Billy Wilder: revisando sus películas

Billy Wilder (1906 – 2002)

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Después de un paréntesis forzado por las obligaciones curriculares de nuestro querido Alex, volvemos a la carga con una nueva entrega de “revisando sus películas”, esta vez dedicada a un director que no necesita presentación: Billy Wilder. Wilder es el responsable de una filmografía extraordinariamente popular, algunos de cuyos títulos son presencia habitual en los canales televisivos dedicados al cine clásico. Cualquier aficionado, sin necesidad de ser un cinéfilo pata negra, seguro que puede nombrar sin dificultad una quincena o más de sus films, en el conjunto de una filmografía no especialmente extensa para los usos de la época en Hollywood: 26 largometrajes en 47 años, de 1934 a 1981.

Para admirar a Wilder, no hace falta llegar al extremo de Fernando Trueba y afirmar aquello que dijo el director madrileño al recoger el Oscar por Belle Epoque (frase que siempre me ha parecido algo cursi): "I would like to believe in God in order to thank Him. But I just believe in Billy Wilder, so thank you, Mr. Wilder". Wilder es, sin duda, uno de los grandes de la historia del cine, pero en mi panteón particular no es uno de los “más grandes”, a pesar de que varios de sus films están, sin duda, entre mis preferidos. No obstante, hay algo en su cine que, aunque no me impide disfrutarlo (al menos en sus mejores obras), siempre me genera un cierto distanciamiento. Es algo que ya he expresado más de una vez en este foro, y que sé que muchos no comparten, pero cuando veo los films de Wilder a menudo tengo la sensación de estar leyendo el guion. Para algunos (entre ellos un buen amigo mío) eso es precisamente su mayor mérito, pero en mi caso siempre me acaba generando alguna reserva. Sea como sea, estoy seguro de que vamos a gozar de esta revisión.

Sin ánimo de exhaustividad, doy algunos datos introductorios. Samuel Wilder (aunque su madre lo llamaba Billie, de ahí el Billy que adoptó cuando se instaló en Estados Unidos) nació en 1906, en la pequeña población de Sucha, por entonces parte del viejo Imperio Austro-húngaro, actualmente en territorio polaco, en el seno de una familia judía que pronto se desplazó a Viena. Allí crece y se forma Wilder, destacando como periodista. Más tarde se instalará en Berlín, donde sigue con la profesión de periodista hasta que empieza a escribir guiones, muchos de ellos como “negro” en producciones de Erich Pommer para la UFA. En todo caso, según algunas fuentes, se acredita como tal en unos 14 films entre 1929 y 1933, entre los que, sin duda, destaca Menschen am Sonntag (1930), película que aglutinó en distintas labores a diversos cineastas que brillarían pocos años después en Hollywood: Robert y Curt Siodmak, Edgar G. Ulmer, Fred Zinnemann o Eugen Schüfftan, además de Wilder (film que comenté hace un tiempo en el hilo de Las últimas pelis que has visto en casa).

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Según cuenta Wilder, al día siguiente del incendio del Reichstag (1933) huye a París, como hicieron tantos otros alemanes de origen judío, entre los cuales gente de cine con los que coincidirá en la capital francesa: Fritz Lang, Peter Lorre, Erich Pommer, Franz Waxman o Friedrich Holländer entre otros. Allí sigue escribiendo guiones con seudónimo y codirige su primer largometraje: Mauvaise graine, en cuyos créditos aparece como Wilder, sin nombre (lo que nos impide saber si ya usaba el Billy en lugar del Billie).

El mismo año en que se estrena el film parte para Estados Unidos, en donde vivirá hasta su muerte. Su hermano mayor, Wilhelm “Willie” Wilder (que desarrolló también una carrera vinculada al cine, como director, guionista y productor), ya vivía en Nueva York, con el nombre de William. Billy se instala poco después en Los Angeles donde comienza a escribir guiones para la Columbia y la Fox, para acabar vinculándose a la Paramount, donde rodará todas sus películas hasta Sabrina.

Sus guiones son dirigidos, entre otros, por Ernst Lubitsch (a quien Wilder siempre tuvo como modelo a seguir) en Bluebeard’s Eighth Wife (1938) y Ninotchka (1939); Mitchell Leisen (al que consideraba un “decorador”) en Midnight (1939), Arise, My Love (1940) y Hold Back the Dawn (1941); y Howard Hawks (de quien reconoció haber aprendido mucho en materia de rodaje) en Ball of Fire (1941), todos ellos en colaboración con Charles Brackett, con el que también escribirá el guion de su primer largometraje: The Major and the Minor, film que marca el inicio de una brillante carrera de 25 largometrajes en Hollywood.

01. Curvas peligrosas (Mauvaise graine, 1934)
02. El mayor y la menor (The Major and the Minor, 1942)
03. Cinco tumbas al Cairo (Five Graves to Cairo, 1943)
04. Perdición (Double Indemnity, 1944)
05. Días sin huella (The Lost Weekend, 1945)
06. El vals del emperador (The Emperor Waltz, 1948)
07. Berlín Occidente (A Foreign Affair, 1948)
08. El crepúsculo de los dioses (Sunset Blvd., 1950)
09. El gran carnaval (Ace in the Hole, 1951)
10. Traidor en el infierno (Stalag 17, 1953)
11. Sabrina (Sabrina, 1954)
12. La tentación vive arriba (The Seven Year Itch, 1955)
13. El héroe solitario (The Spirit of St. Louis, 1957)
14. Ariane (Love in the Afternoon, 1957)
15. Testigo de cargo (Witness for the Prosecution, 1957)
16. Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959)
17. El apartamento (The Apartment, 1960)
18. Uno, dos, tres (One, Two, Three, 1961)
19. Irma la dulce (Irma la Douce, 1963)
20. Bésame, tonto (Kiss Me, Stupid, 1964)
21. En bandeja de plata (The Fortune Cookie, 1966)
22. La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, 1970)
23. ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (Avanti!, 1972)
24. Primera plana (The Front Page, 1974)
25. Fedora (Fedora, 1978)
26. Aquí, un amigo (Buddy Buddy, 1981)

Participó durante la II Guerra Mundial en la Psychological Warfare Division. Como parte de su contribución al “esfuerzo de guerra” trabajó también con el cortometraje Los molinos de la muerte (Die Todesmühlen, 1945), de Hans Burger, en tareas de montaje, reduciendo los 86 minutos originales a 22. También colaboró sobre el terreno en el proceso de reconstrucción del cine alemán tutelado por las fuerzas de ocupación antes de regresar a su oficio de director de cine.

Pero esa dedicación al cine, como diría un célebre personaje de Irma la Douce años después, es “another story...”, otra historia que será contada puntualmente con cada uno de los films sujetos a revisión. No alargo más esta breve presentación, probablemente innecesaria. Solo queda añadir la referencia a algunos libros que pueden interesar a quien quiera seguirnos durante los próximos meses, una pequeña muestra, puesto que la literatura generada por nuestro director es enorme:

“Nadie es perfecto”, las memorias de Billy Wilder escritas con la ayuda de Hellmuth Karasek (del que he extraído varios de los datos citados).

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“Conversaciones con Billy Wilder”, de Cameron Crowe, fruto de una larga serie de entrevistas que el director de Jerry Maguire (film para el que intentó sin éxito que Wilder participara en un pequeño papel) mantuvo con nuestro director, con la intención de hacer algo similar a lo que Truffaut hizo con Hitchcock.

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Y, finalmente, “Billy Wilder”, de Claudius Seidl, la clásica monografía de Cátedra (que, a día de hoy, todavía no he leído).

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Sin olvidar, para aquellos que gusten de visitar hemerotecas cinéfilas, el especial que le dedicó la revista Dirigido por en su número 312, de mayo de 2002

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Disponemos, además, de un interesante documental para la televisión, en que el director germano Volker Schlöndorff entrevista a Wilder en inglés y alemán. Muchos de los comentarios y anécdotas coinciden con las que se recogen en sus memorias, redactadas en colaboración con Karasek.

Billy Wilder habla (Billy Wilder Speaks, 2006), de Volker Schlöndorff.

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Así pues, queda todo a punto para empezar la revisión. Y lo haremos de una manera que, de entrada, nos parecerá extraña: como codirector (por primera y última vez en su carrera) de un film en francés, Mauvaise graine, junto a un director húngaro, Alexander Esway (nacido Sándor Ezry).

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Un grande con una filmografía muy interesante. Será un placer leeros, como siempre.

Su "Sherlock Holmes" es una de mis películas favoritas.

Uno de los más grandes de la historia del cine. Una filmografía impecable. Quizás el mejor director -guionista de este Medio, junto a Woody Allen y Joseph L. Mankiewicz , en mi opinión, por supuesto. Formaba un dúo genial a los lápices juntos a I.A.L. Diamond.

Mis favoritas: el crepúsculo de los dioses, perdición, el apartamento y con faldas y a lo loco. Aunque su filmografía está repleta de joyas: testigo de cargo, Irma la dulce, traidor en el infierno, el gran carnaval , la tentación vive arriba, primera plana, Sabrina, la vida privada de Sherlock Holmes, uno dos tres, Arianne, en bandeja de plata, días sin huella, y un largo etc.



Uno de los más cercanos a dios en esto del cine, como decía Trueba, you know.

No olvides "Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?" (Avanti!). Una deliciosa comedia con sabor Italiano y que huele a su maestro Lubitsch.

Esa es una gran película

Cita:

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Iniciado por riobravo59

No olvides "Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?" (Avanti!). Una deliciosa comedia con sabor Italiano y que huele a su maestro Lubitsch.

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Magnífica película también. Y muy divertida.

Cita:

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Iniciado por riobravo59

No olvides "Qué ocurrió entre tu padre y mi madre?" (Avanti!). Una deliciosa comedia con sabor Italiano y que huele a su maestro Lubitsch.

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La he visto tropecientas veces. Como tantas otras de Wilder y otras a las que no tengo acceso.

Como deseo, desde hace años, que se publique un pack de blurays de Billy Wider (bien editados) que incluya todas las películas que enumera Mad Dog Earle. Pero parece que no hay manera. ¡En fin!.

Cita:

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Iniciado por Vespasià

Como deseo, desde hace años, que se publique un pack de blurays de Billy Wider (bien editados) que incluya todas las películas que enumera Mad Dog Earle. Pero parece que no hay manera. ¡En fin!.

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+1. En muchos casos todavía hemos de echar mano de los DVD publicados hace años. Y de las ediciones en BD, hay bastantes editadas en BD-R.

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

+1. En muchos casos todavía hemos de echar mano de los DVD publicados hace años. Y de las ediciones en BD, hay bastantes editadas en BD-R.

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Entre ellas "El Apartamento". I aunque se ve y oye muy bien, no deja de ser una vergüenza que grandes películas como ésta se editen en ese tipo de disco.

Muchassssssss ganas de Wilder!!!!!

De herencia de mi padre, tengo éste libro...

https://m.media-amazon.com/images/I/...NL._SY385_.jpg

Por cierto en Amazon lo venden a 342 euracos.

Tengo el libro también de entrevistas de C.Crowe.

Tengo todas sus pelis en DVD o BD, excepto

-Aqui un amigo, hay una edición patria en DVD de Creative, sin subt.
- Vals del emperador:parece que no es dificil de conseguirla, pero editoras ejem ejem
- 5 tumbas del cairo: tengo la edicion de eureka en el punto de mira.

Por cierto, durante el festival de Sitges, o sea del 9-19.10, me gustaría dos semanas de parón. :cigarro

Otra que me encanta es bésame tonto, con Dean Martin y Kim Novak. Muy divertida.

Cita:

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Iniciado por Alex Fletcher

Por cierto, durante el festival de Sitges, o sea del 9-19.10, me gustaría dos semanas de parón. :cigarro

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Ya está previsto ese "parón", con la condición de que, como corresponsal desplazado al Festival, nos suministres información de interés, por medio de los canales que consideres más adecuados. :cortina

Cita:

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Iniciado por Alex Fletcher

https://m.media-amazon.com/images/I/...NL._SY385_.jpg

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No lo he leído. Lo que he comprobado es que Wilder tendía a reproducir las mismas anécdotas muy a menudo, por lo que si se lee más de un libro sobre su vida y obra suelen haber bastantes reiteraciones. El de Crowe es de amena lectura, aunque queda a años luz del de Truffaut sobre Hitchcock, que al parecer era su modelo a seguir.

Cita:

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Iniciado por Alex Fletcher

Tengo todas sus pelis en DVD o BD, excepto

-Aqui un amigo, hay una edición patria en DVD de Creative, sin subt.
- Vals del emperador:parece que no es dificil de conseguirla, pero editoras ejem ejem
- 5 tumbas del cairo: tengo la edicion de eureka en el punto de mira.

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A mí me faltan The Spirit of St. Louis (de momento, está en Filmin) y su canto de cisne, Buddy Buddy. Espero conseguir alguna copia decente de esta última. En todo caso, como es la que cerrará la revisión (y, todo hay que decirlo, quizá su peor película), todavía hay tiempo.

01. Curvas peligrosas (Mauvaise graine, 1934)

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Como apuntaba en el post de presentación, la filmografía de Wilder como director de largometrajes tiene un inicio un tanto excepcional. Forzado a abandonar Berlín por razones desgraciadamente más que justificadas, se frustró la que probablemente hubiera sido la evolución natural de su carrera: pasar de guionista a director en Alemania, quizá dentro de la UFA. Con todo, tampoco hay que descartar que, de todas formas, hubiera acabado recalando en Hollywood. Recordemos que ese fue el camino que siguió su maestro Ernst Lubitsch ya en la década de los 20.

Temporalmente instalado en París, Wilder escribe, si hacemos caso de los créditos, el guion del film conjuntamente con Jan Lustig (otro hijo del Imperio Austro-húngaro, que también acabaría trabajando en Hollywood) y Max Kolpé (nacido Kolpenitzky, en Königsberg, conocido también como Colpet, al que encontramos años después participando en el guion de Germania anno zero de Rossellini), con la colaboración de Claude-André Puget (guionista y dramaturgo francés, que probablemente trabajó en la adaptación idiomática, puesto que ninguno de los tres guionista era de lengua francesa). La “mise en scène” la firma el propio Wilder (acreditado como tal, sin nombre de pila) y Esway, mientras que la música es de otro exiliado de prestigio, camino de Estados Unidos, Franz Waxmann (con dos enes, quizá porque su nombre original era Wachsmann; luego perdería una ene por el camino) y de Allan Gray (también nacido en el viejo Imperio). O sea, un conjunto de exiliados, no sé si todos ellos judíos, que se sumaron al proyecto, bajo la dirección de la producción de Georges Bernier para la Compagnie Nouvelle Commerciale. Según se comenta en las memorias de Wilder, fue el codirector húngaro quien aportó medios económicos para financiar el film.

Sea como sea, el dinero escaseaba, lo que justifica (y hay que decir que felizmente) que la película se rodase mayoritariamente en escenarios naturales, algo que se convierte en el máximo interés del film. Filmada en condiciones precarias, con un sonido bastante deficiente, un reparto no especialmente brillante (aunque destaca la gran Danielle Darrieux, todavía adolescente, pero que da muestras de lo que sería: una bellísima y extraordinaria actriz),

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un trabajo de cámara arriesgado (esos planos rodados a bordo de los vehículos)

https://www.claralaurent.fr/s/cc_ima...g?t=1494352894

pero irregular y un montaje un tanto deshilvanado, Mauvaise graine es, por encima de todo, un film simpático, fresco, que se puede conectar con aquel Menschen am Sonntag en el que Wilder había participado en el guion, sobre todo en la secuencia en que la banda de ladrones de coches se toma un descanso para pasar unas horas de disfrute en una zona de baño, rodada en l’Isle-Adam, en las afueras de París.

https://www.claralaurent.fr/s/cc_ima...g?t=1494352857

El argumento es simple: Henry Pasquier (Pierre Mingand), un vivalavirgen hijo de médico, que ha hecho de su coche (los automóviles son los grandes protagonistas del film: se nos advertirá que hay un coche por cada ocho parisinos) su carta de presentación y su medio para ligar y brillar en sociedad, se queda sin vehículo cuando su padre decide venderlo como forma para obligarlo a que siente la cabeza.
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Ni corto ni perezoso solucionará su “problema” robando un coche, sin prever que unos ladrones de autos profesionales le tenían el ojo puesto al vehículo. Esa será su accidentada entrada en la banda de ladrones de coches, en la cual entabla amistad con Jean-la-Cravate (Raymond Galle), llamado así porque tiene una curiosa “afición”: robar y coleccionar corbatas. La hermana de Jean, Jeannette (la Darrieux), participa también de los engaños por medio de los cuales roban los vehículos, convirtiéndose en el objeto amoroso de Henry.

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Se nos muestran diferentes procedimientos de sustracción de vehículos, como por ejemplo el que les proporciona varios Hispano-Suiza (empresa fundada en Barcelona), coches de prestigio en la época. Henry participa en las operaciones, pero pronto se distingue por una actitud de defensa de los intereses de los miembros de la banda, lo que lo enemista con el jefe (Michel Duran).

https://i.okcdn.ru/videoPreview?id=6...&fn=external_8

Este se ingeniará un modo de deshacerse del incómodo muchacho: le encarga llevar a Marsella un coche defectuoso, que acaba accidentándose cuando tiene que huir a toda velocidad de unos policías que le han pedido la documentación.

Henry y Jeannette, que le acompañaba, se dirigen a continuación a Marsella (hay una escena en que la cámara los sigue en travelling frontal mientras conversan en su andadura por la carretera después del accidente, que vista hoy en día me parece de una gran modernidad). Deciden embarcarse rumbo a Casablanca, pero Henry vuelve primero a París para recoger a Jean.

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Llega a tiempo de ver como la policía irrumpe en el taller que sirve de base de operaciones a la banda. Consigue huir junto a Jean, herido. Lo lleva a la consulta de su padre, pero el hermano de Jeannette muere. La película se cierra con Henry y la muchacha embarcando rumbo a su nuevo destino.

Aunque el film es irregular en su realización (tampoco ayuda a su valoración las condiciones deficientes de la copia), lo cierto es que desprende una ligereza y una cierta crítica soterrada a la sociedad burguesa (esos propietarios de lujosos vehículos que caen como moscas ante la posibilidad de “cazar” a la ingenua Jeannette) que le confiere por momentos un aire de modernidad y atrevimiento que no hubiera desentonado en plena Nouvelle Vague. Quizá más que reconocer en él el futuro cine de Wilder (de hecho, con tantas manos implicadas, cuesta saber qué es atribuible a quién), nos hace pensar en el cine francés de los 30, de un Carné o un Renoir, pero con más desparpajo. Una aventura fílmica atractiva.

El siguiente film de esta revisión, después de un paréntesis de 8 años, ya estará encuadrado plenamente dentro de los inequívocos modos de producción de Hollywood, The Major and the Minor, con un par de estrellas de relumbrón: Ginger Rogers y Ray Milland. Eso será la próxima semana, respetando el ritmo semanal habitual.

Cita:

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Iniciado por Mister_Lennon

Otra que me encanta es bésame tonto, con Dean Martin y Kim Novak. Muy divertida.

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A mi también me gusta, a pesar de que Ray Walston (que está bien, ojo!) le falta el carisma, o lo que sea, de una estrella teniendo en cuenta que es el protagonista principal. Muy poca gente se acuerda de él cuando se cita esta película, como te ha pasado a ti.

Leí en algún sitio que su papel lo tenía que interpretar Peter Sellers, pero renunció en el último momento justo antes de comenzar el rodaje y no hubo tiempo de buscar una alternativa semejante.

De todas formas, siempre que veo la película, pienso en Jack Lemmon en el papel, no solo por tenerlo asociado con varias películas de Wilder sino también porque en ésta aparece su esposa, Felicia Farr, que interpreta la esposa del protagonista.

Más que renunciar, Sellers cayó enfermo (creo que un infarto) después de unos pocos días de rodaje.

Del libro de conversaciones con Crowe, respecto a lo que llegó a rodar con Sellers: "Había una escena en la que aparecía. Una escena, con el marido celoso que espía a su mujer. Cree que se acuesta con el lechero. Era al principio de la película ".

Efectivamente, Ray Walston no fue la elección más acertada para "Bésame, Tonto". Pero me parece más fallida aún la elección de Tom Ewell en "La Tentación Vive Arriba". Ese sí que era un personaje para Lemmon, lástima que aún no era conocido.

Pues, según le cuenta a Crowe, Wilder quería a Walter Matthau, pero la productora se negó porque era un actor desconocido por entonces. Se optó por Ewell que es quien la interpretó en Broadway. A mí también me parece una mala elección (y al parecer a Wilder también, que no parece que tuviera demasiado buena opinión de este actor).

Incluso hubo pruebas de cámara con Matthau en el papel. El era la opción favorita de Wilder para el personaje.

Y yo discrepo con vosotros. A mí si me gusta Tom Ewell en ese personaje. Le da un toque muy mundano y divertido a la vez al personaje que a mí me convence en la mayoría de sus escenas.
Aunque me hubiera encantado ver a Matthau también en el papel.

Y si, Era Peter Sellers el elegido inicialmente para el papel de Ray Walston en bésame, tonto, pero le dio un infarto y no pudo hacerlo. Aunque su relación con Wilder no era muy allá tampoco.
Y a mí me gusta también Walston en el papel, aunque me genera más curiosidad como hubiera funcionado Sellers, para mí uno de los mejores actores comicos que han existido, junto a Dean Martin y Kim Novak.

Walston me parece una buena elección. No tengo claro que Sellers funcionase mejor. En cambio Ewell no me gusta, lo que empeora un film que, en mi opinión, no es gran cosa. Sin Marilyn estaría entre lo menos interesante de Wilder. Incluso con ella, me parece uno de los más discretos.

Esto es subjetivo y cuestión de gustos, como todo en el arte y en cine, you know.

A mí otra de las cosas que más me gustan de Wilder es su versatilidad y su capacidad de adaptación: desde un noir de manual como Perdición a un drama duro e impactante como días sin huella a un melodrama oscuro y decadente como el crepúsculo de los dioses o el suspense británico de Agatha Christie en testigo de cargo o a lo tragicómico con el apartamento o la comedia más disparatada en con faldas y a lo loco o Irma la dulce , por poner algunos ejemplos.

Eni opinión, Como tocaba todos los palos el maestro austriaco , y con que melodía más perfecta en cada palo, you know.

Hablando de melodías, el palo que toco poco y no demasiado bien fue el musical. The Emperor Waltz está entre lo menos lucido de su filmografía. Obviamente, tampoco toco el western, ni el terror o la ciencia ficción, "but that's another story...".

Cita:

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Iniciado por mad dog earle

Sin Marilyn estaría entre lo menos interesante de Wilder. Incluso con ella, me parece uno de los más discretos.

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A mí también me parece de las peores de Wilder. Es más mito que otra cosa gracias al famoso momento de la falda, y encima cuando revisionas las película compruebas que no es una escena tan buena como recordabas.

https://www.elsetantanou.com/imagene...ncho=900&alto=

Luces y sombras en la ópera prima de Wilder compartida. Empiezo con lo malo, evidentemente la calidad visual es muy deficiente y la edición en DVD española, es, como decimos en Suiza, so la la. Veo también malos cortes entre escena y escena, también algunos actores no acompañan con su nivel a los diálogos, que me parecen interesantes, se nota que dominaba esto. Salvo a Danielle Darrieux, me gusta sobretodo el secundario, el de las corbatas, el dotar con cierto peso a un secundario con cosas excéntricas siempre me suman en un film. Tampoco me gusta los acelerones en las imágenes tan típico en pelis de bajo presupuesto o de esa época.

Y destacaría muchos ángulos cinematográficos, que por ser ópera prima, sorprende como mínimo. Me gusta también claro la música jazzística y el roba corbatas. Las escena que hace el barrido de corbatas en la playa me parece lo mejor del film, me ha hecho reir mucho, la pelea dentro del vestuario ya on tanto

En resumen, no es un film muy disfrutón, sobretodo por la mala calidad visual de la edición supongo, que tiene cositas a destacar, las que he mencionado. Costará un segundo visionado pero no sería doloroso.

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02. El mayor y la menor (The Major and the Minor, 1942)

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Damos un salto de 8 años y pasamos del Wilder exiliado en París al Wilder cómodamente instalado en Hollywood, con varios años ya de experiencia como guionista y contrato fijo con la Paramount, donde trabaja con directores de la talla de Lubitsch, Leisen o Hawks.

Son años en los que establece una estrecha colaboración con Charles Brackett, su compañero a la hora de escribir las películas. Cabe destacar que, siendo Wilder un director sobre todo admirado por sus guiones, siempre los elaboró conjuntamente con un guionista norteamericano (reconocía que, en los primeros años, necesitaba cerca alguien que tuviera el inglés como lengua propia). Hasta Sunset Boulevard (salvo una significativa excepción que ya comentaremos en su momento) los elabora con Brackett. Luego, colaboró con otros guionistas y a partir de Love in the Afternoon se empareja con I.A.L. Diamond.

Sorprende que tanto Brackett como Diamond fueran personas muy diferentes a Wilder. De Brackett comenta: “no teníamos nada en común salvo los guiones”, “era republicano, un republicano ferviente”, “estaba en la vanguardia del grupo de escritores como Hemingway o Scott Fitzgerald”.

La insistencia de Wilder por rodar una película, descontento por cómo había llevado a la pantalla sus guiones Mitchell Leisen, dio su fruto y, finalmente, la Paramount le confía un proyecto menor, con Arthur Hornblow Jr. como productor. Dice Wilder de The Major and the Minor: “hice una película comercial, lo más comercial que he hecho nunca. Una chica de veintiséis años [aunque la Rogers pasaba ya de los treinta] que finge tener catorce [en realidad, doce aún no cumplidos]. Una Lolita antes de tiempo”.

En la breve explicación que Wilder da a Crowe se sintetiza casi todo lo que se puede decir del film. The Major and the Minor se trata de un film bien adaptado a los patrones del cine cómico comercial de la época, poco ambicioso en su estructura. Es lo que la generación de mis padres llamaba una “comedieta”. Pero en lo ciertamente ingenuo (o no tanto) de la propuesta, hacernos creer que una mujer hecha y derecha como la Rogers, extremadamente popular por aquel entonces, se puede convertir en una niña que está a punto de cumplir doce años, radica precisamente lo más interesante vista a día de hoy.

Por un lado, la actriz demuestra una notable vis cómica, aguantando la función, a pesar de que se necesitan unas tragaderas descomunales para aceptarla como niña repipi con su globito y sus calcetines caídos.

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Pero por otra parte, fuera o no la intención de Wilder (y apostaría que sí lo era), la película permite una lectura “políticamente incorrecta” que nos adentra en el terreno de la pedofilia. Como se demuestra en la centelleante secuencia final en la estación, cuando finalmente Susan se desenmascara ante el mayor Philip Kirby (Ray Milland) y se muestra como la mujer espectacular que es y él cede sin reparos a que ella le represente esa “toma de Sedán” que los cadetes de la academia militar utilizan para besar a las muchachas, queda claro que desde el primer momento en que se conocieron, en el compartimento del tren, Kirby se ha sentido atraído por la “niña” de doce años.

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Sorprende también, para los usos actuales (sobre todo en Estados Unidos), cómo la dejan en manos de los cadetes para que estos se la pasen de unos a otros intentando sacar el mayor provecho sexual posible (uno se queda con las ganas de saber en qué consistía la “llegada a París”, si la toma de Sedán era un morreo en toda regla). Se juega, pues, con las relaciones sexuales entre y con adolescentes con notable descaro (aunque estoy convencido que esto se veía de forma mucho más “inocente” en los años 40… y se jugaba con que el público sabía que la Rogers no era una niña, pero los cadetes, o al menos algunos, son claramente menores de edad).

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El resto del film es una comedia romántica con un sentido del humor a veces un tanto apolillado, aunque resultón. Wilder/Brackett muestran la tendencia (que Wilder no abandonaría nunca) de rellenar sus películas cómicas de pequeños detalles que son, en ocasiones, minigags dentro de un gag, a menudo recurriendo a la reiteración (el huevo sobre la cabeza del ascensorista, por ejemplo).

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Esa tendencia a recargar los momentos cómicos es lo que a mí me resulta a veces un tanto distanciador, esa necesidad de dar dos vueltas al chiste, algo que Lubitsch hacía de manera magistral y que Wilder consigue en muchas ocasiones, pero no siempre.

Me hace gracia que uno de los lamentos de Wilder al hablar de Mauvaise graine era que tenía que rodar persecuciones de coches sin transparencias. Quizá para resarcirse de ello, el primer plano del film ya nos muestra a Susan caminando por las calles de Nueva York con una transparencia de fondo. Más adaptación a los modos de producción del Hollywood clásico, imposible.

La película se estructura por bloques: el del masaje capilar (en el que ya se muestra el equívoco sexual como motor del film); la compra del billete en la estación, que Susan solo consigue disfrazándose y recurriendo a un “viejo verde”; la huida de los revisores del tren y su refugio en el compartimento del pazguato mayor Kirby (que muestra una “miopía” e inocencia difícil de creer, que quizá se pretenda justificar por medio de un ojo defectuoso);

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la noche tempestuosa y los primeros achuchones “protectores”; y la posterior estancia en la academia militar, que tiene como momento álgido la secuencia de la centralita telefónica.

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Susan maniobrará para evitar que Kirby continue en la academia y, en especial, que se case con su prometida, Pamela (Rita Johnson), porque, ¿hace falta decirlo?, se ha enamorado del sosainas del mayor desde el primer momento (Milland, un actor que me suele gustar, aunque no está mal, no me parece el ideal para el papel; Cary Grant hubiera sido perfecto). Cuenta con la generosa ayuda de la hermana de Pamela, Lucy (Diana Lynn), que parece el único personaje sensato del lugar.

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Hay una larga secuencia de baile en la que se acaba decidiendo todo, cuando Mr. Osborne (Robert Benchley), el frustrado cliente inicial del masaje capilar (frustrado porque es evidente que espera “otro” tipo de masaje, con final feliz), reconoce a Susan y lo pone en conocimiento de Pamela,

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con lo que se precipitará el desenlace, aunque con parada intermedia en Stevenson, Iowa, donde la dulce madre de Susan se dedica a confeccionar mermeladas artesanales (un detalle que no deja de tener mala leche, teniendo en cuenta que, al parecer, la mermelada más apetecible que ha producido en su vida es precisamente su hija).

En resumen, una comedia encantadora si uno tiene un buen día y está dispuesto a dejarse llevar por la fantasía del engaño, aceptando las reglas del juego del cine clásico hollywoodiense, pero lejos del Wilder maduro, que solo asoma aquí y allá en los detalles. Entre ellos, dos referencias cinéfilas: cuando le piden a la "menor", que se hace pasar por descendiente de suecos, que hable en la lengua escandinava suelta un “I want to be alone”, citando a la divina Garbo; luego, en el baile de la academia, todas las muchachas asistentes, procedentes de una institución femenina, lucen un peinado a lo Veronica Lake.

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La siguiente entrega, Five Graves to Cairo, es un film que tengo olvidado casi por completo, solo recuerdo la presencia siempre imponente de Erich von Stroheim.

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Y sí amigo Mad, he tenido un buen día, uno de esos días positivos, y el fin me ha entrado muy bien, aunque ya sabes que soy culpable de gozar con los filmes de Mankiewicz por sus avispados diálogos, y Wilder es el número 2 o 1 en esto, según el día que tenga. La premisa inicial es una idiotez que me encanta, no hay dinero para pagar el billete por una subida de tarifa (me encanta el chiste cuando el de "la Renfe" dice que "vuelva cuando bajen las tarifas" jajaajjaja, lo que decimos en Catalunya, "un autèntic F.D.P) y el personaje de Ginger Rogers se hace pasar y se transforma en una niña de 12 años, y que niña:wtf.

Fantástico también ese Tour de Force en el tren con los controladores de "Renfe", y con ese gag del cigarillo, que me lleva SI NOMES SI, a un gag de los "The young ones" cuando Rik y Neil van a abrir la puerta pensando que la visita son policías. Para llegar al vagón cama con Milland, que en su primer momento, me dije anda mira James Stewart, clavadito de joven el Millard.

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El punto fuerte del film es el tratamiento de la perversidad pedofilia que implica este terrorífico concepto, a si, a secas sin vaselina, logrando llevar a un terreno de comedia blanca, que estando en una época pre Lolita, uno no sabe muy bien donde se encuentra el grado de Perversidad en la escala de Mills (personaje, evidentemente que me acabo de inventar), o sea no se muy bien, si la sociedad en esa época se lo tomaba a la ligera, lo que si se, es que en tiempos de ahora, sería clasificada X. Porque el film no para de jugar con mayor o menor intención al cachondeito de dicha perversidad -blanca- en las dos direcciones, porque si bien es cierto, todos piensas que el personaje principal es una menor, ella misma, que no es menor de edad y debido al engaño, tontea con cadetes militares menores de edad. La treta militar de Sedan/París para ligar y conseguir el beso, es magistral, y no duden que la pondré en práctica.

Lo que hacen los hermanos Coen en muchos de sus films, donde todo sale mal, aquí más de lo mismo, pero blanqueado, y eso me seduce y me divierte mucho como espectador. Y como he dicho tiene diálogos fantásticos. Ese momento de ligoteo con el cadete para que vaya a buscar la radio y donde es pillado por toda la tropa, aún me estoy riendo de su reacción, sin decir nada, da la vuelta y se va, donde el general le pregunta a donde va, y este dice "a prisión", claro así no hace gracia, pero en pantalla lo rompen.

https://elgabinetedeldoctormabuse.co...wilder-3-1.jpgQuien es éste chico? está formidable!!!!

Lo que no me ha gustado, hay chistes que se ven venir y no hacen tanta gracia, como el del ascensor con el botones y el huevo, cuando ella entra en el ascensor y antes de mediar palabra, ya se sabe donde va a acabar el huevo. También no me apasiona esa fórmula de aprovechar las mejores características del actor/actriz y sacarlo en pantalla aunque no lo necesite, como por ejemplo, para mi, no hace falta que Ginger Rogers se ponga a taconear, sabiendo que es una crack en esto, y que toca escena para exhibir, el film, en mi opinión, no lo necesita, pero entiendo que es una fórmula muy adentrada en Hollywood, esos Westerns de Hawks con esa estrella secundaria haciendo de cowboy y forzando el número musical. Por lo demás y como bien dice Mad, si juegas a sus reglas, es disfrutona, yo diría muy difrutona.

En resumen, una grata sorpresa inesperada, Billy Wilder en su segundo film, enseña ya sus cartas con la comedia/diálogos, será un placer seguir éste ciclo, que por motivos de logística de Amazon, tendré que alargar unos días más para el próximo comentario, ya que en principio y si todo va bien, me llega la edición de Eureka el día 9.09.

https://elgabinetedeldoctormabuse.co...wilder-8-1.jpg

Cita:

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Iniciado por Alex Fletcher

El punto fuerte del film es el tratamiento de la perversidad pedofilia que implica este terrorífico concepto, a si, a secas sin vaselina, logrando llevar a un terreno de comedia blanca, que estando en una época pre Lolita, uno no sabe muy bien donde se encuentra el grado de Perversidad en la escala de Mills (personaje, evidentemente que me acabo de inventar), o sea no se muy bien, si la sociedad en esa época se lo tomaba a la ligera, lo que si se, es que en tiempos de ahora, sería clasificada X. Porque el film no para de jugar con mayor o menor intención al cachondeito de dicha perversidad -blanca- en las dos direcciones, porque si bien es cierto, todos piensas que el personaje principal es una menor, ella misma, que no es menor de edad y debido al engaño, tontea con cadetes militares menores de edad. La treta militar de Sedan/París para ligar y conseguir el beso, es magistral, y no duden que la pondré en práctica.

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Sin necesidad de entrar en la discusión (que mantenemos por otros canales) sobre si Milland era o no el actor adecuado para el papel (¡ay, Cary, cómo te echo a faltar!) y si su mayor es convincente o no (para mí ni lo uno ni lo otro, y eso que es un actor que, por regla general, me gusta), coincido, como ya dije en mi comentario, en que ese juego con la pedofilia es, de largo, lo más interesante de este film. Me gustaría saber más de cómo se vio este film en su día, en la conservadora Estados Unidos de los 40, a un paso de entrar en guerra a donde irían a luchar (y muchos a morir) esos cadetes que se forman "alegremente" en la academia.

Me da la impresión como si de detectara más ese componente pedófilo ahora (Alex habla de "perversidad") de lo que quizá se detectó en su momento. ¿Nos hemos vuelto más conservadores aún o, al contrario, nos hemos sensibilizado sobre el asunto "en la buena dirección"? Ahora, de forma tremendamente hipócrita, toda relación sexual adolescente (ya no digamos de adulto con adolescente) parece estar bajo sospecha, es anatemizada. Pero en el film de Wilder tenemos un surtido de relaciones "sospechosas" que tienen la culminación en la brevísima secuencia final, cuando caen las máscaras y nos damos cuenta que el mayor ha estado deseando a la "menor" desde el primer momento, cuando le leía cuentos y la acurrucaba para protegerla de la tormenta. Ahí el tándem Wilder/Brackett dio en el clavo. Me encantaría poder recuperar las conversaciones que tendrían los dos guionistas sobre el tema, en especial teniendo en cuenta que Brackett es calificado por Wilder de "republicano ferviente". :ceja

01. MAUVAISE GRAINE (1934, CURVAS PELIGROSAS)

T.O.: MALA SEMILLA

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Producción: Compagnie Nouvelle Commerciale.

Directores: Billy Wilder y Alexander Esway.

Productor: Georges Bernier.

Guion: Jan Lustig, Billy Wilder y Max Kolpé + Claude-André Puget.

Fotografía: Paul Cotteret y Maurice Delattre, en blanco y negro (1.37:1).

Música: Franz Waxman y Allan Gray.

Montaje: Therese Sautereau.

Duración: 1:16:47.

Estreno: el 5 de julio de 1934.

Reparto: Danielle Darrieux (Jeannette), Pierre Mingand (Henry Pasquier), Raymond Galle (Jean “la cravate”, hermano de Jeannette) y Jean Wall (Le “Zèbre”).

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Al contrario de lo que suele ser la norma creo que el título patrio, CURVAS PELIGROSAS, se ajusta mejor a lo que acontece durante la proyección de este (felizmente recuperado) primer largometraje como realizador del austrohúngaro Samuel (Billy) Wilder que el bíblico MALA SEMILLA que sería la traducción literal del original y más teniendo en cuenta que Wilder siempre se las tuvo tiesas con todo tipo de instituciones represivas.

Afortunadamente para la presente reseña he podido disponer de una copia de más calidad (o al menos eso pienso yo) que la que mencionan mis compañeros en sus respectivos escritos y que procede del programa doble editado por la norteamericana Flicker Alley en 2023.

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https://flickeralley.com/products/58...raine-bad-seed

- This restoration of Mauvaise Graine is based on a 16mm safety dupe negative made from rare, original printing materials from the Blackhawk Films collection, that have been scanned in HD for this edition. -

Pero a pesar de que los daños en el material de que se dispone son evidentes (amén de los saltos producidos por la ausencia de fotogramas entre escenas) en líneas generales la imagen es notablemente nítida, especialmente cuando el rodaje se traslada a las calles de París y que aporta un plus a una película ciertamente menor, pero simpática al menos en su tramo inicial.

Me gustaría destacar la puesta en escena naturalista y ciertamente precursora de la todavía lejana en el tiempo nouvelle vague, como bien indica mad dog earle.

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Igualmente la influencia de grandes cineastas contemporáneos, aunque no solo de su maestro y mentor Ernst Lubitsch (1892-1947) sino especialmente del británico Alfred Hitchcock (1899-1980) como puede comprobarse en este excelente montaje digno del mismísimo maestro del suspense y donde el número 3 es el protagonista...

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También la jazzística banda sonora Franz Waxman (1906-1967) que se ajusta como un guante a las peripecias de los protagonistas y que además suple en muchos casos la ausencia de diálogos en muchas de las escenas que transcurren en exteriores.

Y en cuanto al cuadro de actores destacar la presencia de una jovencísima Danielle Darrieux (1917-2017), una de las actrices más bellas y elegantes del cine clásico a uno y a otro lado del charco.

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A nivel argumental y a pesar de que la película va de más a menos como bien suele indicar en sus comentarios Alex Fletcher en CURVAS PELIGROSAS se pueden observar (siquiera en estado embrionario) algunas de las señas de identidad que forman lo más reconocible de su filmografía.

Ejemplos.

El uso de la hermosa y seductora Jeannette (Danielle Darrieux) como cebo para atraer a los viejos verdes (sic) con el fin de que la banda de ladrones de coches de la que forma parte se encargue de librarles de semejante carga impositiva.

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El amor romántico (aquí la influencia de Lubitsch es más que evidente) como elemento redentor de unas vidas avocadas al crimen y cuyo (oscuro) final se atisba en el horizonte.

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Una mixtura entre la comedia (un tanto chusca, algo por otra parte habitual incluso en el mejor Wilder) y el melodrama, aunque en este caso lejos de estar bien resuelta como sí acontece en sus obras mayores.

Pese a ello justo es indicar el amargo final con el que se cierra la historia con la huida en barco de Henry (un demasiado engominado Pierre Mingand) y Jeannette puesto que no les acompaña el hermano de esta, Jean (un simpático Raymond Galle), muerto durante el ataque de la policía al garaje donde la banda tiene su base de operaciones.

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O el fetichismo que domina las vidas de Henry (los coches) y Jean (las corbatas)...

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... y que en el primer caso Wilder resume brillantemente en un intertítulo más propio del cine mudo…

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- Por cierto, aquí he pillado un gazapo puesto que como podéis leer aquí el nombre del protagonista es HENRI... y sin embargo en los títulos de crédito iniciales aparece como HENRY...

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No obstante la película, seguramente por imposición del productor o tal vez por el equilibrio de fuerzas entre Wilder y Esway (¿podrían atribuírsele a él y no a su compañero alguno de los aciertos que acabo de mencionar?), destila cierta moralina, desde el título MALDITA SEMILLA y que se refleja en la relación paterno-filial entre Henry y su padre, hasta el citado final (el crimen siempre paga).

En cualquier caso CURVAS PELIGROSAS es una película de visionado obligado, pero seguramente de fácil olvido.

Al cineasta le aguardan empresas ciertamente mayores.

Buenas tardes y, buena suerte.

:digno

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Cita:

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Iniciado por Alcaudón

El uso de la hermosa y seductora Jeannette (Danielle Darrieux) como cebo para atraer a los viejos verdes (sic) con el fin de que la banda de ladrones de coches de la que forma parte se encargue de librarles de semejante carga impositiva.

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Esta secuencia es una de las mejores muestras del oficio aprendido de Lubitsch. El "viejo verde" se aproxima con su cochazo a la inocencte damisela. Pasa un camión por delante de la cámara, lo que nos oculta la visión de coche y peatona, y una vez ha pasado el camión vemos que Jeannette ya se ha montado en el auto. Magnífico, uno de los mejores momentos del film, y sin necesidad de palabras, algo que en mi opinión hacía mejor Lubitsch que Wilder.

"El mayor y la menor" (1942).

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Deliciosa y divertida comedia, con diálogos rápidos, graciosos y algunos punzantes, una comedia ya clásica que denota el gran talento de Billy Wilder.

El reparto es ciertamente magnífico: Rogers, Milland, Johnson, Benchley, Lynn... todos en estado de gracia; sin olvidar a los jóvenes cadetes, que actuan todos muy bien, pareciendo todos unos angelitos, muy responsables y caballerosos y tal, pero luego son un poco salidetes... :cuniao

La trama tiene varios gags muy graciosos que no desvelaré, tanto de diálogos como de acción, en el que siempre brilla Ginger Rogers, que hace uno de sus mejores papeles en el cine, además se luce con unos breves pasos de tap, ya que estaban tan de moda en aquella época, a mi me parece perfecto e idóneo que lo hubieran aprovechado para la escena de la centralita.

Lo del huevo en el ascensor también me pareció muy gracioso, será que me va todo. :P

Ray Milland, hace una perfecta pareja, cierto que parece algo ingenuo para ser un mayor, pero él ya ve que con el ojo malo, Suso parece casi una mujer...:cuniao ¡que guasa tenían los guionistas!.:D

La escena del baile, es muy divertida también, sobre todo cuando aparece en escena el acosador con su esposa, y cuando la ve con su hijo, enseguida se da cuenta de que la ha visto antes, y se pone a pensar y a pensar, muy cómico todo, pero el personaje es un cotilla, y se lo larga todo a la irritante y manipuladora novia del mayor, descubriéndose todo el pastel, y dando al traste con el plan de Suso que se viste con un elegante traje de noche para contarle la verdad al mayor.

Por criticar algo, que lo considero repetitivo, cuando en la parte final, ella se hace pasar por su propia madre, no sé a que viene a cuento, sino para que Milland quede realmente como un bobalicón, por mi, esa escena sobraba perfectamente.



"Un fresco en apuros" (1955)

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Es un remake inconfeso de la anterior, porque aprovecha la obra teatral en que está basada la película, pero no es el guión de Billy Wilder y Charles Brackett. Es una trama parecida pero mas alocada y de mucha peor calidad.

Además ahora es un hombre (Jerry Lewis) quien se hace pasar por adolescente; también recuperan la escena de la centralita.

Como curiosidad Diana Lynn que en la anterior era la hermana menor de la prometida del mayor, ahora es la protagonista femenina, aunque poca cosa, la verdad, es una actriz muy menor.

Además todo está supeditado a las payasadas de Jerry Lewis y a su comparsa Dean Martin, que en esta ocasión entona unas flojas canciones.

Aún así, la película tiene bastantes momentos disparatados y divertidos, las cosas como son; Lewis era un genio también.

Cierto, me olvidaba de la escena que se hace pasar por su madre, sobra.

03. Cinco tumbas al Cairo (Five Graves to Cairo, 1943)

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Segundo largometraje de Wilder para la Paramount, escrito como el anterior en colaboración con Charles Brackett (que, además, aparece acreditado como productor asociado), inspirado, como varios de los films de Wilder, en una obra centroeuropea, en este caso la pieza teatral “Hotel Imperial” (1917) del húngaro Lajos Biró.

Desconozco la obra, pero evidentemente, por cuestiones temporales, ha de ser muy diferente a la película, puesto que el film de Wilder se sitúa en plena Segunda Guerra Mundial. Un rótulo inicial nos aclara el contexto histórico (que es prácticamente el contemporáneo a la realización del film).

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Quizá uno de los mayores problemas de la película, que me apresuro a decir que, siendo disfrutable, me parece poco destacable en el conjunto de la obra de Wilder, es que su inicio es potentísimo: un tanque británico deambula sin rumbo por las arenas del desierto norteafricano, transportando una carga de cadáveres, cinco (como las tumbas del título, pero esas se refieren a otra cosa), aunque en realidad son cuatro, puesto que el quinto, el cabo John Bramble, está solo desmayado.

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Bramble (interpretado con circunspección por Franchot Tone) tendrá que espabilarse en medio de la nada para salvar el pellejo.

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Después de un fatigoso itinerario sahariano, llegará hasta un solitario hotel, donde cae inconsciente.
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El hotel, que responde al pretencioso nombre de “Empress of Britain”, está regentado por el avispado Farid (Akim Tamiroff haciendo, como casi siempre, de Tamiroff), un veleta que se inclina hacia donde sopla el viento (ahora los británicos, después los alemanes) con la sola ayuda de una camarera francesa, Mouche (Anne Baxter), la cual esconde un objetivo especial que descubriremos avanzado el film.

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Al cabo de unos minutos de llegar Bramble, aparecen las tropas alemanas, con el teniente Schwegler (Peter van Eyck) a la cabeza. Tiene la misión de convertir el hotel en el centro de mando de la ofensiva alemana, comandada, ni más ni menos, por el mariscal Rommel (encarnado por Erich von Stroheim, en una composición que intuyo que debe más a su propia imagen como actor que a la verosimilitud histórica).

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Bramble ve la oportunidad de actuar como espía británico, para lo cual se hace pasar por Davos, un camarero muerto, para descubrir más tarde que el hombre al que suplanta era en realidad un espía alemán.

Obviamente, el conflicto argumental va a ser cómo conseguirá Bramble obtener datos decisivos de los planes de ataque previstos por Rommel, sin que descubran que no solo no es un espía alemán, sino que lo es británico. Como buena película hollywoodiense, esa tensión se complementa con la relación entre Bramble y Mouche que, poco a poco, va derivando de una profunda desconfianza inicial de ella hacia él, puesto que culpa a los británicos de haber abandonado a su hermano, soldado francés, en Dunquerque, quedando prisionero de los alemanes, a una cierta atracción amorosa.

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Aunque hay quien pretende presentar el film como una película de aventuras (es el caso de Cameron Crowe en su libro de entrevistas con Wilder, incluso comparándola con Indiana Jones!!!, será por lo de la presencia de alemanes en el desierto norteafricano), lo cierto es que más bien se trata de un film de intriga con toques románticos y cómicos, pero en mi opinión poco a nada aventurero, salvo los minutos iniciales.

Hay un ingenioso enigma a descifrar, que da sentido al título del film: esas cinco tumbas hacen referencia a depósitos de armas, combustible y alimentos que Rommel ha enterrado antes del inicio de la guerra en unas supuestas tumbas, identificadas en el mapa por las cinco letras del nombre del país (en inglés, claro, Egypt, porque en alemán, lo que sería más lógico, no cuadra: Ägypten).

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A pesar de la previsible mayor sensibilidad lingüística de Wilder, el tratamiento de los idiomas no va mucho más allá de lo habitual en Hollywood: se fuerza las situaciones para que al final todos los personajes principales hablen en inglés, incluso recurriendo en el caso de Baxter a un inglés con acento francés poco creíble , sin olvidar que en el caso de Stroheim él mismo reconoció que con los años casi había olvidado su idioma natal; de hecho, su pronunciación no me parece demasiado creíble para un personaje como Rommel.

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Pero donde Wilder recurre de manera un tanto grotesca a la típica y tópica gracieta vulgar (y por reiterativa, más bien cansina y molesta), es en la caracterización del general italiano Sebastiano, interpretado por el mallorquín Fortunio Bonanova (de nombre auténtico Josep Lluís Moll). Wilder lo dibuja con trazo grueso como un militar incompetente y pusilánime, ninguneado por los alemanes, que lo único que sabe es cantar ópera (Moll era barítono), como una Castafiore de uniforme.

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Si decía que lo mejor del film era el inicio, he de reconocer que el final nos guarda también un momento particularmente brillante. Descubierta la auténtica identidad de Bramble, este consigue huir después de matar a Schwegler, confiando que las culpas recaigan sobre su persona y que Mouche no pague por ello. Pero cuando las tornas cambian, y los británicos consiguen recuperan las posiciones en el Norte de África, y Bramble vuelve al Hotel Empress, con un pequeño obsequio para la muchacha (una sombrilla), se encontrará con la tumba de Mouche, fusilada después de que él se escapase. Una nota amarga que contrasta con las últimas palabras de carácter triunfal… aunque no hay que olvidar que, en definitiva, cualquier film bélico de la época tenía que contribuir al “esfuerzo de guerra”.

Film de correcta factura, pero fácilmente olvidable, destaca por el trabajo de un veterano director de fotografía, John F. Seitz (que repetiría con Wilder en algunos de sus mejores films), y por Miklós Rózsa como compositor de la banda sonora, otro centroeuropeo (húngaro) que volvería a trabajar con Wilder en sus dos siguientes películas.

Precisamente, en la siguiente entrega, que reúne de nuevo a Wilder, Rózsa y Seitz, será la primera vez en que Brackett falte en la ecuación, aunque su substituto será, ni más ni menos, que Raymond Chandler. Se trata, por supuesto, de Double Indemnity, uno de los títulos mayores del director austríaco, una de sus escasas contribuciones al cine negro.

Cinco tumbas al Cairo (1943)

Segunda película de Wilder en Hollywood, como director, en esta ocasión se va al género bélico, aunque tiene mucho de obra teatral, ya que está basada en una de ellas, por lo que el grueso de la acción de desarrolla en un semi derruido hotel con interminables diálogos y mas diálogos y muy poca acción física, salvo el principio con el tanque que a priori me pareció un gran comienzo, pero dura poco, y también en la parte final (inevitable siendo bélica, claro) hay algo de movimiento.

Filme discreto, no malo, ni regular, sino bueno, pero para mí, discreto, uno mas de tantos que se hacían en aquella época. Ciertamente no ayudó que no me creyera a Franchot Tone en su papel (demasiada suerte tiene siempre), me sorprendió como pintan al General Sebastiano (Fortunio Bonanova), muy tonto y despistado, sobre todo cantando siempre ópera como si estuviera en su casa, o cuando le roban la pistola, no se da ni cuenta quien puede ser... ¡vaya despistes amigo!. :cuniao

El final me resultó algo oscuro, vaya tragedia, no me lo esperaba, pero bueno, los nazis eran así de amigables...:sudor

Al menos los personajes alemanes me encantaron, tanto Erich Von Stroheim como Peter Van Eyck tienen mucha fuerza y presencia en pantalla y el personaje de Anne Baxter, aunque algo desdibujado, me pareció de protagonista, no sólo para que salga para el interés romántico, que en esta ocasión casi nada de nada.

Siento que las Cinco tumbas, podían haberse visto, no sé, mas aventuras alrededor de ellas, mas acción, todo lo dicen de palabra como si estuvieras viendo una obra de teatro.

No sé si en su época tuvo un gran éxito, supongo que sí, por la trama tan de actualidad.

Wilder dice que era una producción menor de la Paramount, por lo que supongo que no era imprescindible que obtuviera una gran recaudación. Alucino que en la Wikipedia se diga que Tarantino la listó como su décima preferida de todos los tiempos. Me parece una pura "boutade". En mi caso no estaría ni entre las 1.000 preferidas.:D Es más, entre las de Wilder estará en la zona de abajo.

02. THE MAJOR AND THE MINOR (1942, EL MAYOR Y LA MENOR)

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Producción y distribución: Paramount Pictures, Inc.

Director: Billy Wilder.

Productor: Arthur Hornblow, Jr.

Guion: Charles Brackett y Billy Wilder, sugerido por la obra de teatro “Connie Goes Home” de Edward Childs Carpenter (49th Street Theatre, Nueva York, 6 de septiembre de 1923) de la historia “Sunny Goes Home” de Fanny Kilbourne (The Saturday Evening Post, 7 de mayo de 1921).

Fotografía: Leo Tover, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Hans Dreier y Roland Anderson.

Música: Robert Emmett Dolan.

Montaje: Doane Harrison.

Reparto: Ginger Rogers (Susan “Su-su” Applegate), Ray Milland (Mayor Philip Kirby), Rita Johnson (Pamela Hill), Robert Benchley (Albert Osborne), Dianna Lynn (Lucy Hill), Lela E. Rogers (La señora Applegate), Raymond Roe (Cadete Anthony Wigton, Jr.), Frankie Thomas (Cadete Osborne) y Edward Fielding (Coronel Oliver Slater Hill).

Rodaje: del 13 de marzo a principios de mayo de 1942.

Estreno: el 16 de septiembre de 1942.

Recaudación: 2.500.000 dólares (Variety, 6 de enero de 1943).

Duración: 1:36:25.

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Coordenadas espacio / temporales:

Nueva York > Iowa / Mayo de 1941

…

Aunque en la escala de oficiales del Ejército de Tierra de las Fuerzas Armadas españolas no existe el rango de mayor sino el de comandante he optado por no usar este último término para evitar así quebrar el juego de palabras que contiene el título de la película.

A pesar de las declaraciones de Wilder lo cierto es que EL MAYOR Y LA MENOR fue un proyecto del agrado del director puesto que su intención primordial era facturar una película que fuese un éxito de taquilla y de esta forma poder cimentar su incipiente carrera como realizador.

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Curiosamente el material elegido como sustrato literario de la misma fue una añeja comedia teatral de Edward Childs Carpenter (1872-1950) titulada “Connie Goes Home” estrenada en el 49th Street Theatre de Nueva York el 6 de septiembre de 1923 y... que tan solo tuvo 20 representaciones… :cafe

https://playbill.com/productions/con...cinema-49-1923

Esta a su vez se basaba en un cuento de Fanny Kilbourne (1890-1961), “Sunny Goes Home”, publicado en la prestigiosa revista “The Saturday Evening Post” el 7 de mayo de 1921.

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Aunque efectivamente la intención original de Wilder era contar con la pareja Ginger Rogers / Cary Grant lo cierto es que Ray Milland (1907-1986) era un actor camaleónico que funcionaba igual de bien en la comedia que en el drama (como pronto seremos testigos)...

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..., aunque bien es cierto que su personaje está completamente subordinado a una pletórica Ginger Rogers (1911-1995), de largo lo mejor de la función.

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Curiosamente y tal vez por la buena relación de amistad y profesional entre Billy Wilder y Howard Hawks (1896-1977) este último firmó en 1952 una de sus comedias más famosas como es ME SIENTO REJUVENECER que bien podría ser un remake inconfeso (todo lo libre que se quiera) de la cinta hoy comentada dado que en ella trabajan Rogers y Grant y el argumento se centra igualmente en una vuelta a la infancia de uno de los protagonistas, aunque en este caso sea real y no fingida.

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Como indicaba Wilder contó para la ocasión con dos grandes estrellas de la época y con el añadido de que Ginger Rogers había ganado ese año (el del rodaje, no el del estreno) el Oscar a la mejor actriz por su papel en la película ESPEJISMO DE AMOR (1940), de Sam Wood.

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- Ginger Rogers y James Stewart, con sus respectivos Oscar, 27 de febrero de 1941. -

Una película, por cierto, con guion de Dalton Trumbo (1905-1976), seguramente el más notorio de los Diez de Hollywood…

Retengamos ese nombre en la memoria…

Volviendo a Rogers y Milland y si echamos un vistazo al número del 6 de enero de 1943 de la igualmente prestigiosa revista Variety 1942 fue un año extraordinariamente positivo no solo para ambos sino también (y muy especialmente) para las compañías para las que trabajaban.

En dicho año tanto la una como el otro intervinieron en 4 películas (cameos aparte, en el caso de Milland).

Veamos las cifras (lógicamente en dólares) siguiendo la cronología de los estrenos.

Rogers…

ESPEJISMO DE AMOR > 1.100.000

SEIS DESTINOS > 2.600.000

EL MAYOR Y LA MENOR > 2.500.000

ONCE UPON A HONEYMOON > 2.600.000

Total = 8.800.000

Milland…

THE LADY HAS PLANS > 1.250.000

PIRATAS DEL MAR CARIBE > 5.200.000

CONFLICTO MATRIMONIAL > 1.050.000

EL MAYOR Y LA MENOR > 2.500.000

Total = 10.000.000

Aunque no he echado más que un somero vistazo a la revista no me extrañaría que ambas hubiesen sido las estrellas más rentables en sus respectivas categorías.

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:digno

Y lo cierto es que EL MAYOR Y LA MENOR es una comedia menor (valga la redundancia), aunque decididamente simpática especialmente y como antes indicaba por la superlativa interpretación de una bellísima Ginger Rogers…

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… que no solo bailaba muy bien sino que era un actriz con una bis cómica francamente notable) que en la película encarna no solo a una niña de 11 años (en lo que bien podría ser un homenaje/parodia a los personajes que solía representar la gran estrella del cine mudo Mary Pickford (1892-1979), cofundadora en 1919 de la United Artists, el estudio donde más y mejor (o al menos más libre) trabajaría Wilder a partir de TESTIGO DE CARGO (1957), la mejor película hitchcockiana no dirigida por el maestro del suspense, al menos para el que esto firma)…

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... sino también más tarde a su madre (algo que no deja de tener su gracia como veremos a continuación y donde retomaremos la figura de Trumbo que antes mencionaba) y muy especialmente el primer tramo de la película, el que transcurre en la ciudad de Nueva York y en el tren que va desde dicha ciudad hasta High Creek, Indiana (en el caso de él) y Stevenson, Iowa (en el caso de ella), siendo ambas localidades ficticias.

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La acción transcurre en 1941, pero antes del ataque de los japoneses a Pearl Harbour, aunque evidentemente la misma no elude el conflicto bélico en el que estaba inmerso el país, como queda reflejado en el personaje encarnado por Milland, un frustrado (aunque jovial) mayor del Ejército que se ve obligado a ejercer como instructor de tiro en una academia militar que bien podría recordarnos a la muy superior CUNA DE HÉROES (1955) - una de las obras mayores de John Ford, al menos desde mi modesto punto de vista… :digno - debido a los tejemanejes de su prometida Pamela (Rita Johnson) que quiere mantenerlo alejado del frente no porque le preocupe especialmente su persona sino por los réditos económicos y sociales que ella pretende conseguir con la ayuda de su igualmente irritante padre, el coronel Hill (Edward Fielding).

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Aunque ciertamente en el tramo que transcurre en la academia hay algunas escenas y diálogos muy divertidos gracias sobre todo a la interacción de Susan (Ginger Rogers) con algunos de los cadetes más salidos...

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... como indicaba al principio la acción que acontece en el tren me parece la más lograda y seguramente por algo que parece haber pasado desapercibido a mis doctos colegas y es el hecho de que la actriz actúe sin maquillaje ni lápiz labial, aunque incomprensiblemente no se mantiene más adelante tal vez a requerimiento de la actriz para evitar quedar en desventaja ante una colega tan bella y elegante como es Johnson.

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Un detalle que puede parecer nimio pero que hace que la secuencia que transcurre en el compartimento de tren entre los dos protagonistas sea mucho más creíble y donde además se nota la buena química existente entre ambos.

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El otro aspecto más destacado de la cinta, y que ya fue mencionado por mad dog earle, es que el fondo de la historia es un auténtico torpedo a la línea de flotación del Código de Producción puesto que la misma, a pesar de su envoltura, habla sobre la (¿imposible?) atracción erótico/romántica que un adulto siente por una niña (recordemos que ella dice tener 11 años para así poder comprar el billete de regreso a su localidad natal después de su fracaso laboral en la ciudad de los rascacielos) y que desde luego me parece mucho más subversiva que la edulcorada (a pesar del guion del propio novelista) versión de LOLITA (1962), de Stanley Kubrick.

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Y es que a pesar de que al final el mayor descubra que su protegida no es una niña sino una mujer adulta no invalida para nada el hecho de que él se sienta atraído por ella tan pronto la conoce independientemente de que el oficial parezca desconocerlo todo sobre el bello sexo.

Y no, no me olvido.

Me resulta curioso el que ninguno hayáis mencionado el hecho de que la actriz que encarna a la madre de Ginger Rogers era igualmente su madre en la vida real, Lela E. Rogers (1891-1977), en su única aparición en la gran pantalla, aunque en los años 10 había ejercido de guionista.

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La misma persona que en 1947 testificó ante el Comité sobre Actividades Antiamericanas del Congreso (HUAC) acusando al guionista Dalton Trumbo (De aquellos polvos vienen estos lodos…) no solo de ser un comunista de manual sino de que en las películas escritas por él se vertían contenidos subversivos (sic).

Algo que, por supuesto, la devota madre desconocía (sic) cuando su preciosa hija trabajó en dos de sus películas, la mencionada ESPEJISMO DE AMOR y que le proporcionó el único Oscar de su carrera y COMPAÑERO DE MI VIDA (1943), de Edward Dmytryk.

Pero eran otros tiempos… ¿o no?

Buenas (y al menos en Bilbao calurosas) tardes y, buena suerte.

:digno

P. D. Aunque tan solo sea por la referencia a las tribus indígenas que habitaban el área de la actual Nueva York, ¿no creéis que hay un cierto paralelismo entre este rótulo introductorio y el prólogo de LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA?

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Serán cosas mías.

Agur.

…

Anexo:

Las colaboraciones Brackett (en la foto el de la izquierda) / Wilder...

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... antes de la conversión de este en director:

BLUEBEARD`S EIGHTH WIFE / LA OCTAVA MUJER DE BARBA AZUL (1938) Ernst Lubitsch (25-3-38) Paramount

MIDNIGHT / MEDIANOCHE (1939) Mitchell Leisen (24-3-39) Paramount

NINOTCHKA / ídem (1939) Ernst Lubitsch (9-11-39) MGM

ARISE MY LOVE (1940) Mitchell Leisen (8-11-40) Paramount

HOLD BACK THE DAWN / SI NO AMANECIERA (1941) Mitchell Leisen (26-9-41) Paramount

BALL OF FIRE / BOLA DE FUEGO (1941) Howard Hawks (2-12-41) Goldwyn/RKO

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Gracias Alcaudón por la currada que te estás pegando. Espero con ganas a que llegues a su versión de Sherlock Holmes.

Yo también. Es mi película favorita. Pero mis problemas de articulaciones y musculares no hacen sino acentuarse.

Pero uno es terco como una mula.

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