Tema: Revisitando a Ingmar Bergman

08. Hacia la felicidad (Till glädje, 1950)



Comentario anterior.

Como ya apunté en mi comentario anterior, el título del film, ese “Till glädje” o “To Joy” en inglés (he visionado la edición del BFI), corresponde al “Himno a la alegría” del cuarto movimiento de la novena sinfonía de Beethoven, con letra de un poema de Schiller (conocida como "Oda a la alegría"), música con la que empieza el film. O sea, más que “Hacia la felicidad” (nombre con el que se editó el DVD de Filmax) parece más correcto referirse a ella como “A la alegría” (la copia en Filmin se titula "La alegría").

Porque, aunque parezca una paradoja, el film, a pesar del trágico inicio, acaba revelándose como un canto a la alegría, entendida esta, como explica al final el director de orquesta (magníficamente interpretado por Vctor Sjöström), como algo más profundo que la mera satisfacción personal (no es esa que se expresa con risas, dice), como algo que “va más allá del dolor y la desesperación”, algo que reconoce que no sabe expresar en palabras, pero para eso está la música de Beethoven. Esa es la lección de vida que parece trasladarse al público en la figura del hijo pequeño del protagonista, el violinista Stig (Stig Olin), que asiste en solitario al ensayo final, poco después de la muerte de su madre.



En su momento expresé una cierta crítica por este final, que me pareció poco sutil. Ahora, en cambio, tengo que reconocer que tanto la conclusión del film, como todo él en su conjunto, me ha parecido magnífico.

Citaba en el comentario de hace años que Bergman explicitaba en sus memorias que la película, con guion original propio, trataba en realidad de su relación matrimonial del momento, de las fidelidades e infidelidades con Ellen (bailarina y coreógrafa con la que tuvo cuatro hijos y de la que se divorció en 1952). Ahí están temas presentes a lo largo de toda su filmografía: embarazos no deseados (Stig rechaza el primer embarazo de Marta); abortos; divorcios (Marta ya había estado casada); relaciones adúlteras… Por lo que respecta a este último tema, la película nos describe uno de los triángulos, o quizá mejor cuadrángulo, más turbadores de su filmografía, el que componen Stig, su rival amoroso Marcel (el habitual Birger Malmsten), violoncelista de la orquesta, el viejo Mikael (un viscoso John Ekman) y la inquietante Nelly (Margit Carlqvist).





Frente a este mundo adúltero, en el que Stig parece moverse con notable incomodidad, la película nos ofrece la cara luminosa, tierna, romántica de su relación con Marta (dulce Maj-Britt Nilsson), perfectamente simbolizada por ese osito de peluche que Stig le regala el día de su cumpleaños, cuando todavía no son más que amigos…



Pero también, ¡cómo no, es Bergman!, la cara oculta, oscura, terrible, de las discusiones, del odio, incluso de la violencia física (la escena nocturna de los bofetones que le da Stig a Marta es escalofriante). Momentos que coinciden con otras traumáticas relaciones de pareja que jalonan su filmografía.



La estructura narrativa juega con el flashback. Empieza en el presente trágico y navega a lo largo de los siete años que preceden el momento de la muerte de Marta. Incluso incluye dentro de uno de los flashbacks lo que parece una rememoración del director de orquesta, puesto que oímos su voz en off comentando una alegre escena familiar con los niños.



Ya que la película se centra en unos músicos, Bergman utiliza brillantemente diferentes fragmentos musicales para ir marcando la evolución de los personajes. Así, por ejemplo, cuando están a punto de casarse, la orquesta interpreta “La novia vendida”, de Smetana. Luego, en los momentos de felicidad inicial de la pareja, suena un radiante cuarteto de Mozart. Una de las escenas culminantes es el fracaso de Stig cuando debuta como solista con el celebérrimo concierto para violín de Mendelssohn.

Film, en resumen, muy equilibrado, que está vez me ha gustado mucho más que en ocasiones anteriores. Para la próxima película, la maldita Esto no puede ocurrir aquí (film del que Bergman no quería saber nada), me temo que seguimos sin copia disponible en formato doméstico, y que, si alguien se anima, hay que recurrir a YouTube. Será, probablemente, un castigo para la vista, pero el afán de completismo tiene sus servitudes.

Parecen dos cintas ciertamente atractivas especialmente la segunda. A ver si puedo hacerme con una copia dado que por ahora A Contracorriente no ha sacado ninguno de sus títulos primigenios y menos conocidos.

Por cierto, pensaba que Victor Sjöström solo había trabajado con Bergman en FRESAS SALVAJES. Espero verme en breve algunas de sus (míticas) cintas mudas como LA CARRETA FANTASMA (1921), EL QUE RECIBE EL BOFETÓN (1924) y, especialmente, EL VIENTO (1928).

Iniciado por Alcaudón

Por cierto, pensaba que Victor Sjöström solo había trabajado con Bergman en FRESAS SALVAJES. Espero verme en breve algunas de sus (míticas) cintas mudas como LA CARRETA FANTASMA (1921), EL QUE RECIBE EL BOFETÓN (1924) y, especialmente, EL VIENTO (1928).

Tres films magníficos. Tengo especial consideración para con el segundo, habitualmente menos citado. Bergman lo tenía por uno de sus maestros.

Por cierto, me he olvidado de un detalle en mi comentario de Till glädje: hay un breve cameo de Bergman, y no es el primero en las películas rerevisadas.

Hacia la felicidad:

Magnífico film de esta etapa ya etapa magnífica de Bergman en los 50s. Sutil retrato construido a base de flasbacks sobre el ego en los artistas y las relaciones de pareja. A destacar el tratamiento de la música en la película, y el contraste entre ambos personajes protagonistas, el egoísmo destructivo de él y la validez y madurez de ella, maravillosamente interpretados por Stig Olin y Maj Britt Nilsson.

Grandísima la aparición del genial y mítico director Víctor Sjostrom como director de orquesta.

Muy buena obra del maestro suecom

09. Esto no puede ocurrir aquí (Sant händer inte här, 1950)



Comentario anterior.

Esto no puede ocurrir aquí es, sin duda, el patito feo de la filmografía de Bergman (y me temo que nunca se convertirá en cisne). Con todo, tengo que admitir que en este segundo visionado me ha parecido un film de intriga mediocre, pero visible, mejorando la primera impresión que tuve en su día, no porque la calidad de imagen haya sido mucho mejor, sigue tratándose de una mala copia en YouTube, eso sí con subtítulos en castellano, más o menos correctos, sino porque en general me ha parecido mejor trabada de lo que la recordaba.

La película adapta la novela “Inom tolv timmar 11.20-23.20” (1944) del escritor noruego Peter Valentin (pseudónimo de Waldemar Christofer Brøgger). Brøgger fue miembro de la resistencia noruega durante la ocupación alemana, lo que probablemente influye en el tono sombrío de la historia que nos cuenta el film, y de ciertas referencias al nazismo. No olvidemos que la novela es de 1944, o sea todavía en plena Segunda Guerra Mundial. En cambio, el guion firmado por Herbert Grevenius, se presta a una cierta confusión. Por un lado, sitúa la acción en Suecia, aunque sin remarcarlo demasiado, un país en donde, como se verbaliza en un determinado momento, “esto no puede ocurrir aquí”, un hipotético país neutral alejado de todo conflicto, confiado e ingenuo, pero en realidad infiltrado por turbios agentes de una dictadura llamada Liquidatzia que persigue en territorio extranjero a los miembros de una red de refugiados políticos. ¿Qué país es Liquidatzia? Uno tiende a pensar, sin haber leído la novela, que quizá lo que en 1944 podía ser una referencia a la Alemania de Hitler, en 1950 puede que sea más bien una velada alusión a la URSS (hay algunos detalles más que apuntarían a una lectura anticomunista: así, según imdb, el nombre del barco que aparece al final, Mrofnimok Gadyn, es un anagrama de Kominform Nydag, siendo Ny Dag el periódico de entonces del Partido Comunista Sueco). De ahí, que Atkä Natas (Ulf Palme), el supuesto ingeniero que llega a la ciudad en avión al inicio del film, quiera contactar con la embajada de Estados Unidos para entregar unos documentos secretos que probablemente le faciliten la entrada en el país americano, asunto que cuadra con el clima de Guerra Fría de la época.



Previamente, Natas visita a su esposa, Vera (Signe Hasso), una refugiada, con la que no tiene buena relación, están claramente enfrentados, uno en cada bando. La trama a partir de ese momento, como dije en su día, es bastante confusa, pero eso es algo que solía ser (y todavía hoy es) patrimonio de este tipo de films de intriga, de dobles agentes, traidores e infiltrados (aquí, uno de los refugiados es desenmascarado como un agente de Liquidatzia).



La fotografía del gran Gunnar Fischer ayuda a dar el tono adecuado a la historia (incluso con el recurso a situar a menudo la cámara muy baja, lo que genera cierta sensación de inquietud), pero ni las interpretaciones, en particular la sosa pareja protagonista interpretada por Hasso y Alf Kjellin en el papel del policía y amante potencial de Vera (configurándose así un cierto triángulo amoroso, poco desarrollado), dos actores que pretendían en aquellos años triunfar en Hollywood sin demasiado éxito, ni la dirección de Bergman, alejado de sus temas, un poco como pez fuera del agua, consiguen dar suficiente consistencia a la película.



Como destaqué en su día, ciertos detalles cómicos parecen apuntar a un Bergman dispuesto a distanciarse de lo que cuenta. Por lo demás, es evidente que el cine de intriga no es el cine que mejor sabía hacer Bergman o que más le interesaba, un tanto ajeno a un material que podría haber filmado, seguro que con más éxito, Hitchcock (hay una reunión en la parte trasera de un cine donde se está proyectando un film animado del Pato Donald, lo que me hace pensar en Sabotage) o Lang. Todo el proyecto, al parecer, giraba en torno al interés de la productora, la Svensk Filmindustri, por internacionalizarse con un cine más comercial (el final feliz, con el policía que interpreta Kjellin sacando en brazos a Vera del barco donde estaba secuestrada, ilustra muy bien las intenciones de la película) que se adecuara a los tiempos de incerteza y tensión propios de la Guerra Fría.



El proyecto no tuvo éxito y, afortunadamente para él, Bergman no se vio forzado a volver a transitar estos caminos.

A pesar de todo, la película no deja de tener algunos buenos momentos, como por ejemplo el tramo final, con una acción continuada potenciada por un ágil montaje.





O el uso dramático, habitual en Bergman, de los espejos.



Esta vez me ha convencido de que si, finalmente, pudiéramos ver una buena copia, Esto no puede ocurrir aquí tampoco desentonaría tanto dentro de la ingente producción de films de este tipo que se llegaron a rodar durante los primeros años de la posguerra. En todo caso, un paréntesis dentro de la filmografía de Bergman, que cerraremos inmediatamente con su próximo film, un más que notable Juegos de verano.

Esto no puede ocurrir aquí es un thriller de espionaje político que acaba resultando una decepción tremenda y un quiero y no puedo impresionante.

Película de encargo de un Bergman que está como pez fuera del agua .la historia sigue a unos refugiados de un país ficticio de Europa del este que son perseguidos en Estocolmo por espías.

Con un tono panfletario y burdo e incompresible en un autor como Bergman, acaba resultando una caricatura que no es ni un buen thriller de espionaje ni una buena película de Bergman al que se le nota incómodo y ajeno a la historia que está contando. Incluso el mismo renegaria de la película..

A rescatar solamente algunos destellos visuales y la atmósfera de la película, algo debido al oficio y talento visual de Bergman, quién siempre ofrece algún detalle de brillantez incluso en esta película.

Film fallido en su casi totalidad y probablemente, bajo mi punto de vista, su película más mediocre de esta época de oro de su cine.

Iniciado por Mister_Lennon

Con un tono panfletario y burdo e incompresible en un autor como Bergman, acaba resultando una caricatura que no es ni un buen thriller de espionaje ni una buena película de Bergman al que se le nota incómodo y ajeno a la historia que está contando. Incluso el mismo renegaria de la película..

El problema es que no nos esperamos un film de este tipo dentro de la filmografía de Bergman, pero si lo comparamos con decenas de películas que se rodaron en Hollywood en aquellos años, con la Guerra Fría como telón de fondo, lo cierto es que no desentona, sin llegar nunca, eso sí, a superar el nivel de film mediocre, del montón. A mí en este segundo visionado no me ha parecido tan mala como en el primero, aunque uno y otro se ven afectados por la mala calidad de la copia (no sé cuál has visto tú). A pesar de todo, creo que no hay duda en que ocupa el farolillo rojo de su filmografía.

Iniciado por mad dog earle

El problema es que no nos esperamos un film de este tipo dentro de la filmografía de Bergman, pero si lo comparamos con decenas de películas que se rodaron en Hollywood en aquellos años, con la Guerra Fría como telón de fondo, lo cierto es que no desentona, sin llegar nunca, eso sí, a superar el nivel de film mediocre, del montón. A mí en este segundo visionado no me ha parecido tan mala como en el primero, aunque uno y otro se ven afectados por la mala calidad de la copia (no sé cuál has visto tú). A pesar de todo, creo que no hay duda en que ocupa el farolillo rojo de su filmografía.

La que yo he visto está en Youtube.

10. Juegos de verano (Sommarlek, 1951)



Comentario anterior.

Esta vez podría calcar el comentario que hice en su día. En particular, me reafirmo en algunas de las cosas dichas entonces: Juegos de verano es “la primera gran película sensual de Bergman”, y remarcó aquí lo de “gran”, porque la sensualidad de hecho ya ha ido apareciendo en casi todos sus films. El cine del sueco es, sin duda, un cine sensualista, más allá del cliché de director frío y metafísico con el que a menudo se le caracteriza. En sus películas hay que estar atento al viento, a la luz del sol, a los reflejos en el agua, a la piel de los personajes, que podemos observar muy de cerca gracias a la profusión de primeros planos con que nos irá obsequiando a lo largo de su filmografía, aquí maravillosamente servidos por la fotografía de Gunnar Fisher.

Pero es que además en este film Bergman y su director de fotografía se recrean en mostrarnos, con deleite estético, el mundo del ballet. La protagonista, Marie (la encantadora Maj-Britt Nilsson) es una bailarina lo que da pie a composiciones que remiten, sin duda, al universo pictórico de Degas.













Además, una vez más, Bergman hace un uso expresivo de los espejos en algunas composiciones que están entre las más bellas de su cinematografía, como por ejemplo esta que en su día calificaba, y lo vuelvo a hacer, de velazqueña.





Aunque hay que suspender un tanto la incredulidad para aceptar a Maj-Britt Nilsson y Birger Malmsten como los amantes adolescentes que descubren juntos el amor durante un verano casi mágico (les sobran algunos años, sobre todo a él), lo que nos transmite la pantalla es una declaración de amor por la vida extraordinaria, simbolizada por esas fresas salvaje que serán el título de un futuro film donde también se rememorará un amor de juventud.



Pese a ello, como siempre en Bergman, vida y muerte van de la mano. Así, ese verano maravilloso acaba de manera trágica, marcando para siempre a Marie, como nos lo recuerda esa perturbadora vieja vestida de negro (y saludada con un graznido) que se cruza con Marie cuando esta vuelve a isla, donde recordará el paraíso perdido junto a Henrik.



Y junto a la mujer de negro, la presencia ominosa del “tío” Erland (Georg Funkquist), que parece conservar una fascinación amorosa por la madre de Marie,



o el mefistofélico director del ballet (Stig Olin), vestido de Coppélius.



La estructura del film, con guion de Bergman y de nuevo Herbert Grevenius, juega una vez más con el flashback, elemento narrativo al que el director sueco recurrió a menudo en su obra. Aquí sirve para marcar la distancia entre un presente amargo, un tanto desolado, a pesar de que Marie parece haber triunfado como bailarina, y un pasado ya lejano pero que sigue viviendo en su interior, como la aparición del diario de Henrik desvela.

Resalto dos momentos: la conversación entre Marie y Erland, poco después de la muerte de Henrik, en la que la joven dice no creer en Dios, e incluso que si existiese lo odiaría, le escupiría.

El otro, de tono completamente opuesto, es ese momento divertido y mágico en que unos dibujos adquieren vida rompiendo el tono “realista” de la película, introduciendo un elemento directamente fantástico.

Completísimo film, en mi opinión el mejor de los que llevamos vistos. Pero lo mejor sigue estando por llegar.

Juegos de verano es la primera de las grandes obras capitales de Bergman en mi opinión. Es este film , Bergman ya es el Bergman que todos conocemos, con todas las claves de su cine ya puestas sobre la mesa : la muerte, la fe, la culpa, el peso del pasado y las crisis de identidad. Todo ello ya formaria parte del universo Bergmaniano posterior.

Nos narra la historia de una bailarina que tiene que afrontar y recordar el gran y trágico amor de su vida, en un momento clave de su carrera artística.

Bergman de nuevo hace un uso ejemplar del flashback y de la fotografía y puesta en escena impecables y brillantes, destacando lo luminoso e idílico del pasado amoroso de la protagonista con su amado Henrik con el tono más gris , frío y melancolíco de su presente.

Magnífica interpretación de la protagonista, Maj-Britt Nilsson, reflejando tanto la madurez , desencanto y dureza del presente como la vitalidad y energía luminosa y romántica del pasado.

Una auténtica joya de film , tan emotivo y conmovedor como hermoso y complejo. En mi opinión, una de las grandes de este periodo del maestro sueco.

11.Tres mujeres (Kvinnors väntan, 1952)



Comentario anterior.



Poco puedo añadir a lo dicho hace 11 años. Quizá que lo que calificaba entonces de “algo artificioso”, esa estructura en forma de flashbacks, que remite sin duda a films como el canónico A Letter to Three Wives de Mankiewicz, me parece ahora más coherente, más en la línea de ilustrar mediante esos episodios las distintas edades del amor: primerizo, ingenuo (Maj y Henrik); ilusionado, mágico (Marta y Martin); maduro, rutinario, algo aburrido (Karin y Fredrik); desgastado, frágil (Rakel y Eugen), y finalmente el que no pasa de ser una pura convención, una carcasa vacía, sin gota de pasión (Paul y Annette), que quizá por eso mismo (o por no alargar el film), Bergman ni siquiera lo ilustra.

En general, me ha vuelto a parecer un film espléndido. Destaqué en su día el primer episodio, por su dureza (y esos primeros y primerísimos planos, casi violentos), pero los dos restantes no desmerecen.



El segundo, por la incomodidad que supone el mostrar el embarazo y parto de Marta, pero también por el segmento parisino, que parece beber de una atmósfera decididamente fantástica, puntuada con una magnífica iluminación de tono expresionista que domina Gunnar Fischer.



Incluye la irrealidad de la secuencia en el baile, un elemento extraño y perturbador en el conjunto.



Por último, el tercero, claramente en clave de alta comedia, es sin duda muy divertido, mostrando la calidad interpretativa de dos actores excepcionales: Eva Dahlbeck y el gran Gunnar Björnstrand, en mi opinión el mejor actor bergmaniano y, a su vez, el más parecido a Cary Grant que recuerdo.





Ah, y como en films anteriores, Bergman se reserva un breve cameo, difícil de localizar.

Tres mujeres es de nuevo una película que va acercando a Bergman a su mejor época, reflejando la cada vez más definida personalidad del autor sueco. Me parece por debajo de la anterior pero aún así muy satisfactoria.

La historia se divide en 3 relatos narrados por cada una de las tres protagonistas, y cada uno de ellos trata un aspecto distinto sobre el matrimonio y las relaciones humanas: la infidelidad y el perdón, la ilusión de la juventud y la comicidad del encierro en un ascensor. Para mí, aunque los dos primeros me resultan interesantes, para mí el mejor es el tercero, donde Bergman demuestra una soltura y bien hacer sorprendentes con la comedia. Y el primero me parece elenos logrado.

A destacar la siempre excelente dirección de actores y talento visual de Bergman la eficacia en todos los temas que trata . Y los tres segmentos, cada uno a su manera y de forma más y menos lograda , resultan muy interesantes cada uno en su tono y contexto.

Buena película en transición a lo mejor de su carrera.