Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

ZAPATA: EL SUEÑO DE UN HEROE

WTF!
Trata sobre la vida del heroe revolucionario Emiliano Zapata... con poderes que mas bien parece X-Men
Pelicula tan extremadamente pretenciosa que queda como una obra de cine bizarro.
El mejor ejemplo es la insistencia por grabar en las locaciones reales donde acontecieron los hechos... aunque estas estén actualmente reducidas a ruinas Por un lado entiendo que quieren dar a entender que los personajes son mas bien como ecos del pasado o fantasmas condenados a repetir su historia, pero no deja de ser sumamente confuso al momento de verla.
En el aspecto tecnico deja mucho que desear, los efectos especiales son de risa y los bigotes falsos parece que se van a caer en cualquier momento (Muchos dicen que se ven coches modernos pasar en varias escenas, pero la verdad no me fijé)
Sobra decir que esta película lapidó la carrera actoral del cantante Alejandro Fernandez, una pena, por que la verdad no es mal actor, tiene presencia y carisma, mas bien fue culpa del "casting" y del director.

Hola a tod@s,
La entidad:
he visto muchas peliculas de este tipo...camara en mano,
suelen gustarme de poco a un poco,pero esta pelicula sinceramente es muy mala,no se como pueden producir cosas como esta,es una pelicula que tiene momentos que llegas a pensar que es penosa incluso en sus actuaciones,
es triste y no soy de poner peliculas mal,pero esque no le pude encontrar nada,una total decepcion y perdida de tiempo,
muy prescindible.

si os gustan en especial este tipo de peliculas,y no os importa que ademas de ser de este tipo sea ademas como algo en plan Amateur...pues quien sabe,quizas incluso podais ver algo especial en ella.

saludos.

"LA FUERZA DEL CARIÑO"

Creo que nunca había visto entera esta ganadora del Oscar del 83. Me gusta mucho "Mejor Imposible" de James L. Brooks, así que llevaba tiempo detrás de ella, y hoy he aprovechado su pase por televisión. La película empieza muy bien, con esa mano para la dirección de actores de Brooks y ese sano balance de drama y comedia. Sin embargo, según la película avanza, queda claro que no hay una trama definida, sino más bien "pedazos de vida", lo cual puede estar bien si la película es suficientemente naturalista. En cambio, "La fuerza del cariño" empieza a caer en clichés y acaba convirtiéndose en un culebrón lastimero, a pesar de ciertas escenas muy logradas.

Lo mejor, sin duda, el personaje de Jack Nicholson (que ganó el Oscar también), que por desgracia pierde fuerza hacia el final de la película.

Iniciado por Mizoguchi

Sobre lo primero...

Spoiler:

Es que eso de Luppi es un giro que a mí me sonó casi a tomadura de pelo.

Lo segundo...

Spoiler:

Eso podría tener explicación si pensamos que un matemático o matemática estando todo el día dale que te pego con los números en algún momento se da cuenta de que el número cinco lleva rima Sólo les faltó poner acertijos así.

de alguna manera tenían que liberar tensión

Iniciado por Marty_McFly

"LA FUERZA DEL CARIÑO"
En cambio, "La fuerza del cariño" empieza a caer en clichés y acaba convirtiéndose en un culebrón lastimero, a pesar de ciertas escenas muy logradas

Como te lea Tomás...

Yo creo que es un culebrón, pero intencionadamente. Vamos, que no es que acabe conviertiéndose en ello, es que directamente lo es desde el minuto uno. Eso sí, con un toque nostálgico y mirando hacia una época que creo que trata de imitar pero sin conseguirlo en ningún momento. Pese a todo, tiene sus momentos y se ve con agrado. La tengo en VHS, por cierto La habré visto en un par de ocasiones.

La continuación es direcamente mala.

Lo mejor, sin duda, el personaje de Jack Nicholson (que ganó el Oscar también), que por desgracia pierde fuerza hacia el final de la película.

El mejor, sí.

Marty_McFly me encanta tu Avatar de Clint Eastwood xD

Eastwood. Clint. Eastwood

Buenas, “aprovechando” la alergia que suelo tener por estos tiempos, he podido ver las ediciones de Selecta de Re-Animator y La Novia, maravillosas ediciones por cierto. Aunque el blu-ray de La Novia de Re-Animator me viene con un par de fallos (pixelaciones) uno de ellos bastante gordo (hace meses que la pille en Fnac) y me voy a tener que tragar el blu-ray defectuoso… si alguien pillo el pack con estas dos y Society, que le eche un vistazo, se puede llevar la misma sorpresa que me lleve yo.

Las dos pelis las recuerdo con mucho cariño. Los que las vimos en su momento en cines, siempre veremos este tipo de iconos ochenteros con otros ojos, eso es innegable.

Re-Animator me sigue pareciendo una más que digna incursión en el mundo de Lovecraft, al menos como idea base, después esa mezcla de gore, humor negro, ese alocado e impagable Jeffrey Combs (Dr. Herbest West) inyectando a la menor oportunidad ese líquido amarillento a todo el que pilla… En la Novia es una locura absoluta… lo que me he vuelto a reír en muchos momentos.
En fin, dos historias divertidas, truculentas y con sangre para dar y tomar, quien se puede resistir

Y cambiando de tercio, he podido ver Dheepan de Jacques Audiard, recientemente adquirida en el 2x1 del MM.
Dheepan es un viaje a la realidad de mucha gente, una realidad mucho más aterradora que el demente de Herbest West y su líquido amarillento.
Unas personas que huyen de la guerra en Sri Lanka, acaban en Francia solicitando asilo político. Y como en la realidad que podemos ver en las noticias, esa huida hacia “la libertad” no es tal, y la guerra les persigue allá donde vayan, con toda su miseria. Y estos individuos, en gran número, pasan a engrosar esa parte de nuestras ciudades que son pequeños territorios en guerra.
Es una historia contada con un cierto distanciamiento, te muestran las vidas de personas obligadas por distintos motivos a vivir fuera de su tierra. Por momentos te parece enriquecedoras; esas muestras de integración; esos momentos cotidianos de gente que vuelven a tener fe en otra posible manera de vivir. Pero tanto esos momentos “medios felices” como cuando el drama y la violencia vuelve a inundar sus vidas, están plasmados con mucha medida. Nunca cae en el drama fácil, ni en la mentira de la “vida feliz en Europa”

Es una obra muy interesante, dirigida con gran meticulosidad, quizás no a la altura de esa obra maestra (Un Profeta) pero de lo mejor de J. Audiard. Muy recomendable.

Saludos.

Vista La raza superior (The Master Race), de Herbert J. Biberman, producción RKO de 1944 integrable dentro de ciclo de películas claramente propagandísticas y panfletarias vinculadas a la contribución de Hollywood al esfuerzo militar durante la II Guerra Mundial. En este caso, Biberman, uno de los famosos 10 de Hollywood (guionistas, productores y directores que tuvieron que pasar una temporada en prisión debido a la actuación del Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso, presidido por J.Parnell Thomas y con la destacada presencia de Richard Nixon), y director de la mítica La sal de la tierra, realizó a partir de un argumento propio un film decepcionante visto en la actualidad. Cae en todos los tópicos usuales en este tipo de películas: nazis malísimos, alemanes arrepentidos y aliados unidos en la lucha contra el Mal, aunque para conseguirlo sea necesario sacarse de no sé sabe dónde a un “ruso” (que no “soviético”), sonriente, simpático y dicharachero. Estamos en los días posteriores al desembarco en Normandía. Un grupo de oficiales alemanes, dirigidos por un tal coronel Von Beck (George Coulouris) deciden dispersarse y pasar a un estado latente, camuflados como ciudadanos civiles. Como dato curioso, Von Beck plantea su misión casi con aires milenaristas: como defensores de la “master race” del título original, de una raza de señores que ha de dominar el mundo, se han servido de los nazis, no son ellos mismos nazis, y ahora que el nazismo decae (ilustrado por un cuadro de Hitler recostado en el suelo), han de dar un paso hacia atrás para preparar su regreso futuro en la sombra. Von Beck se instala en una población belga acabada de liberar, donde se dedicará a meter cizaña, a envenenar la frágil recuperación de las libertades. Pero la “confluencia aliada” entre el ejército norteamericano liberador, un oficial británico dado a las ceremonias religiosas, el “ruso” que parece que este de Erasmus y las fuerzas vivas y más nobles del pueblo (ejemplificadas por un cándido Lloyd Bridges) conseguirá abortar las criminales intenciones de Von Beck, no sin que se cuente también con la ayuda de un par de soldados alemanes arrepentidos, para que no se diga que todos los alemanes son unos malignos psicópatas. Si no fuera porque la película es de 1944, o sea con la guerra aún bien viva, el argumento resultaría risible, de hecho hoy en día hay que hacer un esfuerzo de contextualización histórica notable para no abandonar el visionado a media película. Otro detalle curioso es que se anuncia ya la caída y rendición del ejército alemán, aunque como es bien sabido todavía aguantó otro año.

Como muchas otras películas de este tipo, se supone que bienintencionadas y con una finalidad propagandística que no se oculta, los diálogos y el retrato de los personajes es muy flojo, estereotipado. Como suele pasar, desgraciadamente, el personaje más atractivo, aunque tampoco deja de ser un mero cliché, es el del malvado Von Beck, excelentemente interpretado por Coulouris. El resto del reparto no pasa de discreto, salvo quizá Osa Masen, en el papel de una mujer que es madre de una niña pequeña a la que esconde porque es el resultado de una relación (¿violación?) con un alemán. Por cierto, para evitarse problemas lingüísticos, todos los personajes hablan en un inglés correcto (al menos a mis oídos), con lo que nos evitamos esos ridículos esfuerzos, habituales en otros films, de dar una entonación afrancesada o germana al acento.

Destaca por encima de todo el excelente trabajo fotográfico de Russell Metty, lúgubre y sombrío, a la altura de otros trabajos de aquella época de la RKO, por ejemplo, de los de Nicholas Musuraca en producciones de Val Lewton. Sólo recomendable para apasionados de la relación entre cine e historia o para curiosos por la obra de los perseguidos por la caza de brujas hollywoodiense.

Por alusiones. Cómo me conoce Campanilla!. Sabe que adoro (que adoramos en casa) La fuerza del cariño.
A mi me parece por encima de todo, un melodrama elevado a la máxima potencia.
Me parece maravillosa esa mezcla de saberes y sabores aportados por Larry McMurtry (esa nostalgia que señala Campanilla e incluso, ese fatalismo que impregna ciertos personajes en determinados episodios de su existencia) o por el mismo James L. Brooks en lo que fue su primera peli como director (ya sabemos que le encanta mostrar esos personajes en cierto modo, radicales en su forma de sentir, pero siempre VIVOS).

Yo me siento muy identificado con esta película, porque me hace reír, llorar, enfurecerme, entristecerme...en definitiva, mostrarme sentimientos y forma de lidiar con ellos, algunos o muchos de ellos, reflejo de mi propia vida.

En ese sentido, creo que están muy bien equilibrados los personajes, aportando elementos de profundidad o carga dramática, y alternándolos con situaciones más libianas, refrescantes.

El hilo conductor es el drama, pero la forma de conducirnos hasta ese final me parece simplemente MAGISTRAL. Y aún más, que en ese viaje, veamos tres interpretaciones que son más que eso, son tres vidas reflejadas en una pantalla, tan sobresalientemente llevadas a término como son las de Nicholson (que no lo tenía nada fácil, pues es una película principalmente sobre dos mujeres de dos generaciones y dos caracteres distintos, la madre y la hija), la de Winger y la de McLaine.
Dos Oscar y una nominación más JUSTÍSIMAS.
Incluso con el tiempo he valorado enormemente el papel de Jeff Daniels, el ingrato personaje que no luce como los otros, pero que es ese pegamento invisible que da sentido a muchas de las escenas o momentos de la vida de esta gente.

Por supuesto, en mi opinión, es de 10 un film que me sigue emocionando después de, y no exagero, 50 o 60 visionados.

EL ÚLTIMO MOHICANO.

Preciosista, fallida y desatinada. Es una aventura en la América colonial sobre la lucha y resistencia de los nativos caramelizada con una historia de amor.

En pleno siglo XVII franceses e ingleses luchan entre sí disputándose el dominio del río Hudson. Los ingleses reclutan colonos pero los franceses cuentan con los nativos, y entre tantos destaca Hawkeye, un hombre blanco adoptado por los mohicanos. Él mismo salvará de una emboscada a la hija de un oficial británico y a partir de ahí, intentando salvar sus vidas se enamorarán perdidamente. La historia puede sonar prometedora, pero se irá desinflando de forma acelerada al ir mostrando personajes sin intenciones ni motivaciones ni profundidad. Todo teñido de una paleta de colores asombrosa y una brillante composición fotografíca. Lo más identificativo del film son escenarios naturales plagados de extras que no saben que hacer.

Las actuaciones son autísticas y forzadas, la historia es predecible, y lo único que mantendrá este film en el recuerdo será ver a Daniel Day Lewis con su melena al viento mientras corre de un lado a otro al ritmo de la misma sinfonía en todas sus variantes.

Esta tarde vista en mi sala de cine he disfrutado de En el corazón del Mar, la verdad me a gustado pero me quede con ganas de mas, al final mas que una película sobre Moby Dick es sobre como sobreviven al hundimiento de su barco, hecho en falta mas escenas de lucha o caza de ballenas, eso si, me gusto que enseñaran como sacaban el aceite ya que no sabia el como, en definitiva la eplicula esta bastante bien y es de agradecer que puedas disfrutarla con todo el ancho y alto de la pantalla, para mi es un 6/10.

Iniciado por tomaszapa

Por alusiones. Cómo me conoce Campanilla!. Sabe que adoro (que adoramos en casa) La fuerza del cariño

Iniciado por Campanilla

Para eso estamos hablando de La fuerza del cariño.
Voy a prolongar un poquito mi explicación de por qué me gusta tanto esta película. Al final todo se resume en la historia y los personajes, y en este sentido, cómo se nos muestra la madre y la hija, esa conexión especial, donde ni contigo ni sin ti. Realmente distintas, pero siempre conectadas, en lo bueno y en lo malo, me fascina.
En mi caso, ya digo, creo que apela a lo más profundo de los sentimientos, a aquello que no se puede (ni debe) explicar con palabras. Son muchos gestos, miradas (de aprobación o desaprobación) que se suceden entre ellas, ya desde que nace la criatura prácticamente.
Por eso digo que es una película construida sobre esa base sólida "madre-hija". Pocas veces, en una peli americana se ha visto.

Con esta escena de menos de un minuto ha construído ya James L. Brooks una relación que otros en dos horas no son capaces de explicar.

La emoción de la que hablo me embarga desde el principio también a mí. Es simplemente escuchar esta música de Alan Silvestri y "prepararme" para un chute de emociones inabarcables ....

El espontáneo.

Esta historia sobre un chico que quiere ganar dinero rápida y fácilmente por medio del mundo de los toros, le sirve a Grau para hacer una película cuyo principal interés -desde mi punto de vista, porque en varios momentos, la narración decae bastante, y se limita a idas y venidas del mozo y su pandilla por el Madrid de entonces- es mostrar aquel Madrid (y aquella España, por extensión) de finales de los 50-principios de los 60: que poco a poco salía de la posguerra, se abría al resto del mundo (es la época del boom turístico, cosa que queda muy bien reflejada) y empezaba a modernizarse tímidamente, coincidiendo con eso que dieron en llamar "25 años de paz" y un momento de relativa bonanza económica y tímido aperturismo: sin embargo, la ciudad que te muestran está aún muy atrasada, es un sitio destartalado, lleno de solares, de casas a medio construir, de callejas mugrientas y de edificios desconchados. Todo sería muy aburrido y muy típico, según las convenciones del drama del realismo social imperante en la época, y tendería mucho a lo lacrimógeno de no ser porque el protagonista de la película es un turbio muchacho que se mueve entre la necesidad, la vagancia y la picaresca, y que ciertamente no resulta nada simpático, como tampoco lo son los otros elementos de su pandilla (decía una de las contertulias que salió hablando al principio de la película, que a ella le recordaba a La naranja mecánica -y es verdad-). La película tiene un grado de sordidez y violencia inusual para una cinta de la época, y más española. Y además de éso, varios de los personajes son bastante raros: el pintor abiertamente homosexual encarnado por Fernando Rey, las extrañas turistas extranjeras que salen al principio en el hotel... Cuesta trabajo creer por qué venían tantos extranjeros a España, como no fuera por el buen clima durante la mayor parte del año y la relativa baratura de la vida. El revival de los espectáculos taurinos en los años 60, auspiciado tanto por el turismo extranjero deseoso de ver escenas inusuales y para ellos exóticas como por la aparición de figuras como El Cordobés (hecho que la película menciona expresamente), también queda bien retratado. Pero otro de los alicientes de la película es el modo en que Grau relata la historia, de una manera muy estilizada y casi experimental, alternando fotografía en color con fotografía en blanco y negro y con un uso expresivo de la imagen. Casi parece en algunos momentos una película de la Nouvelle Vague.

Interesante.

Pues casi del mismo año que la película que comenta Jane Olsen, La piel quemada, escrita y dirigida por Josep Maria Forn. En este caso se trata de una crónica parcial (inevitablemente incompleta, pero bastante realista) de las aventuras y desventuras de la inmigración andaluza llegada a Cataluña (a Lloret de Mar, para más señas, en pleno desarrollismo urbanístico de la Costa Brava). El título juega con el contraste de dos tipos de piel quemada: la de las turistas de formas redondeadas que se solazan al sol (y que buscan desahogos sexuales por la noche) y la de los obreros de la construcción, en su mayoría andaluces, que se dedican a construir los hoteles y edificios de apartamentos que ocupa el turismo. La narración se centra en José (Antonio Iranzo), que mientras trabaja duramente en la obra en Lloret descubre un mundo al servicio del turismo internacional que parece de otra galaxia comparado con su Purullena (Granada) natal. Paralelamente, su mujer y sus dos hijos, acompañados de su hermano, parten hacia Lloret en un inacabable viaje por tren y carretera. Forn apuesta por una narración con cierta voluntad de documentar una época, un país y un paisanaje, bastante fiel a la realidad lingüística (mezcla de catalán, castellano con acento andaluz, aunque el acento suena un poco falso, todo sea dicho, y los idiomas de las turistas) y con apuntes sociopolíticos de interés. Resultan impactantes las imágenes filmadas en el pueblo granadino, de viviendas trogloditas, de un primitivismo que contrasta con la sofisticación para la época de la Costa Brava, barra libre para ese turismo que buscaba por encima de todo sol, playa y diversión (de hecho, casi como aún hoy en día). Merece un visionado.

Dos de J.L.Thompson

LOS REYES DEL SOL (1963)



Más potable de lo que esperaba cinta de aventuras, con una historia insólita en cine (y casi que en que cualquier parte y ámbito), sobre el encuentro precolombino, choque de culturas, entre los nativos norteamericanos y la civilización Maya (no soy muy entendido, pero creo que sería más coherente que hubieran elegido a los Aztecas, pero vale). Aquí un Rey Maya (George Chakiris) de modos más “progresistas” de los usuales (se resiste a los sacrificios humanos) huye de enemigos mayas “malos” (que aparecerán para la batalla final) hacia el norte, queriéndose llevar bien con el jefe Águila Negra (Yul Brynner), aunque ambos se verán enfrentados por una mujer (Shirley Anne Field).
La cosa tiene interés por la idea de base y Thompson rueda con corrección, permitiéndose algún buen pulso en composición de planos y movimiento de cámara. De agradable visionado.


EL DESAFÍO DEL BÚFALO BLANCO (1977)



Con la urgencia del éxito “Tiburón”, surgió este ingenioso y sugestivo traslado de “Moby Dick” a territorio western, estando ahora el Capitán Ahab desdoblado en dos figuras históricas: Wild Bill Hickok (Charles Bronson) y Caballo Loco (Will Sampson), obsesionados –por pesadillas atávicas y venganza, respectivamente- con el enorme Búfalo albino que aterroriza territorio de Dakota.
Pese a cierta tosquedad a ratos (en realización y hasta efectos especiales) el film adquiere considerable interés gracias al potencial místico que imprimen a la historia, a la atmósfera fantástica (mejor en atmósferas elusivas y la –tensa- espera ante lo que está por acontecer, que cuando surge explícitamente lo bizarre) el pesimismo de la conclusión y, desde luego, la inquietante, oscura y ominosa BSO de John Barry, que sabe imprimir la vibración disturbing que busca el guión. Mejora con revisionados.


OLIVIA DULCE ASESINA (1983) de Ulli Lommel.



Lommel es ahora sinónimo de espanto casposo cinematográfico, junto a otro dedicado al género horrorífico (Tibor Takacs) y, por supuesto, ya en general y con gran fama: Uwe Boll
Pero Lommel llego a tener cierto reconocimiento crítico, especialmente por un film realizado en su Alemania natal, “La ternura de los lobos” (1973), que adaptaba al cine la historia real del serial killer Fritz Haarmann. Dentro de su etapa americana probablemente la mejor película es la que nos ocupa, aunque (la estrambótica)“Satanás, reflejo del mal” (1980), con sus psicodelias visuales de entes demoníacos habitando en espejos, tiene su culto. Además, su (aburridilla) historia de brujas “El terror de Devonsville” (1983), absurdas secuelas de “Satanás” y el (again, más bien soporífero) terror médico de “Juegos de la mente” (1983). De su prolífica labor actual, mejor un tupido velo.
“Olivia” tiene igualmente mala prensa, pero me parece bastante interesante. Trata de una niña que ve, desde otra habitación, cómo su madre es asesinada por uno de sus clientes de la noche, cerca del (nocturno) Puente de Londres y barcos haciendo sonar sus bocinas y, pues claro, queda afectada su psique. De adulta (Suzanne Love, mujer y actriz fetiche de Lommel), coincide su vida en Arizona (EEUU), con que se quiere desmantelar y reconstruir allí dicho puente, con no benignas, sí terribles consecuencias, que nos podemos imaginar todos. La peli es claramente un thriller pastiche Hitchcock (misterio sobre el culpable, dislocaciones –transformaciones- físicas /de personalidad, motor sexual y largo etc…) como pueden ser los de De Palma, pero a diferencia de la agilidad y barroquismo visual del italoamericano, lo de Lommel es un tono narrativo y visual decadente, de sustrato más contemplativo europeizante.


LA SIRENA DE LAS AGUAS VERDES (1955) de John Sturges.



Probablemente la peor película que he visto de Sturges (que tantos magníficos films tiene), sobre la búsqueda de un tesoro dentro de un galeón español hundido en el Caribe. Dicho así podría resultar interesante, pero la narración carece del menor atisbo de espíritu aventurero, emoción, tensión o cualquier otra cosa. Los personajes tampoco dan para más, y la aburrida voz en off acaba de apelmazar y dejar sin vida el film

Iniciado por Frank Zito

Dos de J.L.Thompson

LOS REYES DEL SOL (1963)



Más potable de lo que esperaba cinta de aventuras, con una historia insólita en cine (y casi que en que cualquier parte y ámbito), sobre el encuentro precolombino, choque de culturas, entre los nativos norteamericanos y la civilización Maya (no soy muy entendido, pero creo que sería más coherente que hubieran elegido a los Aztecas, pero vale). Aquí un Rey Maya (George Chakiris) de modos más “progresistas” de los usuales (se resiste a los sacrificios humanos) huye de enemigos mayas “malos” (que aparecerán para la batalla final) hacia el norte, queriéndose llevar bien con el jefe Águila Negra (Yul Brynner), aunque ambos se verán enfrentados por una mujer (Shirley Anne Field).
La cosa tiene interés por la idea de base y Thompson rueda con corrección, permitiéndose algún buen pulso en composición de planos y movimiento de cámara. De agradable visionado.

No entiendo por qué se han hecho tan pocas películas sobre la América precolombina, pues permitía mostrar épicas aventuras en una ambientación exótica y majestuosa. Los Reyes del Sol es una cinta muy entretenida, con una estupenda banda sonora, pero que en mi opinión, requiere de una suspensión de la incredulidad considerable por parte del espectador, especialmente por lo poco creíbles que resultan Shirley Ann Field, Richard Basehart y George Shakiris de príncipes mayas. A Yul Brynner lo dejo deliberadamente fuera porque es un actor que se sale, y aquí además esta arrebatadoramente sexy



Dejando aparte mis maldades suberráneas, aporta al personaje de Águila Negra el dinamismo, la fisicidad y la mezcla de ingenuidad y altivez que requiere.



Bueno, vista La bella y la bestia (1987). No debería decir vista, porque la he quitado a la mitad . Lo confieso: La bella y la bestia, junto con Drácula, Frankenstein y el Fantasma de la Ópera son de esos personajes de los que soy capaz de verme hasta un anuncio de laxantes si salen ellos... aunque de tanto en tanto me encuentro con cosas que ponen a prueba mi resistencia y mi fandom. A ver, que sí, que la cosa ésta es de la Cannon . A ver, que sí, que la Cannon era baratona ...Pero de tanto en tanto paría cosas apañadas: precisamente una de mis tres versiones favoritas del Fantasma es la de la Cannon...que por cierto, a pesar del gore y los apuntes de sexo funciona mucho mejor como película de la Bella y la Bestia que esta especie de anuncio de la segunda línea de Pronovias.

La cosa está ambientada en la Inglaterra del Renacimiento (o algo así). Ya los créditos empiezan mal: adaptada según un cuento de Madame Villeneuve (el cuento original era de Madame Le Prince), pero bueno, también el Frankenstein de James Whale dice unas cuantas rarezas en los créditos. Hago la vista gorda. Pasan diez minutos de película, y todo lo que nos encasquetan es una cancioncita tontísima y absolutamente execrable desde el punto de vista musical sobre lo mucho que se aburriría Bella (una Rebeca de Mornay que aporta su delicada belleza y poco más) si no tuviera a los sinsorgos e inútiles de sus hermanos dando guerra. Pasan otros diez minutos: llega un fulano feo que se parece al Don Cicuta del Un, Dos, Tres y nos informa de que el padre de Bella, (que se parece a como estaría ahora Rutger Hauer si se hubiera cuidado más) se ha arruinado. A la escena siguiente ya se ha arruinado del todo, y a la que viene después, están viviendo en el campo. Vuelve a venir Don Cicuta y nos informa de que uno de los barcos del mercader ha llegado a puerto. Rutger agarra el caballo y a la escena siguiente aparece en medio de Jerusalén, o Granada, o Malta, o vaya usted a saber, y éso que se supone que está a solo dos días de viaje de donde estaba. Una posadera (de posada, no de las de sentarse, aunque para el caso es igual), de apariencia muy inglesa a pesar del exótico ambiente, nos informa que el barco ha sido vendido para pagar a la tripulación. A casita, que llueve. O mejor dicho no, porque de pronto, el padre de Bella con su caballo aparece vagando por el p*to desierto, muriéndose de sed, que más parece esté explorando las ruinas de Petra o el Valle de los Reyes. De pronto se aparece ante él algo que parece el Supremo Cuartel Templario de Timeline, o Indiana Jones y la última Cruzada, o vaya usted a saber. Debe de ser el castillo de la Bestia, aunque más bien parece la sección de muebles para patios y estanques de Los Peñotes, aderezada con atrezzo rechazado de Dentro del laberinto. La ocasión la pintan calva, y el papá de Bella nos deleita con otra penosa cancioncita, que además no viene nada a cuento. Cena y sueño. A la mañana siguiente, pues lo consabido, le da por cortar la rosa, y aparece la Bestia.

¿Cómo la describiría? El fulano (John Savage) es todavía más blandito y peor actor que Jean Marais, que ya es decir, tiene una pinta ridícula, un maquillaje hecho con cosas compradas en los chinos, hace ruiditos irritantes todo el rato y lleva encima -éso sí, que se tiene que notar que es un príncipe, o algo- todo el muestrario del Pontejos. Lo típico, como en la película de Cocteau, le presta un caballo milagroso para que vuelva a su casa y le amenaza con sapos y culebras si no vuelve al castillo o hace que una de sus hijas ocupe su lugar. Rutger vuelve a casa. Que sí que quiero que no, les acaba contando a sus hijos sus tribulaciones, y al final, Bella decide que se va para el castillo con su padre, que se queda a pasar la noche (¡cómo va una señorita decente a pasar una noche sola en casa de un desconocido, hombre, por Dios !). A la mañana siguiente el viejo se va, y la chica, que se conoce que ha dormido poco, de los nervios o algo, se vuelve a dormir. A todo esto, ya vamos por la mitad de la película, y no ha pasado prácticamente nada. Aquí, la película abandona los facsímiles marca blanca de Cocteau y Fielder Cook para entrar en modo Juraj Herz. Nuestra heroína se duerme y se le aparece el Príncipe de Beuckelaer (os lo prometo ), que le dice que es muy desgraciado, y que tiene que soñar con él, que los momentos de sufrimiento que en su vida ha tenido, lo serán de felicidad en este mundo. Se supone que es un momento mágico y tal (yo sería mucho más feliz si soñara con el Drácula de Gerard Butler, pero para gustos, los colores ), y Bella empieza a deleitarnos con otra horripilienta canción cuando servidora ha decidido pasar de esto. Bueno, supongo que algún año de éstos lo volveré a intentar . Espero al menos que se diviertan más leyendo este intento de crítica que yo viendo el coso ése.

Aprovecho que se habla de la presencia de la América precolombina en el cine para citar un film que vi ayer, a medio camino entre el cine de aventuras y el noir: Saqueo al sol, de John Farrow (padre de Mia, por cierto). A caballo entre La Habana y Oaxaca, en México, se cuenta la peripecia de un norteamericano sin oficio ni beneficio, Al Colby (Glenn Ford), contratado por un intrigante y grueso millonario que quiere introducir un valioso objeto en México, sobre la pista del cual se mueve otro individuo, algo afectado, con aviesas intenciones (a uno le vienen a la mente los personajes de Lorre y Greenstreet en El halcón maltés, aunque en esta ocasión los actores son los menos conocidos Sean McClory y Francis L.Sullivan). El objeto en cuestión es la pista que nos ha de llevar hasta un tesoro escondido en las ruinas zapotecas de Mitla. A pesar de su brevedad, la película va perdiendo gas y acaba de manera un tanto rutinaria, pero por el camino nos deja un excelente trabajo fotográfico de Jack Draper, que nos brinda unas espectaculares imágenes del conjunto arqueológico de Mitla, en Oaxaca.

De la américa precolombina me encanta Apocalypto, una película espectacular,frenética,salvaje...

Iniciado por Jane Olsen

Lo confieso: La bella y la bestia, junto con Drácula, Frankenstein y el Fantasma de la Ópera son de esos personajes de los que soy capaz de verme hasta un anuncio de laxantes si salen ellos... aunque de tanto en tanto me encuentro con cosas que ponen a prueba mi resistencia y mi fandom.

Pues entonces deberás ver Splice de Vincenzo Natali, en el post que he creado sobre él, es su propio director quien dice haber filmado el Frankenstein del siglo XXI. Imagino que también habrás visto esa de Victor Frankenstein, igual sí y ya la has comentado pero a mí me tiraba para atrás, especialmente porque aún no he leído ni dos líneas de la novela, sí sigo sin cumplir También hay otra llamada Frankenstein's Army o algo así con una pinta muy pobre. Pero es que cada poco hay un título basado o inspirado en la novela, todos los años cae algo.

Iniciado por killbillito

De la américa precolombina me encanta Apocalypto, una película espectacular,frenética,salvaje...

A mí Apocalypto también me gustó bastante y creo que Gibson es mejor director de lo que se dice. Me parece que influye demasiado que no sea un tipo que caiga bien a todo el mundo con las cosas que le da por soltar por esa boquita…

Una lástima que no rodara esa peli de los Vikingos, si llegaron a América antes que Colón igual metía el tema...

Iniciado por Mizoguchi

Pues entonces deberás ver Splice de Vincenzo Natali, en el post que he creado sobre él, es su propio director quien dice haber filmado el Frankenstein del siglo XXI. Imagino que también habrás visto esa de Victor Frankenstein, igual sí y ya la has comentado pero a mí me tiraba para atrás, especialmente porque aún no he leído ni dos líneas de la novela, sí sigo sin cumplir También hay otra llamada Frankenstein's Army o algo así con una pinta muy pobre. Pero es que cada poco hay un título basado o inspirado en la novela, todos los años cae algo.



A mí Apocalypto también me gustó bastante y creo que Gibson es mejor director de lo que se dice. Me parece que influye demasiado que no sea un tipo que caiga bien a todo el mundo con las cosas que le da por soltar por esa boquita…

Una lástima que no rodara esa peli de los Vikingos, si llegaron a América antes que Colón igual metía el tema...

No la he visto. Ya sólo ver las fotos, me tira para atrás . Parece un botleg de Species, de la que sólo recuerdo las mostruas en bolas y que me pareció un truño de marca mayor .

¿Por la de Victor Frankenstein de refieres a la de Daniel Radcliffe? Si es ésa, no la he visto, pero supongo que acabará cayendo algún siglo de éstos. Porque hay otra película que también se titula así, Victor Frankenstein, y ésa sí la he visto. Es pobretona y un tanto fallida. Mantengo que la versión definitiva de las aventuras del buen doctor y su pespunteada creación aún está por hacerse. Es lo que yo digo. ¿Por qué sacar diez y ocho sabores distintos de helado cuando aún no se domina la vainilla? ¿Por qué dar otra vuelta de tuerca a la historia de Frankenstein cuando aún no se ha adaptado la original debidamente ? La que más se acerca, desde mi punto de vista, es la de Kevin Connor, y con todo, no me parece del todo satisfactoria.

Ésa del Frankenstein Army la he visto por ahí, y ni siquiera me atreví a ver el trailer . Hay cosas a las cuales ni siquiera me atrevo yo . De hecho, con la mayoría de las versiones mierderas (esto incluye a las de tetas y a las coñeras) ni me he molestado, lo confieso.

Splice es más visible de lo que crees, nunca he visto Species así que no te puedo decir nada de ella, pero reconozco que el final de la de Natali no me gustó.

La versión que digo de Victor Frankenstein es la de Radcliff sí, yo tampoco la he visto.

Iniciado por Mizoguchi

Splice es más visible de lo que crees, nunca he visto Species así que no te puedo decir nada de ella, pero reconozco que el final de la de Natali no me gustó.

La versión que digo de Victor Frankenstein es la de Radcliff sí, yo tampoco la he visto.

El problema es que tengo tanto que ver y tan poco tiempo que cada vez me estoy volviendo más selectiva :



En mi afán, sin embargo, por catar el cine monstruñero, hoy me he topado con una House of Frankenstein (o casa de Frankenstein): miniserie de 1997, que aquí recuerdo se ha pasado alguna vez por la tele en horarios tenebrosos de madrugada con poca fortuna. Tiene poco que ver con la cinta que aquí se tituló La zíngara y los monstruos, excepto que aquí, al igual que allí, se reúne en un extraño cóctel a los monstruos clásicos -los vampiros, los licántropos y Paco el pespuntes, con la omisión de la Momia, el doctor loco y el jorobado-, amén de toques de La mujer pantera.

Pongámonos en situación: 1997. No quedan lejos ni el Drácula de Coppola, ni el Frankenstein de Kenneth Branagh, ni los vampiritos modennos de Ann Rice -todos ellos bastante controvertidos y comentados por los puristas-.

Tras esto, diré que la cosa arranca bien, e incluso para los aficionados al género, los primeros momentos y la presentación de La casa de Frankenstein -que da título a la película (un bizarro club nocturno de ambientación gótica donde se pueden ver bustos del Frankenstein de Karloff e incluso una reproducción de la María de Metrópolis)- es un pequeño deleite. Pero rápidamente la historia empieza a perder interés -entre otras cosas, por el exceso de tramas y lo mal explicados que quedan la mayoría de los personajes y situaciones-, y para cuando vas por la mitad, sinceramente te da igual.

En la ciudad de Los Ángeles están teniendo lugar una serie de misteriosos asesinatos, todos muy parecidos, ocurridos de noche y en los que las víctimas aparecían bizarramente despedazadas. Hay por ahí un detective que intenta, sin mucho éxito, resolverlos, una periodista que intenta sacar tajada y una suerte de profesora Van Helsing afroamericana a quien no hacen demasiado caso por ser mujer y negra que todos piensan que está mal de la azotea debido a su insistencia en que detrás de los asesinatos hay un ente sobrenatural, de ahí que no haya pistas en los lugares del crimen, tales como ADN o huellas dactilares. Anda por ahí un tipo bastante raro, una especie de yuppie ochentero trasnochado (estamos en 1997) -Grimes (como el enemigo de Homer Simpson)- del que se sospecha hace negocios un tanto raros, y que es el dueño de la famosa Casa de Frankenstein, que no tiene muy buena fama entre los vecinos (seguro que practican el satanismo, o juegan al rol, o algo). Tiene a su servicio a un disc jockey de nombre alemán -Klaus, o algo así-. a quien no vemos pinchar un solo disco en toda la película, pero del que la policía sospecha aún sin tener pruebas, a un abogado un tanto rarito también y a una especie de científico loco que sale exactamente cinco minutos.

Una noche en una especie de fiesta, a una rubita de aire ursulínico (Terri Polo, quien no debió haber abandonado la Ópera y a Erik) y a su acompañante los ataca una misteriosa bestia. Él muere, pero ella sobrevive, e insiste ante el policía en que es una especie de lobo lo que los ha atacado. Ella entre tanto se enrrolla con el policía y conforme va avanzando la película, se va volviendo cada vez más rara, su vestuario se va aputifando progresivamente y ante nuevas apariciones de la misteriosa bestia, el policía opta por llevársela de testigo protegida a casa de su hermana. ¿Y qué hace entre tanto nuestro amigo el Pespuntes? Pues muy poco -pese a dar nombre a la película-, para lo que sale y el ridi tan clamoroso que hace, se lo podían haber ahorrado perfectamente. Resulta que el yuppie ochentoso ha descubierto que el Monstruo de Frankenstein existe, que lo que escribió Mary Shelley pasó de verdad y que anda congelado desde entonces por algún rincón del Ártico (ahora sé de dónde sacaron su inspiración los perpetradores de Frankenstein Evolution y Yo, Frankenstein ). Después de una afanosa búsqueda (vemos sólo un helicóptero y un barco y a tres mindundis para lo que se supone debería ser el equivalente de buscar una aguja en una playa de Cádiz), lo encuentran y lo llevan a Los Ángeles. ¿Para? El yuppie tiene la brillantísima idea de exhibirlo en su club nocturno, como si una especie de King Kong gótico fuera. Pero el médico-científico de la película decide descongelarlo -a escondidas y contra la voluntad del jefe- para estudiarlo. Por la noche lo vuelve a meter en la nevera. Y tiene lugar la única escena medianamente memorable de la película: el Monstruo, entre espirales de niebla, resucita por la noche, se carga la puerta de la cámara frigorífica cual Hulk enfervorizado, y vestido con camisa de chorreras y capa de época (), abandona el local. Y esto es lo único coherente que hará en toda la película: a renglón seguido se disfrazará de mendigo, caminará por la calle a plena luz del día sin que nadie se fije demasiado en él, se subirá en un autobús, jugará con niños, será perseguido por la pasma al intentar mangar unos zapatos y -en un episodio quizá reminiscente de la novela- trabará amistad con un viejo veterano de guerra medio ciego que hará el mismo papel que hacía el ermitaño en la película de Whale. Porque a pesar de las referencias a la novela de la Shelley y las efímeras camisas de chorreras, el Pespuntes sigue siendo el mismo Neanderthal inarticulado que suele ser en el cine . A pesar de lo cual, sabe que se llama Frankenstein. . Y no se lo pierdan, después de todas las molestias y la pasta que se tomó para encontrarle y traerle hasta aquí, cuando Graimito se entera de que se ha escapado...decide no hacer nada ...

Pero esto no es todo. Graimito esconde un temeroso secreto

Spoiler:

: por la noche, se transforma. No, no en lo que se supone que debería transformarse el dueño de un club nocturno de dudosa reputanción...sino en vampiro, y aún más, en vampiro jefe, lo que significa no ser el típico Drácula con capa y frac a lo Lugosi, sino un coso a medio camino entre en murciélago mutante gigante que salía en el Drácula de Coppola y el diablo de Legend. Y tiene a más a su servicio. Y el disc-jockey alemán ése (al que más adelante, hará que se cargue el abogado de manera bastante expeditiva por haber desobedecido sus órdenes) es licántropo y es el que se dedica a perseguir a la rubia y a ver si le puede ver las bragas. Pero resulta que el licántropo la ha infectado, y se va a volver licántropa ella también en contra de las instrucciones del jefe (por cierto, que aquí las transformaciones tienen lugar según el capricho del guionista, sin que medie la luna llena ni ná); a lo que empieza quedándose mirando al infinito embobá, inyectándosele de pronto los ojos en sangre, saliendo con el policía sin tener en cuenta lo que pueda decir su compañera de piso -si es que está hecha una desahogá-, poniéndose chaquetas de cuero de malota, y así por el estilo. En una de estas, el vampiro jefe se entera de que el Monstruo está viviendo con el viejo, y manda a uno de los secuaces a buscarlo. Cuando está a punto de atraparlo, la aparición de la policía y de la vieja del visillo -si, sí, la vieja del visillo- frustran la delicada operación, de lo que resulta además el pobre viejo muerto. En lugar de agarrar al Monstruo y salir zumbando, opta por largarse con viento fresco sin haber hecho lo que tenía que hacer, excepto un estropicio considerable. Al Monstruo lo detiene la policía acusado de matar al viejo, y lo interrogan. La abogada - es una película americana, tiene que verse que los derechos constitucionales se cumplen- que le ponen insiste en que antes de interrogarlo, lo tendría que ver un psiquiatra , porque dice que es Frankenstein y que no tiene nombre [sic], y que fue traído a la ciudad contra su voluntad -un inmigrante ilegal, vaya -, que quiere volver a su casa en el Polo Norte. A lo cual, el típico policía graciosillo que nunca falta, dice exactamente la misma frase que yo estaba pensando: "éso es fácil, avisaremos a Santa Claus" .

El vampiro jefe, en tanto, ha vampirizado a la compi de piso de la rubia, y por medio de ésta, sabe del paradero de la misma y va a buscarla. Ante los ojos atónitos del detective, después de transformarse en un bonito perro esquimal de exposición y concurso, es levantada por los aires por un engendro con alas

.

En fin, para qué seguir . Hay una segunda parte: no sé si me molestaré en verla. El maquillaje es pobretón, los efectos especiales son de chichinabo con un extraño toque psicodélico (las escenas en que se supone ves el mundo a través de los ojos de los vampiros, que como vivían en una discoteca de los noventa, debían de ir hasta el culo de ácido) y el guión es un bonito disparate.

Iniciado por tomaszapa

Para eso estamos hablando de La fuerza del cariño.

Voy a prolongar un poquito mi explicación de por qué me gusta tanto esta película. Al final todo se resume en la historia y los personajes, y en este sentido, cómo se nos muestra la madre y la hija, esa conexión especial, donde ni contigo ni sin ti. Realmente distintas, pero siempre conectadas, en lo bueno y en lo malo, me fascina.
En mi caso, ya digo, creo que apela a lo más profundo de los sentimientos, a aquello que no se puede (ni debe) explicar con palabras. Son muchos gestos, miradas (de aprobación o desaprobación) que se suceden entre ellas, ya desde que nace la criatura prácticamente.
Por eso digo que es una película construida sobre esa base sólida "madre-hija". Pocas veces, en una peli americana se ha visto.

Con esta escena de menos de un minuto ha construído ya James L. Brooks una relación que otros en dos horas no son capaces de explicar.

Si es que sólo tú sabes explicar estas cosas Sabía que entenderías lo que dije a la perfección Curisa escena, ciertamente.

La emoción de la que hablo me embarga desde el principio también a mí. Es simplemente escuchar esta música de Alan Silvestri y "prepararme" para un chute de emociones inabarcables ....

La música es preciosa, sí

Iniciado por killbillito

De la américa precolombina me encanta Apocalypto, una película espectacular,frenética,salvaje...

+1

Iniciado por Mizoguchi

A mí Apocalypto también me gustó bastante y creo que Gibson es mejor director de lo que se dice. Me parece que influye demasiado que no sea un tipo que caiga bien a todo el mundo con las cosas que le da por soltar por esa boquita…

Podría ser un grandísimo director si se prodigara más. Es una lástima que por ciertas cosas no esté dónde debería.

Una lástima que no rodara esa peli de los Vikingos, si llegaron a América antes que Colón igual metía el tema...

Dímelo a mí! Creo que era SU película. Espero que algún día se pueda retomar ese proyecto.

Me parto con los dos últimos visionados de Jane La de "La bella y la bestia" tiene portada molona pero parece ser que poco más Si Jane no la ha acabado, yo mejor ni lo intento La de "Frankenstein" directamente tiene MUY mala pinta

PD: Por cierto, sólo ella se ha dado cuenta de mi escritura disléxica de hoy