Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Iniciado por cinefilototal

Por cierto, menuda fotografía mas erótica de Jeanne Crain, ¡quien lo diría, si parece hecha ayer!.

Lo primero, hay que entender que Jeanne venía del mundo de los "Concursos de belleza" en playas y demás. Su educación de niña y adolescente tuvo lugar en una escuela privada exclusivamente femenina de ascendencia irlandesa y católica. Era soñadora, tranquila, muy tímida e introspectiva, adjetivos que se mantendrán en esencia a lo largo de su vida. Allí se revelaría su interés por la pintura, el arte y la interpretación, que la permitió salir de su caparazón al actuar como si fuese otra persona.

De esta etapa de iniciación a la vida en su escuela, rodeada de monjas, salió realmente impresionada, tanto que llegó a pensar en hacerse monja. Sin embargo, una vez su estancia se terminó allí, la esperaba un mundo que no conocía: el del género masculino, y Jeanne ya empezaba a sobresalir por su belleza.

Llega la etapa de los concursos de belleza y su armonioso rostro no tardará en ser reconocido por gente ligada al mundo del cine, tanto de la Fox como de la RKO (fue en una visita en grupo con chicas como ella cuando Orson Welles se fijó en Jeanne en particular como ya indiqué anteriormente). Audicionó para The Magnificient Ambersons pero la prueba no convenció del todo al genial realizador, que sostuvo que su juventud e inexperiencia jugaron en su contra probablemente pues en vivo no percibía ese talento especial que capta la cámara en una instantánea, y le dijo que estudiara, que había dentro de ella potencial. Su papel acabaría interpretándolo Anne Baxter, con cuyo nombre más adelante rivalizaría y se "robarían" papeles mutuamente, las dos en su apogeo. Añadid a Susan Hayward a la ecuación también.

Jeanne, su familia, mantuvo durante este tiempo desde la distancia contacto con un cazatalentos de la Fox, y el ganar otro concurso de belleza muy importante la llevó a conocer a uno de los miembros del jurado, el fotógrafo William Mortensen. Este hombre no estaba incluido entre los grandes nombres del gremio de su profesión, es más, se le tildaba de "oveja negra" o desfasado, en un momento en el que la fotografía había virado hacia el realismo, mientras que él cultivaba su propia técnica que no pocas veces pasaba por retocar las propias imágenes.

Era un fotógrafo pictoralista, movimiento que alcanzó su cénit a comienzos del siglo XX y que está basado en un concepto romántico aplicado a paisajes o retratos, incidiendo él en su obra hacia el ocultismo, lo fantástico, lo grotesco y, por fin, el desnudo y el erotismo; en el pasado habían posado para él Fay Wray, Rodolfo Valentino, Jean Harlow, Lon Chaney o Clara Bow. El expresionismo, los films de terror de la Universal o de bestias como King Kong se hallaban como fuente de inspiración particular.

Spoiler:

Buscaba con su arte explorar e inspirar reacciones y sensaciones extremas. Y así, sus fotografías, no todas, derivan en un aire de mundo onírico o irrealidad, como estampitas religiosas, que nacía de fusionar técnicas fotográficas como el bromóleo, que es el responsable que consigue aparentemente que nos encontremos ante un grabado o una pintura al óleo más que a una fotografía en sí. Cuando falleció en 1965 su nombre ya había sido olvidado, aunque Vincent Price, el legendario intérprete del fantástico y uno de los coleccionistas de arte por excelencia de Hollywood, y la propia Crain le rindieron tributo en un documental exhibido un año después de su muerte. Para ella, supuso la primera vez que se ponía delante del objetivo para ser retratada y ese aprendizaje fue su punto de partida. Aquí está el documental, donde Crain aparece brevemente como co-presentadora, a partir del minuto 28 y en donde se pueden avistar algunas fotografías suyas:

https://vimeo.com/63442597

Lo cierto es que para el fotógrafo Crain fue una auténtica musa; el rostro más hermoso que jamás había visto y la figura más exquisita en la que sus ojos habían puesto su mirada. La actriz medía 1.63 m.

Una de estas imágenes, de las miles y miles que tomó de la actriz, llamó poderosamente la atención de empresario teatral y emigrante desde la vieja Europa Max Reinhardt;



no exactamente ésta, pero sí una por el estilo en la que Jeanne tenía un rosario entre las manos y cuyos ojos estaban semi ocultos bajo una oportuna oscura y misteriosa sombra. Una imagen serena pero al mismo tiempo ultraterrenal, perfecta a priori para un proyecto que Reinhardt ansiaba llevar a cabo. En esa imagen Jeanne encarnaba a Bernadette de Lourdes, y Reinhardt lo que buscaba era adaptar la novela de Franz Werfel "The Song of Bernadette". Como escritor y productor ya habían trabajado juntos antes, mantenía una opción de compra de los derechos, pero para lamento de ambos, productor y actriz, se les adelantó la 20th Century Fox, que dio salida al film de Jennifer Jones tal y como lo conocemos. Jeanne hubiera quedado de maravilla en ese registro.

No obstante, Jeanne asistió a una interpretación en la escuela de teatro de Reinhardt, quien fallecería muy poco después, y allí fue cortejada por gente de Warner Bros, Paramount y la propia Fox. Al final, Crain le fue fiel al estudio de Zanuck pues había sido el que mayor constancia había puesto su empeño en ficharla.

Su ascenso fue meteórico y en 3-4 años llegó a ser la intérprete del estudio que más correo recibía de fans, sólo superada por Betty Grable. Fue dirigida por Otto Preminger, Henry Hathaway y George Cukor en sus primeros títulos; y todos quedaron satisfechos de las prestaciones de la recién llegada. Hathaway apuntó que más le valdría al estudio subirle el sueldo pronto pues la joven apuntaba muy alto y las renovaciones de contrato se estipulaban cada pocos años, y Cukor aseguró que había progresado eficazmente en un intervalo de tiempo muy breve por lo que ya iba siendo hora de encontrar un profesor de renombre que la ayudara a profundizar en la interpretación.
La chica además se labró rápidamente una fama de seria trabajadora.

A partir de ahí le llegaron los films clave en su cotización al alza y sin frenos: State Fair, Leave her to heaven, Centennial Summer, Margie o Apartment for Peggy, quedando por medio proyectos que no llegaron a cuajar coprotagonizados por Gregory Peck o Tyrone Power, o bien lo harían más adelante con ella ya fuera de juego, e incluso otros en los que pudo tener cabida pero que fueron vetados por el propio Zanuck para su nueva perla (y hablo de My Darling Clementine, de John Ford, en el papel que da nombre a la película, una aparición breve en el film que Zanuck casi vio como un desagravio para la joven). También empezó a quedarse boquiabierta de codearse con gente a la que admiraba y había podido ver antes como espectadora en la gran pantalla, como la misma Ingrid Bergman, cuya labor en Spellbound tanto había admirado Crain.

Y si su futuro profesional iba viento en popa, el personal no iba a ser menos, aunque se mostrara más volátil, complicado y traicionero; Crain se casó con sólo 20 años, una florecilla que aún no sabía mucho de un universo de hombres, en contra de los deseos de su madre, que había sido una aliada FUNDAMENTAL tanto en su educación como en su labor de agente, conduciendo de aquí para allá adonde su hija fuese requerida en los años anteriores, y que no puedo evitar la boda o asistir al menos por la huída que su hija emprendió con su conquistador. A la larga, estallarían varios conflictos que sin duda afectaron al devenir de su carrera (1955-1956) pues Loretta, su madre, y Paul Brinkman, su esposo de por vida y padre de 7 hijos en común, un aspirante a actor reconvertido a hombre de negocios, parece ser que jamás se llevaron bien.

Curiosamente en el libro no se reseña nada, ni siquiera anecdótico, acerca de la recurrente pareja en lo profesional Dana Andrews / Jeanne Crain (4 films protagonizaron juntos; el más importante, indudablemente el primero, State Fair, pues el resto ya acontece en zonas más templadas o definitivamente crepusculares de sus respectivas carreras); sí se sabe que se llevó muy bien con Gene Tierney mientras rodaban juntas como hermanas en la ficción; también que fue buena amiga de Ann Blyth y de Jean Peters; que disfrutó mucho de la compañía de Myrna Loy (con la que coincidió 3 veces), y que, en general, ni habló mal de nadie ni nadie habló mal de ella, pese a lo cual trabajar con Clifton Webb en Cheaper by the dozen no fue una experiencia agradable, todo lo contrario a lo sucedido con Loy.




Jeanne firmando autógrafos durante el rodaje de Margie (1946, Henry King). Un rodaje que disfrutó muchísimo pues le recordaba a sus días de escuela. Trabajar en el campus y con estudiantes fue como estar en familia. Igualmente disfrutó mucho de la compañía del prolífico y veterano realizador.



Jeanne tenía una hermana de uno a dos años menor llamada Rita que fue a la misma escuela que ella y que fue otro soporte fundamental de la actriz durante sus primeros años. Aquí están las dos hermanas de merienda disfrutando del lago donde se rodó una de las secuencias emblemáticas de ¡Que el cielo la juzgue!.
Rita tenía un carácter mucho más lanzado y aventurero que su hermana mayor; sin embargo, también buscó sus posiblilidades en el mundo de Hollywood, llegando a posar para el mismo fotógrafo que Jeanne, sin éxito. Si Jeanne tuvo 7 hijos, Rita sólo tuvo uno; con el tiempo, creció dentro de Rita la sensación de estar ensombrecida por la enorme figura de su hermana, sin reproches, para quien su madre se llevó muchas atenciones.

A partir de aquí, la parte más dura de su historia resumida:

Spoiler:

Al contrario que Jeanne, que no se divorció por sus hijos y sus fuertes convicciones religiosas, Rita sí lo hizo, entró en un ciclo depresivo y alcohólico y sus días terminaron de forma fatal e inmisericorde en 1977, víctima de un incendio.

Jeanne en menos de dos años perdería a su hermana, a su padre y a su madre, cayendo en una melancolía notoria y en el alcoholismo.
Su matrimonio, que ya había atravesado crisis anteriores serias, se fue deshaciendo poco a poco mientras sus hijos iban abandonando el hogar en el que crecieron. Su físico se fue deteriorando, perdiendo esa eterna juventud que mantuvo hasta que estas tragedias minaron su fortaleza. En la segunda mitad de la década de los 90' perdió además a dos de sus hijos varones; a uno precisamente por abuso de alcohol, y al otro, el más joven de sus 7 hijos, por consumo de drogas, justo el día en que murió su madre 18 años atrás. Sedentaria y con mucho sobrepeso, padeciendo una dolorosa artritis, Jeanne pasó sus últimos años postrada en cama con sus hijos, el hijo de su hermana y sus nietos visitándola cuando podían.
Jeanne fallecería una semana antes de Navidad, como su padre veinticinco años antes, en 2003 en su hogar tras haber sido ingresada en el hospital 15 días antes por un primer infarto. Su corazón había desarrollado malformaciones y no iba a durar más allá de unos meses. Su marido, Paul, había fallecido 10 semanas antes que ella a los 85 años; Jeanne, a los 78.

Se fue una preciosa mujer, de cuerpo y alma, que había inculcado lo mejor que podía a sus hijos la pasión por la creatividad, el aprendizaje, la lectura. En la vida real fue viajera, curiosa, educada, cercana, generosa y cariñosa como aquellos personajes cándidos y luminosos que la convirtieron en la novia de la América de la posguerra. Y siempre siguió recibiendo cartas de fans que nunca la olvidaron.


Galería de imágenes (Sus relaciones y films con Kazan y Mankiewicz ya las mencioné anteriormente)

Spoiler:

Un retrato de su amiga Ann Blyth













Con Robert Ryan en una adaptación televisiva de "El Gran Gatsby"





Jeanne y su marido con Sophia Loren

Iniciado por DrxStrangelove

Respecto a “La Soga”, yo sí que creo que es una de las grandes de Hitchcock. Hacer cómplice al espectador de los criminales y temer por que sea descubierto el cadáver durante la primera parte del film me parece magnífico y esencialmente “hitchcockiano”. Respecto a los planos secuencia, es cierto que hay una evidente elipsis al principio que nos conduce del crimen a la fiesta, luego no recuerdo si hay otro, pero lo que sí es cierto es que los “cortes” que tratan de disimular los planos secuencia, aunque se les vea el trucaje, no se deben considerar como falsos planos secuencia o fallos que los entorpecen; los planos secuencia lo son en el momento en que la intención narrativa esté construida para seguir la acción de esa manera pese a los (evidentes) cortes que pueda haber durante la película; la acción está construida para ser percibida como un único momento temporal (salvo por la elipsis del principio o si hay algún contraplano por ahí en medio) que guíe la mirada del espectador por la trama sin las transiciones del montaje por corte. En definitiva, el plano secuencia de la película no deja de serlo ni de perder su efecto por el hecho de que se le vea el trucaje. Hoy en día se hacen planos secuencia larguísimos que disimulan muy bien el corte, y pese a ello, como sabemos que es imposible que los hayan rodado en una sola toma, siguen teniendo el mismo efectismo que el que tiene “La Soga”.

Hasta donde yo sé, un plano secuencia no puede tener corte interno, si lo tiene ya no es un plano secuencia, sino una secuencia con diversos planos. En Rope no hay un plano secuencia sino diversos planos en una secuencia, lo que no es lo mismo. No solo hay el corte de montaje inicial que pasa la cámara del exterior al interior, sino que dentro del apartamento hay, si no me descuento, hasta cuatro cortes de montaje, perfectamente apreciables. Quizá la intención de Hitchcock fuera rodarlo todo en un solo plano, convenientemente trucado mediante los fundidos en la ropa de los personajes, pero el resultado que podemos ver no es este, sino que hay diversos cortes además del trucaje de los fundidos. Aunque, en definitiva, como comentamos en su día, este ejercicio de virtuosismo va en detrimento del film, sobre todo para los puntillosos cinéfilos que nos dedicamos a mirar estas cosas. Seguramente, un espectador "ingenuo" que desconoce estas particularidades puede gozar más libremente del film.

Iniciado por DrxStrangelove

Respecto a “La Soga”, yo sí que creo que es una de las grandes de Hitchcock. Hacer cómplice al espectador de los criminales y temer por que sea descubierto el cadáver durante la primera parte del film me parece magnífico y esencialmente “hitchcockiano”. Respecto a los planos secuencia, es cierto que hay una evidente elipsis al principio que nos conduce del crimen a la fiesta, luego no recuerdo si hay otro, pero lo que sí es cierto es que los “cortes” que tratan de disimular los planos secuencia, aunque se les vea el trucaje, no se deben considerar como falsos planos secuencia o fallos que los entorpecen; los planos secuencia lo son en el momento en que la intención narrativa esté construida para seguir la acción de esa manera pese a los (evidentes) cortes que pueda haber durante la película; la acción está construida para ser percibida como un único momento temporal (salvo por la elipsis del principio o si hay algún contraplano por ahí en medio) que guíe la mirada del espectador por la trama sin las transiciones del montaje por corte. En definitiva, el plano secuencia de la película no deja de serlo ni de perder su efecto por el hecho de que se le vea el trucaje. Hoy en día se hacen planos secuencia larguísimos que disimulan muy bien el corte, y pese a ello, como sabemos que es imposible que los hayan rodado en una sola toma, siguen teniendo el mismo efectismo que el que tiene “La Soga”.

Cierto, y es que luego hat planos secuencias y planos secuencias. Los de ¨La soga¨, van de planos detalles, se abre el plano a planos medias largos, y así continuamente....Que no es lo mismo a un plano secuencia de Berlanga, donde la cinematografía es más unitonal....En Berlanga, el virtuismo ahí está, en el festival de personajes entrando y saliendo de plano. Son dos maneras de hacerlo....Que por supuesto entrañan una dificultad y que se agradecen.

¨La soga¨, además. independientemente de la planificación, funciona como un tiro....Y eso pienso que es lo que se tiene que valorar.

Estoy viendo la miniserie ¨Detrás de sus ojos¨.

El género romántico se entrelaza con personalidad, con el thriller psicológico.

No está nada mal.

Lo primero.

Maravilloso homenaje a una de las actrices más bellas y elegantes del Hollywood clásico.

Amigo Otto+:



Lo segundo.

Nadie niega las cualidades artísticas de LA SOGA pero lo cierto es que Hitchcock siempre subordinaba la puesta en escena al montaje y en este caso ocurre lo contrario.

De esta forma Hitchcock quedó atrapado en su propia red.

Me gustan más los experimentos que hizo con el color y con el sonido que pasan casi desapercibidos pero en los que el director puso especial cuidado.

LA SOGA fue, ante todo, un reto técnico para el director, como antes lo fue NÁUFRAGOS, que por cierto es una película muy superior pero que poca gente parece recordar.

Eh, Alcaudón, yo sí recuerdo y con mucho agrado Náufragos, que siempre recuerdo por cierto, porque Hitchcock lucía tipín en un anuncio de adelgazamiento fruto de un producto milagroso, en un periódico. Ingenioso cameo. De los mejores de su filmografía.
Lo que pasa es que soy también de los que disfrutó muchísimo, y lo sigue haciendo (es una de mis preferidas, y de mi hermana también) con La soga. Y eso que nos sabemos cada uno de los diálogos, y el desenlace. Pero como dije antes, se palpa tan bien la tensión, a cada momento que transcurre, tras cada conversación donde se menciona al desaparecido, y cuanto más nervioso se va poniendo el personaje de Granger, el pianista...
Por cierto, ese momento en que James Stewart habla de nombres de actores con la señora Atwater, nombres reales, como si fuera una conversación de peluquería, es muy gracioso.

Iniciado por cinefilototal

De eso se trata en mi caso al menos, disfrutar a tope con un película, y tener el sentimiento de ver una obra de arte; con Hitchcock me suele ocurrir en la mayoría de sus títulos, ya lo sabéis.

Si algo puede reprocharse a "La soga", es lo que ha dicho el compañero Synch: que el papel femenino es muy breve, salvo eso, lo demás me parece perfecto para mi.

¡¡Viva "La soga", Hitchcock y James Stewart!!!.

Antes que nada, viva los tres!!! Esa es la descripción perfecta. Con muchas películas de Hitchcock me siento como si me comiera un menú completo, con entrante, dos platos, postre y chupito. Con muy pocos directores, casi ninguno, he tenido esa sensación. Por eso, fue el primer director que admiré y seguiré admirando hasta que me encuentre en el otro plano, el plano secuencia.

Iniciado por mad dog earle

Hasta donde yo sé, un plano secuencia no puede tener corte interno, si lo tiene ya no es un plano secuencia, sino una secuencia con diversos planos. En Rope no hay un plano secuencia sino diversos planos en una secuencia, lo que no es lo mismo. No solo hay el corte de montaje inicial que pasa la cámara del exterior al interior, sino que dentro del apartamento hay, si no me descuento, hasta cuatro cortes de montaje, perfectamente apreciables. Quizá la intención de Hitchcock fuera rodarlo todo en un solo plano, convenientemente trucado mediante los fundidos en la ropa de los personajes, pero el resultado que podemos ver no es este, sino que hay diversos cortes además del trucaje de los fundidos. Aunque, en definitiva, como comentamos en su día, este ejercicio de virtuosismo va en detrimento del film, sobre todo para los puntillosos cinéfilos que nos dedicamos a mirar estas cosas. Seguramente, un espectador "ingenuo" que desconoce estas particularidades puede gozar más libremente del film.

Bueno, es que ambas formas son correctas, pero son planteamientos diferentes. Una cosa es que la planificación de un plano sea lo suficientemente largo como para denominarlo “plano secuencia” que acaba cuando se para la grabación (que serian los 4 planos que comentas de “La Soga”), y otra cosa es cuando narrativamente, pese haber trucajes que disimulen el corte, el plano dura exactamente lo que dura la secuencia, que es un segmento del film que comprende un fragmento indisociable argumentalmente de la trama (en este caso solo habrían dos planos secuencia en la pelicula: el del crimen, y luego todo el de la fiesta).

Iniciado por C.Bethencourt

Cierto, y es que luego hat planos secuencias y planos secuencias. Los de ¨La soga¨, van de planos detalles, se abre el plano a planos medias largos, y así continuamente....Que no es lo mismo a un plano secuencia de Berlanga, donde la cinematografía es más unitonal....En Berlanga, el virtuismo ahí está, en el festival de personajes entrando y saliendo de plano. Son dos maneras de hacerlo....Que por supuesto entrañan una dificultad y que se agradecen.

¨La soga¨, además. independientemente de la planificación, funciona como un tiro....Y eso pienso que es lo que se tiene que valorar.

Exacto.

Iniciado por Otto+

Huy, que va, todo lo que tengo es en formato DVD pese a que tengo un reproductor BD, TAN-TA-TA-CHÁN....
He visto algunas en BD pero pocas, la verdad, para el tiempo que llevo con el cacharro; tampoco tengo una TV demasiado grande.

Pero hay una cosa que me ha llamado mucho la atención entre los extras del BRay de La noche del cazador en la edición de Arrow:
isolated music and effects soundtracks; lo que decía de "Rebecca", que contiene la banda sonora incidental mezclada con los efectos de sonido del film. ¿Por qué? Pues porque no se conservan las sesiones de grabación de la partitura musical. Y como mal menor, la música se presenta de la única manera que ha llegado a nuestros días, que es mezclada con los efectos de sonido.
En este caso, además se viene hablando desde hace años de una regrabación con la tecnología actual que cubriera la ausencia de la original, pero no se ha llevado a cabo. Y eso que está en el punto de mira de productores musicales y coleccionistas de BSO, pero sale caro el proceso y las ventas/ganancias son dudosas.
He mirado en Amazon.es y el BD de Arrow parece que ya no está disponible. Una pena.



Este es un aspecto que siempre me ha escamado bastante; si tiene aptitudes, ¿por qué no pulirlas o dejarle al intérprete que se perfeccione por su cuenta? El caso de Natalie Wood era fragrante, se desenvolvía muy bien... Es que los estudios por entonces dirigían tu vida de la A a la Z, y según la ambición o ganas que se muestren eso es frustrante. Y lleva a la postre a que los estudios pusieran "en la nevera", en suspensión, como castigo a sus intérpretes por no querer protagonizar un film; en la Warner Bros. de los 40' hay ejemplos de sobra...

"Las modelos" es un musical del que tengo muy buen recuerdo. ¿Kim Novak sería doblada en Pal Joey, no, cinefilototal?



Pues sí, estoy totalmente de acuerdo con tu última línea. No da para más el film, sumamente absorbente, y madre de topicazos futuros en cuanto a villanos fríos y calculadores y otros frágiles; es un film que pasa en un suspiro, incluso tiene referencias cinéfilas, creo recordar que las dos mujeres del film junto a James Stewart sacan a colación los nombres de Errol Flynn y James Mason. Y si me gusta ésta, "La ventana indiscreta" ya es para gozar a lo bestia.



Por cierto, hace poco acabo de ver un artículo sobre el proceso de maduración de "¡Que el cielo la juzgue!", el baile de nombres que se manejó. Jeanne Crain fue fácil de encajar en el film, pero el papel de Ellen debió alborotar y tentar suculentamente a unas cuantas actrices de renombre. Afortunadamente, Tierney se lo llevó. Es imposible imaginarse a otra.




https://classicfilmaficionados.wordp...f-your-list-2/


Mañana os hablaré de un fotógrafo "atípico", influído por el cine expresionista alemán y el cine de terror de la Universal o King Kong, y denostado por sus coetáneos, William Mortensen (1897-1965), que fue extremadamente importante en los inicios de la carrera de Jeanne Crain, tanto que unas de las cientos de series de fotos que tomó de la actriz llamó la atención de Max Reinhardt, el co-director de "El sueño de una noche de verano" junto a Dieterle.

Dos cosas:

A). Regrabaciones completas de la partitura de Rebecca existen al menos dos:






Compra la primera.


B). Unpopular opinion: Que el cielo la juzgue es mejor película en casi todos los aspectos que Laura, aunque la primera no tenga un personaje como Waldo Lydecker. Empezando por la interpretación de la propia Tierney.



Adendo para el amigo Alcaudón: Si uno quiere ver un musical clásico trasladado al cine exquisitamente, existen varias adaptaciones recomendables especialmente en los 40-50, pero destacaría Kiss Me, Kate, maravilla de aires Shakespirianos compuesta por Cole Porter en 1948 (música y letras, que como anécdota arrasó en los premios Tony de 1949... ¡en la que fue la primera edición de dichos premios!) que en 1953 fue brillantemente llevado al cine... por la MGM, claro.


Las esplendorosas orquestaciones de Robert Russell Bennett fueron escrupulosamente respetadas por André Previn, que dirige la orquesta del estudio con brio y energía. Creo que Rhino (ahora Warner Archive Collection), editó la partitura completa en glorioso (y primigenio), sonido estéreo. Sigue estando facilmente disponible.




Si se quiere complementar con un cast album de alguna producción teatral, el doble CD del revival de 1996 es magnífico, con un reparto entregado y una orquesta magnífica. Recoge también el score completo.

Iniciado por Synch

Esta tarde le he dado a Garfunkel and Oates: Trying To Be Special.

Lo tenéis en Netflix.

Me he PARTIDO EL CULO

Se trata de un concierto real, montado con un prólogo y final para maquetar el concierto en forma de producto para comercializar, del grupo Garfunkel and Oates, formado por Kate Micucci y Riki Lindhome. Se trata de un duo musical cómico cuyas letras son un PUTO CACHONDEO, son buenísimas, tratando normalmente temas sociales (mayormente sexuales) con ese punto en que todo lo que dicen lo entiendes a la primera porque es lo que todo el mundo piensa, o le ha ocurrido, en X situación.

Es un número completo: las canciones molan, sus voces también, ellas son MUY divertidas y joder el ritmo es demencial. No sé como pueden memorizar todo eso.

Ejemplo de la canción sobre el sexo anal por parte de una católica que quiere llegar virgen al matrimonio pero engañar a Jesus

Fuck me in the ass cause I love Jesus
The good Lord would want it that way
Gimme that sweet sensation of a throbbing rationalization
It's just between you and me
Cause everyone knows it's the sex that God can't see

It's hard to be as pure as me
To resist the urge to lose my vaginal virginity
To wait until my marriage bed
To give my husband my unsullied maiden head

So take your cock out
Shove it in my ass
Fuck me until you cum



Son geniales.

Sólo dura 1 hora.

Una de las canciones del concierto Joder son geniales hahahaha:

¿Pero qué demonios es esto?

Apuntada.

Iniciado por DrxStrangelove

Bueno, es que ambas formas son correctas, pero son planteamientos diferentes. Una cosa es que la planificación de un plano sea lo suficientemente largo como para denominarlo “plano secuencia” que acaba cuando se para la grabación (que serian los 4 planos que comentas de “La Soga”), y otra cosa es cuando narrativamente, pese haber trucajes que disimulen el corte, el plano dura exactamente lo que dura la secuencia, que es un segmento del film que comprende un fragmento indisociable argumentalmente de la trama (en este caso solo habrían dos planos secuencia en la pelicula: el del crimen, y luego todo el de la fiesta).

Creo que no nos estamos entendiendo. La película, para mí, solo tiene una secuencia, porque hay unidad de tiempo y espacio, sin elipsis temporales, y sin interrupcion de la narración (reproduciendo su origen teatral). Pero esa secuencia está estructurada en varios planos, separados por corte de montaje. Es decir, es una película de secuencia única, pero no de plano secuencia único. A no ser que dentro de lo que yo considero una secuencia única quieras ver diversos momentos temáticos (asesinato, fiesta, desenmascaramiento final de los criminales) y a cada uno de esos elemntos narrativos quieras llamarlo secuencia, pero esa división ya no dependería de los planos, y en todo caso todavía sería más motivo para no hablar de un solo plano secuencia.

Todo lo cual sea dicho sin que esto comporte una valoración del film, que a mí siempre me ha gustado mucho. En todo caso, para mí lo que tiene de interesante desde un punto de vista experimental la película, más que con los planos, tiene que ver con la iluminación, el sonido y la posición de la cámara.

The girls today in society
Go for classical poetry,
So to win their hearts one must quote with ease
Aeschylus and Euripides.
But the poet of them all
Who will start 'em simply ravin'
Is the poet people call
The bard of Stratford-on-Avon.
Brush up your Shakespeare,
Start quoting him now.

Brush up your Shakespeare
And the women you will wow.
Just declaim a few lines from "Othella"
And they think you're a heckuva fella.
If your blonde won't respond when you flatter 'er
Tell her what Tony told Cleopaterer,
And if still, to be shocked, she pretends well,
Just remind her that "All's Well That Ends Well."
Brush up your Shakespeare
And they'll all kowtow.


Brush up your Shakespeare,
Start quoting him now.
Brush up your Shakespeare
And the women you will wow.
If your goil is a Washington Heights dream
Treat the kid to "A Midsummer Night Dream."
If she fights when her clothes you are mussing,
What are clothes? "Much Ado About Nussing."
If she says your behavior is heinous
Kick her right in the "Coriolanus."


Brush up your Shakespeare
And they'll all kowtow,
And they'll all kowtow,
And they'll all kowtow.
Brush up your Shakespeare,
Start quoting him now.
Brush up your Shakespeare
And the women you will wow.
Brush up your Shakespeare
And they'll all kowtow.

Iniciado por mad dog earle

Todo lo cual sea dicho sin que esto comporte una valoración del film, que a mí siempre me ha gustado mucho. En todo caso, para mí lo que tiene de interesante desde un punto de vista experimental la película, más que con los planos, tiene que ver con la iluminación, el sonido y la posición de la cámara.

Completamente de acuerdo. Es un puntazo a su favor el ver el transcurrir de la tarde, con ese falso fondo, pero que dio bastante trabajo el ir modificando las luces para aparentar el atardecer y el anochecer.
Y la posición de la cámara es fundamental. Ahí radica gran parte de la tensión y también nos muestra distintas perspectivas visuales de los allí presentes.

Iniciado por mad dog earle

Creo que no nos estamos entendiendo. La película, para mí, solo tiene una secuencia, porque hay unidad de tiempo y espacio, sin elipsis temporales, y sin interrupcion de la narración (reproduciendo su origen teatral). Pero esa secuencia está estructurada en varios planos, separados por corte de montaje. Es decir, es una película de secuencia única, pero no de plano secuencia único. A no ser que dentro de lo que yo considero una secuencia única quieras ver diversos momentos temáticos (asesinato, fiesta, desenmascaramiento final de los criminales) y a cada uno de esos elemntos narrativos quieras llamarlo secuencia, pero esa división ya no dependería de los planos, y en todo caso todavía sería más motivo para no hablar de un solo plano secuencia.

A ver, me he puesto un momento la película para ver el principio porque no lo recordaba bien. Creía que al principio había una elipsis desde el crimen hasta la fiesta, pero no, lo que hay es un corte de plano del exterior al interior y luego ya empieza toda la secuencia que dura hasta el final del film como tú dices. Hasta aquí bien, estoy de acuerdo contigo en que la película es toda una secuencia. Sin embargo, si a partir de aquí hasta el final de la película todos los cortes son como los de camuflar el cambio de rollo escondiendo la cámara en la espalda de los personajes o trucos similares que pretendan dar continuidad al mismo plano, entonces se debería contar todo como una única unidad narrativa (plano secuencia) aunque algunos espectadores sepan identificar el corte. Otra cosa es que el equipo técnico lo ruede en varios “planos secuencia” (que es una denominación interna para definir y realizar la película cuando hay reencuadres o cambios de posición en un mismo plano) pero que el espectador, en principio, no debería ver.

Por ponerte un ejemplo, sin en la escena de una película el espectador es incapaz de ver el(o los) corte(s) en un plano de duración suficiente como para considerarlo plano secuencia ¿es un plano secuencia si creemos que dura toda la escena?: Sí, aunque se haya cortado 100 veces para rodar el plano.

Todo lo cual sea dicho sin que esto comporte una valoración del film, que a mí siempre me ha gustado mucho. En todo caso, para mí lo que tiene de interesante desde un punto de vista experimental la película, más que con los planos, tiene que ver con la iluminación, el sonido y la posición de la cámara.

Por supuesto.

Iniciado por tomaszapa

Eh, Alcaudón, yo sí recuerdo y con mucho agrado Náufragos, que siempre recuerdo por cierto, porque Hitchcock lucía tipín en un anuncio de adelgazamiento fruto de un producto milagroso, en un periódico. Ingenioso cameo. De los mejores de su filmografía.
Lo que pasa es que soy también de los que disfrutó muchísimo, y lo sigue haciendo (es una de mis preferidas, y de mi hermana también) con La soga. Y eso que nos sabemos cada uno de los diálogos, y el desenlace. Pero como dije antes, se palpa tan bien la tensión, a cada momento que transcurre, tras cada conversación donde se menciona al desaparecido, y cuanto más nervioso se va poniendo el personaje de Granger, el pianista...

Idem, no olvido ninguna cinta de Alfred... "Náufragos" también es maravillosa, pero sigo prefiriendo "La soga"...

Para Otto+:

¡¡Mil gracias por toda esa información sobre Jeanne Crain, no tenía ni idea de su vida privada, muy interesante y bien escrito!!.

Para Branagh/Doyle:

Tengo en mi colección ese cd de "Kiss me Kate" de Rhino, pero me apunto el otro del 96, mil gracias.

La película, pues sí, también una de mis favoritas, obra maestra absoluta (para mi).

La definición de escena y secuencia son bastante ambiguos y llenos de contraejemplos. No es tan fácil...

Simplemente la definició de escena. Tiene la connotación de transmisión de una idea que se resuelve....Tiene ese comportamiento de ¨mini película¨ de presentación, desarrollo y conclusión.

La secuencia hace mención más bien a una acción concreta....Pero hay tantos ejemplos y contraejemplos...

Es una manera de crear estancos en la narración. Y por ello en ¨La soga¨ todo esto se difunde tanto.

Pongo siempre el ejemplo de definición de ¨La escena francesa¨. Dos amantes están en un parque, y llega el marido. Obviamente, el diálogo cambia, las actitudes cambian...¿Eso es un cambio de escena?...En su momento, sí que se consideraba un cambio de escena.

Pues esto es practicamente lo mismo. Hay muchísimas escenas francesas en ¨La soga¨. Realmente hay escenas. Por ejemplo, la conversación filosófica con el padre de David (creo que se llamaba), que empieza y termina...

Luego hay otros casos. Una escena o secuencia, tiene que tener unidad de lugar y tiempo?

En ¨Scarface¨ de DePalma, en la escena de la motosieerra, se conecta con un travelling dos escenarios...

Iniciado por DrxStrangelove

A ver, me he puesto un momento la película para ver el principio porque no lo recordaba bien. Creía que al principio había una elipsis desde el crimen hasta la fiesta, pero no, lo que hay es un corte de plano del exterior al interior y luego ya empieza toda la secuencia que dura hasta el final del film como tú dices. Hasta aquí bien, estoy de acuerdo contigo en que la película es toda una secuencia. Sin embargo, si a partir de aquí hasta el final de la película todos los cortes son como los de camuflar el cambio de rollo escondiendo la cámara en la espalda de los personajes o trucos similares que pretendan dar continuidad al mismo plano, entonces se debería contar todo como una única unidad narrativa (plano secuencia) aunque algunos espectadores sepan identificar el corte.

Pero es que no lo son, son cortes evidentes de montaje. Te animo a que vuelvas a ver el film y lo compruebes. Una vez dentro del apartamento hay cuatro cortes de montaje que no tienen nada que ver con los fundidos en la ropa de los personajes. No tengo a mano el minuto en que se hacen, pero lo puedes comprobar.

Iniciado por mad dog earle

Pero es que no lo son, son cortes evidentes de montaje. Te animo a que vuelvas a ver el film y lo compruebes. Una vez dentro del apartamento hay cuatro cortes de montaje que no tienen nada que ver con los fundidos en la ropa de los personajes. No tengo a mano el minuto en que se hacen, pero lo puedes comprobar.

Anda, pues volveré a verla entonces. Viendo que estaba equivocado con lo de la elipsis del principio quizás no recuerde bien esos cambios de plano.

Iniciado por C.Bethencourt

Estoy viendo la miniserie ¨Detrás de sus ojos¨.

El género romántico se entrelaza con personalidad, con el thriller psicológico.

No está nada mal.

Vamos que vas por uno de los tres primeros episodios

Cuando termines ya sabrás porque digo esto

Por cierto, Adele es Eve Hewson, la hija de Bono de U2.

Iniciado por Branagh/Doyle

¿Pero qué demonios es esto?

Apuntada.

Son geniales El primer tema es sobre las embarazadas, es brutal

Llevo riéndome 19h

Iniciado por DrxStrangelove

Anda, pues volveré a verla entonces. Viendo que estaba equivocado con lo de la elipsis del principio quizás no recuerde bien esos cambios de plano.

Te doy la indicación de los cortes. El tiempo se refiere a la edición en BD de Universal:

Corte 1: 19' 57". Plano medio de Douglas Dick / corte / plano por espalda de Granger y Dall que reciben a Joan Chandler.
Corte 2: 34' 24". Plano medio de Granger / corte / plano medio de Stewart.
Corte 3: 51' 57". Plano medio de Granger, Dall y Stewart / corte / plano medio de Edith Evanson, la criada.
Corte 4: 1 h 09' 52". Plano del cuerpo de Dall, de cintura para abajo / corte/ plano medio de Stewart.

Estos son los cortes en que no se recurre al fundido sobre la ropa (o sobre la tapa del arcón).
Como he dicho antes, estos detalles de cinéfilo tiquismiquis no dicen nada sobre la valoración del film, simplemente es una prueba de que lo del plano secuencia único en Rope es falso.
A mí, personalmente, lo que me gusta es cómo Hitchcock sabe "montar" en muchos planos sin recurrir a cortes, solo con el movimiento de la cámara.

Creo que deberíamos reabrir el rincón de Hitchcock...

Y gracias por la recomendación, amigo Branagh/Doyle, aunque no sólo tengo una copia en BD de KISS ME, KATE, sino que además la puedo ver tal y como se rodó o sea en 3-D dado que poseo tanto una televisión como un lector 3D.

Iniciado por Branagh/Doyle

Dos cosas:

A). Regrabaciones completas de la partitura de Rebecca existen al menos dos:

Compra la primera.

Serías la primera persona que recomendaría a otra que se hiciera con la versión dirigida por Adriano (al que respeto mucho por sus entradas en la filmografía de Georges Auric, dicho sea de paso), a no ser que lo hagas porque sepas que la de McNeely está descatalogada y por contra ésta sale tirada de precio. Pero habiendo escuchado ambas ya, me quedaría con la de McNeely por la mordiente que posee y de cuyo ímpetu carece la de Adriano, pese a lo cual destaca, y adquiere otra dimensión, en las secuencias más cavernosas, emocionales (algo que ya sucede en La belle et la bette). La publicada por Naxos, en definitiva, es más monocorde en su intendidad.


Gracias por los agradecimientos en torno al tema Jeanne Crain. Lo he hecho con sumo placer y por cuestión de justicia reparatoria; no se encuentra entre las mejores intérpretes pero poseía un halo muy especial que fue lo que me me atrajo de ella. Yo sólo me he dedicado a resumir entradas de interés del libro. Y si os habéis dado cuenta no he profundizado mucho en su estancia en Universal durante 5 años; el libro, y su carrera, se centra más en asuntos personales que cinematográficos y le dedica pocos renglones a su obra. Fue tomada en cuenta para protagonizar "Helena de Troya" (1956, Robert Wise), pero su situación personal era delicada por entonces, hasta el punto de que durante el rodaje del western "The fastest gun alive" (1956, Russell Rouse) se la olvidaban por momentos los diálogos al tener la mente puesta en otras cosas.







En su puesta en escena parece atractivo el film protagonizado por Glenn Ford y Broderick Crawford.

En ¨La soga¨, me gusta mucho el momento en que confunden a uno de los invitados con el asesinado y se rompe la copa....

Se oye el sonido del cristal...Sutilmente, si la ves la primera vez y no estás atento al sonido, muy probablemente no lo oigas. Y la cámara va corriendo a la mano ensangrentada. Precisamente, el 99´99% de los directores harían un corte ahí. El hacer ese movimiento me parece tremendamente efectivo (y efectista también, pero...qué más da).

Mcneely es demasiado sui generis con los tempos; mayor intensidad e impetu, si, pero impostadas en la mayoría de ocasiones.


Adriano, en su monocorde pulcritud, suele ser más respetuoso con lo escrito en el papel pautado. Mcneely tiende a "salpimentar" las partituras que regraba, se toma demasiadas libertades.


De Mcneely, salvo Vértigo, donde tocó el cielo (es una de las mejores regrabaciones de la historia, punto) sus regrabaciones no pasan de lo meramente correcto, y caen en el efectismo en más ocasiones de las que deberían. Su Citizen Kane, en concreto, es de juzgado de guardia.


Si se desea una grabación de referencia de esta última partitura, debe adquirirse esta edición, que además incluye otra insigne partitura de Herrmann, Hangover Square, también grabada exquisitamente.

Iniciado por Synch

Vamos que vas por uno de los tres primeros episodios

Cuando termines ya sabrás porque digo esto

Por cierto, Adele es Eve Hewson, la hija de Bono de U2.



Son geniales El primer tema es sobre las embarazadas, es brutal

Llevo riéndome 19h

Percibo Synch que el medio del teatro musical te atrae, eres receptivo por naturaleza (aunque esto que enlaces no sea estrictamente un musical, pero hay una narrativa a través de las canciones, y tampoco es exactamente un concierto).Pensaba que tendrías problemas por el extra de suspensión de la incredulidad que el teatro musical requiere. Si no es así, te animo a que te pongas con Sondheim lo antes posible.

Estoy expectante por leer tus futuras reseñas, he apostado con mi mujer sobre si te convertirás en un fan o no.