Tema: Revisando la filmografía de la Hammer Film Productions (1948-1978)

Vuelvo a reflotar este hilo después de este (relativamente) largo paréntesis con el comentario de LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL (1960) que ya tengo avanzado y que espero entregar a lo sumo en un par de días (la película la vi la noche del 5).

Si alguno de vosotros se anima estaré encantado de que aportéis vuestro granito de arena (o toda una montaña, si es menester) y de esta forma hacer un foro más participativo.

Una película, por cierto, que aunque es una de las aproximaciones más originales al (espléndido) texto de Robert Louis Stevenson, supuso un serio quebranto económico para la Hammer a uno y otro lado del Atlántico.

De hecho, como espero comentar siquiera sucintamente en la reseña, LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL fue, en cierta manera, el final del idilio entre el director, Terence Fisher y la Hammer.

18. THE TWO FACES OF DR. JEKYLL (1960, LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL)



Director: Terence Fisher.

Producción: Hammer Film Productions Ltd. / Columbia Pictures Corp.

Distribución: Columbia Pictures Corp.

Productor: Michael Carreras.

Guion: Wolf Mankowitz, basado en la novela corta “Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde” de Robert Louis Stevenson (Londres, 1886).

Diseño de producción: Bernard Robinson.

Fotografía: Jack Asher (en Technicolor y MegaScope (en realidad SuperScope)).

Música: Monty Norman y David Heneker, supervisada por John Hollingsworth.

Montaje: Eric Boyd-Perkins, supervisado por James Needs.

Reparto: Paul Massie (Dr. Henry Jekyll/Edward Hyde), Dawn Addams (Kitty Jekyll), Christopher Lee (Paul Allen), David Kossoff (Profesor Ernst Litauer), Norma Marla (María), Francis De Wolff (Inspector de policía).

Duración: 1 h 28 m 16 s. (Copia en BD editada en Reino Unido por Powerhouse en 2019).

Rodaje: del 23 de noviembre de 1959 al 22 de enero de 1960.

Presupuesto: 146.417 libras esterlinas.

Estreno (Reino Unido): 24 de octubre de 1960 (en programa doble junto con la película franco-italiana LA JUMENT VERTE (1959), de Claude Autant-Lara), con preestreno el 7 del mismo mes.

Estreno (EUA): 3 de mayo de 1961 como HOUSE OF FRIGHT (en programa doble junto con el reestreno de la película MY WORLD DIES SCREAMING (1958), de Harold Daniels).



Aunque LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL se rodó antes que LAS NOVIAS DE DRÁCULA, la siguiente cinta del director británico, esta última se estrenó antes, lo que ha dado lugar a equívocos a más de un cinéfilo (salvo a cinefilototal, por supuesto… ).

LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL fue la primera película gótica de la Hammer rodada en Scope, aunque sería más preciso decir exhibida, puesto que el SuperScope (aquí acreditado como MegaScope), usaba únicamente una lente anamórfica en el proyector y no así en la cámara.

Comparte con THE MAN WHO COULD CHEAT DEATH el hecho de que no esté protagonizada por Peter Cushing, la gran estrella de la compañía y en que Christopher Lee quede relegado a un segundo (aunque determinante) plano.



- No deja de ser curioso la escasa fe que la Hammer tenía por entonces en un actor del carisma (y del talento) de Christopher Lee, quien seguramente hubiera sido una mejor elección que Anton Diffring en THE MAN y incluso que Paul Massie en LAS DOS CARAS.

No obstante tendrían que pasar todavía unos años para que Lee se convirtiese en la estrella número uno de la productora, algo que ocurriría tal vez a la altura de la espléndida LA GORGONA (1964), donde por primera vez su nombre antecedió al de Cushing en los títulos de crédito iniciales. -





LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL fue la película más cara rodada hasta la fecha por la compañía, 146.417 libras esterlinas (recordemos que LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN, la película que lo inició todo, tan sólo costó 65.000) y se convirtió también en su primer serio revés económico puesto que sólo en Reino Unido perdió unas 30.000.

Y no sólo eso sino que la Columbia, coproductora y distribuidora de la cinta, descontenta con la misma, se negó a exhibirla en los EUA.

El testigo sería tomado por la American-International Pictures de Samuel Z. Arkoff y James H. Nicholson, los mismos que financiaron el ciclo poeano (y lovecraftiano) de Roger Corman, que no sólo cambió su título (primero por JEKYLL’S INFERNO y más tarde por HOUSE OF FRIGHT) sino que recortó sensiblemente su metraje por mor de la censura.





- Recordemos que la película ya había sufrido los pertinentes recortes por el British Board of Film Censors para poder acceder a la habitual “X” con que solía calificar las películas de la compañía. -

Pese a que LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL es una de las cintas de Terence Fisher con menor predicamento entre los aficionados – y parte de razón no les falta, como luego veremos – lo cierto es que es una de las aproximaciones más originales al mito Jekyll/Hyde que se han llevado a la gran pantalla.

De hecho, si tuviera que elegir mis tres versiones favoritas de la obra de Stevenson me decantaría indefectiblemente primero por la mejor de todas ellas, EL HOMBRE Y EL MONSTRUO (1931), de Rouben Mamoulian (y que le supuso un Oscar al mejor actor al gran Fredric March), luego por la película hoy comentada y finalmente por la estupenda comedia EL PROFESOR CHIFLADO (1963), de Jerry Lewis.

- Y si tuviese que elegir una cuarta me decantaría por también hammeriana DR. JEKYLL Y SU HERMANA HYDE (1971), de Roy Ward Baker, aunque tal vez más de uno discreparía de semejante elección. -

Estando el productor habitual de los títulos góticos de la Hammer Anthony Hinds ocupado en negociar con los grandes estudios de Hollywood suculentos contratos de coproducción y de distribución de sus cada vez más exitosas producciones sería Michael Carreras quien se encargaría de ocupar su cargo y de esta forma supervisó de forma consecutiva THE MAN WHO COULD CHEAT DEATH, LA MOMIA y LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL.

Al contrario que Hinds Carreras no era un gran fan del cine de terror y que tantos éxitos había cosechado para la compañía y por ello en sus producciones siempre intentó desviarse de la senda que había abierto el primero ofreciendo unas películas (aparentemente) menos truculentas y cuidando especialmente la ambientación y rodando además, si era posible, en Scope.

Al contrario que en títulos anteriores Carreras no contó con la participación de Jimmy Sangster - el guionista estrella de la compañía - en el libreto sino que contrató al prestigioso Wolf Mankowitz (1924-1998) para la elaboración del mismo.

Mankowitz había participado como argumentista y colibretista en el gran éxito del musical “Expresso Bongo” (Saville Theatre, Londres, 23 de abril de 1958), protagonizado por el mismo Paul Scofield que se llevaría – merecidamente – el Oscar al mejor actor por su memorable encarnación de Thomas Moro en la espléndida UN HOMBRE PARA LA ETERNIDAD (1966), de Fred Zinnemann, un director al que el querido amigo mad dog earle está revisando (a su manera ) en “el otro rincón”.



Las canciones del citado musical tenían la firma de Monty Norman y de David Heneker.

Sería el director más importante de la Hammer después de Terence Fisher, Val Guest, quien se encargaría de llevar a la gran pantalla la obra al año siguiente, aunque fuera de los dominios de la compañía.

La misma estaba protagonizada por Laurence Harvey.

Fue Guest quien puso en contacto a Carreras con Mankowitz (que no Mankiewicz ) con la idea de hacer una nueva versión de uno de los escasos monstruos clásicos no pertenecientes al dominio de la Universal.

Y la idea era que Harvey la protagonizara. Y que los citados Norman y Heneker se encargaran de la banda sonora.

Sin embargo, por diferencias contractuales finalmente el papel principal recayó en el actor canadiense Paul Massie, que en líneas generales hace un trabajo francamente bueno, pero que en principio sólo iba a encarnar al señor Hyde y no así al Dr. Jekyll.



A pesar de que el libreto de Mankowitz era (literariamente) superior a cualquiera de los servidos por Sangster, lo cierto es que Fisher no quedó muy contento con el resultado, aunque en mi modesta opinión es uno de los trabajos suyos donde queda más de manifiesto ese “encanto del mal” que era una de las esencias de los mejores títulos del británico.



Y aunque parezca un contrasentido una propuesta hermanada con un título capital de la comedia como es EL PROFESOR CHIFLADO de Jerry Lewis puesto que en ambas el lado “oscuro”, el señor Hyde, es alguien bello y bien parecido, no a la contra como era la norma.

No deja de ser curioso que la propia Hammer había facturado sólo unos pocos meses antes una versión en clave de comedia de la obra stevensoniana, THE UGLY DUCKLING (1959), de Lance Comfort.

LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL siempre me ha parecido una de las películas góticas de la Hammer más melancólicas.



Y es que la historia del Dr. Jekyll y del señor Hyde (en clara alusión a esa personalidad agazapada – hidden - en el interior del personaje y de todos nosotros, todo sea dicho) contada por Terence Fisher es la crónica de un doble fracaso.

Un doble fracaso además profundamente imbricado en un tema que la Hammer y Fisher en particular manejaban con notable desparpajo teniendo en cuenta la fuerte censura imperante.

Me refiero, obviamente, al sexo.

Hablando en plata.

El Dr. Jekyll es incapaz de satisfacer las necesidades sexuales de su hermosa (y voluptuosa) esposa, Kitty (una espléndida – en todos los sentidos – Dawn Addams (y que – casualidades de la vida – protagonizaría ese mismo año la última cinta de Fritz Lang, LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE) quien le engaña con su mejor amigo, el crápula Paul Allen (un igualmente excelente Christopher Lee), a quien además financia todas sus francachelas.





Pero igualmente el más desenvuelto señor Hyde es incapaz de conquistar a su propia esposa a pesar de desplegar todos sus encantos llegando hasta el extremo de violarla (adelantándose de esta manera a un título muy posterior del director, la magnífica EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN (1969), aunque en este caso fuese por imposición del jefe de la compañía, Sir James Carreras) cuando no consigue sus propósitos.





Fisher, que ya había rodado una especie de versión encubierta de la novela de Stevenson, THE MAN WHO COULD CHEAT DEATH, intuyó que uno de los problemas con los que se enfrentaría a la hora de llevar el guion de Mankowitz a la pantalla era el hecho de que ninguno de los protagonistas (Jekyll, Kitty, Paul) despierta la más mínima simpatía en el espectador, aunque la adúltera y su amante sean al final los más sinceros en sus sentimientos.



Además y al contrario que en todas las versiones anteriores Jekyll (o sea, Hyde) no muere al final.



- Recordemos en ese sentido que Fisher ya había establecido un precedente con la extraordinaria THE REVENGE OF FRANKENSTEIN, seguramente el título más transgresor que salió nunca de la compañía británica. -

Tampoco Fisher se preocupa en demasía, todo lo contrario, por un aspecto que las anteriores versiones siempre habían gustado de subrayar como es el de la transformación de Jekyll en Hyde (y viceversa).



En ese sentido el título capital sería la versión de 1931 de Mamoulian, seguramente la más fiel en cuanto a forma y contenido de todas las que se hayan rodado jamás.

A pesar de la espléndida fotografía en color y Scope de Jack Asher, tal vez menos detonante que títulos previos del director pero también más creativa – recordemos esa espléndida toma cenital de Kitty reflejada en el espejo que cuelga del techo una vez forzada por su propio esposo, perturbadoramente sensual – y de la bella y melancólica (de nuevo esta palabra) banda sonora de Norman y Heneker, LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL es una de esas películas a las que les falta un no sé qué como para considerarla uno de los grandes títulos de su director.



No obstante y como ya dije antes me parece una de las aproximaciones al personaje más personales aunque Fisher no acabe de redondear la propuesta como en títulos incluso más imperfectos como alguno de los que hemos visto (y comentado).

Destacar como nota anecdótica la presencia en el reparto de un joven Oliver Reed quien al año siguiente protagonizaría una de las mejores películas del director, LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO.



Y para finalizar y enlazando con el principio LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL significó un punto de inflexión en la carrera de Fisher puesto que al fracaso en taquilla de la misma (especialmente doloroso al otro lado del Atlántico) se uniría el quebradero de cabeza que le supondría el libreto (¡a ocho manos!) de LAS NOVIAS DE DRÁCULA – que no obstante fue un gran éxito de taquilla y eso a pesar de que el citado Conde no hacía acto de presencia en toda la película -, la brutal mutilación que sufrió la mencionada LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO a manos de la censura británica, cuyo efecto colateral sería una versión notablemente edulcorada de otro de los mitos de la Universal, El Fantasma de la Ópera.

La Hammer se mostró inclemente con su director estrella y este se mantuvo alejado de la misma durante dos años hasta su regreso con la magnífica LA GORGONA.

Pero esa es otra historia y debe de ser contada en otra ocasión.

Dulces pesadillas.

Tengo ya bastante avanzado el comentario de LAS NOVIAS DE DRÁCULA y espero terminarlo o mañana a la noche o el sábado a la noche (por el día estaré ocupado).

A pesar de lo deslavazado del guion, sin duda una de las grandes obras maestras de la Hammer y de Terence Fisher.

19. THE BRIDES OF DRACULA (1960, LAS NOVIAS DE DRÁCULA)



Director: Terence Fisher.

Producción: Hammer Film Productions Ltd. / Universal-International Pictures Co., Inc.

Distribución: Rank Film Distributors Ltd. (Reino Unido) / Universal Pictures Co., Inc. (EUA).

Productor: Anthony Hinds.

Guion: Jimmy Sangster, Peter Bryan, Edward Percy y Anthony Hinds (no acreditado).

Diseño de producción: Bernard Robinson.

Fotografía: Jack Asher (en Technicolor y formato panorámico).

Música: Malcolm Williamson, supervisada por John Hollingsworth.

Montaje: Alfred Cox, supervisado por James Needs.

Reparto: Peter Cushing (Dr. Van Helsing), Freda Jackson (Greta), Martita Hunt (Baronesa Meinster), Yvonne Monlaur (Marianne Danielle), Miles Malleson (Dr. Tobler), Henry Oscar (Herr Lang), David Peel (Barón Meinster), Victor Brooks (Hans), Mona Washbourne (Frau Lang), Michael Ripper (Cochero), Andree Melly (Gina) + Michael Mulcaster (Latour).

Duración: 1 h 25 m 35 s. (Copia en BD editada por Divisa en 2020).

Rodaje: del 26 de enero al 18 de marzo de 1960.

Presupuesto: 120.000 libras esterlinas.

Estreno (Reino Unido): 27 de agosto de 1960, con preestreno el 2 de julio.

Estreno (EUA): 20 de julio de 1960, con preestreno (mundial) el 3 de junio, en Memphis, Tennessee.



LAS NOVIAS DE DRÁCULA fue para Terence Fisher un pequeño oasis en medio del desierto que supusieron los fracasos comerciales de títulos tan personales como LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL y LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO, en buena medida condicionados por la beligerante política del BBFC (British Board of Film Censors), notablemente acentuada a partir de 1960 y especialmente a raíz del estreno de un título tan controvertido (y magistral) como EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO, de Michael Powell (ya sin la compañía de su inseparable Emeric Pressburger).



Ya comenté en la entrega anterior que LAS NOVIAS se estrenó antes que LAS DOS CARAS aunque se rodara más tarde y por ello es frecuente que aparezcan ambas mal indexadas en la filmografía del excelso director británico.

LAS NOVIAS es, por diversas razones, un título clave no sólo para Fisher sino para la propia Hammer puesto que supuso el adiós (relativo, todo hay que decirlo, al menos en un caso) al cine de terror gótico de dos nombres esenciales para la compañía como fueron el guionista Jimmy Sangster (1927-2011) y el director de fotografía Jack Asher (1916-1991).

Sangster, cansado del cine de terror clásico que había convertido a la pequeña compañía británica en el buque insignia del fantástico a nivel mundial, prefirió dedicarse a un género más afín a él como era el thriller psicológico y cuya primera muestra sería la excelente EL SABOR DEL MIEDO (1961), de Seth Holt (antiguo montador de la famosa Ealing, con títulos en su haber como ORO EN BARRAS (1951), MANDY (1952) o LOS APUROS DE UN PEQUEÑO TREN (1953)).



- No obstante, Sangster, volvería al género – en calidad de guionista - en la (auténtica, enseguida veremos por qué) continuación de DRÁCULA, DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS (1966), aunque bajo el pseudónimo de John Sansom.

Por su parte, Jack Asher, cuyo transgresor uso del color sería retomado por el mismísimo Mario Bava (empezando por la que para mí es su mejor película, LAS TRES CARAS DEL MIEDO (1963)) o por Roger Corman en las Colonias (recordemos la coetánea LA CAÍDA DE LA CASA USHER (1960) y el resto del ciclo poeano (y lovecraftiano)), sería reemplazado por Arthur Grant (1915-1972), por ser demasiado minucioso y, por ende, demasiado caro (sic).





- La ya mencionada LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO sería el primer gótico iluminado por Grant y, sabiamente, prefirió seguir los pasos de su colega y ofreció un espléndido trabajo tras las cámaras usando esos colores primarios tan característicos del mejor Asher. -

LAS NOVIAS DE DRÁCULA, que pese a lo que indica el título ni es una secuela, al menos directa, de DRÁCULA y donde tampoco aparece el Conde, sino uno de sus acólitos, el wilderiano (Oscar, no Billy) Barón Meinster, es el mejor ejemplo dentro de la filmografía de su director de cómo la puesta en escena es capaz de imponerse con rotundidad a las (numerosas) deficiencias que presenta un guion en el que intervinieron hasta cuatro (¡!) escritores.





El descomunal éxito de taquilla que supuso DRÁCULA en 1958 hizo que la Hammer no se lo pensara dos veces y a principios de 1959 Anthony Hinds (a quien Michael Carreras había sustituido temporalmente en la silla de productor en los tres últimos títulos góticos) encargó a Sangster que se pusiera manos a la obra en la que debería ser la continuación de la saga del (recordemos, fenecido) Conde.

El marzo de 1959 este entregó un primer libreto titulado “Disciple of Dracula” [“El discípulo de Drácula”] en el que el héroe, Latour, se convertía, al igual que antes Van Helsing, en la némesis del Barón Meinster, quien se dedicaba a acosar a dos jóvenes inglesas (Margaret y Pauline) y que finalmente era destruido por su propio maestro, el Conde, al ser invocado por el primero.

Sin embargo, Christopher Lee se negó en redondo a volver a colocarse los colmillos y rechazó su participación, seguramente (y con razón) por lo escaso de su presencia en pantalla, más que por el hecho de que no asociaran su nombre al del personaje.

En septiembre (de 1959) Hinds encargó a Peter Bryan (1919-1972) (que había escrito el espléndido libreto de EL PERRO DE BASKERVILLE) la revisión a fondo del guion.

Bryan eliminaría de la ecuación al Conde y, para compensar semejante pérdida, traería de vuelta al Dr. Van Helsing, que además sería interpretado por la máxima estrella de la compañía, el inmarcesible Peter Cushing.



Lógicamente, la presencia del famoso doctor hacía superflua la de Latour.

Sin embargo y de forma incomprensible el personaje no sólo no desaparecería de la historia sino que incluso en la película le vemos como una enigmática presencia al inicio de la misma y de hecho, es su voz en off la que se puede oír en los primeros compases de la proyección.



- El personaje sería interpretado (sin acreditar) por Michael Mulcaster, al que ya habíamos visto en pequeños papeles en LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN, THE REVENGE OF FRANKENSTEIN y EL PERRO DE BASKERVILLE). -

Sin duda es uno de los mayores gazapos, si no el mayor, de toda la filmografía de la Hammer Film Productions puesto que Latour aparece al principio y además parece ser el agente inductor de que la joven profesora sea abandonada a su suerte en la posada (¿con qué propósito?) para luego desaparecer por completo y no volver a saber nada más de él.

No se entiende primero que el personaje hiciera acto de presencia y segundo por qué no se eliminó en la sala de montaje dada su nula importancia en la trama que estaba por desarrollar.

Misterios de la vida.

Además los dos personajes femeninos se transformarían en sólo uno, Marianne, de nacionalidad – lógicamente – francesa, seguramente teniendo ya en mente la contratación de la bella actriz Yvonne Monlaur (1935-2017), la “Brigitte Bardot” morena y que ya había participado en un título tan controvertido como CIRCUS OF HORRORS (1960), de Sidney Hayers.



Si antes Lee se había negado a interpretar al Conde ahora sería Cushing quien pusiera el grito en el cielo pues le pareció completamente inaceptable (y ahí le doy totalmente la razón) el que su personaje invocase a una horda de vampiros para acabar con el discípulo de Drácula, pues ello iría totalmente en contra de la esencia del personaje.

A estas alturas el guion ya tenía como título “Las novias de Drácula” pero no sería todavía el definitivo pese a lo que pueda parecer.

Cushing, por tanto, contactó con su amigo, el autor teatral (y ex-miembro del Parlamento) Edward Percy (Smith) (1891-1968), para que hiciera los retoques pertinentes en su personaje y de esta forma hacerlo más atractivo para el actor.

Los últimos (y más significativos) cambios vendrían de la mano del productor, Anthony “Hammer” Hinds (1922-2013).

El guion de rodaje (con fecha de enero de 1960) llevaría el título de “Dracula II” y sólo en postproducción se recuperó el ideado por Peter Bryan y que sería con el que se estrenaría la película en todo el mundo.

Hinds introdujo dos cambios significativos.

El primero, alteró por completo el último tercio de la historia, de forma que se eludía la vampirización de la protagonista, lo que permitía al director rodar una de las escenas más bellas de su filmografía, la resucitación de la también profesora Gina (Andree Melly) en el establo en el que yace su cuerpo.

Una escena, por cierto, que Fisher reutilizó en parte en DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS cuando Helen (Barbara Shelley) se dirige lascivamente hacia Diana (Suzan Farmer).





Y el segundo, el final de la misma, cuando Val Helsing destruye al Barón saltando a una de las aspas del molino y de esta forma usar la luz de la Luna para crear la forma de la (maldita) cruz, al igual que en DRÁCULA había hecho colgándose de los cortinajes y usando dos candelabros de forma idéntica.





Además por primera (y tal vez única) vez una víctima de un vampiro, en este caso, el propio doctor, evitaba su conversión al usar un hierro al rojo vivo y el agua bendita que el padre Stepnik (Fred Johnson) le había obsequiado en su visita al castillo de los Karnstein.





- Una circunstancia similar sería usada por el citado Hinds en la tercera (o cuarta, si contamos la cinta hoy comentada) de la serie, DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA (1968), cuando Christopher Lee se saca la estaca del corazón, algo por cierto que irritó sobremanera al actor (ya estrella) por ir en contra de la tradición vampírica.



O sea, lo mismo que había dicho Cushing en 1959 en lo referente a su personaje. -

El sexo será, a pesar de la férrea censura (primero británica y luego internacional), uno de los elementos esenciales de la trama, algo que sería potenciado hasta la extenuación a partir de 1970 con el estreno de THE VAMPIRE LOVERS, adaptación apócrifa de la maravillosa “Carmilla” (1872) de Sheridan Le Fanu, el antecedente más preclaro de “Drácula” (1897), de Bram Stoker.



De ahí que LAS NOVIAS sea uno de los títulos más celebrados tanto de la Hammer como del propio Terence Fisher.

Si nos olvidamos como antes decía del absurdo inicio con la presencia del teórico primer héroe, Latour, LAS NOVIAS es sin duda una de las joyas de la corona del fantástico y como comentaba al inicio una película determinante en la carrera del director.

- El fracaso de las posteriores LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO y EL FANTASMA DE LA ÓPERA provocarían su ausencia de la compañía durante dos años hasta su regreso con la escasamente valorada (e incomprendida) LA GORGONA (1964) y, por supuesto, DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS y FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967). -

Es además un ejemplo perfecto de lo que Fisher consideraba como “cuentos de hadas para adultos” puesto que el personaje del villano, el Barón Meinster (un David Peel en las antípodas de Christopher Lee), se nos presenta como una víctima (prisionero en sus propios aposentos por una cadena de plata (¡!)) de su cruel y tiránica madre (una estupenda Martita Hunt, que parece una versión oscura de su mítico papel en la espléndida CADENAS ROTAS (1946), de David Lean) en un castillo cuya sólo mención, como el de Drácula, causa pavor entre los habitantes de la zona.





Tanto en DRÁCULA como en LAS NOVIAS será un forastero (allí Jonathan Harker (John Van Eyssen), aquí Marianne (Yvonne Monlaur)) quien sirva de desencadenante de la trama.

Si en la película de 1958 Harker tenía como misión acabar con la (no) vida del Conde, en LAS NOVIAS la joven y bella profesora francesa liberará de forma inconsciente (¿o tal vez no?) a este “discípulo de Drácula”, como bien rezaba el guion original de Sangster (sin duda el título más apropiado de todos los que se usaron), una bella metáfora del deseo sexual femenino (y amordazado por el puritanismo victoriano) característico del mejor Fisher.

En ese sentido, el uso de la profundidad de campo deviene esencial.



Una vez libre, lo primero que hará el Barón será vampirizar a su propia madre, un ejemplo excelso de incesto en off y que hace subir el voltaje (sexual) hasta cimas inéditas en la cada vez más exitosa Hammer.



Por cierto, otro ejemplo fantástico de la profundidad de campo.



Sin embargo, la propia sexualidad del bello Barón se verá seriamente cuestionada en otro enorme gol a la censura en la escena en la que Van Helsing cae víctima del vampiro.



Empoderamiento femenino.

Incesto.

Lesbianismo.

Bisexualidad.

No esta nada mal, para una modesta cinta de terror (gótico).

Sigamos.

El personaje de Van Helsing se convertirá en el negativo de la figura del Barón.

Si este convierte en vampiro a su propia madre, el doctor acabará con ella en un acto de merced (aunque no carente de cierta delectación), en la que es seguramente una de las escenas más (terriblemente) hermosas del cine fantástico.





Igualmente Van Helsing parece sentir por la joven algo más profundo de lo que se deja entrever.

Y, por supuesto, acabará también con el Barón, quien en el fondo se ha convertido en un rival, como acabo de comentar, por el afecto de la joven.

LAS NOVIAS recicla, como ya hemos visto, escenas de DRÁCULA, como la (sangrienta) de la muerte de la Baronesa a manos de Van Helsing, muy similar a la de muerte de Lucy (Carol Marsh) en esta última.





O el personaje encarnado por el simpático Miles Malleson, que siempre aporta unas gotas de humor que ayudan a romper ese ambiente de pesadilla en el que se mueven los personajes.



Otro de los personajes que sufre una extraña transformación es el de Greta, el ama de llaves del castillo Meinster, magistralmente encarnado por Freda Jackson.



- Curiosamente Jackson y Hunt coincidieron en el reparto de la mencionada CADENAS ROTAS. -

Si las escenas iniciales en el castillo son de lo mejor de la película (lo cual ya es mucho decir), aquella en la que Greta trata de ayudar a la hija de Hans (una voluptuosa Marie Devereux, que ya había creado “sensación” en THE STRANGLERS OF BOMBAY (1960) por su (sólo para tus ojos, amigo Fletcher )…

Spoiler:

… a salir de su tumba es una de las más impactantes del cine de la época.

El Barón también hará "despertar" la sexualidad adormecida de la inocente Gina...



Malcolm Williamson suple con dignidad la ausencia del gran James Bernard en la banda sonora y como ya decía el uso de los colores primarios, santo y seña del igualmente grande Jack Asher, no hace más que acentuar todavía más el tono onírico que baña toda la propuesta.

Por supuesto y como siempre, irreprochable la labor del decorador Bernard Robinson, reciclando decorados de una producción en la siguiente pero siempre aportando su toque personal en todas y cada una de ellas.



Curiosamente, parte de esos descartes de los guiones a los que antes hacía referencia, serían reutilizados por Anthony Hinds en la primera cinta sobre vampiros sin la presencia (siquiera testimonial) del Conde, de Terence Fisher, de Peter Cushing o de Christopher Lee.

Me estoy refiriendo, por supuesto, a THE KISS OF THE VAMPIRE (1963), de Don Sharp, una cinta más atractiva de lo que suele pensarse.

Pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

Pese al deslavazado guion, una de las cimas de su autor.

Buenas noches y, por si las moscas, cerrad bien la ventana de vuestro dormitorio.





P.D. Las auténticas novias de(l discípulo de) Drácula...

Os leo :

Magnífico comentario querido compañero Alcaudón... muy de acuerdo en todo lo que escribes.

Aquí va el mío de cuando la vi hace unos meses:

Las novias de Dracula (1960) de Terence Fisher

Título absurdo por cuando Drácula no aparece, aunque sí un acólito suyo llamado Barón Meinster (David Peel) que no le va a la zaga.

La película comienza con la típica mujer en peligro en el carruaje (guiado por Michael Ripper, un habitual secundario de la Hammer) y en donde un torvo personaje de negro (Michael Mulcaster) se engancha por detrás al carruaje y luego soborna al cochero… ¿para que se vaya?... no queda muy claro, y además este personaje desaparece de la trama… ¡que incógnita!. Yo supongo que lo que quieren es llevar a la chica al castillo… aunque no queda claro.

Bueno, cuando aparece Martita Hunt, la cosa se pone “caliente” y y a así hasta el final…

No quiero desvelar nada de la trama, pero me parece todo tan bien narrado, tan osado para la época, tan sensual, en fin, no sé que pensarían en la época al ver esta primera parte con esta chica en camisón revoloteando por el castillo pero vaya, aún hoy es muy atrevido.



David Peel me ha encantado como vampiro, lástima que no repitiese en la Hammer, aunque para malvada y loca ya está la criada (Freda Jackson), desde luego esta mujer da mas miedo que cualquiera de los vampiros de la película, menuda risa de bruja tiene, se ve que vive el personaje a tope… ¡gran actriz!.

Yvonne Monlaur, como digo es guapísima y sexy como mujer, y competente como actriz, la veo bien dirigida por Fisher, al principio tiene mucha fuerza su personaje, pero luego desaparece en favor del doctor Van Helsing (Peter Cushing) el verdadero protagonista, que parece que sigue su papel de “Drácula”, para mí, como si han pasado un par de meses desde una película a otra, parece toda una continuación…

A mi este actor me encanta, me parece un gran caballero, un gran actor y también se lo toma en serio; en las escenas violentas de luchas se vé que hace sus propias escenas, salvo la del molino que ya era demasiado para alguien de su edad, aunque está muy bien resuelto y luego cuando salta la baranda, tampoco usa doble… (Por cierto, muy original la forma en que mata al vampiro, con esa sombra en forma de cruz…)

La película como digo es una maravilla, sólo a día de hoy, veo a las novias, allí en la parte del molino, algo pasivas, se las ve observando todo, pero no hacen nada… ¿porqué fueron tan desaprovechadas?... ¿censura?... no lo entiendo… se suponen que al final mueren en el incendio o quizás ¿se escapan?... todo esto queda en el aire.

La primera vez que la ví, recuerdo que me decepcionó un montón, porque no aparecía Drácula por ningún lado. Luego con el tiempo, cada vez me ha ido gustando más.

No es de mis preferidas de la Saga, pero el comienzo, la forma en que nos muestran la llegada de la protagonista al Castillo, y luego, el mítico final en el molino, son bastante buenos.

Spoiler:

Te has adelantado unos cuantos hammers, amigo Fletcher pero queda perdonado.

Yo tengo la edición británica de Network de 2014 y la duración es la misma que la que tu indicas, o sea que es la correcta.

De la trilogía sobre las adaptaciones apócrifas de "Carmilla" yo diría (usando uno de tus símiles favoritos) que va de más a menos y bastante claramente.

Vamos, tal que así:

THE VAMPIRE LOVERS > DRÁCULA Y LAS MELLIZAS > LUST FOR A VAMPIRE

Iniciado por Alcaudón

Te has adelantado unos cuantos hammers, amigo Fletcher pero queda perdonado.

Yo tengo la edición británica de Network de 2014 y la duración es la misma que la que tu indicas, o sea que es la correcta.

De la trilogía sobre las adaptaciones apócrifas de "Carmilla" yo diría (usando uno de tus símiles favoritos) que va de más a menos y bastante claramente.

Vamos, tal que así:

THE VAMPIRE LOVERS > DRÁCULA Y LAS MELLIZAS > LUST FOR A VAMPIRE

Mierda, me he confundido otra vez con las mellizas y las amantes, lo voy a borrar, sorry!!!!.....bueno voy a dejar una foto para mantener la temperatura on fire.

THE VAMPIRE LOVERS > DRÁCULA Y LAS MELLIZAS > LUST FOR A VAMPIRE

Coincido en orden de preferencia.

DRACULA Y LAS MELLIZAS la han puesto en suprema imagen

En mi opinión "Las Amantes del Vampiro", cuenta con una de las mejores y más atmosféricas intros de la Hammer. Luego la cosa decae bastante, y remonta en otro atmosférico final.

Mi favorita de la trilogía es "Drácula y las mellizas"... las otras dos me gustan bastante menos.

Iniciado por Nomenclatus

En mi opinión "Las Amantes del Vampiro", cuenta con una de las mejores y más atmosféricas intros de la Hammer. Luego la cosa decae bastante, y remonta en otro atmosférico final.

Ingrid Pitt era sexual en extremo.A mí me gusta mucho y la de las mellizas también.

En realidad son gemelas.

Roy Ward Baker fue uno de los directores más interesantes de los años de "decadencia" de la Hammer.

Para mí el mejor de todos sigue siendo DR. JEKYLL Y SU HERMANA HYDE, sin olvidar por supuesto ¿QUÉ SUCEDIÓ ENTONCES? o la mencionada THE VAMPIRE LOVERS.

Ayer revisé las dos últimas comentadas por Alcaudón: The Two Faces of Dr. Jekyll y The Brides of Dracula, ambas notables. Ya comentaré algunos detalles hoy o mañana.

Sin prisa. Ahora estoy sin ordenador.

Tengo varios comentarios a medio hacer (o algo más en el caso del director vienés) pero tendrán que esperar.

Por cierto, ya me he visto la segunda cinta de Wong Kar-Wai que espero comentar siquiera brevemente en el modesto rincón que abrí sobre el hongkonés. Me está gustando mucho lo que voy viendo de él.

Las dos caras del Dr. Jekyll (The Two Faces of Dr. Jekyll, 1960)



Esta adaptación de la novela de Robert Louis Stevenson es una de mis películas preferidas de Fisher, ya desde el primer visionado hace años. Hay algo en la interpretación de Paul Massie (actor canadiense de quien no estoy seguro de haber visto ningún otro film) que siempre me ha resultado inquietante. El contraste entre el aspecto envejecido del Dr. Jekyll (casi fáustico) y la risa sardónica de Hyde, que parece un demoníaco muñeco de ventrílocuo, es de lo más perturbador (aunque no llega a lo bizarro de Dr. Jekyll & Sister Hayde, de Roy Ward Baker, un film francamente sugerente, especialmente visto hoy en día).



El descenso a los infiernos de Hyde (aunque para él sea una suerte de paraíso) no ahorra detalles: peleas a puñetazo limpio, ilegales y sangrientas; prostíbulos; fumaderos de opio; bares sórdidos; timbas… Incluso, en un signo de modernidad, el brebaje que toma Jekyll para convertirse en Hyde se lo inyecta en la vena, como un adicto a la heroína.

Fisher no retrocede ante las obscenidades. Así, vemos como la bailarina que se convertirá en amante de Hyde, Maria (Norma Marla), se introduce en la boca la fálica cabeza de una serpiente;



o cómo Jekyll, convertido en Hyde, intenta tener acceso carnal a su esposa, Kitty (magnífica Dawn Addams), a la cual, por cierto, tiene muy abandonada en su personalidad de aburrido doctor, a cambio de los pagarés que ha firmado su amante, Paul (Christopher Lee). No lo consigue en un primer momento, pero más tarde, aunque Fisher introduce una elipsis temporal que nos priva de la visión del hecho, se supone que Hyde la viola, con el cuerpo muerto de Paul a pocos metros, lo cual llevará finalmente a Kitty al suicidio.



La película está plagada de detalles sórdidos, lo que la convierte en una de las más desasosegantes versiones del texto stevensoniano, sin necesidad de cargar la mano en lo terrorífico.

Las novias de Drácula (The Brides of Dracula, 1960)



Sorprende de entrada esa voz en off que nos advierte que el conde Drácula ha muerto, pero que siguen pululando sus seguidores, como si fueran miembros de una especie de secta satánica. Uno de ellos es el requetepeinado barón Meinster (un David Peel que parece recién salido de Llongueras), más glamuroso que el Drácula de Lee, aunque menos salvaje, menos bestial.



A su castillo irá a para una bobalicona Marianne (la actriz francesa Yvonne Monlaur me parece uno de los puntos débiles del film, aunque en su descargo hay que decir que el personaje es de lo más tontorrón).

Tampoco está bien integrado en el film ese personaje vestido de negro que aparece al inicio subiéndose de extranjis a la diligencia, entrando de manera impactante en la taberna o parece que pactando después con el cochero lo de dejar abandonada a Marianne. ¿Quién es? ¿Un sicario del barón o de su madre? ¿Otro seguidor de Drácula? Alcaudón apunta una versión primigenia del guion para comprender quién es, pero como desconozco ese esbozo argumental, me quedo con la incógnita.

Afortunadamente, la película eleva el vuelo con la presencia de Martita Hunt como la baronesa y Freda Jackson como Greta, la “renfield” de turno,



y ya adquiere velocidad de crucero con la aparición, transcurrida media hora, del gran Peter Cushing, espléndido, con esos movimientos electrizantes, puro nervio, que lo caracterizaron en sus papeles para la Hammer, en especial como Van Helsing o como Dr. Frankenstein.



Si nos olvidamos de algunos agujeros de guion (como, por ejemplo, por qué el barón no fuerza que su madre o Greta le liberen de la cadena, si demuestra tener la capacidad de hipnotizar característica de los vampiros, y es evidente que domina la voluntad de la sirvienta), la película se muestra en todo su esplendor en algunos momentos particularmente logrados: la salida de la tumba de la primera chica muerta, que nos recuerda la “resurrección” de los zombis; la pelea de Van Helsig con el barón en el castillo; la muerte de la baronesa, clavándole la estaca; la inquietante aparición de otra de las “novias”, Gina (Andree Melly), compañera de residencia de Yvonne;



y, muy en especial, el enfrentamiento final en el molino, con Van Helsing cauterizándose la mordedura de barón, o acabando con él gracias a la sombra en forma de cruz de las aspas del molino. Quizá uno se pregunta qué demonios les pasa a las novias, porque no sabemos nada más de ellas. ¿Mueren quemadas? ¿Se desvanece su estado vampírico con la muerte del barón?

A destacar también el añadido del Dr. Tobler (Miles Malleson), como el habitual alivio cómico de las películas de terror.



Me gusta esta versión heterodoxa de la saga draculiana sobre todo por su fuerza visual, los colores y el trabajo tras la cámara de Jack Asher; y por la prestancia del gran Peter Cushing. Bastante menos por el papel del barón (y es que donde esté un conde, que se quite un barón), y mucho menos por el papel de florero de Yvonne. Con todo, un magnífico título dentro de la filmografía de Fisher.

¡Pero qué dos buenas críticas acabo de leer, querido mad dog earle, muy de acuerdo contigo en todo lo que has escrito!.

Ojalá divisa se anime y edite "Las dos caras del Dr. Jeckyll" en bluray, igual que ha hecho con "Las novias de Drácula"... estos clásicos Hammer merecen mas respeto y difusión, nunca pasan de moda, aunque los hay mejores, peores y regulares...

Sin duda los de Terence Fisher en general, se encuentran entre lo mejor de la productora inglesa.

Entre no. Son lo mejor de la productora inglesa.

Por si alguno de los sospechosos habituales estáis todavía en la paz de vuestros hogares y no por ahí fuera expandiendo el virus, tengo ya bastante avanzado el comentario de LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO que me vi (en mi nueva y flamente televisión de 50'' ) el pasado martes.

Retomando una idea de la compañera hannaben y que también había sido mi primera intención antes de darme cuenta de lo descabellado de la propuesta (comentar todos los títulos de la Hammer... de los que tengo copia, se entiende), me gustaría reseñar algunos títulos coetáneos NO dirigidos por Terence Fisher y que a mí, al menos, me parecen relevantes.

Hace unos meses también vi "La maldición del hombre lobo", aunque no escribí comentario... por pereza mas que nada... pero tengo claro que me pareció una obra bellísima, tanto la puesta en escena como el argumento, los actores, todo me pareció perfecto...

20. THE CURSE OF THE WEREWOLF (1961, LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO)



Director: Terence Fisher.

Producción: Hammer Film Productions Ltd. / Universal-International Pictures Co., Inc.

Distribución: Rank Film Distributors Ltd. (Reino Unido) / Universal Pictures Co., Inc. (EUA).

Productor: Anthony Hinds.

Guion: Anthony Hinds (bajo el pseudónimo de John Elder), basado en la novela “The Werewolf of Paris” de Guy Endore (Nueva York, 1933).



Diseño de producción: Bernard Robinson.

Fotografía: Arthur Grant (en Technicolor y formato panorámico).

Música: Benjamin Frankel.

Montaje: Alfred Cox, supervisado por James Needs.

Reparto: Clifford Evans (Alfredo), Oliver Reed (León), Yvonne Romain (Sirvienta), Catherine Feller (Cristina), Anthony Dawson (El Marqués Siniestro), Josephine Llewellyn (La marquesa), Richard Woodsworth (El mendigo), Hira Talfrey (Teresa), Justin Walters (El joven León), John Gabriel (El sacerdote).

Duración: 1 h 32 m 39 s. (Copia en BD editada por Divisa en 2020).

Rodaje: del 12 de septiembre al 2 de noviembre de 1960.

Estreno (Reino Unido): 1 de mayo de 1961, con preestreno el 12 de abril.

Estreno (EUA): 7 de junio de 1961.



LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1957), la película que lo inició todo (aunque igualmente podríamos retrotraernos a EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS (1955) si queremos ser todavía más precisos), no contó con el beneplácito de la Universal (ahora convertida en Universal-International), algo de lo que rápidamente se arrepentiría dado el formidable éxito de público (que no de crítica) que consiguió a uno y a otra lado del Atlántico.

Como decía la U-I tomó buena nota y de esta forma abrió sus viejos baúles donde descansaban los esqueletos de sus “monstruos” más famosos, El Fantasma de la Ópera, El Conde Drácula, El Monstruo de Frankenstein, La Momia y el Hombre Invisible y los puso a disposición de la Hammer con el fin de que esta los actualizara a los nuevos tiempos.

De todos ellos únicamente el Hombre Invisible no sería objeto de remake.

Y sólo la segunda versión de El Fantasma de la Ópera, la de 1943, fue rodada en Technicolor.

Lo que nos lleva al hecho de que la película hoy comentada fue la primera dedicada al Hombre Lobo que fue filmada en Technicolor.

- Por cierto, me gustaría indicar que en la, por lo general, espléndida copia de Divisa que ha servido como fuente para el comentario, se ha eliminado de los títulos de crédito el tipo de color usado en la misma, tal vez porque la versión norteamericana (por cierto, menos censurada que la británica) se exhibió en Eastman Color, como se puede apreciar en los pósteres que adjunto como prueba testifical.



- Nótese el burdo tachonazo que parece hecho con un rotulador grueso. -





Algo, lógicamente, a lo que es ajeno la distribuidora española puesto que todas las copias internacionales presentan el mismo defecto.

Al César lo que es del César. -

Si echamos la vista atrás, en concreto desde LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL, la situación de Terence Fisher en la Hammer estaba empezando a ser un tanto incómoda.

Y es que pese al gran éxito de LAS NOVIAS DE DRÁCULA (que vuelvo a recordar se rodó más tarde que la anterior pero se estrenó antes), los sucesivos fracasos de dos de las películas más personales (e incomprendidas) de su director, la anteriormente citada y la hoy comentada, unido al endurecimiento del BBFC (el organismo censor británico) le llevarían a un callejón sin salida con una versión notablemente edulcorada (a falta de revisarla para este foro) de la criatura ideada por el francés Gaston Leroux.

Luego vendrían un par de años de ostracismo hasta su rehabilitación a partir de la espléndida (e igualmente incomprendida) LA GORGONA (1964) y, especialmente, su regreso a los orígenes con las continuaciones del Conde Drácula (DRÁCULA, PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS (1966) – la “auténtica” secuela de DRÁCULA (1958)… -) y del Monstruo de Frankenstein (FRANKENSTEIN CREATED WOMAN (1967), que bien podría ser una (ingeniosa) parodia de Y DIOS CREÓ LA MUJER (1956), de Roger Vadim...).

Si la gestación de LAS NOVIAS DE DRÁCULA (un Drácula sin Drácula, toda una hazaña, sin lugar a dudas) fue ya bastante laboriosa, con hasta cuatro guionistas consecutivos para elaborar un libreto que por lo mismo presenta notables desajustes (lo cual nos da idea del capital trabajo tras las cámaras de Fisher, sin duda uno de los mejores de toda su filmografía), LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO no le fue a la zaga, aunque más que en la gestación los verdaderos problemas vendrían más tarde, como comentaré enseguida.

Como bien sabéis la Hammer, que recordemos era una pequeña compañía a pesar del formidable éxito económico de sus películas, era notoriamente cicatera a la hora de presupuestar sus películas y por ello solía rodárlas back-to-back o sea, a pares, con el fin de reutilizar no sólo los decorados sino también buena parte del equipo técnico y de los repartos.

La Universal ya había filmado en los años ‘30 y ‘40 varios títulos en los que el protagonismo recaía en el Hombre Lobo. Y no lo había hecho nada mal, al menos si nos circunscribimos a sus dos primeras entregas, la reivindicable EL LOBO HUMANO (1935), de Stuart Walker y la fundacional EL HOMBRE LOBO (1941), de George Waggner.

- Tampoco estaba (tan) mal el primero de los “cócteles” que unió a dos (o más) “monstruos” de la casa, FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (1943), de Roy William Neill, con Bela Lugosi encarnado ¡por fin! a la Criatura.

Y es que no está mal recordar que Lugosi fue la primera opción para el papel bajo la batuta de Robert Florey pero ambos fueron apartados en el último momento en beneficio de Boris Karloff y James Whale, sin duda el director de cine fantástico más importante de los años ‘30. -

La Universal tenía los derechos cinematográficos de la novela de Guy Endore (que también trabajó como guionista en títulos como LA MARCA DEL VAMPIRO (1935) y MUÑECOS INFERNALES (1936), ambos de Tod Browning o la recientemente comentada por el querido compañero mad dog earle en “el otro rincón” TAMBIÉN SOMOS SERES HUMANOS (1945), de William A. Wellman o el canto del cisne del gran John Garfield, YO AMÉ A UN ASESINO (1951), de John Berry) y los subarrendó a la Hammer con todos sus parabienes.

Mientras Michael Carreras, el “otro” productor de la compañía, nieto de Enrique e hijo de Jaime Enrique – todos ellos, como bien se ve, de ascendencia catalana -, estaba muy ilusionado con un proyecto propio (ese otro “back-to-back” al que me refería antes) que tenía como sujeto la (terrible) Inquisición española y titulado primero “The Rape of Sabena” y luego “The Inquisitor”.

Como antes decía, para ahorrar costes, ambas historias transcurrirían en nuestro país, lo que obligó a cambiar la localización original de la novela de Endore, París, por una ciudad española de nombre indeterminado.

- Me gustaría recordar, de todas formas, que la primera adaptación a la gran pantalla de la novela, EL LOBO HUMANO, transcurría igualmente en Londres. -

Cada película iba a ser cofinanciada (y distribuida) por una compañía diferente, en el caso del proyecto de Carreras por la Columbia y en el de Hinds por la Universal-International.

Sin embargo, la Columbia, pese a los sustanciosos emolumentos que había conseguido a nivel tanto nacional como internacional por sus colaboraciones con la Hammer decidió en el último momento echarse atrás.

James Carreras, que estaba en ese momento al mando de la compañía y que ya había sido avisado por el BBFC de los serios problemas que podría ocasionar una historia tan sórdida como la de nuestra Inquisición, decidió archivar el proyecto de su hijo y por contra acelerar el remake del Hombre Lobo.

Estaba visto que las grandes compañías norteamericanas querían jugar sobre seguro y centrarse en el tipo de cine de terror que había hecho famoso a la Hammer.

Por supuesto Michael no se tomó nada bien la decisión (tal vez lógica, por otra parte) de su progenitor y de forma fulminante abandonó la compañía (aunque temporalmente, como veremos más adelante conforme vaya avanzando la revisión) y creando la suya propia, Capricorn Productions, con la que por cierto elaboró el que podría considerarse como el primer spaghetti western de la historia del cine, TIERRA BRUTAL (1962).

Antes hacíamos referencia al libreto de LAS NOVIAS DE DRÁCULA.

Pues bien, Anthony Hinds, el “otro” productor de la compañía, que ya había ejercido de guionista (anónimo) en la anterior cinta de Fisher, la ya reiteradamente mencionada LAS NOVIAS DE DRÁCULA, se encargaría del libreto aunque usando el pseudónimo de John Elder.

Si en LAS NOVIAS Hinds se encargó de tapar los (numerosos) agujeros que presentaba el guion de Sangster > Bryan > Percy, aquí elaboró un libreto que con la apoyatura visual del excelso Terence Fisher bien podría considerarse como la mejor película que sobre el Hombre Lobo haya sido jamás llevada a la gran pantalla.

Y es que LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO tal vez no sea la mejor película de Fisher pero sí seguramente su obra maestra.

Luego trataré de explicar semejante contradicción.

Una película además hermanada con LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL porque ambas comparten ese poso de tristeza que las hace tan atractivas y seguramente por ello menos apreciadas por los amantes del cine fantástico y/o de terror.

Y una película que además empieza como acaba, con las lágrimas del personaje encarnado por Oliver Reed (en su primer papel protagonista en la Hammer) y que sólo al final comprenderemos el por qué de las mismas.





- Unas lágrimas que fueron eliminadas del montaje por presiones del BBFC, lo que provocó el que se tergiversase por completo el final de la película, sin duda el más bello y el más triste de todas las películas de la filmografía de su director y, por extensión, de la Hammer. -

El primer tramo de la película, que abarca más de la mitad de la misma y en el que se nos narra el origen de la maldición del hombre lobo, es seguramente lo mejor que jamás dirigiera Terence Fisher en toda su carrera.

Si en DRÁCULA el personaje principal, el Conde, encarnado por un imponente Christopher Lee, tenía una presencia en pantalla mínima y apenas diálogos, lo que no impedía que fuese precisamente su ausencia lo que sustentaba el entramado dramático de la historia, igualmente en LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO el personaje de León cuando toma los rasgos de Oliver Reed únicamente ocupa la segunda mitad de la película, en concreto desde el minuto 47 (de 93).

Fisher tenía en la más alta estima esta película a la que prefería llamar y con razón una historia de amor y no una historia de horror. Aunque yo diría que hay más de una historia de amor, como intentaré explicar.

De hecho, la misma bien podría ser una recreación del mito de la Bella y la Bestia puesto que sólo el amor puro e incondicional de una doncella podrá evitar que León se convierta en un Hombre Lobo.

Sin embargo y aun coincidiendo en buena medida con Fisher lo cierto es que, en mi modesta opinión, los mejores momentos de la película se encuentran en la primera mitad, aunque igualmente la segunda tiene magníficas secuencias como cuando León se convierte en Hombre Lobo mientras está encerrado en prisión junto al inefable Michael Ripper.



Y aunque el director no pudiera ya contar con su operador favorito, Jack Asher, cuyo tratamiento del color sentó escuela en directores coetáneos a uno y otro lado del Atlántico, como en el caso de Mario Bava o Roger Corman, su sucesor, el prematuramente fallecido Arthur Grant (1915-1972), firmó el que tal vez sea su mejor trabajo para la Hammer, junto al de DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA (1968), donde estuvo bien aconsejado por el también director de fotografía Freddie Francis.

Grant logra un cromatismo notablemente mimético al de Asher, especialmente en la escena comentada, acentuando con los colores primarios las escenas más dramáticas de una forma francamente admirable.

Pero como decía, el tramo inicial es donde Fisher echó el resto y recuerda en buena medida, aunque mejorado, el igualmente magnífico inicio de EL PERRO DE BASKERVILLE (1959).

En ambos, además, se nos narra el origen de la maldición y no sólo eso sino que el mismo deviene del abuso de poder de la nobleza sobre la plebe.

De esta forma el mendigo encarnado por el gran Richard Wordsworth (el (auténtico) protagonista de la espléndida EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS), el astronauta Victor Carroon) se convertirá de forma involuntaria en Hombre Lobo cuando es encerrado de por vida por el malvado Marqués Siniestro (sic), un igualmente espléndido Anthony Dawson (al que todos los hitchcockianos recordarán por su papel de asesino en la muy estimulante CRIMEN PERFECTO (1954)) cuando este se siente ofendido por un comentario inocente del primero referido a su reciente matrimonio con un joven y bella plebeya.





El largo confinamiento del mendigo, que irá convirtiéndole de hombre en bestia (como afirmaba el Marqués de forma tan brutal durante su banquete de bodas), sólo se verá mitigado en parte por las visitas de la hija del carcelero, una niña muda que siente lástima por él y por su injusto encarcelamiento.





Sin embargo, los años pasan y el mendigo sufrirá una transformación no sólo psíquica sino también física.

En este caso la conversión en Hombre Lobo no se produce por la mordedura de otro sino simplemente por el grado de bestialidad al que ha quedado reducido el vagabundo y que Fisher nos muestra con toda su crudeza.





Por su parte el malvado Marqués, al que su joven esposa sólo le duró un abrir y cerrar de ojos (Fisher nos deja intuir el por qué sólo con las miradas lascivas que le lanza su cónyuge), también ha acabado por convertirse en un monstruo.



Curiosamente aquí la censura no puso demasiadas objeciones lo cual no deja de ser sorprendente puesto que el grado de degradación al que ha llegado el Marqués, como el que se observa en el retrato de Dorian Gray, es ciertamente espeluznante.

De hecho, seguramente Roman Polanksi tomó buena nota del mismo cuando realizó su simpática EL BAILE DE LOS VAMPIROS (1967), en especial la magnífica escena del susodicho baile, donde vemos a los vampiros en toda su podredumbre.

El Marqués, ahora solo y abandonado por los que consideraba sus amigos (un grupo de degenerados igual que él), se verá inmediatamente atraído por la belleza de la joven sirvienta.

Su inicial rechazo será castigado con su encarcelamiento...

... casualmente en la misma celda en la que lleva langideciendo el mendigo y que ha recorrido el mismo camino que el Marqués en su degradación como ser humano aunque en este caso de forma totalmente involuntaria.

El mendigo, completamente brutalizado, será incapaz de reconocer en la joven a esa niña que se apiadó de él durante sus largos años de cautiverio y en una escena atroz, aunque sea en off visual, será violada sin contemplaciones por el mismo.





Humillada y ultrajada, la joven será requerida de nuevo por el Marqués con el fin de saciar sus bajos instintos pero la sirvienta acabará con su vida como él acabo antes con su honor.



La joven finalmente huirá del siniestro (como el nombre de su dueño) castillo y finalmente será encontrada al borde de la muerte por Don Alfredo Carido (Clifford Evans, al que también veremos en KISS OF THE VAMPIRE (1964), la primera película de vampiros de la Hammer sin Cushing y/o Lee y del que oímos su voz en off durante la mencionada primera mitad de la película).



Don Alfredo, contado con la ayuda de su sirvienta, la gentil Teresa (Hira Talfrey), se encargará de cuidar de la joven.

Sin embargo, lo que no sabe el primero es que la misma está embarazada…

El niño (encarnado un poco más adelante por Justin Walters, quien ciertamente tiene un más que notable parecido con Oliver Reed) nacerá el mismo día que el Hijo de Dios, lo cual es visto como un mal presagio por Teresa y que Fisher se encarga de acentuar de manera magnífica como en la escena en que el agua de la pila bautismal parece hervir y se refleja en la misma el rostro de un horrible gárgola.







Como vemos tanto el mendigo como la sirvienta como el hijo (no deseado) de ambos son seres inocentes a los que el destino les ha conducido a un callejón sin salida.

Nunca como en esta película ha quedado mejor explicitada la abismal diferencia entre las clases superiores y las inferiores, uno de los temas esenciales en la filmografía de Terence Fisher.

Y nunca fueron las miradas tan importantes en la obra de su director como en esta película.







Después de una mitad tan extraordinaria es difícil que la película mantuviese el mismo nivel pero lo cierto es que aunque (relativamente) inferior Fisher logra articular en esa segunda mitad una hermosa historia de amor pero no sólo la que se da entre la joven (y virginal) Cristina (una escasamente agraciada Catherine Feller) y León, sino también la más continuada entre este y su padre.



Y es que si la pureza de los sentimientos de Cristina impiden que León se convierta en Hombre Lobo, el amor de Don Alfredo por su hijo será todavía más decisivo cuando sea él quien acabe con su vida.





Y por ello esas lágrimas que se nos escamotearon son tan absolutamente fundamentales.





Nunca la expresión “los pecados de los padres los heredan los hijos” ha sido mejor contrastada, puesto que ni el mendigo ni la sirvienta cometieron (conscientemente) pecado alguno y mucho menos el fruto de un acto meramente bestial.

Por ello LA MALDICIÓN DEL HOMBRE LOBO es la película más triste de Terence Fisher y las lágrimas de León, unas lágrimas de liberación, son el mejor testimonio de la grandeza de esta película.

Buenas noches y, buena suerte.

Curiosamente esta semana he adquirido la copia Divisa de esta obra de Fisher, gracias a esas ofertas que nos obsequia Amazon de vez en cuando.
Espero revisionarla en breve… esposa y vástagos mediante…
No obstante espero un aliado en mi cruzada cinéfila en mi primogénito de 12 años, acérrimo fan de Cushing-Frankenstein gracias a un ciclo de hace un año durante el confinamiento en el cual bajo mis doctos comentarios descubrió tan excelsa serie de films. Incluyendo la denostada y apócrifa EVIL y obviando MONSTER por cuestiones técnicas (no la tengo).

Yo tengo, creo, todas las películas de la Hammer editadas por Divisa, salvo THE EVIL OF FRANKENSTEIN, que pese a todo no es una cinta tan floja como se suele considerar, siquiera por la presencia de Cushing encarnando a su personaje más carismático.