Tema: rapproche toi! Nouvelle Vague

Une femme mariée: Suite de fragments d'un film tourné en 1964

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El octavo largometraje de Godard.
Charlotte (M Meril) tiene una cita con su amante Robert (B Noël).Robert intenta convencerla de que se divorcie de su marido, el piloto Pierre ( Leroy), Charlotte no sabe por quien decantarse.

Godard dice que no es una "película" sino "una colección de fragmentos de una película rodada en 1964".No es tan paripé y vanguardista como esperaba. Tontería tiene pero al ser Godard ya te lo esperas,encantado de conocerse.Con una narrativa en fragmentos para los momentos entre Charlotte y su amante aderezada con diálogos. Cada uno de estos momentos nos dan informacion sobre la relación. Es muy chulo cómo lo rueda con los rostros y extremidades pululando mostrando la sociedad de consumo de 1960s. Las conversaciones intercaladas con publicidad y demás milongas también entre la prota y su sirvienta,hasta se habla de los juicios nazis,noticia por aquel entonces. Bueno pues todo esto a mí me deja igual,necesito empatizar con lo que hay delante de la cámara de alguna manera y en esta ocasion no logro entrar...tal vez en otra review como me pasó con El desprecio

Combo total:
5.7/10

Gracias una vez más por tantos aportes Wembley ya comentaré.

El caballo del orgullo (Le cheval d’orgueil, 1980)



Chabrol nos entrega una película que se escapa de los temas habituales de su cine, en una época en que ya se hace difícil seguir hablando de la Nouvelle Vague. Se trata de la adaptación de la exitosa novela del mismo título del escritor bretón Pierre-Jakez Hélias, publicada en 1975. La película nos cuenta las vicisitudes de una humilde familia campesina a principios del siglo XX, en la zona del “pays Bigouden”, en el extremo suroccidental de la Bretaña, famosa por los tocados cónicos que llevaban las mujeres.



La familia protagonista es pobre, pero a falta de tener caballos, signo de riqueza, tienen el “caballo del orgullo”, como le explica el abuelo, de firmes ideas republicanas, al padre (y después este a su hijo) montándolo a hombros.



Chabrol nos va describiendo una serie de estampas con voluntad etnológica: las labores del campo, las bodas, las vestimentas, las fiestas, las supersticiones…, todo ello con una fotografía pulcra y cuidada (quizá demasiado pulcra). Chabrol, a diferencia de otras de sus películas, parece primar la belleza del plano antes que la fuerza narrativa, de manera que, aunque de visionado agradable, a la película le falta algo de emoción, resultando un tanto fría. Por otra parte, a pesar de que se señala en algún pasaje del film la imposición lingüística del francés sobre el bretón ya desde la escuela, la mayoría de los personajes hablan en francés con toda naturalidad, lo cual va en detrimento de esa mirada antropológica que parece estar en el origen del film (hay quien lo compara con L'albero degli zoccoli de Ermanno Olmi, estrenada dos años antes). Destaca la presencia de un joven François Cluzet (parisino) como el padre de Pierre-Jacques, el niño que actúa como hilo conductor del film y cuya voz en off, ya de adulto, desde un presente indeterminado, nos sirve de narrador.



Una curiosidad que vale la pena ver, sobre todo si se tiene cierto interés por el mundo bretón.

No sé que peli elegir esta semana

Proxima review

https://www.filmin.es/pelicula/los-amantes
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La vi hace años. En su momento se consideró escandalosa por cosas que ya no impresionan ni a un párvulo, pero, al margen de ese aspecto, no recuerdo gran cosa. Malle tiene un puñado de films muy buenos.

Iniciado por hannaben

Proxima review

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Les amants



A primera vista, esta peli de L Malle tras su thriller noir "Ascenseur pour l'échafaud" (1958) parece no ser más que un drama romántico burgués convencional, una historia
de infidelidad conyugal que ofrece pocas sorpresas y un montón de clichés. Sin embargo, la
impresion superficial puede ser engañosa,la trama con aroma a novela fue tomada de un cuento del eminente escritor y diplomático del siglo XVIII D Vivant (primer director del museo del Louvre). El escenario, los personajes, incluso la puesta en escena son de un burgués total,siendo una peli subversiva,provocó una enorme protesta de los comentaristas escandalizados cuando se vio por primera vez. LES AMANTS ganó notoriedad con sus escenas de amor,mostrando un orgasmo femenino en la pantalla.. aunque es una nimiedad para los estándares actuales, le valió a la película una clasificación de 18 en Francia y
una prohibición total en varios estados de los EE. UU. Para el lanzamiento en el Reino Unido, la escena de amor tuvo que recortarse para cumplir con los requisitos de censura. Este alboroto funcionó en beneficio, la película se convirtió en un éxito mundial y estableció la reputación del director.




El guión fue escrito por Louise Lévêque, la escritora aristocrática que había escrito la novela Madame de..., que Max Ophüls había llevado al cine. Al igual que Lévêque, Malle procedía de un entorno privilegiado, aunque su obra a menudo desmiente este hecho y revela una clara racha humanista antiburguesa. El hecho de que Malle encontrara la fama justo cuando Truffaut, Godard y otros comenzaban a tener un impacto es lo que lo llevó a asociarse con la Nueva Ola, aunque se destaca como autor por derecho propio. Sus pelis están hechas de manera convencional, sin ninguna de las innovaciones estilísticas que más asociamos con la Nouvelle Vague, pero se distinguen por su tema.



Malle no se preocupa por el ejercicio de reinventar el cine por sí mismo, sino por desafiar las actitudes de la sociedad hacia temas tabú como el sexo ilícito, depresión, muerte,prejuicio racial....
Tan radical como Godard y Rivette, pero solo en
o que decía, no en cómo lo decía. Con su retrato explícito del amor prohibido, Les Amants provocó su propia revolución.


También supuso un hito importante en la carrera de Moreau. Aunque anteriormente había
protagonizado Ascenseur pour l'échafaud (1958) y había estado apareciendo en películas desde principios de 1950s, el gran avance de Moreau se produjo con su interpretación sensual en esta película. Este es el papel que llevó a Truffaut a elegirla como Catherine en JULES ET JIM.
Durante el resto de su notable carrera, Moreau a menudo sería llamada a interpretar variantes del tipo de personaje de Les Amants,mujeres inescrutables cuyo exterior frío, a menudo severo,enmascara la pasión. En las famosas escenas de amor de Les Amants , Moreau es capturada en su forma más hermosa, pero también se expone la oscuridad debajo de la superficie...la inquietud al apostar todo a lo que sabe que puede ser una mano perdedora. Más que nada, es el poder de la actuación de Moreau, la sutil ambigüedad lo que hace de esta una película interesante.

El director de fotografía Henri Decaë aporta una irrealidad al estilo Cocteau a la secuencia en la que Moreau y su coprotagonista Jean-Marc Bory dan un paseo nocturno por los terrenos de la casa de campo. Solo cuando llega la mañana y el encanto ha pasado, la ilusión de cuento se desvanece.
¿Triunfará la necesidad de Jeanne de comodidad material y estatus sobre lo que puede resultar ser un mero enamoramiento o vivirá feliz para siempre en los brazos de su nuevo novio ideal? A medida que el coche se aleja por el camino rural lleno de baches, tenemos una idea. Difícilmente podemos dejar de ver cómo se aprietan los hilos que unen a Jeanne a su elegante entorno burgués, llevándola lentamente de regreso a una vida llena de gracia, autoestima y aburrimiento aliviado por aventuras amorosas ocasionales.
En general le falta más determinacion... aún las ganas y tremendo potencial (guapísima en esta peli) de la Moreau.
6.7/10

Venice Mostra 1958: Jeanne Moreau And Louis Malle. Mostra de Venise 1958 : en marge du festival, Louis MALLE et sa compagne Jeanne MOREAU, venus présenter leur film 'Les Amants' (qui sera récompensé du Lion d'argent), s'avançent sur un ponton avant de partir en promenade sur la lagune.. (Photo by Georges Menager/Paris Match via Getty Images)

Wes Anderson: «Louis Malle es uno de mis directores favoritos»

01/02/2021- Número 145

Entrevista de Jean-Christophe Ferrari

Con motivo del vigesimoquinto aniversario de su desaparición, Transfuge ha querido rendir homenaje a Louis Malle. Sobre todo porque este cineasta ecléctico, rebelde y solitario aún no es reconocido en Francia por su justo valor. Pocos lo saben, pero Wes Anderson es un gran admirador de Louis Malle. Nos cuenta cómo le influyó su obra.

¡Encuentre nuestro dossier de Louis Malle en nuestra edición de febrero!

- ¿Cómo descubriste el cine de Louis Malle?

- La primera que vi fue Mi cena con André en VHS. Estaba en secundaria y no sabía bien lo que esperar. Al verla, me dejó desconcertado pero también intrigado. Más tarde, cuando trabajaba como proyeccionista en la Universidad de Texas en 1988, se organizó un estreno local de Adiós, muchachos. La película me encantó, pero fue sólo tras ver El soplo al corazón (¡en laser disc!) cuando me di cuenta de que Louis Malle era uno de mis directores favoritos.


- ¿Qué fue lo que te impresionó de esa película?

- Qué fue lo que NO me impresionó. La anarquía de esos hermanos salvajes, la inteligencia rebelde de Benoît Ferreux, la extraña atmósfera romántica del hotel termal y el suntuoso Dijon burgués que logra recrear. ¡Era exactamente el tipo de película que yo quería hacer! O mejor: lo que yo quería hacer era de repente una película de Louis Malle. Y creo que mi película Rushmore estuvo muy inspirada en El soplo al corazón. Además, Owen Wilson – amigo mío y coguionista– la había visto con su padre, incluso antes de que yo la descubriera, y le había gustado también mucho.


- Louis Malle trabajó con el capitán Cousteau, por quien sientes una admiración que expresaste en La vida acuática. ¿Ha podido alimentar este punto en común con Malle tu relación con su obra?

Cuando descubrí las películas de Louis Malle, no sabía que había trabajado con Cousteau. Pero en mi opinión la historia de su participación en El mundo del silencio lo dice todo sobre él. De entre todos los estudiantes del IDHEC que se ofrecieron para acompañar al capitán Cousteau, él fue el único que levantó la mano y aceptó el desafío. ¡Así fue que obtuvo una palma de oro a los veinticuatro años! Me encanta ese gusto por la aventura entrelazado íntimamente con una gran curiosidad intelectual. Me fascina el lado antropológico de su temperamento artístico.


- ¿Cuál es tu película preferida de Malle? ¿Y por qué?

- Sin duda, El fuego fatuo. Por la misma razón que me cautivó El soplo al corazón. Es una película que desearía haber hecho y es el tipo de película que yo QUERÍA hacer. La tristeza profunda, el glamour maldito, el picaresco viaje del personaje de Maurice Ronet durante las pocas horas que pasa en París, la música, la fotografía del gran Ghislain Cloquet.


- ¿Hay alguna cosa en particular que te conmueva de su cine? ¿Los constantes cambios de estilo?

- Puede ser. Pero no tengo la impresión de que su estilo cambie tanto. Tengo más bien la impresión de que trabaja con una paleta de tonos muy amplia. Siempre le gustó probar cosas nuevas. Creo que sus documentales dicen mucho sobre el artista que fue. ¡Las películas que hizo sobre Estados Unidos tienen mucho que enseñarnos sobre Estados Unidos!


- ¿La importancia que, al igual que tú, le otorga a la infancia?

- Siempre me ha inspirado la aguda sinceridad con la que capta cuál es el punto de vista de un niño.


- ¿Tienes la sensación de que los directores estadounidenses de hoy comparten tu admiración por Louis Malle?

- ¡Con mis amigos, sí! Por ejemplo, Noah Baumbach y Alex Ross Perry. Y sé que Richard Linklater suele hablar de manera muy elocuente sobre su obra. En Francia, su trabajo no es tan conocida como debería.

Wes Anderson: «Louis Malle es uno de mis directores favoritos»


¿Cuál es tu película preferida de Malle? ¿Y por qué?

- Sin duda, El fuego fatuo. Por la misma razón que me cautivó El soplo al corazón. Es una película que desearía haber hecho y es el tipo de película que yo QUERÍA hacer. La tristeza profunda, el glamour maldito, el picaresco viaje del personaje de Maurice Ronet durante las pocas horas que pasa en París, la música, la fotografía del gran Ghislain Cloquet.

Muy buena peli sí señor,con un momento mágico entre Ronet y Moreau

¿Crisis del cine francés?

En Tokio los críticos de cine han designado las mejores películas extranjeras presentadas durante el pasado año en el Japón. Entre los cinco primeros títulos seleccionados hay tres franceses. Celui qui doit mourir (Jules Dassin); Un condamné à mort s'est échappé (Robert Bresson); y Porte des Lilas (René Clair). La temporada 1956-57, a la que pertenecen estos films, fue excelente tanto para la industria como para el arte del cine francés. Los espectadores de las salas cinematográficas aumentaban de un 5 a un 10 por 100 y la producción sobrepasó los 110 largos metrajes. Los directores mostraron verdadera audacia aproximándose a los problemas sociales contemporáneos. Por ejemplo, es característico que las dos películas que ahondaron los conflictos coloniales (Mort en fraude, de Marcel Camus, y Patrouille de choc, de Bernard Aubert), fueran una valiente crítica motivada por la pasada y larga guerra del Vietnam.

Pero, desgraciadamente, la temporada 1957-1958 amenaza con arrojar un balance muy distinto. Aunque el número de películas francesas producidas en 1957 sea el mismo (124), sin embargo, en las salas de cine se ha notado una deserción masiva desde el último de octubre. Ni siquiera se han llenado los cines en las fiestas de Navidad y Año Nuevo. Durante esta 52 semana de 1957 sólo un 22 por 100 de las butacas se ocuparon en los grandes cines parisinos; en 1956 se ocupó el 44 por 100, y en Marsella, Niza, Lyon o Lille, la afluencia del público fue de un 25 a un 30 por 100 durante el último trimestre de 1957.

Los impuestos agotadores, la subida vertiginosa del coste de la vida, la amenaza de una crisis económica general, todo consecuencia más o menos directa de una interminable guerra colonial en Argelia, son las causas esenciales de esta súbita deserción. Los espectadores de cine, de los que un 90 por 100 son trabajadores, pueden pasarse mejor sin cine que sin pan o sin carne. Hay que tener en cuenta además que los precios de las localidades en Francia son más elevados que en el resto de Europa Occidental: según una reciente estadística americana un obrero parisino paga por su butaca el precio de cuatro horas de trabajo, mientras que en la mayoría de los demás países basta con el precio de una hora o menos...

* * *

He aquí un cuadro muy negro, que conduce a proponer esta pregunta: ¿Ha perdido el cine francés la energía?

Pero ¿qué cine es el que no ha conocido, en algún momento de su historia, dudas, errores, desfallecimientos, retrocesos, crisis? La constante turbación de la segunda mitad de 1957 no puede desentenderse del pasado o del presente. En el pasado, lo hemos dicho ya, la temporada 1956-1957 fue muy digna y más bien por encima del tono medio francés e internacional. Las obras de valor fueron numerosas y abordaron audazmente los problemas contemporáneos.

En cuanto al porvenir, 1958 ha empezado bien con Ascenseur pour l'échafaud, el primer film realizado por el joven Louis Malle (veinticinco años), ya co-realizador con el comandante Cousteau del famoso documental submarino El mundo del silencio (Gran Premio de Cannes de 1956). Muchos jóvenes nos harán conocer sus primeras películas en la próximas semanas. Por otra parte el público espera con confianza e interés Mon oncle, de Tati, el mejor cómico francés desde Max Linder; Les Misérables, de J. P. de Chanois, según la novela de Victor Hugo, Une vie, tomada de Maupassant, por Alexandre Astruc. La escuela de documentales continúa manifestándose con una vitalidad excepcional y muchos talentos, que no llegan a los treinta años, van a debutar como directores.

Se puede, por lo tanto, esperar que el actual desfallecimiento del cine francés sea pasajero y que éste demostrará en seguida que no ha perdido ni su valentía ni su fuerza.

GEORGES SADOUL

(Cinema Universitario. Núm. 8, diciembre 1958)

ROMAN POR POLANSKI

Con Deneuve y Godard, en Cannes 1965, donde se estrenó Repulsión

* * *

Me convencí cada vez más de que mi porvenir, si es que lo tenía, estaba en París. Era el apogeo de la “nueva ola”. Las películas se hacían casi gratis, y la mayoría de las veces de mala manera, bajo la responsabilidad de jóvenes aficionados sin experiencia. Muchos terminaron fracasando, pero aquellos que obtuvieron cierta notoriedad hicieron saltar en pedazos las antiguas recetas del éxito. El cine francés se encontraba en estado de agitación, porque ya no había una fórmula que garantizara dicho éxito. Los productores asumían riesgos considerables, temiendo que rechazar a un joven desconocido o que declinar un guión de tres páginas, ininteligible, les haría perder el tren del “próximo bombazo”. El esnobismo intelectual desempeñó también su papel. A fin de no ser tomados por incultos, los críticos elogiaban las películas “cerebrales” que no sólo estaban mal realizadas y eran lentas, sino también pretenciosas y soporíferas.

Nunca fui parte de esa nueva ola, ni quería serlo. Mis aspiraciones apuntaban hacia cotas de profesionalidad mucho mayores – y además era demasiado perfeccionista. Los cuatrocientos golpes de Truffaut me pareció encantadora, y encontré Al final de la escapada de Godard muy sugerente. Pero el resto de películas, más allá de las primeras obras de Chabrol, me asombraron por su amateurismo y por su pobreza técnica. Asistir a sus proyecciones suponía para mí una tortura insoportable.

Pero en medio de la euforia por esa nueva fiebre del oro, Pierre Roustang, siempre en busca de nuevos proyectos, me encargó un guión. Su idea no era muy original.

- ¿Qué dirías de una joven polaca que llega a París y se enamora de un francés, eh? - me preguntó un día. Tengo en mente algo de bajo presupuesto, en la línea de Hiroshima mon amour.

Redacté una propuesta e hice que Gérard Brach la leyera. Estuvo lejos de sentir entusiasmo alguno, tanto como yo de reprochárselo.

- ¿Y si intentamos darle una vuelta juntos? le dije yo. Nos pusimos manos a la obra, pero sin gran resultado. Finalmente, propuse abandonar la idea de Roustang y escribir algo que nos llenara de verdad – algo que ambos pudiéramos disfrutar viendo algún día proyectado en una pantalla.




(Roman par Polanski. Roman Polanski, Ed. Fayard, 2016)

Iniciado por Wembley_86

- ¿Cuál es tu película preferida de Malle? ¿Y por qué?

- Sin duda, El fuego fatuo. Por la misma razón que me cautivó El soplo al corazón. Es una película que desearía haber hecho y es el tipo de película que yo QUERÍA hacer. La tristeza profunda, el glamour maldito, el picaresco viaje del personaje de Maurice Ronet durante las pocas horas que pasa en París, la música, la fotografía del gran Ghislain Cloquet.

También es mi película preferida de Malle, pero me sorprende en Anderson, porque me parece alejadísima de su cine. A veces he calificado Le feu follet como la película más deprimente que he visto en mi vida, siendo "deprimente" un adjetivo que no se me ocurriría para el cine de Anderson.

Iniciado por mad dog earle

También es mi película preferida de Malle, pero me sorprende en Anderson, porque me parece alejadísima de su cine. A veces he calificado Le feu follet como la película más deprimente que he visto en mi vida, siendo "deprimente" un adjetivo que no se me ocurriría para el cine de Anderson.

La verdad es que sí sorprenden estas cosas.Me parece más que aceptable su remake de J Trier
https://www.filmin.es/pelicula/oslo-31-de-agosto

Iniciado por hannaben

La verdad es que sí sorprenden estas cosas.Me parece más que aceptable su remake de J Trier
https://www.filmin.es/pelicula/oslo-31-de-agosto

Sí, Oslo, 31 August. No sé si considerarla un remake de la película de Malle o una nueva adaptación de la novela de Drieu la Rochelle (de 1931). Se diferencia tanto de una como de la otra. Tampoco el film de Malle seguía al pie de la letra la novela.

No es el cine de Malle lo que yo asociaría a Wes Anderson tampoco, si acaso la excepción de Zazie. Pero me alegro mucho de que el director no caiga en el olvido.

Tiene una filmografía muy variada, y tocando algún tema más por ahí "controvertido": a parte de en Los Amantes, también el del colaboracionismo durante la ocupación, la prostitución infantil o el incesto, y además con una faceta documentalista que personalmente desconocía.

Ah! y apunto la de Oslo para cuando vea la otra, aunque no me parece que esté editada en físico y yo plataformas no tengo por ahora.

De sus documentales he visto L'Inde fantôme (editado por Avalon) y God's Country, sobre una comunidad rural en Estados Unidos, vista por televisión hace años

Los Amantes de Louis Malle

Los Amantes es una película apasionante; no es una obra maestra porque no está completamente dominada, sino que es libre, inteligente, de un tacto absoluto y de un gusto perfecto; va avanzando con la espontaneidad de las antiguas películas de Renoir, es decir, con la sensación de que las cosas se nos van descubriendo al mismo tiempo que al cineasta, en lugar de verse antecedidos o rodeados por él.

El amor es el tema de temas, especialmente en el cine, donde el aspecto carnal es indisociable a los sentimientos. Louis Malle ha realizado la película que todo el mundo lleva en el corazón y sueña con concretar: la minuciosa historia de un amor a primera vista, el ardiente “contacto de dos pieles”, que no se revelará hasta mucho más tarde como “el intercambio de dos fantasías”.

Muy superior a Ascensor para el cadalso, Los Amantes supera igualmente a Y Dios creó a la mujer, a El Bello Sergio, a De espaldas a la pared, y aparece como el mejor film ofrecido por un “menor de treinta años”.

El acto sexual no puede ser mostrado en el cine porque se daría una brecha demasiado grande entre lo abstracto y lo concreto, es decir, una incomunicabilidad entre la inspiración del cineasta y la presentación visual de su idea; sería al mismo tiempo feo y abusivo, pero de la misma manera – al menos – que también son feas y abusivas las lágrimas que derrama un niño pequeño frente a su globo rojo porque se le explotó en la acera. La censura se encarga del primer caso pero no del segundo, simplemente porque está mal hecha y además compuesta por personas que desconocen la moral estética, que es la única que cuenta.

Lo que le interesa por tanto al cineasta es mostrar, con la mayor veracidad posible, aquello que sucede ANTES y DESPUÉS del amor, es decir, en el momento en que los dos miembros de la pareja se nos presentan, humanos de pleno derecho, en la perfecta concordancia de los cuerpos y las almas. El cine francés nos ha negado durante años esa verdad, sustituyéndola por la vulgaridad alusiva y la mezquindad sutil que tanto éxito le reportan a nuestro teatro de bulevar.

Si bien Y Dios creó a la mujer debía ser defendida por constituir el primer esfuerzo real hacia un reflejo fiel del amor en el cine, el defecto de la primera película de Vadim (que ahora ya se puede señalar puesto que Malle lo ha esquivado) era el de alejarse en ocasiones del aspecto carnal en favor de un erotismo insidioso y por tanto menos puro: braguitas, poses compuestas para la cámara, vestidos mojados en el mar, agresividad antisocial de la heroína, etc. Louis Malle, admirablemente apoyado por Louise de Vilmorin, ha logrado un film perfectamente familiar y casi hasta banal, de un pudor absoluto y moralmente irreprochable.

A lo largo de toda la segunda mitad de la película, que es al acto de amor lo mismo que el atraco de Rififi fue a la acción de robar, Jeanne Moreau se muestra alternativamente en camisón o completamente desnuda, pero sin ningún tipo de resultado indirecto como por ejemplo las siluetas recortadas por la luz a las que se nos sometía en todas las de Martine Carol.

Los Amantes sintetiza exactamente la audacia de un tímido: es fresca y natural, sin picardías, sin artificios. A diferencia de las películas de Vadim, ésta no pretende ser deliberadamente actual, ni servir como valor de testimonio, ya que el amor es eterno y no se trata tanto de una mujer de hoy como de la mujer en general, la de Flaubert, que es también la de Giraudoux. Sí, Los Amantes es quizá la primera película giralduciana.


François TRUFFAUT, 1958



(Les films de ma vie. François Truffaut, Ed. Flammarion, 1975)

Faltaba la crítica de Truffaut, así que ahí va... aunque a mí me gustó mucho más la de hannaben, obviamente.

Gracias, esos aportes de Truffaut!
Me gusta más El bello Sergio, la veo "más peli" que Los amantes

Iniciado por Wembley_86

El acto sexual no puede ser mostrado en el cine porque se daría una brecha demasiado grande entre lo abstracto y lo concreto, es decir, una incomunicabilidad entre la inspiración del cineasta y la presentación visual de su idea; sería al mismo tiempo feo y abusivo, pero de la misma manera – al menos – que también son feas y abusivas las lágrimas que derrama un niño pequeño frente a su globo rojo porque se le explotó en la acera. La censura se encarga del primer caso pero no del segundo, simplemente porque está mal hecha y además compuesta por personas que desconocen la moral estética, que es la única que cuenta.

Es curioso constatar cómo toda la crítica de Truffaut rezuma un conservadurismo respecto al sexo que se supone que, entre otros, los cineastas de la Nouvelle Vague tendieron a modificar, lo cual viene a corroborar que detrás de algunos de ellos (quizá de la mayoría) se escondían unos moralistas más tradicionales de lo que pueda parecer a primera vista. En especial, creo que es el caso de Truffaut, y de ahí probablemente una parte de sus desencuentros posteriores con Godard.

Esta semana veré alguna del desaparecido Trintignant.
DEP.

Lo más seguro es que caiga

https://www.filmin.es/pelicula/mi-noche-con-maud

Tercera entrega de la serie “Los cuentos morales”, una brillante y exquisita película sobre el mundo de las relaciones humanas.

Jean-Louis, católico devoto, se instala en un pequeño pueblo buscando tranquilidad. En la iglesia conoce a Françoise, a la que él considera su pareja ideal. Pero accidentalmente Jean-Louis acaba pasando la noche con la sexy Maud, una mujer divorciada que representa todos los valores opuestos a él. Una noche que cambiará su vida.

Excelente elección para rendir homenaje a Trintignant. Yo tengo previsto ver pronto Amour y Happy End, ambas de Haneke, y la última con Huppert.

Iniciado por hannaben

Esta semana veré alguna del desaparecido Trintignant.
DEP.

Lo más seguro es que caiga

https://www.filmin.es/pelicula/mi-noche-con-maud

Aparte de Amor, tengo por ahí Flic Story y Tres colores: Rojo. A ver por cuál me decido yo. Intentaré buscar algo de Rohmer para el hilo también.

Iniciado por mad dog earle

Es curioso constatar cómo toda la crítica de Truffaut rezuma un conservadurismo respecto al sexo que se supone que, entre otros, los cineastas de la Nouvelle Vague tendieron a modificar, lo cual viene a corroborar que detrás de algunos de ellos (quizá de la mayoría) se escondían unos moralistas más tradicionales de lo que pueda parecer a primera vista. En especial, creo que es el caso de Truffaut, y de ahí probablemente una parte de sus desencuentros posteriores con Godard.

(…) Por el contrario, está claro que si queremos permanecer en el nivel del arte, debemos mantenernos en el ámbito de la imaginación. Tengo que poder contemplar lo que sucede en la pantalla como una simple historia, como una evocación que no toque nunca el nivel de la realidad, al menos a no ser que deba resultar cómplice tras el hecho de una acción o de una emoción que demande discreción para poder realizarse.

Esto significa que el cine puede decirlo todo, pero no mostrarlo todo. No existen las situaciones sexuales – morales o inmorales, impactantes o banales, normales o patológicas – cuya expresión esté a priori prohibida en pantalla, pero a condición de que se recurra a la capacidad de la abstracción del lenguaje cinematográfico, para que la imagen no termine nunca por adquirir una calidad documental.

Es por eso que Y Dios creó a la mujer me parece, a pesar de algunas cualidades buenas que le reconozco, una película en parte detestable.


Es de André Bazin, del libro que reúne sus principales artículos (¿Qué es el cine?). Creo que la dialéctica de Truffaut, al menos en este caso, parte de una posición filosófica seguramente influenciada por los postulados de su mentor y tutor: católico y humanista en tiempos de Sartre, y piedra angular para esa parte de la ola que llegó al cine a través de la crítica. Lo que define a un autor según Bazin es su estilo, y el estilo es la puesta en escena.

Una posición que se ganó también sus reproches, no tanto en términos relacionados con lo sexual, sino más bien con lo social: que un existencialismo cristiano como el de Bazin se aproxime a una obra como Los olvidados de Buñuel en términos de trascendencia y de metafísica, e interpretando las problemáticas del mundo en base a la estética y la psicología, terminaba por lo visto resultando bastante incompatible con otros conceptos más “marxistas” como los de clase, explotación o propiedad.

Aprovecho por eso para dejar un artículo en el que Roland Barthes, semiólogo e intelectual francés, le da unos cuantos palos a El Bello Sergio de Chabrol por esa misma razón.

CINE IZQUIERDA Y DERECHA

Por Roland Barthes



Volviendo a recordar las primeras imágenes de El Bello Sergio, me digo una vez más que, aquí en nuestro país, el talento está a la derecha y la verdad a la izquierda: que es esta disyunción fatal entre forma y significado lo que nos asfixia: que no terminamos de escapar de la estética porque nuestra estética es siempre la coartada de una perpetuación. Ahí está nuestra paradoja: que el arte en nuestra sociedad tenga que ser tanto el final de una cultura como el comienzo de una naturaleza; que la amplia libertad del artista no nos recompense más que con la imposición de una imagen fija del hombre.

Habría dado mucho por despojar a El Bello Sergio de su historia. Ni siquiera estoy seguro de que dicha historia tenga algún tipo de significado para su autor; se diría que la anécdota se torna melodramática, ya que en realidad resulta indiferente; que la verdad está en el estilo, la concesión en el fondo, y que por una paradoja de estructura el propio ser del relato no constituye más que un atributo de su forma; de ahí un divorcio general entre la verdad de los signos, única manera moderna de contemplar con precisión la superficie del mundo, y la impostura de los argumentos y de los roles, extraídos negligentemente del folklore burgués más burdo, el que va desde Paul Bourget a Graham Greene. Ahora bien, la dejadez de la mirada puede dar lugar a un sarcasmo o a una cierta ternura, en resumen, a una verdad; la dejadez del tema, sin embargo, da lugar a una mentira. Ningún otro arte soporta tal contradicción por mucho tiempo: la inocencia del argumento arruina rápidamente la modernidad de la forma; si existe algo terrible en el cine es que lo monstruoso resulta viable; podría incluso decirse que actualmente toda nuestra vanguardia vive de tal contradicción: signos verdaderos, un sentido falso.

Todo en la superficie del El Bello Sergio es preciso (excepto cuando la historia se representa de manera explícita: la nieve, por ejemplo, es falsa): los campos, el pueblo, el hostal, la plaza, las ropas, los objetos, los rostros, los gestos, todo aquello que perdura en la mirada, todo lo que es literal, todo lo que no signifique más que una existencia insignificante, o cuyo significado se encuentre muy lejos de la conciencia de sus participantes. Hay una elegancia fundamental en todo ese inicio de la película: por gracia, allí no sucede nada, sino una fina contradicción de la existencia rural, aguijoneada, como debe ocurrir para que se dé el espectáculo, por la irrupción de un joven burgués con abrigo de trenca y bufanda al viento, que lee los Cahiers du Cinéma mientras toma su café malo de bistró. En tanto en cuanto no dé a luz al monstruo de la Anécdota, esa fricción parece correcta, es decir, voluptuosa. Por mi parte, yo la desproveería del Sentimiento; habría contemplado con placer durante horas el despliegue de esta doble existencia enteramente resguardada en sus signos más inteligentes, saboreado la exactitud de una descripción cuyo objeto no es el pueblo en sí (nada más exasperante que el realismo de lo rural o de la ebriedad), sino más bien esa dialéctica paciente que une la urbanidad del joven dandy y la deformidad de la “Naturaleza”. En definitiva, lo bueno que tiene esta película es lo que podría llamarse su microrrealismo, la sutileza de sus elecciones; hay en Chabrol un poder de corrección: en el partido de fútbol que juegan los niños en la calle, por ejemplo, Chabrol supo encontrar los gestos fundamentales, aquellos que persuaden a través de lo que Claudel denominó la detonación de la evidencia. Formalmente, en su superficie descriptiva, El Bello Sergio tiene algo de flaubertiano.

La diferencia – y es una de envergadura – es que Flaubert nunca escribió una historia; por una ciencia profunda de sus fines, sabía que el valor de su realismo residía en su insignificancia, que el mundo sólo significaba que no significaba nada. El genio de Flaubert estriba en la conciencia y la valentía de esta deflación trágica entre signos y significados. Por el contrario, su realismo está presente, pero Chabrol le confiere un pathos y una moral, es decir, tanto si él quiere como si no, una ideología. No hay una historia inocente: desde hace cien años, la Literatura lucha con esta fatalidad. Con un movimiento al mismo tiempo excesivamente pesado y excesivamente procaz, Chabrol rechaza cualquier ascesis de la anécdota, narra masivamente, elabora un apólogo: puedes salvar a un ser si lo amas.







Pero ¿salvar de qué ? ¿Dónde radica la maldad en El Bello Sergio? ¿En haber tenido un primer hijo deforme? ¿En ser un fracasado socialmente? ¿Se trata de una maldad en un sentido más general, referida a la de su pueblo, que muere de no tener nada, de no ser nada? Es en la confusión de estas preguntas, en la indiferencia de sus respuestas que se define un arte de derechas, siempre interesado en el discontinuo de las desgracias humanas, nunca en su conexión. Los campesinos beben. ¿Por qué beben? Porque son muy pobres, porque no tienen nada que hacer. ¿Por qué esa miseria, ese abandono? Ahí la investigación se detiene o se sublima: son sin duda animales en esencia, es su naturaleza. Claramente no se pide un curso de economía política sobre las causas del miserabilismo rural. Pero un artista debe saber que es enteramente responsable del término que le asigna a sus explicaciones: hay siempre un momento en que el arte inmoviliza el mundo, cuanto más se demore mejor. Denomino arte de derechas a esta fascinación por la inamovilidad, lo cual hace que se describan resultados sin nunca cuestionarse, no digo ya sobre las causas (el arte no sabría ser determinista) sino sobre las funciones.

La desdicha del bello Sergio se encuentra ligada, de un modo u otro, a Francia entera, he ahí el fundamento de un verdadero arte. Y como una obra no es un gráfico, un balance o un análisis político, es a través de las relaciones entre sus personajes que captamos la totalidad del mundo que lo componen. En La tierra tiembla de Visconti, a través de la relación entre los dos hermanos se expone gradualmente todo el sistema capitalista siciliano, el amor imposible entre la hermana y el joven albañil soporta el peso entero de toda la tierra. Dado que Chabrol ha optado por otorgarle a sus criaturas unos vínculos intensivos, su aldea no trasciende lo folklórico: es un drama “humano” en un escenario “particular”, fórmula que expresa a la perfección esta inversión de lo real que Marx describió respecto a la ideología burguesa, dado que aquí, en realidad, lo “particular” es el drama y el escenario es lo “humano”.

En definitiva, lo que la anécdota le permite a Chabrol eludir es la realidad. Rebelde o incapaz para conferirle a su modo una profundidad, una geología social, de tipo balzaquiano por ejemplo (el cine reciente no siente más que desprecio por la pesadez “anticuada” del arte comprometido), ha sin embargo rechazado igualmente la ascesis flaubertiana, el desierto de un realismo sin significado; demasiado refinado para aceptar la “política”, es también demasiado complaciente para al menos otorgarle un sentido ético a este rechazo. El melodrama (esta insípida historia de nieve y alumbramiento) configura el enorme fuelle con el que expele su irresponsabilidad. ¿Ser bueno? ¿Cree Chabrol que ya está con tan sólo querer serlo? Es al terminar la película de Chabrol cuando comienza el verdadero problema: el ser de la bondad no exime de sus modos, y sus modos son solidarios del mundo entero, de manera que uno nunca puede ser bueno por sí solo. Lástima que estos jóvenes talentos no lean a Brecht. En él por lo menos encontrarían la imagen de un arte que sabe entablar un problema en el punto exacto en que ellos creen haberlo terminado.



(Lettres Nouvelles, 11 de marzo de 1959)

Iniciado por Wembley_86

Una posición que se ganó también sus reproches, no tanto en términos relacionados con lo sexual, sino más bien con lo social: que un existencialismo cristiano como el de Bazin se aproxime a una obra como Los olvidados de Buñuel en términos de trascendencia y de metafísica, e interpretando las problemáticas del mundo en base a la estética y la psicología, terminaba por lo visto resultando bastante incompatible con otros conceptos más “marxistas” como los de clase, explotación o propiedad.

El problema es querer atrapar el cine (o el arte en general) en las redes de los presupuestos ideológicos. Quizá es, en parte inevitable, pero deviene intrasigente y empobrecedor cuando desde los "altares" críticos se pretende hacer comulgar a los creadores con los preceptos de tu propia "fe". A menudo se desplaza la crítica del gusto a la moral y en ese camino se pierde libertad creativa.