Tema: Nicholas Ray: revisando sus películas

Ya sabes, amigo mad dog earle, que yo uso siempre la fecha de rodaje y no la de estreno.

Por ejemplo, en el foro Fritz Lang comentaremos antes EL MINISTERIO DEL MIEDO que LA MUJER DEL CUADRO puesto que la primera se rodó antes aunque se estrenó más tarde que la anterior.

O en el caso de los extras que añadí al final de la revisión tenemos el ejemplo de AMOR A REACCIÓN que se empezó a rodar en 1949 pero no se estrenó hasta ¡1957!

6. La casa en la sombra (On Dangerous Ground, 1951)

[Recupero el orden de las entregas que estableció Alcaudón]

Iniciado por Alcaudón

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE VI:

ON DANGEROUS GROUND (1951)



Estudio: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: John Houseman.

Guión: A. I. Bezzerides, basado en la adaptación de A. I. Bezzerides y Nicholas Ray de la novela “Mad with Much Heart” (Londres, 1945; Nueva York, 1946) de Gerald Butler.

Dirección artística: Albert S. D'Agostino y Ralph Berger.

Fotografía: George E. Diskant (en b/n).

Música: Bernard Herrmann.

Reparto: Ida Lupino (Mary Malden), Robert Ryan (Jim Wilson), Ward Bond (Walter Brent), Charles Kemper (Bill “Pop” Daly), Anthony Ross (Pete Santos), Ed Begley (capitán Brawley), Ian Wolfe (sheriff Carrey), Sumner Williams (Danny Malden).

Duración: 82 minutos.

Inicio de rodaje: 29 de marzo de 1950.

Nueva incursión de Nicholas Ray en el cine negro, escorado al igual que en IN A LONELY PLACE hacia el melodrama y que, en mi modesta opinión, se configura como una de las grandes (y más desconocidas) obras maestras del director.

Pudo contar en ésta, su última realización para la tambaleante RKO de Howard Hughes (la igualmente magistral THE LUSTY MEN (1952) sería una producción independiente únicamente distribuida por la compañía), con un actor/productor del talento de John Houseman (quien ya le diera la oportunidad de debutar en la magnífica THE TWISTED ROAD) y que le sirvió a Ray para elaborar otra implacable disección del alma de un ser humano, en este caso el atormentado policía Jim Wilson, encarnado de forma prodigiosa (como siempre) por Robert Ryan.



El comienzo de la película ya resulta modélico.

La acción se inicia con la incorporación a su turno de trabajo (en este caso nocturno) de tres policías.

El primero, Pete Santos (Anthony Ross), es ayudado por su joven y adormecida esposa a ponerse la cartuchera al hombro mientras se abraza a él amorosamente cómo si no fuera a volver a verle más.

El segundo, Bill “Pop” Daly (Charles Kemper), esposo y padre de familia numerosa con la que comparte velada vespertina delante de la televisión, es ayudado igualmente por su resignada esposa, la cual le entrega el arma que guarda en la cómoda del dormitorio.

El tercero, Jim Wilson (Robert Ryan), cena frugalmente mientras inspecciona fichas de sospechosos y además tiene puesta la cartuchera.



Una forma magistral de describir a un personaje, donde queda patente la soledad de Wilson (no tiene esposa) así como la carencia de una vida personal fuera del ámbito del trabajo. Ni siquiera en su propia casa se libera de su arma y de la carga de responsabilidad que ella conlleva.

Los tres policías trabajan juntos patrullando. El objetivo primero (aunque secundario dentro de la trama) es encontrar a una pareja de delincuentes que han matado a un policía. Y para ello Wilson no dudará en utilizar cualquier método para conseguir sus fines.



No deja de ser paradójico cómo un policía usa la violencia para combatir la violencia. El mismo Jim parece culpar a los delincuentes de que le obliguen siempre a maltratarlos, maldiciéndoles por ello.

El trato diario con lo peor de la sociedad ha vuelto al policía alguien no muy diferente de aquello a lo que pretende combatir, como le interpelan repetidamente sus compañeros de patrulla y especialmente “Pop” con el que tiene una relación más personal.

El superior de Wilson, el capitán Brawley (Ed Begley), le felicita por la captura de los asesinos de su compañero (algo que Jim le agradece con sorna) pero es relevado de su puesto durante unos días y enviado a un pequeño pueblo al norte de la ciudad donde se ha cometido el asesinato de una niña.

El tránsito entre la ciudad y el campo está tratado por Ray de una manera tan sencilla como magistral, rodando desde la parte de atrás del automóvil mientras vemos como el paisaje se va volviendo blanco (estamos en invierno). Pasamos del negro (que representa la ciudad) al blanco, a la pureza (que representa la vida en el campo). Sencillo, pero efectivo.

Una vez llegado al pueblo Wilson entabla contacto con la familia de la niña asesinada cuyo padre, Walter Brent (el fordiano Ward Bond) no tiene más empeño que meter una bala entre ceja y ceja del asesino de su querida hija.



Por primera vez vemos al policía casi sorprendido por encontrar a alguien parecido a él y no parece gustarle mucho. Aquí parece que empezamos a ver un cambio en la actitud de Wilson. Alguien violento sin motivo se enfrenta a alguien que sí lo tiene.

Las pistas del asesino llevan a una casa apartada. Un casa en sombras (de hecho el título de su pase televisivo y de la edición en dvd en nuesto país es LA CASA EN LA SOMBRA). Un casa habitada por una hermosa y dulce mujer, Mary Malden (Ida Lupino). Una mujer que tiene un hermano más joven, Danny (Sumner Williams, sobrino del director) y que además... es ciega.



El instante que Wilson conoce a Mary (y especialmente cuando descubre que es ciega) es muy similar al momento que Dixon Steele ve por primera vez a Laurel Gray en IN A LONELY PLACE. Inmediatamente sabemos que algo ha sucedido dentro de la aparentemente invulnerable coraza que recubre al policía. Por primera vez en la película vemos que algo le ha conmovido profundamente. Algo que no tiene nada que ver con la violencia que siembra y recoge en su diario quehacer. Porque aunque el mismo no lo sepa... Wilson se ha enamorado.

Volveremos a este punto más adelante.

Danny, por supuesto, es el asesino de la niña. Un muchacho de escasas luces y confiado al cuidado de su hermana.

Wilson intenta convencer a Mary de que le diga dónde está Danny y así salvarlo (por una vez reconoce que el asesino también es una persona y una persona enferma, no alguien que disfruta haciendo daño) de las garras del violento Walter.

Pero finalmente Wilson no podrá cumplir su promesa de llevar a Danny a una institución donde sea cuidado y vigilado y en la huida acaba muriendo despeñándose desde la cima de una pequeña colina. Al ver lo joven que es Danny el propio Walter queda conmovido y recoge con ternura su cuerpo para llevárselo a su hermana.





Un Wilson aparentemente derrotado que vuelve a la ciudad pensando que ha decepcionado a Mary, la única mujer a la que ha amado sinceramente.



Pero mientras regresa las palabras de ella no hacen más que dar vueltas en su cabeza.

Finalmente vuelve con Mary a esa casa en la sombra pero que está llena de luz para un regenerado moralmente Wilson.

Puede que sea un final un tanto forzado (de hecho, originalmente la intención era que tal encuentro no se diera pero sí le sirviera a Wilson para empezar su proceso de humanización) pero también es lógico dado que Mary en el fondo no lo culpa por lo sucedido a su hermano y además le ama sinceramente.

Como vemos, al contrario que en IN A LONELY PLACE, aquí si hay redención posible para Wilson, al encontrar a una mujer que llene ese vacío que le había vuelto insensible en su relación tanto con los delicuentes como con sus propios compañeros.

El personaje que encarna (maravillosamente) Ida Lupino tal vez esté idealizado en extremo pero sirve de contrapunto, por su bondad y su fragilidad, del carácter pendenciero y violento del policía.

Las escenas en las que ella toca (acaricia) el pétreo rostro de Wilson para tratar de ver más allá de su aparente frialdad están cargadas de una sublime belleza y el propio policía parece descubrir por primera vez que no todas las personas son malas y actúan mediante impulsos criminales sino que, igualmente, la bondad también tiene cabida en ese mundo blanco y negro (sin grises) que para él es la vida.



Finalmente (el comentario se me va de mano y mi condición física es cada vez más deplorable) me gustaría destacar la excepcional banda sonora del gran Bernard Herrmann, un Herrmann pre-Hitchock, que aporta a las imágenes una textura especial y que es (otro) de los grandes alicientes de este pequeña (por su breve metraje, apenas 82 minutos) obra maestra. Es curioso ver cómo encaja como un guante la columna sonora propuesta por el maestro y sus parelelismos con las futuras obras del orondo británico.

E igualmente comentar que al parecer la propia Ida Lupino, una excelente (y olvidada) actriz de ojos violeta (como Elizabeth Taylor), ejerció de directora cuando Ray enfermó y se ausentó del rodaje durante unos días. Me gustaría recordar que Lupino tiene una breve pero muy interesante obra como directora, con un título especialmente notable como es THE HITCH-HIKER (1953), todo un clásico del mejor cine negro.



Ah, y la película (como casi todas las primeras de su autor) no fue, precisamente, un éxito comercial. Más bien lo contrario, perdiendo la bonita cifra de 425.000 dólares.





La travesía ha sido divertida pero me tengo que retirar. Os dejo con el nunca suficientemente alabado mad dog earle que complementará y enriquecerá este modesto comentario.

Felices y dulces sueños.



P. D. Para el presente comentario he partido tanto de la excelente edición en DVD de la añorada Versus (2010) como la extraordinaria copia en BD de la colección Archive de la Warner (2016):

Iniciado por mad dog earle

On Dangerous Ground (1951)

Poco a añadir al magnífico comentario de Alcaudón. A diferencia de In a Lonely Place, en esta ocasión comparto sin reservas la valoración entusiasta del film, que tengo por uno de los mejores de Ray a pesar de muchas cosas. Por ejemplo, a pesar de su accidentada producción (me guio por lo comentado en imdb): enfermedad de Ray, que obligó a Ida Lupino a rodar durante unos días; injerencias de Howard Hughes, que comportaron el retraso en casi dos años del estreno y un recorte de unos 10 minutos, etc.

Así, el film tiene una estructura y acabado extraños, con dos mitades opuestas: la primera, negrísima, un nocturno recorrido urbano visto a través de las violentas andanzas del detective Jim Wilson, un epígono del Dixon que interpretaba Bogart en In a Lonely Place metido ahora a policía (me sumo al elogio al trabajo de Robert Ryan, un actor que no defrauda nunca), perfecta ilustración de lo que es el cine negro; la segunda, después de esa transición en forma de viaje en automóvil que ha señalado Alcaudón (como si se tratara de un viaje al más allá), luminosa, brillante, aireada, lejos de los asfixiantes ambientes de la ciudad, con una luz casi fantasmal, feérica (a mí me ha recordado las producciones RKO de Val Lewton), mérito del director de fotografía, George E.Diskant, que colaboró en otros films con Ray.





Y es que, ciertamente, nos aproximamos al territorio del relato fantástico (el guionista, A.I.Bezzerides, lo es también de otro maravillosa film “fantástico”, The Track of the Cat, y de varias muestras espléndidas de cine negro, como Thieves Highway, de Jules Dassin, o Kiss Me Deadly, de Robert Aldrich), con esa maravillosa hada buena que es Mary (Ida Lupino), en su casa hecha de sombras, pero decorada con objetos bellos, como ese extraordinario tronco de árbol en medio del salón. Tenemos un ogro (Jim) que se transformará porque tiene buen corazón, o ese padre (el personaje de Ward Bond), enajenado por la muerte de su hija, violento y rústico, que busca venganza, pero que luego transportará con suma delicadeza el cuerpo sin vida de Danny, un muchacho del que Ray nos oculta el rostro durante buena parte de la persecución, para dejarnos desarmados cuando veamos su insultante juventud.





Especial mención merece la música de Bernard Herrmann. Herrmann ya era un compositor de prestigio (recordemos que firmó las bandas sonoras, entre otras, de Citizen Kane y The Devil and Daniel Webster, por las que fue nominado al Oscar), pero aquí se emplea a fondo en un film en cierta forma de serie B, y lo hace con un sonido muy reconocible (nos traerá a la memoria diversos momentos del cine de Hitchcock). On Dangerous Ground no sería lo mismo sin su música, que le otorga un carácter extraño, fuera de lo común. De hecho, si nos dejáramos llevar por las convenciones de la época, creo que es una banda sonora “demasiado presente”, que destaca de manera excesiva para el tipo de film de que se trata, y que no parece ajustarse al modelo de banda sonora de un film de cine negro. Pero en esta ocasión… ¡bendito exceso!

El único punto discutible a mi modo de ver es el final. Personalmente, hubiera preferido el primer final que se rodó, con Jim volviendo a sumergirse en la negrura de la ciudad, con la voz de Mary resonando en sus oídos. Nos hubiera dejado con el interrogante sobre la posibilidad de que Jim se reconcilie con el mundo, con un dilema moral sin resolver. En cambio, al final se optó por profundizar el carácter de cuento de hadas, aunque bien es cierto que ese happy end no puede ocultar que Jim y Mary son dos náufragos perdidos en medio de las montañas (como también eran Dixon y Laurel en In a Lonely Place en medio de Hollywood… pero ahí Ray se inclinó por el final triste que ya comentamos en su día).
Apunto algunos detalles visuales más que curiosos: unos bruscos movimientos de cámara en mano, sorprendentes (¿dirigidos por la Lupino?); o la profusión de primeros planos de Mary, con su rostro llenando toda la pantalla y dotando al film de un carácter extremadamente romántico.







En conclusión, una vez más cabe decir que “lo bueno si breve dos veces bueno”.

Curioso, y más en la época, que la protagonista, Ida Lupino, no aparezca hasta casi la mitad del film, que ya de por sí era cortito en metraje (82 minutos).

Iniciado por tomaszapa

Curioso, y más en la época, que la protagonista, Ida Lupino, no aparezca hasta casi la mitad del film, que ya de por sí era cortito en metraje (82 minutos).

Verdad, a mi me sorprendió muchísimo la primera vez que la vi... Ciertamente la actriz se merecía algo más de presencia en pantalla...
A ver si la reviso, porque no me acuerdo de gran cosa, como siempre.

Para mí, On Dangerous Ground es TOP-3 de mis conocimientos sobre Nicholas Ray y TOP-5 de Bernard Herrmann. Fotografía y ambientación de 10. Intérpretes, los mejores.

Aquí tenéis online los 5 primeros capítulos del libro sobre Ida Lupino que leí: https://books.google.es/books?id=h8p...page&q&f=false

Spoiler:

En "el otro rincón" tuve oportunidad de comentar al completo la etapa como realizadora de Ida Lupino, salvo su título postrero, la disneyniana ÁNGELES REBELDES (1966), protagonizada por la niña prodigio Hayley Mills.

Ay, qué tiempos aquellos...



A ver si me animo yo y abro un rincón específico para reunir los comentarios de mi adorado Douglas Sirk aunque me da una pereza terrible hacer la introducción, algo que al compañero mad dog earle se le da de fábula...

Iniciado por Alcaudón

En "el otro rincón" tuve oportunidad de comentar al completo la etapa como realizadora de Ida Lupino, salvo su título postrero, la disneyniana ÁNGELES REBELDES (1966), protagonizada por la niña prodigio Hayley Mills.

Ay, qué tiempos aquellos...

¡Que no está nada mal, un divertimento para toda la familia y con Rosalind Russell, toda una gran actriz en cualquier género, hoy totalmente olvidada!.

De Hayley Mills tuve oportunidad de comentar en "el otro rincón" una película ya de no tan niña (bueno, tan sólo 20 añitos) y con banda sonora del mismísimo Paul McCartney (cuando estaba todavía con The Beatles), THE FAMILY WAY (1966), de los hermanos Boulting (https://www.mundodvd.com/las-ultimas...2/#post4175704) y fue un sorpresa francamente agradable.

De todas formas y dado mi carácter anárquico pero completista un día de estos comentaré esa última cinta de Ida Lupino como realizadora aunque poca tenga que ver con su obra anterior, más decantada al cine negro y/o al melodrama que a la comedia (sea o no disneyniana).

Ángeles rebeldes la vi hace eones, por televisión, y por la nota que le puse en su día sé que me pareció malísima, pero no la recuerdo.

Iniciado por mad dog earle

Ángeles rebeldes la vi hace eones, por televisión, y por la nota que le puse en su día sé que me pareció malísima, pero no la recuerdo.

Pues igual que yo, aunque a mi si me gustó... a lo mejor ahora menos, aunque me extraña, me gusta ese tipo de cine entrañable/familiar tipo Disney...

A mí me gusta el buen cine Disney...

Iniciado por Alcaudón

A mí me gusta el buen cine Disney...

A mi me gusta lo bueno...en general Y Disney por supuesto. Y Pixar también.

Tengo pendiente de ver el último (por ahora) de los clásicos de la compañía, aunque tal circunstancia no se indique por primera vez en el lomo del BD, RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN.

Lástima que la compañía del ratón Mickey (que NO fue creación del criogenizado Walt Disney) haya dejado de editar sus películas en BD 3D, formato que del que yo siempre he sido un gran seguidor.



Claro que a la Disney sólo le importa el dinero.

Bueno, como a todos, la verdad sea dicha.

Y después de este breve interludio volvamos a la obra de Nick Ray, "el último gran romántico del cine norteamericano".

Ficho en principio para cotillear.

7. Infierno en las nubes (Flying Leathernecks, 1951)

Iniciado por Alcaudón

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE VII:

FLYING LEATHERNECKS (1951, INFIERNO EN LAS NUBES)



Estudio: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Edmund Grainger.

Guión: James Edward Grant, a partir de una historia de Kenneth Gamet.

Dirección artística: Albert S. D'Agostino y James W. Sullivan.

Fotografía: William E. Snyder (Technicolor)

Asesor de color: Morgan Padelford.

Música: Roy Webb.

Reparto: John Wayne (Mayor Dan Kirby), Robert Ryan (Capitán Carl “Griff” Griffin), Don Taylor (Teniente Vern “Cowboy” Blithe), Janis Carter (Joan Kirby), Jay C. Flippen (Sargento Clancy), William Harrigan (Doctor Joe Curan).

Duración: 102 minutos.

Inicio de rodaje: 2 de noviembre de 1950.

Primera película en (Techni)color de Nicholas Ray, rodada entre dos obras mayores como son ON DANGEROUS GROUND (1951) y THE LUSTY MEN (1952), INFIERNO EN LAS NUBES se configura con toda probabilidad como el escalón más bajo dentro de la, por otra parte, admirable trayectoria fílmica del director de Wisconsin.

Simple encargo del magnate de la RKO Howard Hughes que Ray solventó con profesionalidad pero en la que es prácticamente imposible detectar rastro alguno del estilo o de la personalidad del cineasta.

Con esta película Ray finalizaría su relación contractual con el excéntrico millonario que por un lado le permitiría salir indemne de la Caza de Brujas (aunque Ray nunca fue un cineasta cuyas ideas políticas pudieran ser objeto de persecución) pero al que también Hughes usaría como “apagafuegos” completando y/o finalizando rodajes conflictivos (como THE RACKET (1951) de John Cromwell o MACAO (1952, UNA AVENTURERA EN MACAO) de Josef von Sternberg).

Una película, digámoslo ya, a mayor loa de su estrella principal, el gran John Wayne.



Un John Wayne, buen amigo de Hughes y que aquí se vería rodeado de gente de su confianza, como el productor Edmund Grainger (con el que Wayne había trabajado recientemente en la excelente (y exitosa) SANDS OF IWO JIMA (1949, ARENAS SANGRIENTAS) de Allan Dwan (y que le valdría su primera nominación a los Oscars)) y, especialmente, el guionista James Edward Grant, sin duda, el favorito del astro a lo largo de su extensa carrera cinematográfica.

Compartiendo cabeza de cartel tendríamos al siempre excelente Robert Ryan, el actor (principal) que más veces trabajó bajo la batuta del director.



Un breve (brevísimo) resumen de la historia.

El protagonismo de la misma recae en el Cuerpo de Marines de los EEUU, más en concreto, en el Ala Aérea de los mismos.

La acción se inicia en el verano de 1942 en la isla hawaiana de Oahu, donde reside el escuadrón VMF 247, también llamado “Wildcats”.

La llegada del nuevo jefe de escuadrón, el mayor Kirby (John Wayne), transtoca las ilusiones no sólo del capitán Griffin (Robert Ryan) que optaba a dicho cargo sino también las de los hombres que operan bajo su mando ya que todos le tienen en la mayor estima al ser un oficial comprensivo y tolerante.



El más que cantado enfrentamiento entre dos caracteres (aparentemente) tan disímiles y que hubiera dado mucho juego (como se puede apreciar en la admirable TWELVE O'CLOCK HIGH (1949, ALMAS EN LA HOGUERA) de Henry King)) queda totalmente diluido por el guión de Grant, pues en lugar de humanizar la figura del despótico (pero en el fondo de buen corazón) Kirby lo que hace es convertir a Griffin en un sosias del primero, reconociendo éste al final que más importante que la vida de los hombres que están bajo su mando es la obediencia a los superiores cuya autoridad nunca debe cuestionarse. Algo difícil de tragar en tiempos como los actuales diría yo...

Sólo la presencia del siempre estupendo Jay C. Flippen, otro actor habitual en la filmografía de Ray, un hombre capaz de solventar cualquier contratiempo que se le presente aunque para ello tenga que “tomar prestado” todo lo que se le ponga por delante (y que parece un embrión del excelente personaje encarnado por el simpar Tony Curtis en la divertidísima OPERATION PETTICOAT (1959, OPERACIÓN PACÍFICO) de Blake Edwards)) sirve para dar algo de “aire” a una trama demasiado cargada de pomposidad y la típica retórica reaccionaria del jefe del estudio, del guionista y de su estrella principal.

Destaquemos únicamente las excelentes escenas de combates aéreos que proceden del (escaso) material que fue rodado en Technicolor y que se complementan a la perfección con las escenas filmadas en estudio. Al parecer se llegaron a incluir escenas de la propia Guerra de Corea que en aquellos mismos momentos estaba en su auge (aunque no hay confirmación fehaciente al respecto).

Un uso del Technicolor, por cierto, meramente funcional y sin ningún ánimo creativo (véase el ejemplo contrario en la maravillosa JOHNNY GUITAR (1954, ídem)) y cuya finalidad fue únicamente el poder usar ese material de archivo tan escaso.

Ah, y el propio Grainger reemplazó a Ray durante unos días cuando éste cayó enfermo (al igual que hiciera Ida Lupino en ON DANGEROUS GROUND).

En resumen, una película que podría haber dirigido cualquiera pero que al menos supuso para Ray su mayor éxito en taquilla hasta la fecha al recaudar unos más que suculentos 2.600.000 dólares.

El que no se consuela es que no quiere.

Feliz Navidad y próspero Año Nuevo.

Iniciado por mad dog earle

Infierno en las nubes (Flying Leathernecks), de Nicholas Ray.


Completo el comentario de Alcaudón con algunas breves consideraciones sobre esta “faena de aliño” de Nicholas Ray, que aquí se limitó a pasar por caja para cobrar la nómina de Howard Hughes y quizá pagar algún favor.
Se trata de un film extremadamente conservador, que nos recuerda que aunque la II Guerra Mundial ya había finalizado hacía algunos años (lo que podría dar a entender que estamos ante un film “pasado de moda”), la implicación de Estados Unidos en la Guerra de Corea seguía necesitando de films patrióticos a mayor gloria del ejército norteamericano.

Ya los títulos de crédito no engañan: fanfarrias militares (si no me equivoco el himno de los Marines). El desarrollo, tampoco: militarismo en estado puro. Esto de ser oficial es muy duro, pero mejor ser duro que no dejarse llevar por los sentimentalismos, que al final solo hacen que llevar la misión militar al fracaso. Esa es la lección (porque de eso se trata, de dar una lección al espectador) que aprende el capitán Griffin (Robert Ryan), que a pesar de ser un buen militar es un mal comandante porque es “demasiado humano”. En cambio, el mayor Kirby (John Wayne, en un papel que parece hecho a su medida) sabe de la necesidad de sacrificar a algunos para el beneficio común. A pesar de que es un hombre “de buen corazón”, querido padre de familia (que le regala una catana!!! a su hijo, que se dirige a él como “mayor”, y se abraza amorosamente a su devota y sacrificada esposa, reducida a un papel de “reposo del guerrero”), sabe ser inflexible durante las misiones del escuadrón aéreo. Solo cuando Griffin consiga hacer lo mismo (y sacrificar la vida de su cuñado y amigo), podrá tomar el relevo de Kirby, promocionado a teniente coronel, como es natural.



El mensaje es cristalino. Incluso las secuencias de transición (formalmente quizá las mejores aunque son las que consolidan el mensaje ultraconservador), como cuando los soldados escriben a sus familias o el descanso de Kirby con su familia, están al servicio de la causa.

Sobre la realización de Ray, diría que es inapreciable, parece un film construido en la sala de montaje a base de retales de material documental y filmaciones en estudio de las cabinas de los aviones de lo más convencionales y vulgares. Hay muchos planos repetidos, en un montaje ramplón y tosco, incluido un escandaloso error de continuidad: un piloto, nativo americano, es herido en una pierna, primero vemos un plano de la cabina desde su derecha, que nos muestra la herida en la pierna de ese lado, y poco después una desde su izquierda, en que la pierna herida pasa a ser la izquierda (!!!!). Un error incomprensible en una película de estas características. Me huelo que Ray dejó el montaje en manos de la RKO y que probablemente se rodaron bastantes planos adicionales.

Y como ya ha apuntado Alcaudón, el uso del Technicolor no tiene “color ni brillo”, es de lo más anodino, supongo que para que no canten los fragmentos documentales de escenas de batallas (estamos en la guerra del Pacífico, en Guadalcanal). O sea que la primera vez que Ray rueda en color se queda a años luz de distancia de sus magníficos trabajos en color como Johnny Guitar, Rebel Without a Cause, Bigger Than Life o Party Girl.

En resumen, solo para completistas o fervorosos seguidores del espíritu castrense. Afortunadamente, el próximo film es The Lusty Men, un espéndido film con Robert Mitchum, Susan Hayward y Arthur Kennedy. Hay que quitarse el mal sabor de boca…y rápido.

Lo más divertido de Infierno en las nubes fue la razón que hizo que el director eligiera a Ryan para su papel. Ryan había sido boxeador en el instituto, y creía que era el único actor que podía hacerle frente a Wayne y patearle el culo.

8. Hombres errantes (The Lusty Men, 1952)

Iniciado por Alcaudón

EL ÚLTIMO GRAN ROMÁNTICO DEL CINE CLÁSICO NORTEAMERICANO

O

REVISANDO LA FILMOGRAFÍA DE NICHOLAS RAY / PARTE VIII:

THE LUSTY MEN (1952)



Estudio: Wald-Krasna Productions, Inc. / RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Jerry Wald.

Guión: Horace McCoy y David Dortort, a partir del artículo “King of the Cowboys” de Claude Stanush (Life, 13 de mayo de 1946).

Dirección artística: Albert S. D'Agostino y Alfred Herman.

Fotografía: Lee Garmes (en b/n).

Música: Roy Webb.

Reparto: Susan Hayward (Louise Merritt), Robert Mitchum (Jeff McCloud), Arthur Kennedy (Wes Merritt), Arthur Hunnicutt (Booker Davis).

Duración: 113 minutos.

Inicio de rodaje: 27 de diciembre de 1951.

Esta (aparentemente) modesta producción, último vínculo del director con el estudio del excéntrico multimillonario Howard Hughes (que únicamente ayudaría en la financiación y cedería además alguno de sus mejores profesionales (como el director artístico D'Agostino o el compositor Roy Webb)), podría considerarse a todas luces como una de las más grandes (y desconocidas) obras maestras del director norteamericano.



Y no deja de ser particularmente fastidioso que una obra tan fascinante (engañosamente fascinante, me atrevería a decir) resultara al igual que buena parte de la primigenia producción del director inédita en salas comerciales en nuestro país y sólo haya sido posible disfrutar de ella en noctámbulos pases televisivos o en su edición en formato doméstico.

Partiendo de una historia que narraba la vida de un auténtico “cowboy”, Bob Crosby, los guionistas Horace McCoy (uno de los grandes autores clásicos de novela negra) y David Dortort, elaboraron un espléndido libreto (en el que también intervinieron (anónimamente) Alfred Hayes, Andrew Solt y el propio productor, Jerry Wald) que serviría de base para desarrollar una de esas historias “bigger than life”, prototípicas del director de Wisconsin, donde el dibujo de los personajes, tanto principales como secundarios, es tan impecable y los diálogos tan bien ajustados a los mismos que parece que hubieran sido escritos ex profeso para cada uno de los actores/actrices elegidos para interpretarlos.



Un proyecto que en principio iba a dirigir Robert Parrish pero que finalmente acabaría en las manos de Ray aunque el primero llegó a rodar algunas tomas cuando éste cayó enfermo durante unos días (al igual que pasó en producciones anteriores como ON DANGEROUS GROUND e INFIERNO EN LAS NUBES. La sempiterna mala salud del director...).

Antes de hacer un breve resumen de la trama (como decía al principio aparentemente sencilla pero de un hondo calado emocional) me gustaría hablar brevemente de las personas que intervinieron en la elaboración de la cinta.

Destacar especialmente la maravillosa labor del operador Lee Garmes, uno de los imagineros del b/n más grandes que ha dado el cine y que logra, mediante la profundidad de campo, encuadres absolutamente perfectos donde vemos a los tres protagonistas con total nitidez aunque se dispongan a distintas distancias del objetivo de la cámara. Además está esa riquísima gama de grises que acentúa una película impregnada de melancolía pero también plena de romanticismo.



Igualmente es soberbia la partitura del músico por autonomasia de la RKO, el gran Roy Webb, aquel que elaboraría las delicadas partituras de la magistral trilogía de Val Lewton/Jacques Tourneur CAT PEOPLE/I WALKED WITH A ZOMBIE/THE LEOPARD MAN.

Y, por supuesto, el talento de los productores, en este caso el guionista Norman Krasna y el ejecutivo Jerry Wald, ambos con una larga experiencia a sus espaldas y que a través de su pequeña compañía independiente crearían piezas tan hermosas como la hoy comentada o CLASH BY NIGHT (1952) de Fritz Lang, una película que cuenta con numerosos fans en este pequeño rincón de impenitentes cinéfilos.

La película hoy comentada (como THEY LIVE BY NIGHT, IN A LONELY PLACE (aunque aquí seguro que el compañero mad dog earle disentiría de mi criterio) o la próxima a ser comentada en este rincón, la inmortal JOHNNY GUITAR) vendría a sustentar con toda justicia el encabezamiento que enmarca estos modestos comentarios: el profundo romanticismo (aunque a veces con tendencias (auto)destructivas) que impregna las mejores películas de su realizador.



Y es que el dibujo que hace Ray de los dos personajes principales, Louise Merritt (Susan Hayward, cedida por la 20th Century-Fox) y Jeff McCloud (Robert Mitchum), es tan perfecto y su relación tan bellamente trazada que no me importaría incluir esta película entre las más románticas que nos ha legado el cine norteamericano clásico.

Pero rebobinemos un poco y hablemos aunque sea brevemente de la trama.

Esta es la historia de Jeff McCloud, un veterano “cowboy” de los circuitos de rodeos que a raíz de una grave lesión durante la monta de un toro Brahma y dándose cuenta además de su declive (tanto físico como (especialmente) anímico) decide volver a su hogar, a ese hogar que abandonó hace ya veinte años.

Allí descubrirá que la casa de sus padres ha sido comprada por un anciano, Jeremiah Watrus (Burt Mustin), el cual le invita a que pase y tome una taza de café con él.

Al despedirse del anciano conoce al matrimonio formado por Louise (la citada Hayward, una actriz tan soberbia como incomprensiblemente olvidada por las actuales generaciones de ¿cinéfilos?) y Wes (Arthur Kennedy, un actor que ese mismo año nos ofrecería sus mejores trabajos interpretativos (el Emerson Cole de BEND OF THE RIVER (1952, HORIZONTES LEJANOS) y el Vern Haskell de RANCHO NOTORIOUS (1952, ENCUBRIDORA)) Merritt, que tienen en su punto de mira el comprar la casa al anciano aunque sus modestos ingresos estén todavía lejos de lo que pide el anciano.

Wes reconoce a Jeff y se declara profundo admirador del mismo ya que el también interviene en el circuito de rodeos aunque se forma modesta.

Es significativo y premonitorio el excelente encuadre en el que se muestra a la izquierda del mismo el rostro preocupado de Louise y a la derecha (reflejada en el cristal del “jeep”) la imagen de Jeff y Wes que pronto forjarán un profunda amistad y algo más...



Porque ésta es también la historia de Louise Merritt, uno de los personajes femeninos más ricos dentro del ya de por sí extenso elenco de espléndidas actrices/caracteres que frecuentan el cine de Ray. Una mujer de fuerte personalidad, que ama a su marido profundamente pero que también siente una extraña atracción por el fanfarrón pero romántico ex cowboy. Una Louise que sigue los pasos de Keechie (Cathy O'Donnell) de THEY LIVE BY NIGHT o Laurel Gray (Gloria Grahame) de IN A LONELY PLACE pero que resulta mucho más fuerte que ellas. Una mujer a la que no le importa propinar una patada en el trasero a la que compite por el afecto (interesado) de su marido (una vez éste ha alcanzado la fama) o dejar a la altura del betún a todo representante del género débil (el masculino, se entiende) cuando se ve tratada con desdén o condescendencia.

Wes convencerá a Jeff (a cambio de la mitad de sus emolumentos) de que le enseñe su oficio pues ve en el circuito de rodeos la (rápida) oportunidad de alcanzar su sueño: poseer una casa propia donde vivir felizmente con su maravillosa esposa. Y Jeff se deja convencer tal vez porque por primera vez en su vida ha conocido a una mujer a la que amar y respetar, alguien por la que hubiera abandonado su vida errante sin dudarlo un segundo.



Pero según Wes va ganando aplomo y trofeos sus ambiciones empiezan a ser otras. Empieza a pensar que Jeff se lleva demasiado dinero y además empieza a descuidar a su mujer, coqueteando con otras y dándose a la bebida.

No quiero enrollarme que se me hace tarde y ya tengo al amigo mad dog earle a la puerta golpeándola con insistencia para hacer su personal aproximación a la película.

Me gustaría destacar algunas cosas curiosas (mi cerebro cinéfilo no descansa) como la preciosa escena en la que Jeff observa con diversión (y con admiración) que Louise es más baja de lo que aparentaba (y que, curiosamente, me recuerda a un comentario similar que el mismo Robert Mitchum le hacía a Jane Greer en la inmortal OUT OF THE PAST (1947, RETORNO AL PASADO) de Jacques Tourneur (me suena este nombre...)).

O la igualmente maravillosa donde una enfurecida Louise se pone su mejor vestido y deja boquiabierto a Jeff pues nada hay más hermoso que una mujer (o un hombre, nadie se me enoje, por favor) que luche con uñas y dientes por rescatar a su marido/mujer de las garras de una vampiresa/gigoló.



Cuando finalmente Jeff se da cuenta de que Wes a pesar de ser alguien insignificante para una mujer tan formidable como Louise es la única persona a la que verdaderamente ama decide volver al mundo que durante tanto tiempo ha sido su razón de ser pero que servirá para certificar su adiós definitivo al mismo (y al mundo que le vió nacer). Pues Jeff se sacrificará (sublime sacrificio, como el título de esa maravillosa película de Stahl/Sirk) para devolver sano y salvo a Wes a los brazos de su amada. Y Jeff tendrá el consuelo de morir en brazos de la mujer que ama. No oímos sus propias palabras pues el actor se coloca de espaldas pero podemos imaginárnoslas.



Wes comprenderá al final el sacrificio de Jeff y abandonará el mundo del rodeo y en un plano magistral veremos el rostro resplandeciente de Louise que no cabe en sí de felicidad.

Así pues, la muerte da paso a la vida. Como en una película de John Ford (lo siento, no he podido evitarlo...)

¡Qué grande es el cine!

Feliz noche a tod@s (hay que ser políticamente correctos).

Iniciado por mad dog earle

The Lusty Men, de Nicholas Ray.

Añado unos breves comentarios a la valoración de Alcaudón sobre este espléndido film de Nicholas Ray, uno de sus mejores títulos.

Si Infierno en las nubes empezaba con las fanfarrias del himno de los marines y nos endilgaba un discursillo patriotero de lo más conservador, con The Lusty Men parece como si Ray quisiera sacarse la espina, con una especie de contraimagen del anterior film. Aquí los títulos de crédito aparecen en pantalla superpuestos a las imágenes de un desfile, una de esas típicas parades americanas que hemos visto en tantísimos films. También la musiquilla y las banderas, disfraces y comparsas nos transmiten una imagen mítico-patriótica de Estados Unidos, que se enlaza con lo que podríamos llamar “la fiesta nacional”: el rodeo, con sus caballos, becerros enlazados, monta de peligrosos toros Brahman, etc., a mayor gloria de la figura legendaria del cowboy, del self-made man americano. Todo un despliegue de los tópicos más americanos que pronto se verá confrontado con una realidad amarga. Uno de esos vaqueros errantes, Jeff McCloud (un magnífico Robert Mitchum, en una de sus más brillantes interpretaciones), prematuramente envejecido, hastiado y cansado por las lesiones, deja atrás el recinto del rodeo, solitario y sucio,



para iniciar un viaje a su antiguo hogar (su Ítaca particular), que descubriremos que se trata de una vieja casa, de aspecto ruinoso, donde creció y a la que hace muchos años que no ha vuelto.



Allí encuentra algunos de sus “tesoros” de infancia: una vieja revista, un revólver medio desmontado, una lata de tabaco con unas pocas monedas. La casa, que él cree deshabitada, es ahora propiedad de un viejo que está esperando venderla a un matrimonio que vive en un rancho cercano, los Merritt: son Wes (Arthur Kennedy) y Louise (una sensacional Susan Hayward).
En pocos minutos Ray (gracias a un magnífico guion perfectamente filmado y montado) sintetiza de maravilla la otra cara del sueño americano, casi como si de John Huston se tratase. Jeff, Wes y Louise son un grupo de perdedores, pero en distinto grado. Jeff ya ha dejado atrás sus momentos de gloria, de ser una de las estrellas del circuito de los rodeos, alguien que ha ganado mucho dinero y lo ha perdido siempre rápidamente (easy comes, easy goes, como le dirá Louise). Wes y Louise viven humildemente, él como peón en un rancho, ella como ama de casa (en cierto modo una gloria incierta para ella después de dejar atrás la barra de un bar, de donde la “sacó” Wes... y cuando en un film de Hollywood se dice “barra de un bar” uno puede entender algo mucho más sórdido). Ahorran para conseguir esa utopía de nuevo típicamente americana: tener su propio rancho, ser dueños de su destino, no depender de nadie. Pero Wes se deja fascinar rápidamente por la fama, el éxito y el dinero que ve representado en Jeff, un auténtico espejismo. Así, sin contar con Louise, deja el trabajo y decide empezar una nueva vida en los rodeos, contando con el asesoramiento de Jeff (nada desinteresado, y por partida doble, porque al dinero que va a sacar sin riesgo, la mitad de las ganancias de Wes, se une la atracción que siente por Louise).
Ray nos mostrará con detalle toda una galería de perdedores que sobreviven dentro del universo de los rodeos: Buster, desfigurado por una tremeda cicatriz en la cara causada por un Brahman; su mujer, Lorna, amargada por ver a su marido convertido en un alcohólic, un jugador, un fracasado; Booker (que luce por unas monedas las cicatrices de su pierna deforme), un viejo algo tocado por causa de un accidente de monta (Arthur Hunnicutt, en uno de esos papeles que solía bordar Walter Brennan), que sigue la feria de los rodeos con su hija;




o Rosemarie, que tuvo en su día un afer con Jeff, al que acudía con que solo silbará, pero, como le dice a Louise, un día Jeff “dejó de silbar”.
Esa caravana de perdedores, de buscadores de sueños imposibles nos acompañan a lo largo del circuito. Wes mantiene una ascendente carrera que Louise ve cada vez con más desconfianza. En juego está la seguridad de una tranquila vida matrimonial, de un hogar estable, de una vida sedentaria, alejada del alcohol, los bares, el juego y las mujeres tentadoras que acechan a los ganadores, y sobre todo alejada de la muerte.
El conflicto es inevitable. Wes disfruta de su éxito, cegado por el brillo del dinero y de la fama. Jeff se atreve a sugerir a Louise que quizá él podría ser una alternativa a su disoluto marido. Pero ella decide no jugársela. Se intuye que siente suficiente atracción por Jeff como para poder dejar a Wes, pero hay una actitud de dignidad, de respeto a los compromisos, de voluntad de no dejarse llevar por la falsedad del mundo del rodeo, que la obligan a decirle a Jeff que no (y quizá de miedo de volver a “la barra del bar”). Un no que lleva al vaquero a un último sacrificio: no podrá tener a Louise, y con ella esa vida que se le ha escamoteado, que nunca ha podido gozar, pero al menos ayudará a que ella sí pueda tenerla, obligando a que le caiga la venda de los ojos a Wes. ¿Y qué mejor manera de hacerlo? Volviendo él mismo al rodeo y muriendo en el intento. Creo que se puede fácilmente ver ese sacrificio final como una especie de suicidio por amor, algo que Ray refuerza con ese final que ha comentado Alcaudón, en que Jeff se despide de Louise de espaldas a la cámara y con un mensaje inaudible. Y que se cierra con una imagen de claro simbolismo:



No me alargo más porque Alcaudón ya ha hecho un resumen completo. Formalmente, Ray consigue mezclar con habilidad una gran profusión de imágenes documentales sobre los rodeos con las propias del rodaje con los personajes (en buena medida en estudio), de forma que el film adquiere un carácter a menudo casi documental. Quizá el mejor film sobre el mundo del rodeo que recuerdo y, a su vez, un drama romántico de altura. En esta faceta de mezclar un espectáculo de riesgo con un cierto tríangulo amoroso me recordó la maravillosa Ángeles sin brillo de Douglas Sirk, aunque allí el ambiente era el de las acrobacias aéreas y más que un triángulo era un cuadrángulo
Y la semana que viene... Johnny Guitar, no sé si la mejor de Ray, pero sí mi preferida.

Si no me equivoco, hubo que esperar a 1972 para poder verla, por televisión, en nuestro país. Imagino que a principios de los 50, era demasiado esto de los tríos protagonistas en esta España tan católica.

Buena parte de la filmografía de Nicholas Ray no llegó a estrenarse en salas comerciales en nuestro país, de ahí el que en mis comentarios únicamente incluya el título original.

Lo cierto es que nunca entendí por qué dado que el cine de Ray no tenía ningún tipo de connotaciones políticas que pudieran molestar al régimen franquista.

El tema central de las mejores películas de Ray era el amor (o el desamor), así como el desarraigo, como se puede apreciar nítidamente en THEY LIVE BY NIGHT, IN A LONELY PLACE, ON DANGEROUS GROUND, THE LUSTY MEN, JOHNNY GUITAR o REBELDE SIN CAUSA, tal vez las cumbres de su director.

Puede ser que fuera el dicho ese de "cría fama y échate a dormir". O simplemente que para la Iglesia censora que dominaba el cotarro en España, todo personaje fuerte, y más, si es mujer, que va en contra de las reglas, era un peligro. Podía extenderse el efecto "imitación" a esta juventud que debía ir a misa todos los domingos.

E incluso Ray dirigió sus títulos postreros en nuestro país, REY DE REYES (1961) y 55 DÍAS EN PEKÍN (1963), películas nada despreciables, por cierto.

Ray además fue un protegido del magnate Howard Hughes y ello le permitió eludir la Caza de Brujas que afectó en mayor o menor medida a muchos compañeros de profesión.

Claro que el pago fue que el director rehiciera, completara o remontara cintas de colegas, como John Cromwell (un espléndido director del que algún día habría que hacer una revisión de su filmografía) o Josef von Sternberg.

Iniciado por Alcaudón

Lo cierto es que nunca entendí por qué dado que el cine de Ray no tenía ningún tipo de connotaciones políticas que pudieran molestar al régimen franquista.

Todo lo que supusiera un "grave atentado contra la moral" molestaba al nacionalcatolicismo, y eso era algo claramente político, puesto que el régimen estuvo "bajo palio" desde su misma génesis. Evidentemente, el adulterio era uno de esos peligros, de los peores, y si se mostraba, tenía que ser castigado (algo que tampoco era tan distinto de lo que imponía el Código Hays). De todas maneras el funcionamiento de la censura era algo esquizofrénico. En este caso, ¿no se estrenó porque se prohibió o porque la distribuidora prefirió no meterse en "camisa de once varas"? Lo ignoro. Yo tengo anotado que la vi en cine en 1993, pero quizá fuera en la Filmoteca.

También hay que considerar que en los años 50, una vez que comienza la economía del país a despegar, tras la década desastrosa posterior a la guerra civil (los 40), el pasatiempo nacional era el cine. Y ahí es donde estaba centrado los focos de la censura, tanto de la Iglesia como de las autoridades político-militares-dictatoriales.
Si ya desde el NODO, todo estaba supervisado, con "más motivo" cualquier película donde se mostrara otra forma de vivir ajena a la religión que nos inculcaban aquí con mano dura.

Iniciado por tomaszapa

También hay que considerar que en los años 50, una vez que comienza la economía del país a despegar, tras la década desastrosa posterior a la guerra civil (los 40), el pasatiempo nacional era el cine. Y ahí es donde estaba centrado los focos de la censura, tanto de la Iglesia como de las autoridades político-militares-dictatoriales.
Si ya desde el NODO, todo estaba supervisado, con "más motivo" cualquier película donde se mostrara otra forma de vivir ajena a la religión que nos inculcaban aquí con mano dura.

Por eso era preceptivo el rezo diario (y preventivo ) del "Yo pecador", acompañado de unos aparatosos golpes sobre el pecho. Trágicamente hilarante.