Tema: Son of Saul (László Nemes, 2015)

Yo me uno a aquellos que no están leyendo las críticas de los compañeros para llegar lo más vírgenes posibles a verla. Las leeré después, pero qué grandes críticas está cosechando esta película . Las películas que quiero ver este inicio de año se me acumulan: Son of Saul, The hateful eight, The revenant...

Solo pido cautela a la hora de ir a verla. Puede haber gente que tenga mucho hype creyendo que va a ver una película que emociona y luego se lleve una pequeña decepción. Es un film frío, y en ningún momento pretende que a los espectadores se les escape una lágrima.

Antepone la reflexión a la emoción.

Vista y creo que las dos palabras que mejor la definen son: peliculon y dificil.

Peliculon porque nos encontramos ante una verdera obra mestra en su genero, como ha dicho un compañero nunca un fuera de camara dice tanto como en esta pelicula o mejor deberia decirse peliculas porque creo que realmente asistimos a dos historias diferentes, la que vemos sobre el protagonista y lo que precisamente pasa en esos "fuera de camara" alrededor del protagonista y que nos permiten ver en toda su crudeza lo que fueron los campos de concentracion.

Dificil porque como tambien han dicho esta no es una pelicula de sentimientos, esto no es La Lista de Schindler, La vida es Bella, El niño con el pijama de rayas o La llave de Sarah....estamos ante una pelicula fria que pese a mostrarnos el horror en su vertiente mas cruda no consigue que derramemos lagrimas y precisamente esa es su virtud que en cierta manera nosotros como espectadores seamos tambien "sonderkommand" como los personajes y asistamos impasibles a lo que pasa ante nuestros ojos.

La pelicula parte de una premisa sencilla, la historia quizas poco conocida, de los llamados sonderkommand (prisioneros de los campos de concetracion que tenian tareas, por asi decirlo "especiales). Aqui es donde aparece el protagonista, Saul, el cual

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es un trabajador en esos campos dedicado a meter a la gente en camaras de gas, limpiarlas a posteriori y deshacerse de los cuerpos despues quemandolos y tirando las cenizas de las cremaciones al rio. En teoria la historia es terriblemente dura pero vemos que tanto el protagonista como el resto de sonderkommand han perdido su alma, su humanidad y en parte su vida. Son como muertos vivientes, automatas que sobreviven a base de muerte. En este desolador panorama asisitimos al milagro de la vida y de como un joven sobrevive a una camara de gas para morir a posteriori a manos de los medicos del campo. Ahi es donde el protagonistas sufre una catarsis y reacciona, creyendo que es su hijo (quizas lo sea o no) vemos como inicia una mision imposible de intentar dar un entierro digno al joven aunque esos suponga anteponer a sus compañeros e inciiar una loca busqueda de un "rabino" hasta las ultimas consecuencias.

A partir de ahi y en medio de una camara asfixiante, asistimos al hgorror y la muerte pero tambien a la vida y al espiritu humano en una pelicula que no se posiciona, que no nos presenta una musica bonita o escenas tramposas para emocionarnos, aqui la cruda realidad nos golpea tan fuerte que como los personajes perdemos un poco nuestra propia humanidad y no conseguimos emocionarnos como en otras peliculas de esta tematica. Quizas por eso no sea del gusto de todos pero lo que nos presenta se queda dentro de nosotros y muiy probablemente haga que a posteriori reflexionemos sobre todo lo visto. Una pelicula como muy bien han catalogado de reflexion no de emocion. Le doy un 10.

Como dicen algunos compañeros, no es una historia que busca la lágrima fácil.

Con la técnica narrativa que aplica László Nemes, puedes llegar a tener la sensación que estas dentro de esa locura, recorres ese campo con un agobio brutal. Planos secuencias larguísimos, un montaje perfecto, y una fotografía esplendida. Pero todo ello al servicio de una narración redonda.

Una película excepcional que todo el mundo debería ver.

Saludos.

Coincido con vosotros: es una película (muy) difícil de ver, pero bastante necesaria. No ya sólo por cómo está realizada, sino por su mensaje esperanzador en medio de la desesperanza misma.

Aquí os dejo un comentario más extenso y detallado de lo que me sugirió.

en sesioncinefila.com




EL HIJO DE SAÚL – OBRA MAESTRA INSTANTÁNEA


Existen momentos en que vas al cine e intuyes que lo que vas a ver, como poco va a ser diferente…, te sientas en la butaca, se apagan las luces y la pantalla se ilumina con las primeras imágenes de la película, la maquina de los sueños empieza a rodar y tú como espectador comienzas a dejarte llevar, ahora estás en manos del director László Nemes en su primer largometraje y la sensación desde su inicio te augura que vas a presenciar algo distinto, especial…

La primera imagen que vemos esta desenfocada, escuchamos sonidos de gente, pero no podemos concretar nada, alguien se acerca y tras llegar a nuestra altura, la imagen se enfoca sobre el. De esta forma tan simple pero magistral, el director nos dice, “Hey, esto es la película y este es tu papel”, vivirlo a través de este personaje, interpretado magistralmente por Géza Röhrig, que curiosamente, es su primera interpretación en un largometraje.

La imagen se nos presenta en un formato de 4:3 y salvo lo que pueda pensar alguien que todavía no ha visto la película, esto no es una pose o decisión de estilo por hacer un homenaje o cualquier otra decisión estilista como si lo es Blancanieves de Pablo Berger, algo totalmente respetable, por otra parte.



En este caso, los 4:3 se convierten en una herramienta cinematográfica más allá de para lo que fue concebida en su momento, ahora László se apoya en el formato antiguo para elevar a unas cotas altísimas, una idea de dirección que no es otra que el fuera de campo.

El fuera de campo es como dotar de una 4 Dimensión a una película, es cierto que incluso inconscientemente una película hace uso de ello muchas veces, el espectador realiza “viajes” en su mente más allá de los limites de la pantalla, pero como digo, todo de una forma mecánica que ya se da por sentado.

La cosa cambia cuando se usa como una herramienta continua, como pueden ser los efectos digitales, la música o la escala de planos, y consigues que el espectador en cada instante este dibujando en su mente acciones y sucesos que ocurren o pueden estar ocurriendo más allá de los limites de la pantalla, multiplicando el espectro de sensaciones que te puede transmitir la película, y cuando se ve y se nota que la dirección es tan sumamente precisa, es de admirar que una idea llevada a cabo de inicio hasta su finalización durante algo más de 100 minutos y no haga más que crecer en el global de la película, es para quitarse el sombrero.

Pocas películas he podido llegar a ver que usen esta herramienta de una manera tan efectiva y potente como lo hace El hijo de Saúl, seguramente de casta le viene al galgo y todo lo que aprendió junto al gran director Béla Tarr lo vemos en cierta medida reflejado en esta película, un trabajo de dirección digno de estudiar en todas las escuelas de cine.

La película, situada en el campo de concentración de Auschwitz en el 1944, nos cuenta la historia de Saúl Auslander, un prisionero-trabajador húngaro que dentro de los llamados “Sorkommandos”, se ve obligado a realizar trabajos inhumanos para los alemanes dentro de los crematorios. Desolado, muerto en vida, Saúl buscara un resquicio de humanidad y moral en el infierno en el que se encuentra, al intentar encontrar a un rabino que de paz al cuerpo de un chico sin vida al que Saúl llama hijo.



Películas sobre el holocausto existen muchísimas, pero si el fuera de campo usado junto con el 4:3, como he dicho, es magistral, para llevar la película a un nuevo hito dentro de lo que podría ser un genero propio, no basta solo con eso y László da un paso más allá realizando algo tan difícil de mantener como es filmar toda la película desde una posición muy concreta y arriesgada.

Toda película construye su propia diégesis y lo hace a partir de los índices de verosimilitud que esta es capaz de trasladarnos, para que nosotros, dicho mal y pronto, nos comamos con patatas todo lo que estamos viendo y además con mucho gusto y sufrimiento, ya que la película tira tanto de la economía narrativa y del llamado efecto corpus, no nos hace falta ver mas de 5 minutos de película para que con lo poco que se ve, nuestra mente ya preconfigurada, asimile y nos coloque en situación para entender que es lo que estamos viendo y en que posición tenemos que poner nuestros sentimientos e ideas.

Para ello, desde la narrativa, el foco cognitivo o punto de vista se coloca siempre sobre Saúl, consiguiendo de esta manera, tener una focalización interna fija, ya que a través de él y solo él, tendremos y conoceremos todo lo que va ocurriendo, él es nuestro filtro, lo que él descubre nosotros lo descubrimos, lo que él ve, nosotros lo vemos, nunca estaremos un paso por delante y cuando pensemos que si, nos daremos cuenta al instante que es su visión subjetiva.

Solo en ciertas ocasiones y muy pocas, la cámara en vez de seguir con Saúl o a Saúl, permanecerá inmóvil dejando que este abandone el plano en una especie de momento íntimo del espectador con lo que esta ocurriendo, es como una desconexión momentánea de la conciencia del personaje y en la que nos dan la oportunidad de ser nosotros y nuestra conciencia los que estemos ahí.



El campo de foco en esta película es muy limitado, cuando veamos a Saúl, siempre en planos muy cercanos, lo que esté detrás de él y a no ser que él dirija la mirada, estará parcialmente roto de foco y en otras ocasiones incluso más, por eso lo poco que podemos ver dentro del 4:3 hace que nuestra imaginación vuele, a la vez que nos crea esa sensación de angustia, de tensión y de vivir el momento muy intensamente.

La posición de la cámara y el seguimiento en casi continuos planos secuencia elavoradisimos y con unos movimientos de quitar el hipo, eleva aún más todo este coctel de decisiones de dirección acertadisimas, arriesgadas, pero muy bien elaboradas que colocan a El Hijo de Saúl como una de las obras cinematográficas mejor paridas de los últimos tiempos.

No tiene música, su banda sonora son los sonidos internos-diegéticos tanto los que vemos como los que intuimos y todos ellos son lo suficientemente evocadores y acongojantes la mayoría de las veces, como para ponernos los pelos de punta sin la necesidad de acompañamientos dramáticos.

Otra cosa para anotar, he tenido la posibilidad de ver la película en los Golem en versión original subtitulada y creo que en el contexto que se sitúa la película escucharla en sus idiomas hace que experimentemos de forma más natural y con la distancia necesaria, para no perder esa “realidad” que acompaña a toda la película.

En definitiva el Hijo de Saúl es una mirada al pasado, al interior del alma, para ver y concienciarnos del presente e incluso del futuro, de lo que es capaz el ser humano. Es dura, los ojos de Saúl nos aguantaran la mirada en muchas ocasiones y sin decirlo, nos preguntara ¿qué haríais vosotros?.

Los planos secuencia nos obligaran a mantener esa visión, incomoda, dolorosa, como de no poder apartar la mirada, en un mundo donde lo humano se resbala entre los dedos, donde la moralidad es algo de otro mundo…

El Hijo de Saúl es CINE en mayúsculas.



Añadido:

“Ser sincero no es decir todo lo que se piensa sino no decir nunca lo contrario de lo que se piensa” – André Maurois

Desde hace mucho tiempo tengo una sensación interiorizada de que las grandes distribuidoras y las “mayors” salvo que tengan algún actor de moda en su cartelera o un director, guionista, etc, que este pegando fuerte (mediaticamente), habitualmente se esmeran en dejar que las grandes películas que no entran dentro del tipo de película que quieren vender en ese momento, estén condenadas a tener muy poca o ninguna presencia en las carteleras, tenemos que darles las gracias de llevar a las masas grandes basuras y de permitir que obras de una innegable calidad tengan que cruzar los dedos a ver si algún gran festival (mediático) les hace el “favor” de descubrirlas para que cuando llegue cierto evento las vuelvan a proyectar tras ponerles el cartelito de “nominada a ********” (poner en los asteriscos los premios que queráis) y que el publico que va al cine a ver Ocho apellidos vascos/catalanes, Point Break, Transporter, Cuatro Fantásticos, Regresión (esa que nos colaron de Amenabar)… y un largo etc (¡¡ojo!! que no digo que no gusten o entretengan), se dignen a ir a verlas por que la “tele” dice que son maravillosas.

Con esto no quiero decir que el circuito comercial no traiga películas de gran calibre, es lógico que directores mediáticos también hagan buenas películas, pero llevo muchos años de ver cine “en los cines” a las espaldas y de tener que desplazarme a cines concretos a horas concretas, para poder ver, Amor de Haneke, Wiplash, Her, Departures (okuribito), Melancholia, Nightcrawler, Macbeth, Incendies, Enemy…. y un larguísimo etc…

Podríamos entrar en el debate “estúpido” de “a mi me gusta, a mi no me gusta” algo que es absurdo cuando creo que se intenta analizar por qué una película está bien realizada o no, una película puede ser una obra maestra mas allá de que alguien no la entienda, aburra o no le guste el tema (se que esto para algunos es difícil de llegar a comprender), pero varias de las películas que he puesto de ejemplo, han sido películas ninguneadas, no publicitadas, con una cuota de pantalla bajisima y ya no voy a decir de afluencia de público, para “derrepente” pasar a llenar salas porque a las distribuidoras les interesa, gracias al apoyo mediático de varios premios, hacer que el público se entere de que son grandes trabajos y que tienen que ir a verlas, si o si.

Creo que las distribuidoras y productoras, tienen la obligación moral (o deberían tenerla) de más allá de hacer dinero fácil, apoyar a los trabajos independientes o no independientes, pero de gran calidad cinematográfica y que usan el cine para tratar infinidad de temas y no cultivar y educar una masa de espectadores que se están educando con un cine que cuenta muy poco y que idiotiza aun más, ¡ojo! me encanta el cine “facil” y masticadito, pero no por ello malo, no conozco ningún genero que sea menos que otro, cine malo existe en todos los géneros, aunque la palabra genero, como etiqueta y para encasillar, sea algo que me guste muy poco.

El Hijo de Saúl ha tenido la “suerte” que otras grandes películas no han tenido y gracias a los globos de oro y su nominación a los oscar, la película se ha proyectado y “mantenido” en unas “poquitas” salas, algo de partirse cuando es seguramente la mejor película de todas las presentes en la cartelera, ¿cuantas salas hubiese ocupado de estar en el cartel Spielberg, Abrams..? ¿O si el actor fuese DiCaprio..?

Vista esta tarde el film, me he puesto a leer los grandísimos comentarios que se han añadido al hilo desde su estreno.

Lo primero que quiero destacar de la película es su valentía, valentía por parecerme tan "objetiva" en lo que muestra, por no presentarnos un posicionamiento. Creo que tratando el tema que trama, se podía haber caído muy fácilmente en el sentimentalismo, en buscar la respuesta fácil del espectador. La película muestra unos hechos mostruosos, pero hace "sólo" eso, mostrarlos, no los juzga, no los elabora/tamiza para provocar nuestra respuesta, croe que nos permite elaborar esa respuesta de forma libre.

Valiente tambien me parece el como nos los muestran, aquí el uso del fuera de campo y, diría más bien, el fuera de foco, me parece otra decisión valiente porque se da un gran contraste entre la objetividad de lo que se muestra y la subjetividad de cómo se nos muestra, ya que se nos pone a la altura de Saúl, en su hombro y vemos claro lo que el ve claro (o quiere ver claro) y vemos borroso lo que el ve borroso. Además el campo de la imagen es tan limitado como su mirada, tenemos el alcance de visión que él tiene. Por tanto, con "convertimos" en Saúl y somos cómplices de su historia, al final sí tenemos un posicionamiento, pero es el de Saúl no el del film.

Y Saúl se posiciona, al inicio del film un hecho hace que algo cambie en él y toda la película trata sobre como materializar ese cambio en un objetico concreto. Me parece interesantísimo que para la consecución de dicho objetivo la intrahistoría de Saúl se separe e incluso se enfrente con la historia general, que el proceso de "rehumanización" de Saúl provoque la vuelta de todo lo que nos vuelve humanos, nuestras mejores y peores cualidades. De nuevo valentía, porque veo como Saúl antepone su histrahistoria, su objetivo personal frente a los demás, lo que, tal como le dice otro personaje explícitamente, provoca sufrimiento. Vemos como el deseo/necesidad de Saúl de salvar un alma, ese renacer de buenas cualidades, puede provocar la muerte de otras personas, el surgimiento de malas cualidades, como algo puede ser positivo en su intrahistoria y a la vez negativo en la historia. Esto me ha parecido, como ya digo, muy valiente e interesante. De nuevo creo que no se juzga que sólo se muestra el comportamiento de Saúl.

Comportamiento que desemboca en el final de la cinta, para mí un momento muy bueno porque creo que nos deja, como durante todo el metraje que seamos nosotros los que lo interpetemos. Yo interpreto

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la sonrisa de Saúl ante la visión del niño fuera del cobertizo como la culminación de su rehumanización y la consecución de su intrahistoria, con ese "renacimiento" del "hijo"

Para mí un excelente cierre para el film, además recurriendo a uno de los sobresalientes elementos formales que presenta la película, como es el fuera de campo visual frente a la presencia de sonido.

En definitiva, una película que me ha impactado, tal vez no tanto como me esperaba, pero tal vez de forma más genuina y valiente, porque se atreve a dejarme reflexionar, no me fuerza sentimentalmente hablando.

Saludos

¿Hay alguna noticia de que se vaya a editar en España?

Pues por ahora parece que no se ha dicho nada, pero espero que Avalon la edite por aquí:

http://www.avalon.me/distribucion/ca...l-hijo-de-saul

Saludos

Tranquilos que esta saldrá en Blu-ray. Por ahora solo tenemos fecha de alquiler, que es en mayo creo, así que lo normal es que salga a la venta un mes después, en junio. Hay hilo .

No quiero parecer más frío de lo que pueda parecer, pero a mí no me ha convencido. De hecho estoy bastante de acuerdo, con una de las primeras críticas que se presentaron en este hilo.

Me pasa un poco como con Amour de Haneke (la única película que no me termina de convencer del alemán, y curiosamente con Oscar). Me emociono por la tragedia REAL, pero no fascino por el argumento FICCIONAL, por muy real que haya sido o pueda ser un hecho. Es una película rácana adrede, y eso es para mí es un defecto. Funciona mejor mi mente reflexionando sobre los hechos, que viendo la excelente tramoya que construye László Nemes, porque la película esta muy bien hecha, todo sea dicho. Pero eso para mí no es suficiente. Usa técnicas propias de un shoot 'em up, intentando convertir en espéctaculo un hecho, que no tendría que tratarse de tan atroz manera. Lo que en REC funciona, por poner un ejemplo, y es elevado a espectáculo, no funciona en El hijo de Saúl por pertenecer a distintos planos.

Lloro por el Holocausto, no lloro por como me lo muestra la película. Si quería "jugar" a mantenerse fuera para reflexionar, tenemos Masacre de Elem Klimov, para mí una verdadera Obra Maestra manteniendo el tono. La húngara se pierde en una mezcla de (buenas) técnicas, finalmente no funcionando. Al menos conmigo no lo hace.

No me ha gustado, y no tengo porque darle muchas más vueltas. Un 4 sobre 10.

Amor de Haneke es una obra de una incontestable calidad, cinematográficamente hablando, lo que es incontestable también es que indudablemente no es para todos los gustos, su narrativa lejos de ciertos occidentalismos manidos, la obra requiere de una digestión que se le puede quedar en corte de digestión a más de uno.

Empiezan a salir las listas de "lo mejor de 2016" y esta parece estar en casi todas. El género me da ya un poco de pereza, pero aunque fuera por lo anterior, había que echarle un vistazo. A la película hay que reconocerle la brutal ambientación, que resulta una experiencia por momentos claustrofóbica y asfixiante y tiene un acertado modo de impactar sin tener que mostrar o ser explícita.

Por supuesto hay que mentar a su modo de rodar, con una semi-cámara en primera persona que sigue al protagonista en todo momento desde, casi siempre, su nuca y en otras ocasiones, de frente. Primeros planos nítidos con todo lo demás borroso, entre gritos, susurros y lamentos en varios idiomas. Quizá el tema de la cámara es lo que más la diferencia del resto de su género junto a la forma narrativa, pero puede acabar resultando agobiante y sumar sensación de caos (buscada y efectiva en muchas fases) a una narración o un guión, que tampoco va mucho más allá de ir corriendo arriba y abajo aunque seguramente tal afirmación sea simplificarlo injustamente.

Una experiencia diferente que seguro gana en sensaciones si la vives en una gran sala, pero no sé si es por la saturación del género, por haberme cogido un mal día o por algunos de sus recursos, que no me ha dejado la misma huella que a otros. Aún así, con cosas como las ya mencionadas a resaltar de ella y no negarle un revisionado futuro.

Nota: 6'3

P.D. Si alguien quiere vivir una experiencia similar pero mucho más extrema en todos los sentidos, que se vea "Qué difícil es ser un dios"

Es un film que en palabras de su protagonista, denuncia un genocidio. Utiliza como pretexto el holocausto, pero desde entonces han habido más por desgracia. Eso sí, contado desde el punto de vista de un personaje omnipresente y con formato cuadrado en la pantalla. Una experiencia opresiva, de una frialdad abrumadora, como una patada en el estómago. Destaca sobre todo en un uso del sonido y el fuera de campo desenfocado magistral.

este sábado a las 22h estreno en tv, en El Cine de La 2

Me ha parecido muy caprichosa y efectista... Me da un poco igual lo que le pase a Saul casi ya desde el principio, se que es un drama todo lo que aparece pero no me lo creo, no lo veo en la intepretación y tampoco demasiado en como se cuenta. Si, muy guay el formato, si muy guay el enfoque en el protagonista pero más que conmoverme estas cosas, me hace centrarme en la técnica y no tanto en lo que me están intentando decir. Me pasó lo mismo que con El Renacido, me parece todo tan orquestado y tan caprichoso que me saca de la película y termino por no creermela. No suelo utilizar mucho lo de Deus ex pero tengo esa sensación durante casi toda la película, eso de: venga ahora aparecerá alguien y pasará algo, venga ahora estará 10 minutos donde no debe y pasará otra cosa pero al final se librará... De hecho me llega a cansar mucho el recurso, me parece tan repetitiva que nuevamente lo que pretendia contarme creo que se lo acaba cargando y me agota (y eso que estaba sentado.

No se, no me ha gustado, de cara al final ha conseguido incluso cabrearme.

Película condenada a generar opiniones encontradas, es tan audaz en su suicida propuesta formal como desagradable y tediosa en tanto que experiencia cinematográfica. Entiendo que la idea es generar confusión en el espectador y que es una forma coherente de representar el holocausto en primera persona, y me gustan algunas maneras posibles de interpretar el uso de sus planos cerrados y su limitado foco (en particular la idea de que el protagonista sólo puede permitirse ocuparse de sí mismo y conscientemente decide ignorar mucho de lo que ocurre a su alrededor), pero la película me parece demasiado formalista y repetitiva y en muchos momentos estoy pensando en que sólo se busca crear un cierto efecto sensorial carente de reflexión o de ideas por debajo de la superficie.

También tiene puntos interesantes, que son los ya de sobra comentados: el uso del fuera de campo, el uso del sonido (una verdadera banda sonora del holocausto), etc. Y me gustan cosas como que el rabino no sea un rabino y el padre no sea un padre, que cada uno simplemente esté haciendo lo que tiene que hacer para sobrevivir (uno físicamente, el otro espiritualmente, por así decirlo). Pero no sé si al final si esta experiencia de caótica montaña rusa por la que pasa el protagonista me compensa la falta de ideas general, como decía arriba... ¡y eso que conceptualmente quizás es congruente que no haya demasiadas ideas en la película!

No sé, la verdad es que en el momento en que el cine se juzga de una forma tan purista, tan conceptual, es muy difícil ser categórico con respecto a una película. ¿Tiene una cinta sobre el holocausto que ser fea y desagradable? ¿Tiene la representación del dolor que ser dolorosa, o la del aburrimiento que ser aburrida, o la del vacío existencial ser lánguida y fatigosa? Simplemente por lanzar cuestiones parecidas.

Supongo que es una película que tiene un valor y que eso no se puede negar, pero a mí no me ha gustado demasiado.

Yo cuando vi esta peli recordé toda aquella polémica en los 60 alrededor de "Kapo" de Pontecorvo (peliculón a mi juicio mucho mejor que el que nos ocupa) a propósito de un pequeño travelling de acercamiento a alguien que moría en una alambrada, recurso que hoy no llamaría la atención a nadie pero que, a juzgar por Jacques Rivette y Serge Daney (el último de los cuales ni había visto la peli), colocaba al realizador italiano al nivel de un canalla por espectacularizar y embellecer algo tan horrible como el Holocausto.

Pues bien, a mí aunque la película de Nemes me pareció una experiencia ardua, me pensaba que estaba siendo coherente con todo este concepto del Holocausto como algo que no se debe mostrar como espectáculo, colocándolo siempre fuera de campo y desenfocado...

Hasta que vi la siguiente peli de Nemes, "Atardecer", ambientada en el Budapest inmediatamente anterior a la I Guerra Mundial, que no trata de ningún infierno en la tierra ni de situaciones intolerables, y que está planteada y rodada EXACTAMENTE IGUAL que "El hijo de Saúl", hasta el punto de hacer que me replanteara mi valoración de la peli anterior. Para Nemes, la idea de que la cámara acompañe siempre al personaje y que este sea casi el único elemento a foco parece ser su manera de intentar que la experiencia sea más inmersiva y que el espectador crea estar de verdad en los mismos lugares que el protagonista (cuando para mí casi se logra el efecto contrario, aunque he de confesar que todos este tipo de técnicas "viscerales" nunca me han gustado, me producen desconfianza).

Apuntaría incluso que ha sido el "factor Holocausto" el que ha dado el Óscar a Nemes a pesar de que casi me parece el menos interesante de toda esta hornada de realizadores húngaros que nos han llegado últimamente, como Kornel Mundruczo, Ildiko Enyedi, Ferenc Erkel, Benedek Fliegauf, Arpad Bogdán o Karóly Ujj Mészáros, en cualquiera de cuyas películas veo ideas más interesantes que en "El hijo de Saúl" o "Atardecer".

La idea moralista de que nada desagradable debe ser mostrado (algo que se debatió hasta la saciedad en cuanto empezó a aparecer en pantalla algún plano siquiera tangencialmente cuestionable por los defensores de tal teoría) choca frontalmente con cualquier enfoque realista, incluido por supuesto el cine documental. En definitiva es negar la realidad porque resulta incómoda.

Las personas no fallecen "fuera de campo", en la guerra la gente muere al lado de sus amigos y familiares, las enfermedades son desagradables y poco estéticas, en los accidentes las víctimas suelen sangrar, etc.

Puede reprocharse que la realidad se esté convirtiendo en espectáculo pero, con la misma argumentación, puede achacarse al enfoque contrario falta de veracidad, o maquillaje y suavización pusilánime de la crudeza, o simple y puro falseamiento por aspiraciones de pulcritud estética.

Cuando en un documental puede verse a un depredador atacar y comerse a su presa... ¿se está documentando un hecho o vendiendo un espectáculo sádico? De ambas formas puede entenderse.

Cuando se estrenó "Psicosis" se le reprochó ser una película inmoral, morbosa y gratuitamente desagradable... ¿se sigue pensando igual?

¿"La lista de Schindler" sería entonces una película sensacionalista e incluso halagadora de los peores instintos frente a otra en la que sólo se aludiera esquivamente a "lo que pasaba" en la Alemania nazi? ¿Cuál de los dos enfoques sería menos realista y cuál reflejaría con más veracidad lo ocurrido? Obviamente cada uno de ellos elige una forma de narrar, una aproximación diferente a los hechos, y ambos me parecen igualmente aceptables; pero no acabo de comprender que la representación de la realidad lo más fielmente posible sea algo reprochable porque, según algunos, precisamente eso hace que se convierta en un "espectáculo". ¿Por qué no se entiende que pueda resultar revulsivo, que los actos representados generen repulsa en el espectador? ¿Se está dando por sentado desde ciertos sectores que el público en general encuentra gratificante el dolor ajeno, sin más reflexión argumental?

Leí hace tiempo que Antonio Muñoz Molina estaba muy orgulloso de haber eliminado del diccionario de la lengua española, como miembro de la Real Academia, la expresión "espacio vital", que era una doctrina nazi supremacista y expansionista. Creo que se equivocaba: si no mantenemos en los libros de lengua e historia todos esos conceptos, sin separarlos del contexto de las aberraciones a las que condujeron, es más posible que a algunos iluminados se les vuelvan a ocurrir pensando que son nuevos, y ya tenemos otra vez la rueda girando.

Yo también pienso que, aunque duela, no conviene mirar hacia otro lado, aunque en realidad el debate de "Kapo" no iba sobre mostrar o no mostrar, sino sobre si era lícito hacer estética y entretenimiento a partir de una realidad que costó mucho dolor y millones de víctimas. Es un tema interesante, puesto que a veces es muy difícil separar las ideas de estética y de narración. El mensaje transmitido va a ser más poderoso cuanto más atractiva y absorbente sea su forma, y por otro lado, por mucho que el cine sea una máquina de hacer dinero y los muertos o sus familiares puedan sentir que su tragedia se ha explotado para lograr fama y beneficios, el efecto colateral positivo puede ser que el público tenga una idea más o menos fiel de cómo llegaron a producirse una serie de monstruosidades.

Es lo que me molestó de la película noruega sobre los atentados de Utoya, que a base de no querer dar "espectacularidad" mostrando al asesino y sus actos, nos dio solamente lo que ya sabíamos: que los chicos de la isla pasaron mucho miedo antes de morir. Pero lo interesante en realidad hubiese sido seguir a Breivik y tratar de explicar por qué le dio por ir a una isla a cargarse a un grupo de jóvenes excursionistas indefensos. Uno puede preguntarse hasta qué punto la respuesta a este tipo de violencia pasa por verla como un azote terrorífico e irracional, indigno de representarse para no dar propaganda a los perpetradores, o por lo contrario mostrarla y analizarla daría más claves para enfrentarse a ella.

Este debate es relativamente nuevo (y me temo que en buena medida entronca con el concepto de lo políticamente correcto, aunque antes se percibiera como simplemente feo, desagradable o de "mal gusto").

¿Acaso la historia de la pintura no está repleta de representaciones de los horrores de la guerra o de todo tipo de actos violentos? Curiosamente nadie cuestiona ahora que se hiciera estética con ello.

¿Que hay películas que sólo pretenden exhibir carnaza a partir de hechos reales? No lo dudo, pero ahí debe entrar el discernimiento de cada espectador separando el grano de la paja. Afortunadamente ya sólo los muy despistados o desconectados acuden a un espectáculo completamente desinformados; por tanto, una vez visto lo ofrecido, cada uno es libre de tener una opinión sobre ello.

En cuanto a este curioso concepto de la "inmersión" que últimamente prolifera tanto, siempre me ha parecido bastante discutible. En mi opinión, las películas implican al espectador siguiendo cada una sus propios métodos, y son efectivas o no con independencia de estar rodadas en un solo plano o con montaje tradicional, con pocos o muchos medios, con primeros planos o con planos generales, con muchos diálogos o casi sin ellos. Y creo que todos podemos citar ejemplos de películas en las que nos hemos sentido inmersos y de otras que no nos han implicado o mantenido el interés ni de lejos, con independencia del método cinematográfico utilizado en cada caso.

En definitiva, pienso que no es más objetiva o sincera o realista o efectiva o inmersiva una película por el hecho de filmarla enfocando casi permanentemente el cogote de un protagonista que no mira alrededor. Es más, introduce un elemento que el espectador puede fácilmente apreciar como artificioso y distanciador; con lo cual, el pretendido realismo inmersivo acaba convertido en la consciencia de que hay un tipo con una cámara registrando de modo forzado una realidad inexistente, preparada, y provocando paradójicamente la impresión contraria a la pretendida: que todo lo narrado es una impostación.