Tema: Billy Wilder: revisando sus películas

Iniciado por mad dog earle

Sin Marilyn estaría entre lo menos interesante de Wilder. Incluso con ella, me parece uno de los más discretos.

A mí también me parece de las peores de Wilder. Es más mito que otra cosa gracias al famoso momento de la falda, y encima cuando revisionas las película compruebas que no es una escena tan buena como recordabas.

Luces y sombras en la ópera prima de Wilder compartida. Empiezo con lo malo, evidentemente la calidad visual es muy deficiente y la edición en DVD española, es, como decimos en Suiza, so la la. Veo también malos cortes entre escena y escena, también algunos actores no acompañan con su nivel a los diálogos, que me parecen interesantes, se nota que dominaba esto. Salvo a Danielle Darrieux, me gusta sobretodo el secundario, el de las corbatas, el dotar con cierto peso a un secundario con cosas excéntricas siempre me suman en un film. Tampoco me gusta los acelerones en las imágenes tan típico en pelis de bajo presupuesto o de esa época.

Y destacaría muchos ángulos cinematográficos, que por ser ópera prima, sorprende como mínimo. Me gusta también claro la música jazzística y el roba corbatas. Las escena que hace el barrido de corbatas en la playa me parece lo mejor del film, me ha hecho reir mucho, la pelea dentro del vestuario ya on tanto

En resumen, no es un film muy disfrutón, sobretodo por la mala calidad visual de la edición supongo, que tiene cositas a destacar, las que he mencionado. Costará un segundo visionado pero no sería doloroso.

02. El mayor y la menor (The Major and the Minor, 1942)



Damos un salto de 8 años y pasamos del Wilder exiliado en París al Wilder cómodamente instalado en Hollywood, con varios años ya de experiencia como guionista y contrato fijo con la Paramount, donde trabaja con directores de la talla de Lubitsch, Leisen o Hawks.

Son años en los que establece una estrecha colaboración con Charles Brackett, su compañero a la hora de escribir las películas. Cabe destacar que, siendo Wilder un director sobre todo admirado por sus guiones, siempre los elaboró conjuntamente con un guionista norteamericano (reconocía que, en los primeros años, necesitaba cerca alguien que tuviera el inglés como lengua propia). Hasta Sunset Boulevard (salvo una significativa excepción que ya comentaremos en su momento) los elabora con Brackett. Luego, colaboró con otros guionistas y a partir de Love in the Afternoon se empareja con I.A.L. Diamond.

Sorprende que tanto Brackett como Diamond fueran personas muy diferentes a Wilder. De Brackett comenta: “no teníamos nada en común salvo los guiones”, “era republicano, un republicano ferviente”, “estaba en la vanguardia del grupo de escritores como Hemingway o Scott Fitzgerald”.

La insistencia de Wilder por rodar una película, descontento por cómo había llevado a la pantalla sus guiones Mitchell Leisen, dio su fruto y, finalmente, la Paramount le confía un proyecto menor, con Arthur Hornblow Jr. como productor. Dice Wilder de The Major and the Minor: “hice una película comercial, lo más comercial que he hecho nunca. Una chica de veintiséis años [aunque la Rogers pasaba ya de los treinta] que finge tener catorce [en realidad, doce aún no cumplidos]. Una Lolita antes de tiempo”.

En la breve explicación que Wilder da a Crowe se sintetiza casi todo lo que se puede decir del film. The Major and the Minor se trata de un film bien adaptado a los patrones del cine cómico comercial de la época, poco ambicioso en su estructura. Es lo que la generación de mis padres llamaba una “comedieta”. Pero en lo ciertamente ingenuo (o no tanto) de la propuesta, hacernos creer que una mujer hecha y derecha como la Rogers, extremadamente popular por aquel entonces, se puede convertir en una niña que está a punto de cumplir doce años, radica precisamente lo más interesante vista a día de hoy.

Por un lado, la actriz demuestra una notable vis cómica, aguantando la función, a pesar de que se necesitan unas tragaderas descomunales para aceptarla como niña repipi con su globito y sus calcetines caídos.



Pero por otra parte, fuera o no la intención de Wilder (y apostaría que sí lo era), la película permite una lectura “políticamente incorrecta” que nos adentra en el terreno de la pedofilia. Como se demuestra en la centelleante secuencia final en la estación, cuando finalmente Susan se desenmascara ante el mayor Philip Kirby (Ray Milland) y se muestra como la mujer espectacular que es y él cede sin reparos a que ella le represente esa “toma de Sedán” que los cadetes de la academia militar utilizan para besar a las muchachas, queda claro que desde el primer momento en que se conocieron, en el compartimento del tren, Kirby se ha sentido atraído por la “niña” de doce años.





Sorprende también, para los usos actuales (sobre todo en Estados Unidos), cómo la dejan en manos de los cadetes para que estos se la pasen de unos a otros intentando sacar el mayor provecho sexual posible (uno se queda con las ganas de saber en qué consistía la “llegada a París”, si la toma de Sedán era un morreo en toda regla). Se juega, pues, con las relaciones sexuales entre y con adolescentes con notable descaro (aunque estoy convencido que esto se veía de forma mucho más “inocente” en los años 40… y se jugaba con que el público sabía que la Rogers no era una niña, pero los cadetes, o al menos algunos, son claramente menores de edad).



El resto del film es una comedia romántica con un sentido del humor a veces un tanto apolillado, aunque resultón. Wilder/Brackett muestran la tendencia (que Wilder no abandonaría nunca) de rellenar sus películas cómicas de pequeños detalles que son, en ocasiones, minigags dentro de un gag, a menudo recurriendo a la reiteración (el huevo sobre la cabeza del ascensorista, por ejemplo).



Esa tendencia a recargar los momentos cómicos es lo que a mí me resulta a veces un tanto distanciador, esa necesidad de dar dos vueltas al chiste, algo que Lubitsch hacía de manera magistral y que Wilder consigue en muchas ocasiones, pero no siempre.

Me hace gracia que uno de los lamentos de Wilder al hablar de Mauvaise graine era que tenía que rodar persecuciones de coches sin transparencias. Quizá para resarcirse de ello, el primer plano del film ya nos muestra a Susan caminando por las calles de Nueva York con una transparencia de fondo. Más adaptación a los modos de producción del Hollywood clásico, imposible.

La película se estructura por bloques: el del masaje capilar (en el que ya se muestra el equívoco sexual como motor del film); la compra del billete en la estación, que Susan solo consigue disfrazándose y recurriendo a un “viejo verde”; la huida de los revisores del tren y su refugio en el compartimento del pazguato mayor Kirby (que muestra una “miopía” e inocencia difícil de creer, que quizá se pretenda justificar por medio de un ojo defectuoso);



la noche tempestuosa y los primeros achuchones “protectores”; y la posterior estancia en la academia militar, que tiene como momento álgido la secuencia de la centralita telefónica.



Susan maniobrará para evitar que Kirby continue en la academia y, en especial, que se case con su prometida, Pamela (Rita Johnson), porque, ¿hace falta decirlo?, se ha enamorado del sosainas del mayor desde el primer momento (Milland, un actor que me suele gustar, aunque no está mal, no me parece el ideal para el papel; Cary Grant hubiera sido perfecto). Cuenta con la generosa ayuda de la hermana de Pamela, Lucy (Diana Lynn), que parece el único personaje sensato del lugar.



Hay una larga secuencia de baile en la que se acaba decidiendo todo, cuando Mr. Osborne (Robert Benchley), el frustrado cliente inicial del masaje capilar (frustrado porque es evidente que espera “otro” tipo de masaje, con final feliz), reconoce a Susan y lo pone en conocimiento de Pamela,



con lo que se precipitará el desenlace, aunque con parada intermedia en Stevenson, Iowa, donde la dulce madre de Susan se dedica a confeccionar mermeladas artesanales (un detalle que no deja de tener mala leche, teniendo en cuenta que, al parecer, la mermelada más apetecible que ha producido en su vida es precisamente su hija).

En resumen, una comedia encantadora si uno tiene un buen día y está dispuesto a dejarse llevar por la fantasía del engaño, aceptando las reglas del juego del cine clásico hollywoodiense, pero lejos del Wilder maduro, que solo asoma aquí y allá en los detalles. Entre ellos, dos referencias cinéfilas: cuando le piden a la "menor", que se hace pasar por descendiente de suecos, que hable en la lengua escandinava suelta un “I want to be alone”, citando a la divina Garbo; luego, en el baile de la academia, todas las muchachas asistentes, procedentes de una institución femenina, lucen un peinado a lo Veronica Lake.



La siguiente entrega, Five Graves to Cairo, es un film que tengo olvidado casi por completo, solo recuerdo la presencia siempre imponente de Erich von Stroheim.

Y sí amigo Mad, he tenido un buen día, uno de esos días positivos, y el fin me ha entrado muy bien, aunque ya sabes que soy culpable de gozar con los filmes de Mankiewicz por sus avispados diálogos, y Wilder es el número 2 o 1 en esto, según el día que tenga. La premisa inicial es una idiotez que me encanta, no hay dinero para pagar el billete por una subida de tarifa (me encanta el chiste cuando el de "la Renfe" dice que "vuelva cuando bajen las tarifas" jajaajjaja, lo que decimos en Catalunya, "un autèntic F.D.P) y el personaje de Ginger Rogers se hace pasar y se transforma en una niña de 12 años, y que niña.

Fantástico también ese Tour de Force en el tren con los controladores de "Renfe", y con ese gag del cigarillo, que me lleva SI NOMES SI, a un gag de los "The young ones" cuando Rik y Neil van a abrir la puerta pensando que la visita son policías. Para llegar al vagón cama con Milland, que en su primer momento, me dije anda mira James Stewart, clavadito de joven el Millard.



El punto fuerte del film es el tratamiento de la perversidad pedofilia que implica este terrorífico concepto, a si, a secas sin vaselina, logrando llevar a un terreno de comedia blanca, que estando en una época pre Lolita, uno no sabe muy bien donde se encuentra el grado de Perversidad en la escala de Mills (personaje, evidentemente que me acabo de inventar), o sea no se muy bien, si la sociedad en esa época se lo tomaba a la ligera, lo que si se, es que en tiempos de ahora, sería clasificada X. Porque el film no para de jugar con mayor o menor intención al cachondeito de dicha perversidad -blanca- en las dos direcciones, porque si bien es cierto, todos piensas que el personaje principal es una menor, ella misma, que no es menor de edad y debido al engaño, tontea con cadetes militares menores de edad. La treta militar de Sedan/París para ligar y conseguir el beso, es magistral, y no duden que la pondré en práctica.

Lo que hacen los hermanos Coen en muchos de sus films, donde todo sale mal, aquí más de lo mismo, pero blanqueado, y eso me seduce y me divierte mucho como espectador. Y como he dicho tiene diálogos fantásticos. Ese momento de ligoteo con el cadete para que vaya a buscar la radio y donde es pillado por toda la tropa, aún me estoy riendo de su reacción, sin decir nada, da la vuelta y se va, donde el general le pregunta a donde va, y este dice "a prisión", claro así no hace gracia, pero en pantalla lo rompen.

Quien es éste chico? está formidable!!!!

Lo que no me ha gustado, hay chistes que se ven venir y no hacen tanta gracia, como el del ascensor con el botones y el huevo, cuando ella entra en el ascensor y antes de mediar palabra, ya se sabe donde va a acabar el huevo. También no me apasiona esa fórmula de aprovechar las mejores características del actor/actriz y sacarlo en pantalla aunque no lo necesite, como por ejemplo, para mi, no hace falta que Ginger Rogers se ponga a taconear, sabiendo que es una crack en esto, y que toca escena para exhibir, el film, en mi opinión, no lo necesita, pero entiendo que es una fórmula muy adentrada en Hollywood, esos Westerns de Hawks con esa estrella secundaria haciendo de cowboy y forzando el número musical. Por lo demás y como bien dice Mad, si juegas a sus reglas, es disfrutona, yo diría muy difrutona.

En resumen, una grata sorpresa inesperada, Billy Wilder en su segundo film, enseña ya sus cartas con la comedia/diálogos, será un placer seguir éste ciclo, que por motivos de logística de Amazon, tendré que alargar unos días más para el próximo comentario, ya que en principio y si todo va bien, me llega la edición de Eureka el día 9.09.

Iniciado por Alex Fletcher

El punto fuerte del film es el tratamiento de la perversidad pedofilia que implica este terrorífico concepto, a si, a secas sin vaselina, logrando llevar a un terreno de comedia blanca, que estando en una época pre Lolita, uno no sabe muy bien donde se encuentra el grado de Perversidad en la escala de Mills (personaje, evidentemente que me acabo de inventar), o sea no se muy bien, si la sociedad en esa época se lo tomaba a la ligera, lo que si se, es que en tiempos de ahora, sería clasificada X. Porque el film no para de jugar con mayor o menor intención al cachondeito de dicha perversidad -blanca- en las dos direcciones, porque si bien es cierto, todos piensas que el personaje principal es una menor, ella misma, que no es menor de edad y debido al engaño, tontea con cadetes militares menores de edad. La treta militar de Sedan/París para ligar y conseguir el beso, es magistral, y no duden que la pondré en práctica.

Sin necesidad de entrar en la discusión (que mantenemos por otros canales) sobre si Milland era o no el actor adecuado para el papel (¡ay, Cary, cómo te echo a faltar!) y si su mayor es convincente o no (para mí ni lo uno ni lo otro, y eso que es un actor que, por regla general, me gusta), coincido, como ya dije en mi comentario, en que ese juego con la pedofilia es, de largo, lo más interesante de este film. Me gustaría saber más de cómo se vio este film en su día, en la conservadora Estados Unidos de los 40, a un paso de entrar en guerra a donde irían a luchar (y muchos a morir) esos cadetes que se forman "alegremente" en la academia.

Me da la impresión como si de detectara más ese componente pedófilo ahora (Alex habla de "perversidad") de lo que quizá se detectó en su momento. ¿Nos hemos vuelto más conservadores aún o, al contrario, nos hemos sensibilizado sobre el asunto "en la buena dirección"? Ahora, de forma tremendamente hipócrita, toda relación sexual adolescente (ya no digamos de adulto con adolescente) parece estar bajo sospecha, es anatemizada. Pero en el film de Wilder tenemos un surtido de relaciones "sospechosas" que tienen la culminación en la brevísima secuencia final, cuando caen las máscaras y nos damos cuenta que el mayor ha estado deseando a la "menor" desde el primer momento, cuando le leía cuentos y la acurrucaba para protegerla de la tormenta. Ahí el tándem Wilder/Brackett dio en el clavo. Me encantaría poder recuperar las conversaciones que tendrían los dos guionistas sobre el tema, en especial teniendo en cuenta que Brackett es calificado por Wilder de "republicano ferviente".

01. MAUVAISE GRAINE (1934, CURVAS PELIGROSAS)

T.O.: MALA SEMILLA



Producción: Compagnie Nouvelle Commerciale.

Directores: Billy Wilder y Alexander Esway.

Productor: Georges Bernier.

Guion: Jan Lustig, Billy Wilder y Max Kolpé + Claude-André Puget.

Fotografía: Paul Cotteret y Maurice Delattre, en blanco y negro (1.37:1).

Música: Franz Waxman y Allan Gray.

Montaje: Therese Sautereau.

Duración: 1:16:47.

Estreno: el 5 de julio de 1934.

Reparto: Danielle Darrieux (Jeannette), Pierre Mingand (Henry Pasquier), Raymond Galle (Jean “la cravate”, hermano de Jeannette) y Jean Wall (Le “Zèbre”).



Al contrario de lo que suele ser la norma creo que el título patrio, CURVAS PELIGROSAS, se ajusta mejor a lo que acontece durante la proyección de este (felizmente recuperado) primer largometraje como realizador del austrohúngaro Samuel (Billy) Wilder que el bíblico MALA SEMILLA que sería la traducción literal del original y más teniendo en cuenta que Wilder siempre se las tuvo tiesas con todo tipo de instituciones represivas.

Afortunadamente para la presente reseña he podido disponer de una copia de más calidad (o al menos eso pienso yo) que la que mencionan mis compañeros en sus respectivos escritos y que procede del programa doble editado por la norteamericana Flicker Alley en 2023.



https://flickeralley.com/products/58...raine-bad-seed

- This restoration of Mauvaise Graine is based on a 16mm safety dupe negative made from rare, original printing materials from the Blackhawk Films collection, that have been scanned in HD for this edition. -

Pero a pesar de que los daños en el material de que se dispone son evidentes (amén de los saltos producidos por la ausencia de fotogramas entre escenas) en líneas generales la imagen es notablemente nítida, especialmente cuando el rodaje se traslada a las calles de París y que aporta un plus a una película ciertamente menor, pero simpática al menos en su tramo inicial.

Me gustaría destacar la puesta en escena naturalista y ciertamente precursora de la todavía lejana en el tiempo nouvelle vague, como bien indica mad dog earle.



Igualmente la influencia de grandes cineastas contemporáneos, aunque no solo de su maestro y mentor Ernst Lubitsch (1892-1947) sino especialmente del británico Alfred Hitchcock (1899-1980) como puede comprobarse en este excelente montaje digno del mismísimo maestro del suspense y donde el número 3 es el protagonista...



















También la jazzística banda sonora Franz Waxman (1906-1967) que se ajusta como un guante a las peripecias de los protagonistas y que además suple en muchos casos la ausencia de diálogos en muchas de las escenas que transcurren en exteriores.

Y en cuanto al cuadro de actores destacar la presencia de una jovencísima Danielle Darrieux (1917-2017), una de las actrices más bellas y elegantes del cine clásico a uno y a otro lado del charco.





A nivel argumental y a pesar de que la película va de más a menos como bien suele indicar en sus comentarios Alex Fletcher en CURVAS PELIGROSAS se pueden observar (siquiera en estado embrionario) algunas de las señas de identidad que forman lo más reconocible de su filmografía.

Ejemplos.

El uso de la hermosa y seductora Jeannette (Danielle Darrieux) como cebo para atraer a los viejos verdes (sic) con el fin de que la banda de ladrones de coches de la que forma parte se encargue de librarles de semejante carga impositiva.





El amor romántico (aquí la influencia de Lubitsch es más que evidente) como elemento redentor de unas vidas avocadas al crimen y cuyo (oscuro) final se atisba en el horizonte.



Una mixtura entre la comedia (un tanto chusca, algo por otra parte habitual incluso en el mejor Wilder) y el melodrama, aunque en este caso lejos de estar bien resuelta como sí acontece en sus obras mayores.

Pese a ello justo es indicar el amargo final con el que se cierra la historia con la huida en barco de Henry (un demasiado engominado Pierre Mingand) y Jeannette puesto que no les acompaña el hermano de esta, Jean (un simpático Raymond Galle), muerto durante el ataque de la policía al garaje donde la banda tiene su base de operaciones.



O el fetichismo que domina las vidas de Henry (los coches) y Jean (las corbatas)...



... y que en el primer caso Wilder resume brillantemente en un intertítulo más propio del cine mudo…



- Por cierto, aquí he pillado un gazapo puesto que como podéis leer aquí el nombre del protagonista es HENRI... y sin embargo en los títulos de crédito iniciales aparece como HENRY...



No obstante la película, seguramente por imposición del productor o tal vez por el equilibrio de fuerzas entre Wilder y Esway (¿podrían atribuírsele a él y no a su compañero alguno de los aciertos que acabo de mencionar?), destila cierta moralina, desde el título MALDITA SEMILLA y que se refleja en la relación paterno-filial entre Henry y su padre, hasta el citado final (el crimen siempre paga).

En cualquier caso CURVAS PELIGROSAS es una película de visionado obligado, pero seguramente de fácil olvido.

Al cineasta le aguardan empresas ciertamente mayores.

Buenas tardes y, buena suerte.

Iniciado por Alcaudón

El uso de la hermosa y seductora Jeannette (Danielle Darrieux) como cebo para atraer a los viejos verdes (sic) con el fin de que la banda de ladrones de coches de la que forma parte se encargue de librarles de semejante carga impositiva.

Esta secuencia es una de las mejores muestras del oficio aprendido de Lubitsch. El "viejo verde" se aproxima con su cochazo a la inocencte damisela. Pasa un camión por delante de la cámara, lo que nos oculta la visión de coche y peatona, y una vez ha pasado el camión vemos que Jeannette ya se ha montado en el auto. Magnífico, uno de los mejores momentos del film, y sin necesidad de palabras, algo que en mi opinión hacía mejor Lubitsch que Wilder.

"El mayor y la menor" (1942).



Deliciosa y divertida comedia, con diálogos rápidos, graciosos y algunos punzantes, una comedia ya clásica que denota el gran talento de Billy Wilder.

El reparto es ciertamente magnífico: Rogers, Milland, Johnson, Benchley, Lynn... todos en estado de gracia; sin olvidar a los jóvenes cadetes, que actuan todos muy bien, pareciendo todos unos angelitos, muy responsables y caballerosos y tal, pero luego son un poco salidetes...

La trama tiene varios gags muy graciosos que no desvelaré, tanto de diálogos como de acción, en el que siempre brilla Ginger Rogers, que hace uno de sus mejores papeles en el cine, además se luce con unos breves pasos de tap, ya que estaban tan de moda en aquella época, a mi me parece perfecto e idóneo que lo hubieran aprovechado para la escena de la centralita.

Lo del huevo en el ascensor también me pareció muy gracioso, será que me va todo.

Ray Milland, hace una perfecta pareja, cierto que parece algo ingenuo para ser un mayor, pero él ya ve que con el ojo malo, Suso parece casi una mujer... ¡que guasa tenían los guionistas!.

La escena del baile, es muy divertida también, sobre todo cuando aparece en escena el acosador con su esposa, y cuando la ve con su hijo, enseguida se da cuenta de que la ha visto antes, y se pone a pensar y a pensar, muy cómico todo, pero el personaje es un cotilla, y se lo larga todo a la irritante y manipuladora novia del mayor, descubriéndose todo el pastel, y dando al traste con el plan de Suso que se viste con un elegante traje de noche para contarle la verdad al mayor.

Por criticar algo, que lo considero repetitivo, cuando en la parte final, ella se hace pasar por su propia madre, no sé a que viene a cuento, sino para que Milland quede realmente como un bobalicón, por mi, esa escena sobraba perfectamente.



"Un fresco en apuros" (1955)



Es un remake inconfeso de la anterior, porque aprovecha la obra teatral en que está basada la película, pero no es el guión de Billy Wilder y Charles Brackett. Es una trama parecida pero mas alocada y de mucha peor calidad.

Además ahora es un hombre (Jerry Lewis) quien se hace pasar por adolescente; también recuperan la escena de la centralita.

Como curiosidad Diana Lynn que en la anterior era la hermana menor de la prometida del mayor, ahora es la protagonista femenina, aunque poca cosa, la verdad, es una actriz muy menor.

Además todo está supeditado a las payasadas de Jerry Lewis y a su comparsa Dean Martin, que en esta ocasión entona unas flojas canciones.

Aún así, la película tiene bastantes momentos disparatados y divertidos, las cosas como son; Lewis era un genio también.

Cierto, me olvidaba de la escena que se hace pasar por su madre, sobra.

03. Cinco tumbas al Cairo (Five Graves to Cairo, 1943)



Segundo largometraje de Wilder para la Paramount, escrito como el anterior en colaboración con Charles Brackett (que, además, aparece acreditado como productor asociado), inspirado, como varios de los films de Wilder, en una obra centroeuropea, en este caso la pieza teatral “Hotel Imperial” (1917) del húngaro Lajos Biró.

Desconozco la obra, pero evidentemente, por cuestiones temporales, ha de ser muy diferente a la película, puesto que el film de Wilder se sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Un rótulo inicial nos aclara el contexto histórico (que es prácticamente el contemporáneo a la realización del film).



Quizá uno de los mayores problemas de la película, que me apresuro a decir que, siendo disfrutable, me parece poco destacable en el conjunto de la obra de Wilder, es que su inicio es potentísimo: un tanque británico deambula sin rumbo por las arenas del desierto norteafricano, transportando una carga de cadáveres, cinco (como las tumbas del título, pero esas se refieren a otra cosa), aunque en realidad son cuatro, puesto que el quinto, el cabo John Bramble, está solo desmayado.



Bramble (interpretado con circunspección por Franchot Tone) tendrá que espabilarse en medio de la nada para salvar el pellejo.



Después de un fatigoso itinerario sahariano, llegará hasta un solitario hotel, donde cae inconsciente.


El hotel, que responde al pretencioso nombre de “Empress of Britain”, está regentado por el avispado Farid (Akim Tamiroff haciendo, como casi siempre, de Tamiroff), un veleta que se inclina hacia donde sopla el viento (ahora los británicos, después los alemanes) con la sola ayuda de una camarera francesa, Mouche (Anne Baxter), la cual esconde un objetivo especial que descubriremos avanzado el film.



Al cabo de unos minutos de llegar Bramble, aparecen las tropas alemanas, con el teniente Schwegler (Peter van Eyck) a la cabeza. Tiene la misión de convertir el hotel en el centro de mando de la ofensiva alemana, comandada, ni más ni menos, por el mariscal Rommel (encarnado por Erich von Stroheim, en una composición que intuyo que debe más a su propia imagen como actor que a la verosimilitud histórica).



Bramble ve la oportunidad de actuar como espía británico, para lo cual se hace pasar por Davos, un camarero muerto, para descubrir más tarde que el hombre al que suplanta era en realidad un espía alemán.

Obviamente, el conflicto argumental va a ser cómo conseguirá Bramble obtener datos decisivos de los planes de ataque previstos por Rommel, sin que descubran que no solo no es un espía alemán, sino que lo es británico. Como buena película hollywoodiense, esa tensión se complementa con la relación entre Bramble y Mouche que, poco a poco, va derivando de una profunda desconfianza inicial de ella hacia él, puesto que culpa a los británicos de haber abandonado a su hermano, soldado francés, en Dunquerque, quedando prisionero de los alemanes, a una cierta atracción amorosa.



Aunque hay quien pretende presentar el film como una película de aventuras (es el caso de Cameron Crowe en su libro de entrevistas con Wilder, incluso comparándola con Indiana Jones!!!, será por lo de la presencia de alemanes en el desierto norteafricano), lo cierto es que más bien se trata de un film de intriga con toques románticos y cómicos, pero en mi opinión poco a nada aventurero, salvo los minutos iniciales.

Hay un ingenioso enigma a descifrar, que da sentido al título del film: esas cinco tumbas hacen referencia a depósitos de armas, combustible y alimentos que Rommel ha enterrado antes del inicio de la guerra en unas supuestas tumbas, identificadas en el mapa por las cinco letras del nombre del país (en inglés, claro, Egypt, porque en alemán, lo que sería más lógico, no cuadra: Ägypten).



A pesar de la previsible mayor sensibilidad lingüística de Wilder, el tratamiento de los idiomas no va mucho más allá de lo habitual en Hollywood: se fuerza las situaciones para que al final todos los personajes principales hablen en inglés, incluso recurriendo en el caso de Baxter a un inglés con acento francés poco creíble , sin olvidar que en el caso de Stroheim él mismo reconoció que con los años casi había olvidado su idioma natal; de hecho, su pronunciación no me parece demasiado creíble para un personaje como Rommel.



Pero donde Wilder recurre de manera un tanto grotesca a la típica y tópica gracieta vulgar (y por reiterativa, más bien cansina y molesta), es en la caracterización del general italiano Sebastiano, interpretado por el mallorquín Fortunio Bonanova (de nombre auténtico Josep Lluís Moll). Wilder lo dibuja con trazo grueso como un militar incompetente y pusilánime, ninguneado por los alemanes, que lo único que sabe es cantar ópera (Moll era barítono), como una Castafiore de uniforme.



Si decía que lo mejor del film era el inicio, he de reconocer que el final nos guarda también un momento particularmente brillante. Descubierta la auténtica identidad de Bramble, este consigue huir después de matar a Schwegler, confiando que las culpas recaigan sobre su persona y que Mouche no pague por ello. Pero cuando las tornas cambian, y los británicos consiguen recuperan las posiciones en el Norte de África, y Bramble vuelve al Hotel Empress, con un pequeño obsequio para la muchacha (una sombrilla), se encontrará con la tumba de Mouche, fusilada después de que él se escapase. Una nota amarga que contrasta con las últimas palabras de carácter triunfal… aunque no hay que olvidar que, en definitiva, cualquier film bélico de la época tenía que contribuir al “esfuerzo de guerra”.

Film de correcta factura, pero fácilmente olvidable, destaca por el trabajo de un veterano director de fotografía, John F. Seitz (que repetiría con Wilder en algunos de sus mejores films), y por Miklós Rózsa como compositor de la banda sonora, otro centroeuropeo (húngaro) que volvería a trabajar con Wilder en sus dos siguientes películas.

Precisamente, en la siguiente entrega, que reúne de nuevo a Wilder, Rózsa y Seitz, será la primera vez en que Brackett falte en la ecuación, aunque su substituto será, ni más ni menos, que Raymond Chandler. Se trata, por supuesto, de Double Indemnity, uno de los títulos mayores del director austríaco, una de sus escasas contribuciones al cine negro.

Cinco tumbas al Cairo (1943)

Segunda película de Wilder en Hollywood, como director, en esta ocasión se va al género bélico, aunque tiene mucho de obra teatral, ya que está basada en una de ellas, por lo que el grueso de la acción de desarrolla en un semi derruido hotel con interminables diálogos y mas diálogos y muy poca acción física, salvo el principio con el tanque que a priori me pareció un gran comienzo, pero dura poco, y también en la parte final (inevitable siendo bélica, claro) hay algo de movimiento.

Filme discreto, no malo, ni regular, sino bueno, pero para mí, discreto, uno mas de tantos que se hacían en aquella época. Ciertamente no ayudó que no me creyera a Franchot Tone en su papel (demasiada suerte tiene siempre), me sorprendió como pintan al General Sebastiano (Fortunio Bonanova), muy tonto y despistado, sobre todo cantando siempre ópera como si estuviera en su casa, o cuando le roban la pistola, no se da ni cuenta quien puede ser... ¡vaya despistes amigo!.

El final me resultó algo oscuro, vaya tragedia, no me lo esperaba, pero bueno, los nazis eran así de amigables...

Al menos los personajes alemanes me encantaron, tanto Erich Von Stroheim como Peter Van Eyck tienen mucha fuerza y presencia en pantalla y el personaje de Anne Baxter, aunque algo desdibujado, me pareció de protagonista, no sólo para que salga para el interés romántico, que en esta ocasión casi nada de nada.

Siento que las Cinco tumbas, podían haberse visto, no sé, mas aventuras alrededor de ellas, mas acción, todo lo dicen de palabra como si estuvieras viendo una obra de teatro.

No sé si en su época tuvo un gran éxito, supongo que sí, por la trama tan de actualidad.

Wilder dice que era una producción menor de la Paramount, por lo que supongo que no era imprescindible que obtuviera una gran recaudación. Alucino que en la Wikipedia se diga que Tarantino la listó como su décima preferida de todos los tiempos. Me parece una pura "boutade". En mi caso no estaría ni entre las 1.000 preferidas. Es más, entre las de Wilder estará en la zona de abajo.

02. THE MAJOR AND THE MINOR (1942, EL MAYOR Y LA MENOR)



Producción y distribución: Paramount Pictures, Inc.

Director: Billy Wilder.

Productor: Arthur Hornblow, Jr.

Guion: Charles Brackett y Billy Wilder, sugerido por la obra de teatro “Connie Goes Home” de Edward Childs Carpenter (49th Street Theatre, Nueva York, 6 de septiembre de 1923) de la historia “Sunny Goes Home” de Fanny Kilbourne (The Saturday Evening Post, 7 de mayo de 1921).

Fotografía: Leo Tover, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Hans Dreier y Roland Anderson.

Música: Robert Emmett Dolan.

Montaje: Doane Harrison.

Reparto: Ginger Rogers (Susan “Su-su” Applegate), Ray Milland (Mayor Philip Kirby), Rita Johnson (Pamela Hill), Robert Benchley (Albert Osborne), Dianna Lynn (Lucy Hill), Lela E. Rogers (La señora Applegate), Raymond Roe (Cadete Anthony Wigton, Jr.), Frankie Thomas (Cadete Osborne) y Edward Fielding (Coronel Oliver Slater Hill).

Rodaje: del 13 de marzo a principios de mayo de 1942.

Estreno: el 16 de septiembre de 1942.

Recaudación: 2.500.000 dólares (Variety, 6 de enero de 1943).

Duración: 1:36:25.



Coordenadas espacio / temporales:

Nueva York > Iowa / Mayo de 1941

…

Aunque en la escala de oficiales del Ejército de Tierra de las Fuerzas Armadas españolas no existe el rango de mayor sino el de comandante he optado por no usar este último término para evitar así quebrar el juego de palabras que contiene el título de la película.

A pesar de las declaraciones de Wilder lo cierto es que EL MAYOR Y LA MENOR fue un proyecto del agrado del director puesto que su intención primordial era facturar una película que fuese un éxito de taquilla y de esta forma poder cimentar su incipiente carrera como realizador.



Curiosamente el material elegido como sustrato literario de la misma fue una añeja comedia teatral de Edward Childs Carpenter (1872-1950) titulada “Connie Goes Home” estrenada en el 49th Street Theatre de Nueva York el 6 de septiembre de 1923 y... que tan solo tuvo 20 representaciones…

https://playbill.com/productions/con...cinema-49-1923

Esta a su vez se basaba en un cuento de Fanny Kilbourne (1890-1961), “Sunny Goes Home”, publicado en la prestigiosa revista “The Saturday Evening Post” el 7 de mayo de 1921.





Aunque efectivamente la intención original de Wilder era contar con la pareja Ginger Rogers / Cary Grant lo cierto es que Ray Milland (1907-1986) era un actor camaleónico que funcionaba igual de bien en la comedia que en el drama (como pronto seremos testigos)...



..., aunque bien es cierto que su personaje está completamente subordinado a una pletórica Ginger Rogers (1911-1995), de largo lo mejor de la función.



Curiosamente y tal vez por la buena relación de amistad y profesional entre Billy Wilder y Howard Hawks (1896-1977) este último firmó en 1952 una de sus comedias más famosas como es ME SIENTO REJUVENECER que bien podría ser un remake inconfeso (todo lo libre que se quiera) de la cinta hoy comentada dado que en ella trabajan Rogers y Grant y el argumento se centra igualmente en una vuelta a la infancia de uno de los protagonistas, aunque en este caso sea real y no fingida.



Como indicaba Wilder contó para la ocasión con dos grandes estrellas de la época y con el añadido de que Ginger Rogers había ganado ese año (el del rodaje, no el del estreno) el Oscar a la mejor actriz por su papel en la película ESPEJISMO DE AMOR (1940), de Sam Wood.



- Ginger Rogers y James Stewart, con sus respectivos Oscar, 27 de febrero de 1941. -

Una película, por cierto, con guion de Dalton Trumbo (1905-1976), seguramente el más notorio de los Diez de Hollywood…

Retengamos ese nombre en la memoria…

Volviendo a Rogers y Milland y si echamos un vistazo al número del 6 de enero de 1943 de la igualmente prestigiosa revista Variety 1942 fue un año extraordinariamente positivo no solo para ambos sino también (y muy especialmente) para las compañías para las que trabajaban.

En dicho año tanto la una como el otro intervinieron en 4 películas (cameos aparte, en el caso de Milland).

Veamos las cifras (lógicamente en dólares) siguiendo la cronología de los estrenos.

Rogers…

ESPEJISMO DE AMOR > 1.100.000

SEIS DESTINOS > 2.600.000

EL MAYOR Y LA MENOR > 2.500.000

ONCE UPON A HONEYMOON > 2.600.000

Total = 8.800.000

Milland…

THE LADY HAS PLANS > 1.250.000

PIRATAS DEL MAR CARIBE > 5.200.000

CONFLICTO MATRIMONIAL > 1.050.000

EL MAYOR Y LA MENOR > 2.500.000

Total = 10.000.000

Aunque no he echado más que un somero vistazo a la revista no me extrañaría que ambas hubiesen sido las estrellas más rentables en sus respectivas categorías.





Y lo cierto es que EL MAYOR Y LA MENOR es una comedia menor (valga la redundancia), aunque decididamente simpática especialmente y como antes indicaba por la superlativa interpretación de una bellísima Ginger Rogers…



… que no solo bailaba muy bien sino que era un actriz con una bis cómica francamente notable) que en la película encarna no solo a una niña de 11 años (en lo que bien podría ser un homenaje/parodia a los personajes que solía representar la gran estrella del cine mudo Mary Pickford (1892-1979), cofundadora en 1919 de la United Artists, el estudio donde más y mejor (o al menos más libre) trabajaría Wilder a partir de TESTIGO DE CARGO (1957), la mejor película hitchcockiana no dirigida por el maestro del suspense, al menos para el que esto firma)…



... sino también más tarde a su madre (algo que no deja de tener su gracia como veremos a continuación y donde retomaremos la figura de Trumbo que antes mencionaba) y muy especialmente el primer tramo de la película, el que transcurre en la ciudad de Nueva York y en el tren que va desde dicha ciudad hasta High Creek, Indiana (en el caso de él) y Stevenson, Iowa (en el caso de ella), siendo ambas localidades ficticias.



La acción transcurre en 1941, pero antes del ataque de los japoneses a Pearl Harbour, aunque evidentemente la misma no elude el conflicto bélico en el que estaba inmerso el país, como queda reflejado en el personaje encarnado por Milland, un frustrado (aunque jovial) mayor del Ejército que se ve obligado a ejercer como instructor de tiro en una academia militar que bien podría recordarnos a la muy superior CUNA DE HÉROES (1955) - una de las obras mayores de John Ford, al menos desde mi modesto punto de vista… - debido a los tejemanejes de su prometida Pamela (Rita Johnson) que quiere mantenerlo alejado del frente no porque le preocupe especialmente su persona sino por los réditos económicos y sociales que ella pretende conseguir con la ayuda de su igualmente irritante padre, el coronel Hill (Edward Fielding).



Aunque ciertamente en el tramo que transcurre en la academia hay algunas escenas y diálogos muy divertidos gracias sobre todo a la interacción de Susan (Ginger Rogers) con algunos de los cadetes más salidos...



... como indicaba al principio la acción que acontece en el tren me parece la más lograda y seguramente por algo que parece haber pasado desapercibido a mis doctos colegas y es el hecho de que la actriz actúe sin maquillaje ni lápiz labial, aunque incomprensiblemente no se mantiene más adelante tal vez a requerimiento de la actriz para evitar quedar en desventaja ante una colega tan bella y elegante como es Johnson.





Un detalle que puede parecer nimio pero que hace que la secuencia que transcurre en el compartimento de tren entre los dos protagonistas sea mucho más creíble y donde además se nota la buena química existente entre ambos.





El otro aspecto más destacado de la cinta, y que ya fue mencionado por mad dog earle, es que el fondo de la historia es un auténtico torpedo a la línea de flotación del Código de Producción puesto que la misma, a pesar de su envoltura, habla sobre la (¿imposible?) atracción erótico/romántica que un adulto siente por una niña (recordemos que ella dice tener 11 años para así poder comprar el billete de regreso a su localidad natal después de su fracaso laboral en la ciudad de los rascacielos) y que desde luego me parece mucho más subversiva que la edulcorada (a pesar del guion del propio novelista) versión de LOLITA (1962), de Stanley Kubrick.





Y es que a pesar de que al final el mayor descubra que su protegida no es una niña sino una mujer adulta no invalida para nada el hecho de que él se sienta atraído por ella tan pronto la conoce independientemente de que el oficial parezca desconocerlo todo sobre el bello sexo.

Y no, no me olvido.

Me resulta curioso el que ninguno hayáis mencionado el hecho de que la actriz que encarna a la madre de Ginger Rogers era igualmente su madre en la vida real, Lela E. Rogers (1891-1977), en su única aparición en la gran pantalla, aunque en los años 10 había ejercido de guionista.



La misma persona que en 1947 testificó ante el Comité sobre Actividades Antiamericanas del Congreso (HUAC) acusando al guionista Dalton Trumbo (De aquellos polvos vienen estos lodos…) no solo de ser un comunista de manual sino de que en las películas escritas por él se vertían contenidos subversivos (sic).

Algo que, por supuesto, la devota madre desconocía (sic) cuando su preciosa hija trabajó en dos de sus películas, la mencionada ESPEJISMO DE AMOR y que le proporcionó el único Oscar de su carrera y COMPAÑERO DE MI VIDA (1943), de Edward Dmytryk.

Pero eran otros tiempos… ¿o no?

Buenas (y al menos en Bilbao calurosas) tardes y, buena suerte.



P. D. Aunque tan solo sea por la referencia a las tribus indígenas que habitaban el área de la actual Nueva York, ¿no creéis que hay un cierto paralelismo entre este rótulo introductorio y el prólogo de LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA?





Serán cosas mías.

Agur.

…

Anexo:

Las colaboraciones Brackett (en la foto el de la izquierda) / Wilder...



... antes de la conversión de este en director:

BLUEBEARD`S EIGHTH WIFE / LA OCTAVA MUJER DE BARBA AZUL (1938) Ernst Lubitsch (25-3-38) Paramount

MIDNIGHT / MEDIANOCHE (1939) Mitchell Leisen (24-3-39) Paramount

NINOTCHKA / ídem (1939) Ernst Lubitsch (9-11-39) MGM

ARISE MY LOVE (1940) Mitchell Leisen (8-11-40) Paramount

HOLD BACK THE DAWN / SI NO AMANECIERA (1941) Mitchell Leisen (26-9-41) Paramount

BALL OF FIRE / BOLA DE FUEGO (1941) Howard Hawks (2-12-41) Goldwyn/RKO

Gracias Alcaudón por la currada que te estás pegando. Espero con ganas a que llegues a su versión de Sherlock Holmes.

Yo también. Es mi película favorita. Pero mis problemas de articulaciones y musculares no hacen sino acentuarse.

Pero uno es terco como una mula.

Por cierto, este no es un hilo privado. Todos podéis comentar las películas que conforman la filmografía del gran BW siempre que 1) se respete la cronología de la misma y 2) se reserve la primera entrada al creador del mismo, mad dog earle.

A ver si alguien más que los "sospechosos habituales" se anima y de esta forma conseguimos enriquecer el rincón.



Iniciado por Alcaudón

Aunque en la escala de oficiales del Ejército de Tierra de las Fuerzas Armadas españolas no existe el rango de mayor sino el de comandante he optado por no usar este último término para evitar así quebrar el juego de palabras que contiene el título de la película.

Esta es una observación que has hecho en más de una ocasión cuando en una película aparece un militar con el rango de mayor. Y lo cierto es que nunca he entendido este prurito castrense (cuando, creo recordar, que ni siquiera hiciste el servicio militar, ¿verdad?). ¿Qué demonios tiene que ver la escala de oficiales del ejército español con una película estadounidense? El DRAE muestra una mente mucho más abierta y nos acepta sin reservas el término:

• m. desus. Caudillo, capitán, jefe de guerra. Se usa todavía en algunos ejércitos como denominación de empleo equivalente al de comandante.

Iniciado por Alcaudón

El otro aspecto más destacado de la cinta, y que ya fue mencionado por mad dog earle, es que el fondo de la historia es un auténtico torpedo a la línea de flotación del Código de Producción puesto que la misma, a pesar de su envoltura, habla sobre la (¿imposible?) atracción erótico/romántica que un adulto siente por una niña (recordemos que ella dice tener 11 años para así poder comprar el billete de regreso a su localidad natal después de su fracaso laboral en la ciudad de los rascacielos) y que desde luego me parece mucho más subversiva que la edulcorada (a pesar del guion del propio novelista) versión de LOLITA (1962), de Stanley Kubrick.

Casi 12, creo que dice que le falta una semana para cumplirlos. No creo que sea más subversiva que Lolita (ni la de Nabokov ni la de Kubrick), porque el público sabe desde el primer momento que no es una niña, que es un disfraz. En cambio, Lolita es una niña, aunque Sye Lyon tuviera ya un cuerpo de adolescente, y Humbert Humbert sabe muy bien el juego que está jugando, matrimonio con la madre incluido. Con todo, el film no tiene nada de inocente, aunque como dije en mi comentario me gustaría saber qué pensaba el público de la época: ¿se quedaba en el juego de disfraces, como años después en Some Like It Hot, o intuía esa connotación pedófila? Ah, y sobre lo del maquillaje y el lápiz de labios, ahí dejo la respuesta a nuestro querido Alex, para estas cosas (y otras) soy bastante cegato.

Iniciado por Alcaudón

Me resulta curioso el que ninguno hayáis mencionado el hecho de que la actriz que encarna a la madre de Ginger Rogers era igualmente su madre en la vida real, Lela E. Rogers (1891-1977), en su única aparición en la gran pantalla, aunque en los años 10 había ejercido de guionista.

Bien visto, se me escapó ese interesante detalle.

¿COMANDANTE DUNDEE?

Bromas aparte tampoco he entendido nunca porque hasta tiempos recientes no se ha empezado a traducir correctamente el título de una novela (corta) de una influencia incuestionable dentro del género fantástico como es EL EXTRAÑO CASO DEL DR. JEKYLL Y EL SEÑOR HYDE (y no MISTER HYDE).

Para mí siempre será Mister Hyde, como son Miss Marple y Monsieur Poirot.

Iniciado por mad dog earle

Para mí siempre será Mister Hyde, como son Miss Marple y Monsieur Poirot.

Soy de la misma opinión. 😊

Sobre Tarantino, pues no me extraña que diga eso, porque veo una escena similar en Reservoir Dogs, se trata de la cena con los oficiales con Rommel de abanderado, se tocan al principio temas superfluos, que no van con la trama, no alarga tanto como el bueno de Quentin, pero me vino rápidamente a la cabeza, después si que hablan de sus cosas, pero también hay espacio en su inicio de la conversación al estilo "tengo la polla de Madonna en el oido izquierdo y la chinita Toby no se que mas en el oido derecho....", claro el salseo lo da el oficial italiano, que yo estoy con Cinefilototal, a mi si me gusta, a los italianos seguramente no.

Escucho y veo en el podcast de Todopoderosos sobre el programa de Wilder, que la intro de esta peli, es maravillosa, de las mejores en la historia del cine.....bueno a mi me parece que está bien, pero el actor principal, hace unos cosas extrañas con el cuerpo que le quitan algo de realismo para mostrar que está actuando. No vi ésta intro tan maravillosa, sí molona. Y el actor principal "DAVOS", cojera, Sospechosos habituales, quizá Bryan Singer también tiene este film en la lista, me parece bastante sosainas, no me dice mucho. Anne Baxter, como siempre a alto nivel. Mi momento favorito del film es el diálogo en cama (que no encamados) de Rommel y Baxter, me parecen brillantes. Wilder se centra más en estas cositas que en la trama en si, que parece a veces secundaria, evidentemente es de mi agrado; siempre he dicho que me gustaría ver en una peli de Drácula, como este se afeita, o se limpia culo después de cagar, y que fuera una peli seria claro, me interesan las rutinas de los protas, que las muestren en cuentagotas, pero que lo hagan.

A mi curiosamente, ni su intro en el desierto, y los textos fínales con secuencias, no me dicen nada. Me gusta todo lo que pasa en el "hotel Fawlty". Claro el clímax es cuando es descubierto en el bombardeo, pero como cuidan a cada uno de sus personajes, me parece el mayor acierto del film, o por lo menos yo lo disfruto mucho, son personajes con entidad propia, no hay ninguno decorativo.

En resumen, un notable film para mi, no me esperaba nada porque no sabía a lo que enfrentaba, y salgo satisfecho, teniendo claro que no es un film top, prefiero su anterior, pero para despreciable.

Drácula no puede afeitarse porque su imagen no se refleja en un espejo.

Mear seguro, con todo los líquidos que toma !!!!!

Iniciado por Alex Fletcher

En resumen, un notable film para mi, no me esperaba nada porque no sabía a lo que enfrentaba, y salgo satisfecho, teniendo claro que no es un film top, prefiero su anterior, pero para despreciable.

Bien, bien, veo que, como en los viejos tiempos, esta revisión puede tener momentos tensos de discrepancia. Como en paralelo estoy revisando la filmografía de Mario Bava, lo sangriento me apetece. Veo que Alex está en modo "todo lo que hace este Wilder me gusta y lo disfruto", en cambio yo, quizá por cosas de la edad o porque ya las he visto todas antes y algunas muchísimas veces (o porque nadie es perfecto), voy en sentido contrario, Wilder cada vez me interesa menos y me cansa más. Pero, bueno, afortunadamente lo mejor está aún por llegar.

Sólo unas precisiones. Cuando yo destacaba el final, no me refería a los textos y los discursillos triunfales, justamente lo contrario, alababa esa muerte del personaje de Baxter porque dejaba un poso amargo que relativizaba el patrioterismo, aunque este fuera lógico hasta cierto punto en un contexto de guerra. Por otro lado, no veo la relación con Reservoir Dogs, quizá, por proximidad temporal, me puede recordar ligeramente Inglourious Basterds, pero este es uno de los films de Tarantino que menos me gustaron (y que no he revisado).

Sobre el personaje italiano, me reitero en que me parece una bufonada que dice muy poco de la supuesta sutilidad de Wilder (o de Brackett) como guionista. Este tipo de bromas en los films de Wilder (del tipo "chistes de leperos", no sé cinefilototal qué pensará ) me parece que no han superado bien el paso del tiempo.

¡Ah, y por favor, no tomemos el nombre Hotel Fawlty en vano!

Iniciado por mad dog earle

Sobre el personaje italiano, me reitero en que me parece una bufonada que dice muy poco de la supuesta sutilidad de Wilder (o de Brackett) como guionista. Este tipo de bromas en los films de Wilder (del tipo "chistes de leperos", no sé cinefilototal qué pensará ) me parece que no han superado bien el paso del tiempo.

¡Ah, y por favor, no tomemos el nombre Hotel Fawlty en vano!

La gran mayoría de los Leperos de tontos no tienen nada, que es un pueblo bien chulo, y hay poco o nada de paro.

Al personaje de F. Bonanova, lo tratan como el alivio cómico de la película, porque es cierto, que no todo tienen que ser caras largas y sobriedad, pero tanto gorgorito operístico cada vez que sale, no me pega mucho, la verdad, que no está en un teatro ...