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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Me da bastante rabia que Takeshi Kitano haya perdido el favor de los distribuidores y exhibidores de tal manera que su cine vaya directo a vídeo doméstico. "Takeshis'" y "Glory to the filmmaker" fueron las gotas que colmaron el vaso (hasta el punto de que la última entrega de esa peculiar trilogía, "Aquiles y la tortuga" permanece inédita entre nosotros). Ni siquiera su vuelta a un cine más convencional, con la saga "Outrage", ha conseguido devolverle a nuestras salas.
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He estado viendo el díptico en casa, y, bueno, aunque me parece una narración más medida y cuidada que algo estilo Takashi Miike, no deja de parecerme algo poco arriesgado por parte de un director que se ha meado fuera del tiesto unas cuantas veces en su carrera. Ese cine yakuza frío y despiadado, con los clanes vistos casi como corporaciones financieras, una violencia cortante y romanticismo nulo, ya lo hemos visto unas cuantas veces, pero aquí quizá nos llega su expresión más abstracta. No están los paréntesis para el juego de "Sonatine" o el humor intercultural de "Brother". Hay infinidad de personajes, que a veces cuesta bastante situar dentro del conflicto, hasta que empiezan a surgir las traiciones y los cambios de lealtad y entonces ya se acaba uno de hacer el lío.
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Supongo que son películas de crimen y mafia bastante sólidas, pero, claro, uno ya es que es un poco viejo y sentimental y prefiere las viejas pelis yakuza en las que Ken Takakura se pasaba una hora entera de conflicto entre lealtad y deber personal hasta por fin decidirse a matar a todos en el último rollo. Incluso me parece que Fukasaku fue un poco el principio del fin de un subgénero que no siempre fue lo que es ahora. A fin de cuentas, lo que se solía entender como un yakuza era una especie de vagabundo antisocial, que se ganaba la vida de manera dudosa (a menudo mediante el juego, no en balde la palabra yakuza deriva de una jugada perdedora, sin puntuación, en un juego de naipes japoneses) y terminaba gravitando hacia clanes locales para aportar sus servicios o sus músculos. Zatoichi, el masajista ciego, era un yakuza, así como, en cierto modo, la jugadora profesional Peonía Roja. Ambos se pasaban todas sus series de películas viajando de un pueblo a otro e implicándose con diversos clanes en diversos conflictos.
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Es un cine de época, más de estudio, más romántico (pese a la considerable picaresca de Shintaro Katsu en los Zatoichi) que el paradigma crudo y descarnado que inició Fukasaku y que Kitano ha buscado actualizar. Pero uno no puede evitar, a lo largo de los dos "Outrage", acordarse a menudo de la hilarante escena de "Takeshis'" en la que un yakuza se presenta a un casting de una película de gangsters y lo hace fatal. Es lo que tiene haber sido tan irreverente en el pasado (incluso el "Zatoichi" de Kitano puede ser entendido como una parodia): luego a ver quién te toma en serio.
Mis favoritas de Kitano creo que siguen siendo su debut, "Violent cop" y su peculiar "Una escena junto al mar", que contaba los intentos de un joven basurero sordomudo por convertirse en surfista. La saga de "Outrage", que pronto se convertirá en trilogía, resulta quizá demasiado mainstream para mis gustos intelectualoides, pero me satisface más a un nivel visceral que las piezas de cámara domésticas del último Kore-eda o el clasicismo conservado en ámbar octogenario del venerable Yoji Yamada, ambos de los cuales sí son cineastas que estrenan en cines.
Y por cierto, hablando de Kitano, ¿qué ha pasado con "Ryuzo y los siete esbirros", que ya data del 2015? Recuperar a Tatsuya Fuji, aquel icono del cine de pandillas setentero... y de "El imperio de los sentidos" de Oshima, tiene su aquel.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Me decido a retomar este hilo después de ver por enésima vez en el foro que las menciones del cine nipón se reducen casi exclusivamente a Kurosawa (y, en menor medida, Ozu y Mizoguchi), por lo que me propongo dedicar una pequeña serie de entradas a reivindicar a unos cuantos cineastas del país del Sol Naciente cuya obra desearía conocer mejor en base a los (pocos) títulos que conozco de ellos.
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Para iniciar la serie, quiero referirme a Kihachi Okamoto, conocido principalmente por rodar “La batalla de Okinawa”, tal vez la película más célebre del cine japonés sobre la II Guerra Mundial. De un
ya algo lejano miniciclo filmotequero recuerdo con cariño “El León Rojo”, un chambara en el que Toshiro Mifune suplantaba a un guerrero samurái en tiempos turbulentos, y sobre todo “El paso del Gran Buda” (conocida en inglés como “The sword of doom”), también de época y katanas pero con la diferencia de que el protagonista, encarnado por el gran Tatsuya Nakadai, es un villano sin paliativos a quien seguimos en una carrera ascendente de maldades que llama mucho la atención cuando uno está acostumbrado de por vida al cine de aventuras de Hollywood, cuyos “antihéroes” son siempre en el fondo muy buenas personas. Recuerdo viendo esta película cómo me di cuenta de que el suntuoso uso del espacio que tanto me llamaba la atención en las puestas en escena de Kurosawa no era ni mucho menos exclusivo del maestro sino que formaba parte del ADN estilístico del séptimo arte nipón allá por los 60.
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También recuerdo con agrado, y me gustaría revisar, “La bala humana”, una curiosísima cinta que podría ser definida como una sátira antibélica de humor tirando a absurdo y que formó parte de las películas arriesgadas y experimentales que nombres consagrados del cine japonés de entonces rodaron con la productora ATG, que se distinguían entre otros rasgos por estar rodadas en el llamado “formato de la academia” (1: 1,33) cuando por aquel entonces el scope era el estándar de la industria. La libertad ofrecida por ATG fue aprovechada, entre otros, por Masahiro Shinoda en “Doble suicidio”, que es un jidai geki casi bergmaniano en el que los seres humanos son vistos como marionetas tradicionales del bunraku mucho antes de “Dolls” de Takeshi Kitano, o por Nagisa Oshima en películas como “Murió después de la guerra”, reflexión artística, social y personal con aroma underground que para mí se adelanta en muchos años a cosas que luego hicieron Lynch o Haneke.
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Volviendo a Okamoto, también es bastante conocida “Zatoichi contra Yojimbo”, con Mifune como invitado de lujo en la saga sobre el espadachín ciego incorporado por Shintaro Katsu, y que salía bastante airosa del desafío de no dar más protagonismo a una de las dos estrellas que a la otra, lo que resultaba en una peli de dos horas, larga para lo que es la saga, pero con un ritmo bastante conseguido.
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Luego, no es raro, mirando por encima el resto de la filmografía de Okamoto, ver títulos de descripción sumamente pintoresca, como “Jazz Daimyo”, que mezcla katanas y clarinetes de swing, “Dainamaito don don”, que narra el enfrentamiento de dos clanes yakuza en el campo de béisbol, o “Buru Kurisumasu” (es decir, “Blue Christmas”), en la que humanos cuya sangre se vuelve azul tras avistar ovnis son internados en campos de concentración. Ya sabemos que, en Japón, no es raro que cineastas que han rodado verdaderos clásicos se embarquen en verdaderas frikadas, y Okamoto no parece ser la excepción.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Cuentos de la luna pálida, restaurada, será reestrenada en 4K como parte de un ciclo retrospectivo de Mizoguchi.
Fuente.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Así que se pueda decir cine nipón, sólo he visto películas de animación como Nicky aprendiz de bruja, Arriety, Mary y la flor de la bruja, Summer Wars, El castillo en el cielo, El verano de Coo y El castillo ambulante. También King of Thorn, El viaje de chihiro y las 2 primeras de Pokémon y cada una tiene lo suyo, pero El castillo ambulante es una maravilla visual con algunas escenas de efecto 3D en el fondo y esa preciosa melodía que tiene, aunque lamentablemente no explica ciertas cosas que ocurren a mitad de la historia.
Por cierto, tal vez también podría entrar como cine el capítulo Blancanieves del anime Cuentos de los hermanos Grimm, ya que tiene el exquisito estilo de Nippon Animation, el cual se asemeja al del Studio Ghibli y una duración de 1 hora.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Interesante hilo, gracias Abuelo Igor por este post, me encanta el cine japonés, sobre todo el clásico.
He retomado mi afición por el cine Japonés porque desde hace algún tiempo estoy pasando mis DVD y Blu Rays (absolutamente todos) a formato ISO para reproducirlos a través del Apple TV y aligerar espacio en casa, que en Agosto me viene otro niño (y ya van 3) y toca remodelar la casa y hacer espacio...
Estos días de atrás pasando películas me he topado con joyas (para mí lo son ) que tenía olvidadas y me ha servido para volverme a enganchar a un cine que siempre me ha gustado y tanto es así que se me ha ido un poco la mano y he comprado de golpe 12 películas que tenía pendientes y muchas ganas de ver desde hace tiempo y no quiero que me pase como con algunas que dejé pasar en su momento y hoy piden 200€ por ellas...
Siendo sincero, al igual que me pasa con el cine en general, y salvo casos muy muy puntuales, no profundizo mas allá de la película en cuestión, no leo biografías ni libros de la historia del cine ni de sus autores, por lo que se me escapan muchos conceptos y desconozco muchas de las cosas que rodean a la historia no sólo del rodaje si no de la historia y el contexto que rodea la trama de la película, simplemente veo la película, y disfruto de su visionado, ya sea con las interpretaciones, con su OST, con la fotografía...
Dicho esto, en estos días he vuelto a visionar joyas como "Tenchu" (o "Hitokiri") del maestro Hideo Gosha, y he empezado de nuevo con el pack de "The Yakuza Papers" que son 5 películas del genial Kinji Fukasaku.
En los próximos días me tienen que llegar mas películas que he comprado tanto en DVD como en Blu-Ray, mientras tanto me "suscribo" a este hilo que me ha parecido muy interesante y aprovecho para comentar que cuando termine de visionar "The Yakuza Papers", a priori entre mañana y pasado que es fiesta aquí en Madrid, me pondré a revisionar una de las películas que mas me marcó en su momento y una de mis favoritas, "Chusingura" de Hiroshi Inagaki, que es mas larga que un día sin pan, pero es una joya en todos los sentidos, y para mi una de las mejores versiones que se han hecho de la historia de los 47 ronin.
Se echa de menos, al menos por mi parte, este tipo de cine.
Un saludo
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Acabo de revisionar lo que para mí es una excelente película , del maestro Hideo Gosha:
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Título: Samurai Wolf (Kiba Okaminisuke)
Año: 1966
Blanco y Negro
Duración: 75 mins
Director: Hideo Gosha
Reparto: Natsuyagi Isao, Uchida Ryohei, Junko Miyazono
Película corta, pero intensa con una trama elaborada, Isao Natsuyagi interpreta a un ronin sin ingresos de ningún tipo que, un día es testigo de un triple asesinato, debido a su posición y a la lejanía, reconocer a los asesinos no sería tarea fácil, aún así, carga los cadáveres en un caballo propiedad de los difuntos, y los lleva para ver si en la aldea más cercana alguien los conoce.
Una vez allí, se encontrará inmerso en una trama de intrigas entre dos grupos y se verá obligado a tomar parte alquilando su espada y sus servicios para uno de esos grupos.
No quiero profundizar mucho en la trama para no spoilear a nadie.
La dirección es buena, tiene buena fotografía, y la actuación de Isao Natsuyagi es genial, dándole un toque gamberro y socarrón a un personaje que no deja de ser el estereotipo ronin, el resto del reparto también hace un buen trabajo.
Me pareció raro en su momento, y hoy también que viendo el año de publicación, y el desarrollo y trama de la película, en Hollywood no hubiesen hecho un remake, un western para ser más exactos...
Es muy entretenida y dada la duración que tiene (la justa en mi opinión, mas habría sido contraproducente) se hace muy amena.
Mi valoración personal serie de 7/10
Un saludo
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Otro cineasta clásico nipón al que me gustaría ver más reivindicado es Tomu Uchida, contemporáneo estricto de Mizoguchi (nacieron el mismo año) que no gozó de la misma fama internacional pese a que en Japón se le considera uno de los grandes clásicos.
Mi conocimiento de su obra se limita a dos películas, “Una lanza ensangrentada en el monte Fuji” (Chiyari Fuji, 1955) y “Muerte en Yoshiwara”, conocida también, en inglés, como “Hero of the red-light district” (Yoto Monogatari: Hana No Yoshiwara Hyakunin Giri, 1960). Ambas películas las vi en un ciclo sobre cine yakuza, celebrado en el Círculo de Bellas Artes madrileño, que en cierta manera expandía el concepto que podemos tener sobre lo que es “cine yakuza”, puesto que en ninguna de las películas citadas de Uchida aparece clan mafioso alguno.
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En principio, un yakuza es una especie de vagabundo antisocial sin oficio ni beneficio, dedicado a los placeres y al juego (al parecer, la palabra “yakuza” puede traducirse como “8, 9, 3” que es la puntuación nula en un popular juego de naipes japoneses), y que termina uniéndose, por inercia y en calidad de matón, al tipo de clanes regionales que terminarían convirtiéndose en la versión japonesa de la Cosa Nostra.
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En las dos películas de Uchida, que vi hace ya casi 10 años y me encantaría recuperar, estas figuras al margen de la ley aparecen un poco como telón de fondo, pero no son el foco principal de la trama. “Una lanza…” se centra en el viaje de un señor samurái a lo largo de una comarca donde se rumorea que se esconde un asesino huido, razón por la cual le acompaña un guardaespaldas que encarnará la verdadera nobleza en contraste con la conducta menos digna de su señor. A lo largo del viaje se irá dejando en evidencia que la sociedad de entonces nunca daría oportunidades reales a un hombre de nacimiento humilde como el protagonista, aunque, irónicamente, esa misma estratificación social será la que lo salve al final de ser aprisionado y ejecutado por algo que no revelaré pues se trata del clímax de la trama. También recuerdo la enorme admiración que suscita en un niño que acompaña a la comitiva a lo largo del viaje y que protagonizará una escena final absolutamente antológica que da un colofón agridulce a esta pequeña odisea de la dignidad que, como sucede en los dos films de Uchida que conozco, mezcla drama, comedia y escenas de acción katana en mano.
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La otra, “Muerte en Yoshiwara”, es ya en color y en ella repite protagonismo el actor Chiezo Kataoka. Recuerdo que el argumento trataba sobre un comerciante, creo que de textiles, a quien las mujeres rehuían debido a una marca de nacimiento en el rostro que consideraban de mal agüero, y que por tanto era un habitual frecuentador del mítico “barrio de los placeres” de Yoshiwara, en el antiguo Edo (hoy Tokio). Una muchacha era entrenada para ser geisha en un plan para despojar al protagonista de su dinero, hasta que al final el buen hombre, arruinado, descubre la superchería y se monta, como decía un ex profesor mío, “una de Tiberio”. Tengo también bastante buen recuerdo de esta peli, con sus composiciones suntuosas en scope y el trasfondo de crueldad que subyace al melodrama de época. Aquí creo que lo más parecido a un yakuza era un ex novio de la chica que surgía del olvido una vez se enteraba de que a ella le estaba yendo bien como aprendiz de geisha. El final, bastante violento y en el que el protagonista ya se harta de tanta bondad, remite en cierto modo a las espectaculares confrontaciones que clausuran el subgénero ninkyo eiga, en el que un meditabundo yakuza (a menudo Ken Takakura) se pasa toda la peli debatiéndose entre el honor y el deber hasta que al final saca la katana y se carga a trescientos. Bueno, el protagonista de “Yoshiwara”, a juzgar por el título original, se conforma con “hyakunin”, que me parece que es algo así como “cien”, pero el caso es que es una explosión final de violencia y de estética.
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El resto de películas conocidas de Uchida incluyen "Amor, tu nombre es pena", alias “El zorro loco” (Koi Ya Koi Nasuna Koi, 1962), que es descrita en Wikipedia como “un cuento de hadas alucinatorio” que mezcla animación, imagen real, localizaciones reales y decorados de estudio y fue definida por una revista canadiense como "una de las películas más extrañas en cualquier idioma", y la que para muchos es su mejor película, hasta el punto de ocupar regularmente los primeros puestos en varias listas del mejor cine japonés de todos los tiempos: “Un fugitivo del pasado”, también conocida, en Francia, como “El estrecho del hambre” (Kiga Kaikyo, 1965), thriller criminal de generosa duración (183 minutos), que presenta una panorámica del Japón de la postguerra a través de la huida de tres atracadores, contada de manera retroactiva a través de una investigación policial, un poco a la manera de lo que años después haría Yoshitaro Nomura en “El castillo de arena”.
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“Una lanza”, “Yoshiwara” y “El estrecho” están editadas en Francia en un pack descatalogado que venden por ahí a precios estratosféricos. Nuestros vecinos del norte también tienen editada una saga, al parecer de producción televisiva, sobre las aventuras del mítico Musashi Miyamoto, pero los múltiples informes sobre los defectos técnicos de la edición me disuadieron de su compra. Pero mi grato recuerdo de las dos películas mencionadas me pone en guardia ante cualquier aparición videográfica o filmotequera del cine de Tomu Uchida.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
No conocía el hilo. Espero ir leyéndomelo con paciencia poco a poco. Si lo llego a saber no hubiera dudado en publicar por aquí las criticas de Kobayashi!
En un primer vistazo compruebo que hablas de directores que desconozco totalmente, como este último del que hablas, así que será interesante leer de forma retroactiva el hilo a ver que me encuentro. Aunque seguramente me dejarás con la miel en los labios porque sé que será muy difícil acceder a la mayoría de títulos que comentarás...
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Últimamente he experimentado dos caras muy diferentes del cine japonés con “Shinjuku Mad” (1970) de Koji Wakamatsu y “Rampo” (1994) de Kazuyoshi Okuyama.
Wakamatsu es un director al que conocía solo de nombre pero de quien ahora tengo unas 10 películas por ver. La reivindicación de su cine es paralela a la de subgéneros como el pinku eiga y el roman porno, que a través de su carga erótica, violenta y un tanto contracultural dan una imagen de Japón muy distinta a la que nos dan los grandes maestros del pasado, mucho más turbulenta y asociada a movimientos de contestación social protagonizados por toda esa generación de la posguerra para denominar a la cual podríamos tomar prestado el título de la película de Kaneto Shindo, “Los niños de Hiroshima”.
El comienzo de “Shinjuku Mad” nos muestra en blanco y negro una calle del popular barrio de Tokio hasta que una panorámica hacia unas escaleras de bajada nos las muestra cubiertas de muertos, como al final de una reyerta callejera. La escena se repite en distintos escenarios urbanos, como queriendo dar a entender que la violencia está en las calles y entre los jóvenes, pues los cadáveres son sobre todo de aspecto veinteañero. A continuación vemos una escena erótica en color (algo al parecer habitual en el pinku, pues entonces el color era más caro y había que guardarlo para los momentos culminantes), interrumpida por la irrupción de una pandilla juvenil capitaneada, se supone, por Shinjuku Mad, una especie de líder juvenil carismático, que da muerte al chico y viola a la chica.
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A partir de ahí, se narra la historia del padre del chico asesinado, que recorre las calles de Shinjuku buscando las razones de su muerte. Todo está rodado en un estilo “de guerrilla”, con un toque muy “vérité” que se aleja bastante de los thrillers de estudio, y en el que importa más reflejar un clima social y el desconcierto de las generaciones anteriores que construir una historia de acción o de venganza. El padre interroga a los jóvenes hippies del año 69 mientras uno de ellos, con un aspecto similar al de John Lennon, toca la guitarra y canta, y el resto de la pandilla se entrega al amor libre dentro del típico castillo para trepar y bajar en toboganes que ocupa el centro de todo parque infantil.
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Sabedor de que su hijo estaba implicado en actividades contestatarias y que se le consideró un traidor a la causa, su padre busca paralelismos en revoluciones del pasado como la que dio lugar a la Restauración Meiji, pero todo será en vano: la confrontación violenta con Shinjuku Mad dejará más preguntas que respuestas, sobre todo cuando los policías le informan de que el legendario líder juvenil ya llevaba varios meses muerto…
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Esta curiosa película a caballo entre el thriller, la exploitation y el cine político, abordando una temática parecida a la de “Diario de un ladrón de Shinjuku” de Nagisa Oshima, pero de un modo más directo y mucho menos “de autor”, me da ganas de seguir explorando la obra de Wakamatsu, un curioso personaje que en su juventud formó parte de un clan yakuza y que recaló en el cine después de ejercer durante años como obrero de la construcción. Su necrológica, hace 8 años, le atribuía labores de producción en “El imperio de los sentidos”, pero lo cierto es que los créditos del film de Oshima no lo mencionan. En todo caso, su cine promete ser interesante por su reflejo sin tapujos, y sin los juegos de espejos del jidai geki (cine de época) de una faceta de la historia japonesa sobre la cual el cine exportado al exterior no nos ha hablado mucho.
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La cara turbulenta de Japón aparece también, pero de otra manera, en la obra literaria de Edogawa Rampo (1894-1965), novelista y cuentista de los géneros policiaco y de terror, y cuyo seudónimo, de hecho no era sino una “japonesización” de Edgar Allan Poe, su gran inspirador. Edogawa es el creador de Kogoro Akechi, que es algo así como el Sherlock Holmes japonés, así como uno de los iniciadores del subgénero “ero-guro”, que mezcla erotismo, decadencia, elementos terroríficos y grotescos. “Rampo”, la película de Okuyama, no es un biopic al uso, más bien me recuerda a lo que hizo Wenders en “Hammett” (una película que por cierto no me canso de ver): una ficción al estilo del autor en la que el propio autor aparece como personaje.
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La propuesta de “Rampo” es más curiosa aún pues incluye animación para recrear el relato que inicia la trama, en el que un hombre que juega al escondite con sus hijos se introduce en un arcón rojo, parte del ajuar matrimonial, olvidado en un trastero, con tan mala fortuna que el cierre, oxidado y deteriorado, se atasca de tal manera que la salida es imposible. Cuando parece que el hombre se va a salvar porque la esposa lo encuentra antes de llegar a asfixiarse, esta decide dejarle dentro, habiendo encontrado por casualidad la manera perfecta de acabar con un matrimonio que no la satisfacía. El relato, muy en consonancia con el espíritu cruel de muchas ficciones del autor, ve su publicación vetada en el periódico al que estaba destinado, pero la coincidencia entre la ficción y la realidad cuando una misteriosa y bella mujer queda viuda exactamente del mismo modo hace que el autor asuma funciones de detective en un caso que aúna sadismo, voyeurismo, travestismo y un ambiente malsano, y en el que la realidad y la ficción se entrelazarán hasta desembocar en una apoteosis onírica.
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Entre el cine de época, el de intriga y por momentos casi el experimental (esos montajes digitales que recuerdan por momentos el “video arte”), y con un cierto aire hitchcockiano que nunca se quiere disimular, la película de Okuyama es una “rara avis” de un preciosismo estético al que el cine japonés de acción real que nos llega en los últimos años no nos tiene acostumbrados (recuerdo la cierta rechifla de algunos críticos ante los colores pastel y la iconografía pop de “Air doll” de Hirokazu Kore-eda) y que tiene la virtud de querer abordar desde dentro, sin recurrir a los tópicos biográficos, a un peculiar e interesante autor que ha inspirado películas como “La bestia ciega” de Masumura, “El mirón en el ático” de Tanaka o “Inju” del francés Barbet Schroeder, incluso prestando la mitad de su nombre a uno de los personajes más célebres del manga y el anime, Detective Conan, compartiendo honores con el mismísimo creador de Sherlock Holmes.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
“Evasión de Japón” (Nihon dasshutsu, 1964) es una película de Yoshishige “Kiju” Yoshida perteneciente a su etapa más nouvelle vague, antes de que empezara a evolucionar hacia un cine de autor estéticamente exquisito pero un tanto difícil de seguir. Esta filiación nuevaolera queda bastante clara desde que la propia anécdota argumental es calcada de “À bout de souffle”, con una pareja protagonista huyendo por todo el país tras haber matado a un policía, con la variante de que en este caso la muerte se produce en un tiroteo tras atracar unos baños turcos (situación que por cierto me recuerda un poco a "A tiro limpio", la película de Pérez Dolz, pero no creo que esta llegase a Japón).
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Pero la película dista de ser un calco, pues utiliza los tropos de Godard, Truffaut y compañía para dar una visión del Japón inconformista, con los Estados Unidos, aún dominando el país desde sus bases, ejerciendo un influjo ambivalente, con una cultura que atrae poderosamente a los jóvenes pero al mismo tiempo un poder militar y político que hace sentirse a muchos esclavizados, cuando no prostituidos.
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Esto se nota ya desde la secuencia inicial, en la que el protagonista, usando una botella vacía de Coca-Cola a guisa de micrófono, fantasea con ser cantante de jazz (la relación entre el jazz y Japón es compleja e interesante, y aparece en mucho cine de la época) y, en una nueva muestra del talento de Yoshida para el encuadre y la puesta en escena, vemos el contraste entre el glamour de su actuación imaginaria, iluminada en varios planos de color, y la realidad en la que ocupa un rincón marginal en un local vacío, inhóspito y algo sórdido.
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Otro guiño claro a Estados Unidos y a Hollywood es el otro miembro de la banda de atracadores improvisada y desgraciada, un batería drogadicto que recuerda al Sinatra de “El hombre del brazo de oro”, y que reúne en una sola persona música de jazz e imaginario popular del cine negro. En cambio, la protagonista femenina se gana mayormente la vida acostándose por dinero con los “gaijin” de la base americana, realidad que parece frecuentemente en los films de la “nuberu bagu” (nueva ola, versión nipona), como por ejemplo “La mujer insecto” de Imamura, de la que ya hablé por aquí, en lo que resulta una metáfora política bastante clara.
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La película es estéticamente rara, porque quiere vivir en dos mundos: el de los colores vivos (tiene toda la pinta de que es el debut en color de su director), explotados al principio mediante una secuencia de créditos en la que un pintor abstracto, Taro Okamoto, pinta “sobre la pantalla” como Clouzot hizo hacer a Picasso, y el de las luces y sombras del cine “noir”, en una mezcla que no funciona demasiado bien.
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Tampoco me gusta mucho el actor protagonista, Yasushi Suzuki, cuyo histrionismo, me temo, pretendía ser la respuesta japonesa a James Dean (creo que la escena de “Rebelde sin causa”, en la que el chico grita haciendo callar a sus padres, es una de mis interpretaciones menos favoritas de la historia), y la película tiene un ritmo algo irregular, no del todo conseguido, pero me gusta su tono de cine criminal, más tosco y espontáneo que los thrillers de estudio de la Nikkatsu, por ejemplo, y el concepto de huir del archipiélago nipón aprovechando la confusión que crean las Olimpiadas de Tokio. La secuencia final en un barco se adelanta un par de años a un momento similar de “Cortina rasgada” de Hitchcock.
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Curiosamente, Yoshida es un director del que se puede ver con facilidad toda la obra, puesto que Francia, país con el que el cineasta tiene una relación especial al haber rodado allí unos cuantos documentales de arte, editó en su momento la totalidad de sus largometrajes en una serie de packs y ediciones sueltas de la distribuidora Carlotta. En los inicios de Amazon.es los packs se pudieron comprar a precios realmente bajos (sobre todo considerando los precios que se piden ahora). Yoshida no tuvo ningún “hit” en el extranjero, ningún “Imperio de los sentidos” o ninguna “Balada de Narayama”, pero ahí lo tenéis vivito y coleando a los 87 años, y, sobre todo en su primera época, tiene varios títulos verdaderamente notables.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Volviendo a las opiniones sobre el cine japonés, me llamó poderosamente la atención el momento de la última película de Woody Allen, "Rifkin's festival" en el que una ex pareja del protagonista, interpretado por Wallace Shawn, se burla de él por hablar durante una comida de unas películas japonesas que había visto, considerándolo un pedante.
Si se pone esta escena en el contexto de la película, cuyo elemento más curioso (si fuese malo diría "cuyo único elemento interesante") son los "pastiches" cinéfilos que constituyen los sueños del protagonista, que sueña en los estilos de Buñuel, Renoir, Fellini, Bergman, Godard o Truffaut, se podría considerar que Allen ve a los nipones como una curiosidad poco relevante en el panorama global del cine (aunque no me creo que un aficionado de su generación no valore, por ejemplo, "Rashomon"), pero también creo que Allen, que es un escritor con sus sutilezas, sí que nos caracteriza a Shawn como un pedante que exhibe conocimientos por exhibirlos.
De la primera película que menciona el personaje, la versión de "47 ronin" (1962) dirigida por Hiroshi Inagaki, menciona a varios de los actores protagonistas (en una película que reunía el star system completo de la Toho), pero obvia al más conocido en Occidente, Toshiro Mifune. De la misma manera, de "Kagemusha" (1980), cita al compositor de la banda sonora y al protagonista, Tatsuya Nakadai, pero "olvida" que la película la dirigió nada menos que Kurosawa.
Con lo cual no puedo afirmar de manera concluyente que Allen tenga desdén por el cine japonés. El imaginario del cine nipón familiar al cinéfilo occidental está muy vinculado al jidai geki, las películas de época, con lo cual habría sido difícil integrarlo en los recuerdos de un cinéfilo neoyorquino veterano, pero también recuerdo que uno de sus primeros trabajos fue dotar de un doblaje delirante a una película japonesa de espías (mirando en IMDB veo que era "International Secret Police: Key of Keys" (1965), un thriller de espionaje de Senkichi Taniguchi), con lo cual un poco de guasa sí que le debían de inspirar los japoneses.
Con lo cual sigo indeciso: ¿es el personaje una parodia del cinéfilo pedante que se cree muy guay por saber un montón de datos que a nadie le interesan o realmente piensa Allen que Japón es una cinematografía periférica que no juega en la misma liga que los franceses, italianos o nórdicos?
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
No he visto la película de Allen y no puedo dar una opinión al respecto, pero es posible que simplemente pretenda definir a su personaje y no utilizarlo como álter ego. Aún así me fijaré el día que la vea a ver qué me parece.
Ahora que mencionas “47 Ronin” de Inagaki, ¿qué tal es esta versión? ¿Se aleja mucho de la obra de Mizoguchi? Lo pregunto porque recuerdo que cuando vi hace años la de Mizoguchi, que es muy interesante, se me hizo un poco pesada por su ritmo y duración. Imagino que el pulso que le toma Inagaki a la película es otro diferente, aunque, que recuerde ahora, solo tengo como referencia la trilogía de Musashi Miyamoto. En cualquier caso la historia de los 47 me parece apasionante y siempre he sentido curiosidad por esta versión.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
La tengo por ahí, pero en formato VHS, como otras de esa colección que nunca actualicé, como también la trilogía "Samurái" con Mifune, del mismo Inagaki.
En su momento la dejé a la mitad, pero ahora soy un espectador más duro, lo que pasa es que desempolvar el VHS, sobre todo para una película en scope, me da pereza. No puedo comparar con la de Mizoguchi, porque la tengo pendiente, pero sí recuerdo lo curiosa que me resultó la peculiar versión de Hirokazu Kore-eda en "Hana", una de sus películas menos recordadas (sobre todo porque es un director que no aborda el jidai geki casi nunca), que retomaba el mito desde el punto de vista de un samurái "cobarde" que no quiso participar en la revuelta.
En cuanto a la versión con Keanu Reeves, me reservo los comentarios. :cortina
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Abuelo Igor
Con lo cual sigo indeciso: ¿es el personaje una parodia del cinéfilo pedante que se cree muy guay por saber un montón de datos que a nadie le interesan o realmente piensa Allen que Japón es una cinematografía periférica que no juega en la misma liga que los franceses, italianos o nórdicos?
Creo que es difícil interesarme de forma más tangencial que esta en una película que no tenía especial interés en ver. :D No sé si será suficiente para que la vea, pero lo tendré en cuenta.
¿Alguna recomendación de cine japonés contemporáneo al margen de Kitano, Miyazaki, Kore-eda, Kiyoshi Kurosawa, Miike, Mamoru Oshii, Satoshi Kon y Yoji Yamada? Aunque bueno, de Yamada creo que sólo he visto El ocaso del samurái, que en su día me gustó mucho, y de Miike igual he visto sólo Ichi the Killer y Visitor Q que no me hacen mucha gracia, o sea que ni mucho menos conozco sus filmografías...básicamente cualquier recomendación que esté fuera de lo más típico de los cineastas más conocidos y generos más estereotipados (samurais, yakuza, etc) me interesaría...
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Abuelo Igor
La tengo por ahí, pero en formato VHS, como otras de esa colección que nunca actualicé, como también la trilogía "Samurái" con Mifune, del mismo Inagaki.
En su momento la dejé a la mitad, pero ahora soy un espectador más duro, lo que pasa es que desempolvar el VHS, sobre todo para una película en scope, me da pereza. No puedo comparar con la de Mizoguchi, porque la tengo pendiente, pero sí recuerdo lo curiosa que me resultó la peculiar versión de Hirokazu Kore-eda en "Hana", una de sus películas menos recordadas (sobre todo porque es un director que no aborda el jidai geki casi nunca), que retomaba el mito desde el punto de vista de un samurái "cobarde" que no quiso participar en la revuelta.
En cuanto a la versión con Keanu Reeves, me reservo los comentarios. :cortina
Me apunto esa película de Kore-eda, un director que pese haber visto poco de él, me gusta mucho.
Respecto a la versión de Keanu Reeves, no la he visto, pero es que he huido de ella porque miedo me da...
Por cierto, ¿donde se puede encontrar el cine de Koji Wakamatsu? Tengo curiosidad por echarle un vistazo a este director que no conocía.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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javialacarga
Creo que es difícil interesarme de forma más tangencial que esta en una película que no tenía especial interés en ver. :D No sé si será suficiente para que la vea, pero lo tendré en cuenta.
¿Alguna recomendación de cine japonés contemporáneo al margen de Kitano, Miyazaki, Kore-eda, Kiyoshi Kurosawa, Miike, Mamoru Oshii, Satoshi Kon y Yoji Yamada? Aunque bueno, de Yamada creo que sólo he visto El ocaso del samurái, que en su día me gustó mucho, y de Miike igual he visto sólo Ichi the Killer y Visitor Q que no me hacen mucha gracia, o sea que ni mucho menos conozco sus filmografías...básicamente cualquier recomendación que esté fuera de lo más típico de los cineastas más conocidos y generos más estereotipados (samurais, yakuza, etc) me interesaría...
En plan autor te recomiendo toda la filmografía de Shunji Iwai (All about Lily Chou-Chou, su obra maestra, creo que es un pilar fundamental para entender la desazón de la juventud japonesa del nuevo siglo) y en plan experimental no dejes de ver las incursiones de Hideaki Anno fuera del anime: Love and Pop, Ritual (con Iwai de prota precisamente). Si necesitas información más específica pídemela que estaré encantado de recomendarte cosas por tus gustos o géneros, etc. He visto y tengo cientos de DVDs originales, custom, montajes, etc de muchas cosas que jamás veremos editadas por aquí y tendría que repasarme más despacio título a título porque hay un mundo aparte fuera de los cineastas ya conocidos que has mencionado. Personalmente me gusta mucho el cine japonés ochentero y algunas propuestas experimentales derivadas de la nueva ola o cineastas que iban a lo suyo... Recuerdo que hay por ahí una versión muy libre de Cien años de soledad o de Cumbres borrascosas por ejemplo.
Hace años cuando tenía más tiempo libre frecuentaba el foro de Allzine. Hay muy buen ambiente y gente maja como la que se destila por aquí, y si realmente quieres conocer el iceberg completo de lo que puede ofrecerte el cine asiático en su totalidad te "obligo" a que le eches un vistazo jeje. Casi todo lo que he descubierto y sé de este cine se lo debo a ellos.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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DrxStrangelove
Por cierto, ¿donde se puede encontrar el cine de Koji Wakamatsu? Tengo curiosidad por echarle un vistazo a este director que no conocía.
Solo encuentro ediciones en francés, así que...
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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acbarra
En plan autor te recomiendo toda la filmografía de Shunji Iwai (All about Lily Chou-Chou, su obra maestra, creo que es un pilar fundamental para entender la desazón de la juventud japonesa del nuevo siglo) y en plan experimental no dejes de ver las incursiones de Hideaki Anno fuera del anime: Love and Pop, Ritual (con Iwai de prota precisamente). Si necesitas información más específica pídemela que estaré encantado de recomendarte cosas por tus gustos o géneros, etc. He visto y tengo cientos de DVDs originales, custom, montajes, etc de muchas cosas que jamás veremos editadas por aquí y tendría que repasarme más despacio título a título porque hay un mundo aparte fuera de los cineastas ya conocidos que has mencionado. Personalmente me gusta mucho el cine japonés ochentero y algunas propuestas experimentales derivadas de la nueva ola o cineastas que iban a lo suyo... Recuerdo que hay por ahí una versión muy libre de Cien años de soledad o de Cumbres borrascosas por ejemplo.
Hace años cuando tenía más tiempo libre frecuentaba el foro de Allzine. Hay muy buen ambiente y gente maja como la que se destila por aquí, y si realmente quieres conocer el iceberg completo de lo que puede ofrecerte el cine asiático en su totalidad te "obligo" a que le eches un vistazo jeje. Casi todo lo que he descubierto y sé de este cine se lo debo a ellos.
Ok, gracias, me apunto lo que mencionas, especialmente la primera película, que algo me sonaba y tiene buena pinta. Últimamente me he veo más cosas de Corea y sobre todo de China o de Taiwan, por alguna razón me atrae más ahora mismo, pero he aprovechado que estaba este hilo para preguntar. Me explayaría más sobre lo que me gusta, pero es difícil, tiene más que ver con un tono o una atmósfera o una lógica diferente a la hora de hacer las cosas que con géneros por ejemplo.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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DrxStrangelove
Solo encuentro ediciones en francés, así que...
Tengo dos packs franceses y uno italiano con películas ya de la última etapa de retorno en los dos miles, que quedó truncada por un atropello fatal. En Estados Unidos Wakamatsu era "persona non grata", seguramente por haber pertenecido a alguna organización de izquierdas, conque tal vez por allí tampoco se le edite mucho, aunque público habría, es una especie de versión más "exploitation" de Nagisa Oshima... con un punto a veces de serie B algo caradura que, dependiendo de tus gustos, te puede hacer gracia o irritar.
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javialacarga
¿Alguna recomendación de cine japonés contemporáneo al margen de Kitano, Miyazaki, Kore-eda, Kiyoshi Kurosawa, Miike, Mamoru Oshii, Satoshi Kon y Yoji Yamada?
La respuesta gruñona sería "ya nos enteraremos dentro de 20 años de quiénes eran los grandes de ahora", pero bueno, de los que distribuyen ahora hay uno del bando "modernetes", Tetsuya Nakashima, que se distingue un poco de los "epatantes" profesionales como Miike o Sion Sono en que tiene un fondo más amargo. "Confessions" o "El mundo de Kanako" dan una visión cruel del universo adolescente mostrado en mil animes, y "Conociendo a Matsuko" explota el contraste entre la historia triste y sórdida que cuenta y la estética glamourosa, muy del Hollywood clásico, que usa para contarla (en ese sentido es una especie de "Pennies from heaven" a la japonesa, cuenta tenida de los números musicales). Formalmente, Nakashima es uno de los que se pasan por el arco del triunfo la supuesta contención expresiva del cine japonés. Eso puede gustar más o menos, pero no solo de Ozu vive el cinéfilo.
De los de anime, creo que Masaaki Yuasa está teniendo una carrera interesante, ya desde su debut, "Mind game". Ahora se acerca un poco más al mainstream, pero sigue teniendo ideas visuales muy atractivas que se salen un poco de la uniformidad (que a mí no me parece peor en el anime que en los viejos estudios de Hollywood, donde las individualidades no se distinguían tampoco mucho pero luego había grandes películas).
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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¿Alguna recomendación de cine japonés contemporáneo al margen de Kitano, Miyazaki, Kore-eda, Kiyoshi Kurosawa, Miike, Mamoru Oshii, Satoshi Kon y Yoji Yamada?
Supongo que no pretendía ser una lista comprensiva, pero entre esos nombres yo metería a Shinya Tsukamoto, que sigue haciendo cosillas interesantes y es de una quinta similar.
Sion Sono y Tetsuya Nakashima son tremendamente recomendables, como muy bien dice Igor. Muy irregular (y prolífico) el primero, pero cuando acierta, lo hace de pleno. Y el segundo es mas constante, y con un punto de vista siempre muy interesante.
Por añadir algunos mas que me gustan:
-Naomi Kawase, que va mas por el melodrama con bastante sensibilidad pero que ha acumulado una carrera muy buena (El bosque del luto y Una pasteleria de Tokio, por ej).
-Aunque solo sea por la repercusión que tuvo "Despedidas" de Yojiro Takita es algo que debería verse. Su director lleva ahí currando desde los 80 (haciendo porno, si recuerdo bien :cuniao). Pero con "Despedidas", "La espada del Samurai" o "El cocinero de los ultimos deseos" ha ido despuntando bastante.
-Toshiaki Toyoda, es otro que se suele olvidar un poco, probablemente porque bastantes de sus ultimas peliculas han flojeado bastante. Pero Blue spring, 9 souls o Hanging Garden son estupendas, recuerdo pensar que iba a ser un nombre grande dentro de la industria... pero nope. Creo que ninguna llegó a España (aunque si trajeron Crows 3, que es suya... y muy inferior a las de Miike).
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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tonk82
Supongo que no pretendía ser una lista comprensiva, pero entre esos nombres yo metería a Shinya Tsukamoto, que sigue haciendo cosillas interesantes y es de una quinta similar.
Claro, no era una lista exhaustiva, simplemente he citado lo que conozco al menos un poco porque por ahí necesito menos recomendaciones.
De Naomi Kawase tengo pendientes muchas cosas, de momento sólo he visto una película suya, hace bastantes años, y me resultó demasiado ascética para mí (aunque hoy en día mi predisposición a su tipo de cine probablemente haya cambiado). Y de Tsukamoto he escuchado a veces que Tetsuo, Bullet Ballet y demás son interesantes, simplemente no me he puesto hasta ahora, pero es otra buena recomendación. Aunque en realidad, cuanto más exploro "a primera vista" lo que se ha hecho en los últimos treinta o cuarenta años, más tengo la sensación de que lo que tendría sentido sería que me pusiese a ver clásicos, porque de Ozu creo que sólo he visto Cuentos de Tokio y de Mizoguchi directamente no he visto nada. Lo que pasa es que últimamente me da pereza el cine más "clásico" :)
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acbarra
En plan autor te recomiendo toda la filmografía de Shunji Iwai (All about Lily Chou-Chou, su obra maestra, creo que es un pilar fundamental para entender la desazón de la juventud japonesa del nuevo siglo)
He visto All about Lily Chou-Chou y de rebote he visto Izo, porque leyendo en Filmaffinity algún comentario sobre la primera se me ocurrió buscar que otras películas le gustaban mucho a la persona que había escrito ese comentario. Madre mía.
All about Lily Chou-Chou diría que me ha gustado, aunque mis sensaciones son un poco ambivalentes. Lo que más me ha llamado la atención es que de entrada me esperaba algo un poco similar a una película de Sofia Coppola o de Van Sant cuando hablan de la juventud y la apatía y la incomprensión y cosas así, pero lo que me he encontrado es una película que parece hecha por un adolescente. De hecho es que me ha recordado también a las películas que descubrí siendo yo adolescente y que me impactaban en aquella época, películas con mucha energía y poca contención o refinamiento y que buscaban agitarte por dentro, impactarte visualmente, emocionalmente. Pensé en Requiem for a Dream o en Lilja 4-ever, que tienen bastante poco que ver con esta, pero que curiosamente comparten no sólo esas sensaciones sino que están hechas prácticamente en los mismos años.
Supongo que esto es en parte intencionado y que rima con el contexto de la película, con el hecho de que trate sobre la juventud, sobre ese momento de tu vida en el que todo es tan dramático y todo se siente y se experimenta como amplificado, exagerado. Me imagino que ese formato, con la cámara que siempre está flotando y moviéndose, con ese montaje hiperactivo, con un uso de la música tan insistente, con los constantes insertos de los textos de los foros, busca rimar un poco con ese contexto. No lo sé realmente, quizás me puedes decir tú si las otras películas de Shunji Iwai son así. En cualquier caso, e incluso aunque estuviese justificado, a mí se me hizo demasiado cargante ese estilo, porque cada vez me gustan más las películas que intentan introducir sólo los elementos necesarios para provocar la sensación que quieren provocar, en lugar de buscar el impacto y el exceso que creo que es lo que, relativamente, pasa un poco con esta película.
Dicho esto insisto en que creo que me ha gustado, el concepto es interesante y es una película que se diferencia de otras y que tiende a quedarse en la cabeza. Y me gusta el cine que busca representar una forma de pensar y de sentir, en este caso de una generación o de unas personas que están en un cierto momento vital. Y me imagino que si la hubiese visto con veinte años en lugar de con treinta y seis, el impacto también sería diferente. Aunque también son gustos, claro, porque habrá gente a la que siempre le haya gustado ese cierto estilo y no tenga que ver con haber descubierto la película en un momento u otro.
Por cierto, una película a la que esta me recordó, temáticamente (porque estéticamente no tienen nada que ver), es An Elephant Sitting Still. La vi el año pasado y me gustó mucho, por si te interesa. Es fácil de recomendar porque tiene un aire muy marcado al cine de Bela Tarr, así que supongo que te gustará si te gusta Bela Tarr, y no te gustará, pues eso, si Bela Tarr no te dice nada.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
A mí me sigue gustando el "exceso". Bastante austera es la vida para que encima las obras de arte tengan que serlo también todo el rato. O a lo mejor es mi vida la que es austera. Yo creo que he ido un poco en dirección opuesta, antes me gustaban cosas más depuradas y con el tiempo me he ido estropeando. :cigarro
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Abuelo Igor
A mí me sigue gustando el "exceso". Bastante austera es la vida para que encima las obras de arte tengan que serlo también todo el rato. O a lo mejor es mi vida la que es austera. Yo creo que he ido un poco en dirección opuesta, antes me gustaban cosas más depuradas y con el tiempo me he ido estropeando. :cigarro
Es una discusión interesante; yo hace unos meses escribí un comentario porque el día anterior había visto y disfrutado bastante Last Days, película que en el momento de su estreno me espantó, y lo que me preguntaba en voz alta era si algún día haría el recorrido inverso y perdería este interés por la depuración y la austeridad, por esa idea de hacer lo justo y necesario y no más. De todas formas la verdad es que yo creo que más o menos tolero y aprecio bastantes maneras diferentes de hacer cine, y todavía disfruto mucho de películas un tanto excesivas que en su día me fliparon por el impacto estético o emocional o lo que sea...pero ahora ya un poco menos. Por ejemplo, seguramente pase si vuelvo a ver Barry Lyndon, que es una de mis películas favoritas de siempre, o si vuelvo a ver algunos de los trabajos de Charlie Kaufman con Gondry/Jonze, que me parecían el colmo del ingenio, o si vuelvo a ver Pulp Fiction o Magnolia, que están entre mis favoritas de los noventa...no sé, tengo la sensación de que encontraría algunas cosas un poco burdas. No sé ahora mismo expresar qué es lo que tiene que te enseñen las cosas de forma más literal, más a flor de piel, por ejemplo gestos en actores o recursos expresivos que buscan más claramente manipular tus emociones, pero sí que creo que cuando volvemos a ver estas películas nos parece todo un poco más forzado y falso y conectamos menos.
Pero vamos, que todo esto es relativo. Igual tú estás diciendo esto y luego resulta que tus películas favoritas son de Keaton y Bresson y Ozu (por decir algo) :cuniao
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Soy bastante fan de Bresson. Recuerdo cuando, en un curso al que asistí, el ponente puso "Pickpocket" y a casi todos les horrorizó, menos a mí, aunque en otra sesión del mismo curso el ejemplo era de "The killer" de John Woo, que por aquel entonces estaba muy de moda, y del que todos se mofaron menos yo, así que la cosa estuvo bastante equilibrada por ambos lados.
Es una discusión bastante relevante, por cierto, con relación al cine japonés, pues la elegancia de clásicos como Ozu o Mizoguchi nos hace creer que la contención es una seña de identidad básica en el cine de ese país, cuando lo cierto es que a poco que rascas la superficie hay mucho exceso. En el mismo Kurosawa, por ejemplo, me llama la atención lo mucho que lloran los personajes, lo cual contradice el tópico de "no mostrar las emociones". Y la idea japonesa de la comicidad no es exactamente la del semblante impasible de Buster Keaton.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Abuelo Igor
Es una discusión bastante relevante, por cierto, con relación al cine japonés, pues la elegancia de clásicos como Ozu o Mizoguchi nos hace creer que la contención es una seña de identidad básica en el cine de ese país, cuando lo cierto es que a poco que rascas la superficie hay mucho exceso. En el mismo Kurosawa, por ejemplo, me llama la atención lo mucho que lloran los personajes, lo cual contradice el tópico de "no mostrar las emociones". Y la idea japonesa de la comicidad no es exactamente la del semblante impasible de Buster Keaton.
Sí que es curioso, yo creo que hay un gran contraste entre la actitud general de no mostrar sus sentimientos y la actitud opuesta de desahogarse de repente. Una vez vi un esquema que un sociólogo había dibujado clasificando algunas culturas del mundo utilizando tres parámetros diferentes, y con respecto al parámetro openness, entendido como franqueza o transparencia a la hora de expresar lo que piensas, a Japón le había puesto la puntuación más baja posible. Y aunque sea un estereotipo, cuando estuve allí me dio la sensación de que efectivamente la gente es así en general. Lo que a la vez es interesante es que me dijeron que esto de la contención y de las formas y de respetar tanto el silencio y el espacio personal es coyuntural, es decir, que depende del "lugar, momento y ocasión". Y vamos, no es que me desmadrase yo mucho por allí tampoco, pero sí me pareció que la gente cambiaba el chip con una facilidad importante por la noche, después de beber alcohol, etc.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
De hecho, cualquiera que tenga una mínima familiaridad con el anime sabrá que uno de los recursos cómicos por excelencia es la ruptura de los buenos modales y las buenas formas, la irrupción de conductas frenéticas, lo cual supone un obstáculo de comprensión para mucha gente de estos lares, que no da gran importancia al ideal de la urbanidad y por tanto no puede entender por qué se considera graciosa un tipo de conducta "normal".
Ahí veo yo cierto vínculo con los británicos, que también tienen una tradición muy estratificada y reglamentada socialmente y canalizan esa represión a través de una tradición teatral que siempre ha dado grandes frutos.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Iniciado por
javialacarga
He visto All about Lily Chou-Chou y de rebote he visto Izo, porque leyendo en Filmaffinity algún comentario sobre la primera se me ocurrió buscar que otras películas le gustaban mucho a la persona que había escrito ese comentario. Madre mía.
All about Lily Chou-Chou diría que me ha gustado, aunque mis sensaciones son un poco ambivalentes. Lo que más me ha llamado la atención es que de entrada me esperaba algo un poco similar a una película de Sofia Coppola o de Van Sant cuando hablan de la juventud y la apatía y la incomprensión y cosas así, pero lo que me he encontrado es una película que parece hecha por un adolescente. De hecho es que me ha recordado también a las películas que descubrí siendo yo adolescente y que me impactaban en aquella época, películas con mucha energía y poca contención o refinamiento y que buscaban agitarte por dentro, impactarte visualmente, emocionalmente. Pensé en Requiem for a Dream o en Lilja 4-ever, que tienen bastante poco que ver con esta, pero que curiosamente comparten no sólo esas sensaciones sino que están hechas prácticamente en los mismos años.
Supongo que esto es en parte intencionado y que rima con el contexto de la película, con el hecho de que trate sobre la juventud, sobre ese momento de tu vida en el que todo es tan dramático y todo se siente y se experimenta como amplificado, exagerado. Me imagino que ese formato, con la cámara que siempre está flotando y moviéndose, con ese montaje hiperactivo, con un uso de la música tan insistente, con los constantes insertos de los textos de los foros, busca rimar un poco con ese contexto. No lo sé realmente, quizás me puedes decir tú si las otras películas de Shunji Iwai son así. En cualquier caso, e incluso aunque estuviese justificado, a mí se me hizo demasiado cargante ese estilo, porque cada vez me gustan más las películas que intentan introducir sólo los elementos necesarios para provocar la sensación que quieren provocar, en lugar de buscar el impacto y el exceso que creo que es lo que, relativamente, pasa un poco con esta película.
Dicho esto insisto en que creo que me ha gustado, el concepto es interesante y es una película que se diferencia de otras y que tiende a quedarse en la cabeza. Y me gusta el cine que busca representar una forma de pensar y de sentir, en este caso de una generación o de unas personas que están en un cierto momento vital. Y me imagino que si la hubiese visto con veinte años en lugar de con treinta y seis, el impacto también sería diferente. Aunque también son gustos, claro, porque habrá gente a la que siempre le haya gustado ese cierto estilo y no tenga que ver con haber descubierto la película en un momento u otro.
Por cierto, una película a la que esta me recordó, temáticamente (porque estéticamente no tienen nada que ver), es An Elephant Sitting Still. La vi el año pasado y me gustó mucho, por si te interesa. Es fácil de recomendar porque tiene un aire muy marcado al cine de Bela Tarr, así que supongo que te gustará si te gusta Bela Tarr, y no te gustará, pues eso, si Bela Tarr no te dice nada.
Creo que en mi época de comentar en FilmAffinity tengo por allí un comentario apasionado de Lily e Izo, no te extrañe que fueran los míos pero ya ni me acuerdo...:cuniao Agradezco tu opinión sobre la primera ya que como bien dices creo que es una cinta para ver y apreciar en el momento exacto y si quizás te pilla de nuevas con la adolescencia ya muy lejana tus impresiones son muy coherentes con el fondo y su forma. No te diría que el cine de este hombre es similar a esta obra, sino que tiene un estilo muy reconocible con sus llamados "momentos Iwai" dentro de temáticas muy dispares. Te recomiendo que sigas por Picnic, uno de los mejores mediometrajes jamás rodados del cine, muy poético, bizarro y personal. Y dentro de lo más mainstream tienes Love Letter, su primer largo considerado un clásico en Corea del Sur muy en consonancia con los gustos del género romántico que nos ha regalado varias joyitas. Swallowtail Butterfly es una joya retrofuturista con una crítica evidente sobre el capitalismo con la canción de My Way de Sinatra como leitmotiv. Creo que estas tres te darán una imagen global de lo que puede ofrecer este señor. Ya me contarás ;)
PD: Se me olvidaba April Story, un film de apenas una horita del que solo le encaja una palabra como anillo al dedo: encantadora. Narra con sencillez y sin estridencias la adaptación de una joven insegura y tímida (Takako Matsu lo borda) a la vida universitaria en una nueva ciudad y ambiente. Es original en el sentido de que justamente donde en una narrativa clásica americana la película llevaría a su nudo y resolución final, aquí justamente termina. A veces es más evocador conocer el camino sin llegar a la meta.
Realmente no puedo ser objetivo con Iwai porque es uno de mis intocables del que te recomendaría hasta sus primeros trabajos de TV como la navideña Ghost Soup o Fireworks.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Hacía tiempo que no veía una película de Takeshi Kitano. Aquí ya hablé de las dos primeras entregas de la saga “Outrage”, que vi con cierta desgana, y las dos últimas de él que se vieron en cines fueron “Takeshis” y “Glory to the filmmaker”, que eran una especie de desmadre metaficticio que mostraba a un Kitano un poco demasiado desesperado por encontrar nuevos caminos.
https://images.mubicdn.net/images/fi...mage-w1280.jpg
De hecho, la peli que he visto ahora, “Aquiles y la tortuga”, de 2008, fue la primera de su trayectoria en no tener estreno comercial en España desde su salto a la fama entre nosotros con “Hana-bi”, y me suponía que era más de lo mismo debido a la insistencia de algunos en englobarla en una especie de trilogía con las dos anteriores.
De ahí la sorpresa: aunque las tres lidian con la crisis creativa de distintas maneras (“Takeshis” es una especie de “Ocho y medio” estilo Kitano, mientras que “Glory…” lleva al conjunto del cine japonés la mirada traviesa que Kitano ya echó al chambara en su revisión de “Zatoichi”), “Aquiles” sorprende mucho con el tono serio en el que empieza.
Machisu, hijo de un próspero industrial de la seda, parece destinado a un futuro como prestigioso artista. Un prominente pintor japonés de la época, apadrinado por su padre, le regala su boina de color granate, e incluso los profesores le dejan dibujar en clase en lugar de prestar atención e incluso hacerles caricaturas, sabiendo quién es y quién será. Incluso los tranviarios paran el vehículo con respeto cuando el niño se planta en mitad de la vía para dibujarlo. Pero todo cambiará cuando todos los gusanos de seda de los Kuramochi mueran y la familia termine en la ruina.
Aunque hay una evidente ironía en muchas de las escenas de este tramo, lo cierto es que la extraña conexión entre el arte y la muerte (Michisu horroriza a su familia adoptiva con el retrato de su madre muerta, con medio rostro cubierto por la sangre, tal como la encontraron tras tirarse por un acantilado), y la lucha por lograr ese éxito que su padre le prometió y que parece ser lo que da sentido a su vida, aun con todas las cambiantes normas del mercado artístico, puestas en solfa de un modo bastante burlón, suponen una interesante aportación al subgénero de las películas sobre el arte (junto, por ejemplo, a otro título que aprecio bastante, la ninguneada “La sombra del pasado”, de Von Donnersmarck, que usaba las artes plásticas para trazar un fresco histórico de la Alemania del siglo XX).
https://previews.agefotostock.com/pr...a10060_339.jpg
El grupo de estudiantes de arte al que Machisu se une está dispuesto a todo por lograr una inspiración original, llegando a arriesgar, y perder, su vida con tal de conseguir técnicas realmente novedosas de action painting (es decir, arrojando la pintura al lienzo en lugar de aplicarla con pinceles). Aquí empieza un poco a torcerse la propuesta, pues no estoy del todo seguro que el tremendo drama del protagonista, al que le suceden todas las desgracias imaginables, case del todo bien con ese “slapstick” de técnicas artísticas absurdas, que por momentos me recuerda a los intentos del samurái Kanjiro por hacer reír al pequeño príncipe en “Scabbard samurái” de Hitoshi Matsumoto, otra película sobre por qué todo artista tiene dentro un suicida.
http://farm4.static.flickr.com/3566/...879dd75b_o.jpg
Esta deriva se acrecienta en cuanto Machisu llega a la edad adulta y lo interpreta el propio Kitano, en una decisión discutible (no se parece en nada a los otros dos actores y su personalidad como intérprete altera el personaje) pero coherente con el tipo de auto-exploración llevado a cabo en esta película y las dos anteriores. Los cuadros del propio Kitano, reconocibles por su característico estilo naïf, aparecen a lo largo del metraje, y el camaleonismo de Machisu tiene su paralelo con lo ecléctico de la filmografía de Takeshi, que pasa de thrillers violentos como “Violent cop” o “Boiling point” a fábulas luminosas y agridulces como “A scene at the sea”, evocaciones del bunraku como “Dolls”, cuentos de ingenuismo infantil como “El verano de Kikujiro” o comedias sin miedo al qué dirán como “Getting any?”
http://3.bp.blogspot.com/-iMs3LZzDhf...otal%2Bars.jpg
Por un lado, es interesante todo ese estudio de la obsesión por el arte, que, en sintonía con su universo colorista, regala varias ideas visuales de bastante originalidad que chocan con la paleta más restringida de todo el tramo inicial con ambientación de época. Por otro, el recurso a la comicidad grotesca diluye un poco la seriedad del descenso a los infiernos de Machisu, que, en una escena que tiene tanto del “Crash” de Ballard y Cronenberg como del relato “El biombo infernal” de Ryunosuke Akutagawa, llega a detenerse a dibujar a un automovilista accidentado en lugar de socorrerlo, buscando una nueva fuente de inspiración en un proceso sadomasoquista y progresivamente macabro.
La diferencia entre “Aquiles” y las otras dos películas anteriores de la “trilogía” es que, en oposición a la abstracción, e incluso la frialdad, de aquellas, aquí hay un ancla narrativa, la relación entre Machisu y su fiel esposa y cómplice en mil locuras Sachiko, que da al relato un mayor calor humano y reconcilia al espectador con un desenlace que de otra manera parecería una derrota. Entre bromas y veras, entre la sátira mordaz del mercado artístico y el drama, casi la tragedia, de quien se ve arrastrado a una vocación por motivos irresistibles, pero que nunca podrá alcanzar el éxito, como Zenón de Elea decía que Aquiles nunca podría alcanzar a la tortuga, me atrevería a afirmar que estamos ante uno de los títulos más interesantes de Kitano, más estimulante que sus últimas incursiones en el cine yakuza y, por desgracia, condenado al limbo de no editarse en formato físico debido a las tribulaciones de la distribuidora Mediatres.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
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Gano a la pereza y me animo a escribir (pereza por escribir no por ver cine japonés) ya que acabo de ver, en estos días, el film Kuroneko de Kaneto Shindo, en alta definición de la colección de Eureka the Master of cinema series, teniendo pocos extras, pero con un pequeño libro que contiene una entrevista con Shindo, que lo dejaré para el segundo revisionado . Tengo que decir que tengo más bien poca experiencia en este mundillo, he visto cosas sueltas, curiosamente es mi tercer Kaneto Shindo que veo: Onibaba y la isla desnuda, las tres han sido una experiencia muy satisfactoria.
Me sorprendió la crudeza de la escena inicial y desbocante de todo el film, si bien no muy explícita, acostumbrados ya por los "perros de paja" & CO, la escena de la violación es tremendamente asfixiante, y ese momento en que van saliendo de la cabaña poco a poco, alejándose de la casa, pero con la cámara quieta, esperando la barbacoa, también me ha parecido excelente.
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Es un film que va al grano, pocas escenas de transición, aunque tengo miedo que haya una reiteración tan típica en la serie B de terror de antaño, donde se repiten los asesinatos o lo que fuera, una y otra vez, para llenar metraje pero sin sumar mucho al contenido, ese miedo desaparece rápido, ya que si bien es cierto, el primer ajuste de cuentas es magistral, también por novedad, y que lo enseñan paso a paso, después en el segundo elipsean un poco, y un poco más en el tercero, haciendo hincapié en aspectos puntuales y dotándole todo de un sentido donde todo está en su sitio y en su justa medida.
Aparece el hijo y marido, y la cosa se anima aún más con los sucesos acontecidos, con escenas de alto voltaje sexual, habiendo algo de carnaza. El nivel sigue muy alto en su parte final, ya con madre e hijo puestos en faena.
De los actores/actrices me han parecido todos de alto nivel, que dado mi pobre bagaje sólo recuerdo a Nobuko Otowa, vista en las dos anteriores pelis de Shindo que he mencionado. Sólo como vinagre, la primera víctima hace el borracho de pena, quizá es el único momento malo del film, pero sólo dura 2-3 segundos.
No me quiero alargar mucho, sólo decir que ha sido una sorpresa inesperada, aunque Shindo, por mi poca experiencia, era casi acierto asegurado, pero ese tratamiento del género de terror, visualmente exquisita, esas escenas cuando la mujer recoge a los samurias en el bosque, con ese caminar tan fantasmal, que parece flotar más que caminar, con esas cejas extras peludas, y esa ambientación de terror puro previo al asesinato, y ese frenesí de cámara en momentos tensos que ya recuerdo haber visto en Onibaba, hacen que sea, no se si una obra maestra de género, pero si un film a destacar en lo alto, y claro candidato a futuras revisiones, ya que en el post partido aún la he saboreado más y mejor.
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Gran clásico del que, a día de hoy, no hay edición doméstica española en ningún formato. Filmax apenas llegó a "Onibaba" y "La isla desnuda".
Lo curioso es cómo Shindo ha pasado a la historia por dos películas de cine fantástico (aunque "Onibaba" yo creo que es más fantástica por tono que por temática, pues en realidad lo que sucede en ella no tiene por qué ser sobrenatural) cuando, si se echa un vistazo al resto de su trayectoria, no le interesaba particularmente el género. En su día hice esta reseña del ciclo Shindo que Filmoteca Española programó en la sala pequeña del Doré en 2015, mientras la sala grande estaba cerrada, supuestamente por una infestación de cucarachas.
Edito: no eran cucarachas, sino algo aún más raro: "chinches tropicales".
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Re: Nihon Eiga: Cine japonés de ayer y de hoy
Hablamos hace ya un tiempo de Edogawa Rampo al referirnos a su supuesto “biopic”, y volvemos a su figura con una breve reseña de dos películas basadas en su obra.
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La primera es “Horrors of malformed men” (1969), obra del director Teruo Ishii, que en el seno del estudio Toei originó una sucesión de películas dentro de diversos géneros, desde el yakuza eiga hasta el jidai geki, que siempre poseían un cierto carácter explotativo, sea de la violencia, del sexo o de ambas (como prueba la alucinante saga “The joy of torture”, que detalla en el transcurso de sus tramas los métodos de castigo y tortura más usuales de la era Edo, aunque la serie llega hasta épocas contemporáneas con capítulos sobre la ley yakuza o sobre crímenes sexuales que incluyen el de Sada Abe, inspirador de “El imperio de los sentidos”).
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Aunque el inicio de la película se sitúa en la preferencia de Ishii por lo nudie, con el protagonista en medio de una sala de manicomio llena de internas en distintos estados de desnudez, lo importante es el misterio de su amnesia, que le lleva a una investigación durante la cual suplanta a un muerto idéntico a él en todo detalle, y que encadena misterio tras misterio, hasta llegar a una isla donde un hombre, como si de un nuevo doctor Moreau se tratara, fabrica seres deformados a partir de personas sanas, con fines nada sanos que dieron origen a varios problemas con la censura, que temía que las asociaciones de discapacitados se quejaran al verse reflejados en una película como seres torvos y malvados.
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Si la película resulta muy interesante y enigmática en su primera mitad, una vez llegados a la isla aquello se convierte en una increíble locura visual que deja a Jodorowsky al nivel de un aprendiz, iniciando un descenso a los infiernos apenas mitigado por la aparición del infalible detective Kogoro Akechi, el Sherlock Holmes nipón, que frenará los planes del malvado científico. Como sucede en muchas películas de Ishii, hay un cierto carácter de serie B improvisada que me baja un poco la media del conjunto, pero es sin duda una película poco común que merece la pena ver.
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La otra película es “The watcher in the attic”, producida por la Nikkatsu en 1976 dentro de su línea “roman porno”, que básicamente consistía en que los cineastas podían hacer un poco lo que quisieran siempre que hubiera una escena de erotismo “soft core” cada 20 minutos o así. Por lo tanto, dentro del “roman porno” podía haber dramas, comedias, películas de arte y ensayo, “thrillers” y a veces casi terror, pero siempre acentuando el erotismo y los desnudos.
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En “The watcher in the attic”, el director Noboru Tanaka nos traslada al Tokio de 1923 para narrar la historia de un hombre (el veterano Renji Ishibashi, a quien se ha llegado a ver, en tiempos más o menos recientes, en algún título de Takashi Miike) que, accediendo al ático de una casa de huéspedes, espía la intimidad de sus habitantes, entre ellos un sacerdote católico que abusa de las sirvientas, conocido como el señor Endo (no sé si como guasa a costa de Shusaku Endo, el autor de la novela “Silencio”, adaptada al cine por Shinoda y Scorsese) y una pérfida y acaudalada señora (Junko Miyashita, estrella del “roman porno” donde las haya) que asesina, ahogándolo con sus piernas, a un payaso con el que mantenía una relación clandestina.
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El ambiente de película de época, al final de la era Taisho, en el que hacían furor elementos occidentalizantes en la moda, el arte (aparece una pintora cuyos lienzos hacen pensar en Magritte) o la música (se escucha “Zigeunerweisen”, pieza de Sarasate muy popular en aquellos tiempos, que llegó a dar título a una película de Seijun Suzuki), da un contrapunto peculiar a la malsana historia que se cuenta, que curiosamente intercala algunos de los mismos elementos de los relatos de Rampo que había utilizado Ishii en la otra película: el sillón en el que se esconde un hombre para sentir a través de su tapicería a la mujer que se sienta en él, o el envenenamiento desde el piso superior por medio de un hilo por el que se hacen correr gotas de veneno hasta la boca de un durmiente.
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El final, que no querría desvelar demasiado pero que hace comparecer un suceso documentado en los libros de historia, es bastante poco complaciente con Japón y su devenir, viendo en sus cataclismos históricos (ahí podríamos hacer avance rápido hasta la II Guerra Mundial) un substrato inicial de decadencia moral y violencia atávica que las capas de civilización apenas disfrazan. No es lo que se espera de una película supuestamente erótica, pero tampoco Noboru Tanaka era un director que aportase al género muestras convencionales.