Terence Hill, de nombre real Mario Girotti, es hijo de un químico italiano llamado Girolamo Girotti. No sé si tiene alguna relación con Massimo Girotti,pero en todo caso no era su hijo, al menos según diferentes fuentes (Wikipedia, imdb).

Iniciado por mad dog earle

Terence Hill, de nombre real Mario Girotti, es hijo de un químico italiano llamado Girolamo Girotti. No sé si tiene alguna relación con Massimo Girotti,pero en todo caso no era su hijo, al menos según diferentes fuentes (Wikipedia, imdb).

Pues gracias por la aclaración, porque es algo que llevo oyendo durante décadas y lo daba por bueno. Acabo de ver en esta web al propio Terence desmintiendo su parentesco con Massimo Girotti (que, según Wikipedia, era también el segundo nombre de su padre).

Precisamente es lo que dice Bethencourt, la aparición de Terence Hill en "El gatopardo", una de las "evidencias circunstanciales" por las que nunca quise verificar la "paternidad" de Massimo. Suponía que Visconti le había dado el papel a través del contacto de su padre, con el que trabajó dos veces.

También se decía hasta la saciedad que Rusty Young, del grupo de country rock Poco, era hermano de Neil Young, cuando en realidad, utilizando una frase de mi abuela, "no le toca nada". Pero el rumor era tan tozudo que acabó componiendo una canción titulada "Neil Young is not my brother".

Terence Hill se queda atrás en toda la extension del dios MASSIMO. Ah claro ya me sonaba sale en Teorema y en una que no he visto de Antonioni con Lucia Bosé.



Jessica Lange es una actriz estupenda.

Iniciado por hannaben

Terence Hill se queda atrás en toda la extension del dios MASSIMO. Ah claro ya me sonaba sale en Teorema y en una que no he visto de Antonioni con Lucia Bosé.

Cronaca di un amore, el primer largometraje de Antonioni. Aquí la comentamos en su día: Michelangelo Antonioni: revisando su filmografía. De hecho, el argumento tiene algun punto de contacto con Ossessione, aunque en otro tipo de ambiente, el de la alta burguesía.

Mad dog, gracias por esa comparativa. Muy ilustrada y argumentada. De todas formas, no creo que a Alcaudón ni a mi nos mueva un ápice nuestra opinión de que El cartero siempre llama dos veces, de Tay Garnett es una jod- maravilla. Me encanta ese ambiente noir. Me gusta exactamente en todos los peros que pones: el glamour de Lana, la mayor edad de su marido, me gusta mucho como pareja con Garfield, Lana. Yo si veo que desprenden sexualidad y sensualidad.

POr otro lado, en la de Nicholson y Lange dicen las malas lenguas incluso que el polvo que echaron fue real. Hace poco me hice con una copia en BD y un día que tenga tonto, la pongo.

Iniciado por tomaszapa

POr otro lado, en la de Nicholson y Lange dicen las malas lenguas incluso que el polvo que echaron fue real. Hace poco me hice con una copia en BD y un día que tenga tonto, la pongo.

Pero por lo que dicen Nicholson y Lange son solo eso, malas lenguas, esas que si su poseedor se la muerde, muere envenenado. Me cuesta mucho creer que dos estrellas como Nicholson y Lange se monten un polvo real delante de Nykvist y Rafelson, con la de planos distintos que hay en la secuencia. Pero, ya se sabe, la imaginación del espectador no tiene límites... afortunadamente.

Iniciado por tomaszapa

Mad dog, gracias por esa comparativa. Muy ilustrada y argumentada. De todas formas, no creo que a Alcaudón ni a mi nos mueva un ápice nuestra opinión de que El cartero siempre llama dos veces, de Tay Garnett es una jod- maravilla. Me encanta ese ambiente noir. Me gusta exactamente en todos los peros que pones: el glamour de Lana, la mayor edad de su marido, me gusta mucho como pareja con Garfield, Lana. Yo si veo que desprenden sexualidad y sensualidad.

A mi tampoco me ha convencido... además siempre me gustó mucho Lana Turner, y en ese papel me parece perfecta, y su química con Garfield insuperable.

Cada cual que disfrute con su versión, yo desde luego me quedo con la del 46, pero los gustos son libres.

Iniciado por Abuelo Igor

Pues gracias por la aclaración, porque es algo que llevo oyendo durante décadas y lo daba por bueno. Acabo de ver en esta web al propio Terence desmintiendo su parentesco con Massimo Girotti (que, según Wikipedia, era también el segundo nombre de su padre).

Precisamente es lo que dice Bethencourt, la aparición de Terence Hill en "El gatopardo", una de las "evidencias circunstanciales" por las que nunca quise verificar la "paternidad" de Massimo. Suponía que Visconti le había dado el papel a través del contacto de su padre, con el que trabajó dos veces.

También se decía hasta la saciedad que Rusty Young, del grupo de country rock Poco, era hermano de Neil Young, cuando en realidad, utilizando una frase de mi abuela, "no le toca nada". Pero el rumor era tan tozudo que acabó componiendo una canción titulada "Neil Young is not my brother".

Y sin embargo, Eric Roberts sí es el hermano de Julia Roberts...Aunque al parecer se llevaban fatal...O sea, llegaron al cine de manera independiente...O eso decia Julia. Que no había tenido ayuda por parte de su hermano para llegar a Hollywood.

Por ahí, Eric dice lo contrario...