Tema: David Lean: revisando sus películas

"Interpretación impecable" de Ann Todd... A veces tengo la impresión de que hay versiones individualizadas de las películas que comentamos. Para mí tanto vista desde arriba como desde abajo la Todd no me convence como esa joven casadera. Con todo, lo peor está por llegar en "The Sound Barrier". Afortunadamente, he recuperado el gusto por la revisión de Lean con "Hobson's Choice".

Que tortura y pereza decir cuatro cosas sobre el film, como dirían aquí donde vivo y alrededores KEIN LUST. Lo bueno, diria que poco, sin ser una mala película, no se puede decir, como dicen otros, es una mierd. de peli, simplemente no me gusta, ni lo que cuenta, quien lo cuento, ni como lo cuentan. Me ha gustado algo el papel de Ralph Richardson, pero todos los demás, ayudado por un tema que me da 0 interés, me parece todo fallido, no entiendo la buena nota que tiene, además de oscar y BAFTAS ganados, uno de ellos a la mejor película, mal año cinematográfico ese. También como Mad, no se cuantas veces he mirado el reloj. Ann Todd no creo que desentone en un film desentonante por si sólo. No puedo comentar mucho más, porque la vi hace una semana y se me ha olvidado casi por completo.

Con "el déspota" hay esperanzas de remontar este desaguisado.

10. El déspota (Hobson’s Choice, 1954)



Felizmente separado cinematográficamente de Ann Todd (en las cuestiones de dormitorio no me meto), Lean parece como si hubiese buscado para su segunda producción con London Films (es otra “A David Lean’s Production”) lo que se suele denominar un “run for cover”, algo así como ir sobre seguro.

“Hobson’s Choice” era un obra teatral de Harold Brighouse, estrenada en 1915 con gran éxito, representada numerosas ocasiones, incluso como musical (con el título de “Walking Happy” se presentó en Broadway en 1966), y llevada con anterioridad a la pantalla en dos ocasiones: en 1920 por Percy Nash y en 1931 por Thomas Bentley.

Para la ocasión, Lean firma el guion junto a Norman Spencer (ocupado además en tareas de productor asociado) y Wynyard Browne. Desconozco si fueron fieles a la obra de Brighouse, a la cual se le suele atribuir ciertas similitudes con “El rey Lear” (padre con tres hijas) e incluso con “La cenicienta”, aunque también hay quien apunta (por ejemplo, Enrique Alberich) al “Pygmalion” (1913) de George Bernard Shaw, por el papel demiúrgico que adopta Maggie en el proceso de transformación de Will Mossop.

Sea como sea, el argumento resultante me parece compacto y divertido. Aunque se mantiene probablemente cierta estructura teatral en la organización de las secuencias, Lean despliega recursos estrictamente cinematográficos para conseguir una notable puesta en escena, bien arropada, esta vez sí, por la fotografía de Jack Hildyard y la música, caricaturesca a menudo, de Malcolm Arnold.

Pero, sobre todo, donde el film alcanza sus mejores prestaciones es en el excelente y cuidado reparto, empezando por el gran histrión, Charles Laughton, que borda el papel de despótico pater familias borrachín, grotesco y egoísta, que somete a su voluntad a sus tres hijas: la “solterona” a su pesar, Maggie (espléndida Brenda de Banzie) y las dos casaderas, Alice (Daphne Anderson) y Vicky (Prunella Scales, a la que muchos recordaréis como la Sybil de la hilarante Hotel Fawlty). Leo con sorpresa que la interpretación de Laughton fue criticada en su momento por considerarse excesiva. No seré yo el que niegue la tendencia al exceso del orondo actor (y, ocasionalmente, genial director), pero en esta ocasión ese histrionismo me parece perfectamente justificado, puesto que el personaje de Henry Hobson, propietario de una zapatería en Salford, población cercana a Manchester, es el centro de las pullas burlescas del film.



Junto a Laughton y De Banzie destaca John Mills, como Will (en un papel que, al parecer, estaba pensado para Robert Donat). No acabo de ver a Donat en el papel, que en cambio borda sin duda Mills (un fijo en la cinematografía de Lean). Aunque quizá al inicio su personaje parece demasiado alelado, vista la transformación posterior, Mills le otorga una dimensión de vulgaridad y ternura a la vez que me parece muy convincente. Y no me olvido de la magnífica colección de compañeros de bar de Hobson, un grupito de lo más pintoresco, en los que me parece intuir cierto toque dickensiano.

El desarrollo argumental del film se puede resumir en la expresión “up and down”, porque de arribas y abajos, físicos y sociales, va la historia. Los de la tienda de Hobson: con ese sótano de donde surge Will como si viniera de las minas



y esos cuartos superiores donde duerma sus monas Hobson. O ese local en un semisótano que montan Maggie y Will, antesala del asalto a la tienda principal, que al final pasará a convertirse en la zapatería Mossop & Hobson. Para llegar a ello, Maggie despliega todo su saber hacer, poniendo en jaque a su padre, ganándose la colaboración de los novios de sus hermanas y educando a Will hasta convertirlo no solo en un gran profesional (algo que ya era de manera natural), sino también en un hombre decidido y seguro de sí mismo. Una mujer de carácter, aunque no me atrevería a decir que “empoderada”, puesto que en definitiva su éxito social y profesional se basa en promocionar a su marido más que a ella misma. Y, por lo que a los “abajos” respecta, no olvidemos la caída en picado de Hobson al sótano de la tienda vecina, fruto de una más de sus borracheras.



Entre las secuencias, destacaría la primera, que parece una extensión de los inicios de sus obras dickensianas: noche lluviosa y ventosa, calle oscura, bota gigante mecida por el viento, e irrupción en la tienda de un vacilante Hobson, evidentemente borracho, del que lo primero que oímos es un erupto.





En la misma escena hay un brillante comentario musical mientras la cámara efectúa un travelling sobre los distintos tipos de calzado que hay expuestos.

Las reuniones en el bar de Hobson y sus amigachos son otro de los momentos destacados (y divertidos) del film,



así como el noviazgo, un tanto "a la fuerza", y posterior matrimonio de Maggie y Will.



Lean filma con gran sensibilidad esa noche nupcial en que los dos cónyuges parecen enfrentarse a su primera experiencia sexual (aquí Lean vuelve a prescindir de la verosimilitud física de los actores, porque tanto De Banzie como Mills superaban ampliamente los cuarenta años, aunque querían representar personajes más jóvenes),



situación que veremos reproducirse en la próxima entrega del ciclo, Summer Madness, con la solterona interpretada por Katharine Hepburn dando salida a sus tardíos deseos amorosos en una Venecia de postal.

Acabo mencionando una de las secuencias más curiosas del film (y, en este caso, quizá sí, algo excesiva): la ilustración de las alucinaciones de un Hobson borracho.

De los dominios de J(oseph) Arthur Rank (1888-1972) a los de Sir Alexander Korda (1893-1956)…

o

09. THE SOUND BARRIER (1952, LA BARRERA DEL SONIDO)



Director: David Lean + Anthony Squire (secuencias aéreas)

Productor: David Lean

Producción: London Film Productions Ltd. (Alexander Korda).

Distribución: British Lion Film Corporation Ltd. (Reino Unido) y Lopert Films Distributing Company, Inc. (EUA).

Guion: Terence Rattigan + Alexander Korda (sin acreditar).

Fotografía: Jack Hildyard + John Wilcox, Jo Jago y Peter Newbrook (secuencias aéreas), en blanco y negro (1.37:1).

Diseño de producción: Vincent Korda.

Música: Malcolm Arnold.

Montaje: Geoffrey Foot.

Reparto: Ralph Richardson (Sir John Ridgefield), Ann Todd (Susan Ridgefield Garthwaite), Nigel Patrick (Tony Garthwaite), John Justin (Philip Peel), Dinah Sheridan (Jess Peel), Joseph Tomelty (Will Sparks) y Denholm Elliott (Chris Ridgefield).

Metraje: 10.475 pies / 117 minutos.

Rodaje: (The British Lion Studio, Shepperton, Inglaterra).

Estreno: 22 de julio de 1952 (Londres) y 6 de noviembre de 1952 (EUA) como BREAKING THE SOUND BARRIER...





…

19-03-53 / Oscar / un premio (sonido) y una nominación (argumento y guion)

…

Aunque coincido plenamente con vosotros en considerar LA BARRERA DEL SONIDO como la peor cinta que he visto hasta ahora de lo que vamos de revisión también es cierto que no puede considerarse una mala película, al menos para un servidor que es capaz de encontrar una brizna de hierba en el más seco de los desiertos.

Y si desde luego no deja de ser sorprendente el hecho de que fuese un éxito tanto a uno como a otro lado del Atlántico lo que ya le deja a uno ojiplático es que encima no solo ganase en 1953 un Oscar al mejor sonido (algo lógico dado que el argumento de la película gira en torno a romper la barrera del ídem *…) sino que fuese nominada igualmente en la categoría de argumento y guion… siendo con diferencia lo más flojo de toda la película y eso pese a llevar la firma del prestigioso dramaturgo Terence Rattigan (1911-1977)…

* Por cierto, la mencionada barrera se sitúa en los 1.284,8 km/h y fue atravesada por primera ver por el norteamericano Chuck Yeager (1923-2020) el 14 de octubre de 1947.



La filmografía de David Lean se puede clasificar de distintas formas.

Una (y de esta forma aprovecho el encabezamiento de la reseña) – y que además no suele ser tenida en cuenta – es en función de la compañía para la que trabajaba, independientemente de que junto a Havelock-Allan y Neame fundara Cineguild en 1943.

Usando esta clasificación y antes de llegar a sus grandes superproducciones (y por las que es más (re)conocido) la cosa quedaría tal que así:

British Lion Film Corporation Ltd. (1927) > 1 * *

The Rank Organisation (1937) > 2-8

London Film Productions Ltd. (1932) > 9-11

* * La cual fue adquirida en 1946 por Korda siendo desde entonces la encargada de distribuir sus producciones en el Reino Unido.



No deja de ser curioso el hecho de que coincidieran en el tiempo la desaparición de la diminuta Cineguild y de la topoderosa Rank bajo cuya ala protectora se cobijaba no solo la primera sino también The Archers de Michael Powell y Emeric Pressburger entre otras muchas.

Esa caída fue debida a cambios en la política económica del gobierno británico de la época y que tuvieron efectos completamente distintos en uno y otro magnate.

No obstante, justo es de decir que algunos de los mejores títulos de toda la carrera de su director pertenecen a la etapa Rank (o sea, de la 2ª a la 8ª).

Al César lo que es del César.

También es curioso que siendo con (mucha) diferencia la peor de la “trilogía Ann Todd” fuese estrenada en su momento en nuestro país, cosa que no ocurrió con las dos anteriores.

Eso sí, en este caso la presencia de la bella y elegante Ann (ya lo siento, querido Roy )...



... es meramente testimonial y su personaje apenas está esbozado, algo extraño teniendo en cuenta que por un lado era la esposa del director y de lo dicho arriba sobre el guionista. O no tanto si seguimos leyendo...

Evidentemente la luna de miel entre director y actriz estaba a punto de finalizar.

Lo más sorprendente es que a diferencia de THE PASSIONATE FRIENDS y MADELEINE, LA BARRERA DEL SONIDO fue un proyecto personal del director.

Por ejemplo, la figura de Sir John Ridgefield (el gran Ralph Richardson [1902-1983], sin duda lo mejor de la función, al menos desde el punto de vista interpretativo)...



... al parecer se basa en las figuras de otros dos sirs, Henry Royce (1863-1933) y Geoffrey de Havilland (1882-1965) – y sí, pariente en no sé que grado de la centenaria Olivia de Havilland… -, dos pioneros de la industria aeronáutica (y de la automovilística, en el caso del primero).

- A ambos, por cierto, se les menciona en la película... si mal no recuerdo... -

Especialmente significativo es el caso del segundo dado que perdió no uno sino dos hijos mientras probaban los prototipos de su padre, John en 1943 y Geoffrey Jr. en 1946.





De ahí la más que lógica suposición de que el personaje de Chris (Denholm Elliott), el hermano de Susan (Ann Todd), sea una suma de ambos.



Por cierto, fue idea de Korda el cambiar el sexo de uno de los dos hermanos para de esta forma poder integrar en el reparto a la esposa de Lean (algo, al parecer, que no hizo mucho gracia al director dadas las desavenencias tanto fuera como dentro del plató de la pareja) y así hacer más aceptable para el público femenino una cinta ya de por sí bastante árida (iba a decir plúmbea…).

Y sin embargo, y como antes decía, el personaje de Susan apenas tiene entidad.



De hecho, los únicos personajes que pueden atraer nuestra atención son los del hijo y los del padre, aunque el primero muere a las primeras de cambio... como su contrapartida en la vida real...





A pesar del cambio de mecenas Lean pudo contar con alguno de sus antiguos colaboradores como el excelente director de fotografía Jack Hildyard (1908-1990) – con el que trabajaría en sus siguientes tres películas (y que se llevaría un Oscar en 1958 por EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI) -, al que conocía desde los tiempos de PIGMALIÓN (1936) y MAYOR BÁRBARA (1941) cuando todavía era operador de cámara o el montador Geoffrey Foot (1915-2010), siendo el cometido de este uno de los más importantes dado el origen del director.

No comparto del todo la apreciación de mad dog earle sobre el trabajo de Hildyard tras las cámaras como se puede apreciar en los cuidados primeros planos, especialmente en la secuencia de la probatura del motor a reacción...









- Por cierto, seguramente la mejor idea visual de la película puesto que la pantalla/rejilla que separa a los dos hijos de su padre - y del (fugaz) héroe - expresa a la perfección el desprecio que siente por el primero y la decepción porque la segunda no fuese también un varón. -

… pero sí el que sin duda lo más espectacular (al menos en aquellos años) de la película es el trabajo del director de segunda unidad Anthony Squire (1914-2000) y de sus tres operadores...

Y un par de curiosidades antes de finiquitar la presente crónica.

Una.

El modelo de avión con el que finalmente Philip (John Justin [1917-2002], el héroe de la maravillosa EL LADRÓN DE BAGDAD (1940), esta sí, una superproducción de Korda)...



... rompe la barrera del sonido es un Supermarine Type 535 VV19…



Dos.

No sé por qué pero a lo largo de la película (por cierto, muchas de las cintas de esta primera etapa del británico se acercan a las dos horas... todo un anticipo de lo que está por venir...) he tenido la sensación de estar por momentos delante de la una película de ciencia ficción.

¿Tal vez por planos como este...



... o este...



... o especialmente este con el que se cierra la función?



Estaréis conmigo que he sacado petróleo de donde no había.

Buenas tardes y, buena suerte…

… y si os vais de vacaciones que os acompañe el tiempo…



…

Anexo I: Clasificación de lo que vamos de revisión…

01. OLIVER TWIST

02. GRANDES ESPERANZAS

03. BREVE ENCUENTRO

04. MADELEINE

05. THE PASSIONATE FRIENDS

06. LA VIDA MANDA

07. SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS

08. UN ESPÍRITU BURLÓN

09. LA BARRERA DEL SONIDO

Hombre, solo faltaría que en una producción de este tipo esos primeros planos no estuvieran bien cuidados, pero en comparación con los anteriores trabajos de Guy Green o los posteriores del propio Hildyard, la fotografía de TSB resulta un tanto anodina y repetitiva, de las que unos días después de ver la película ya no recuerdas nada de interés.

También no es lo mismo ver una copia en HD (como es mi caso) que en SD. Y no digamos en UHD.

De cualquier modo, salvada la papeleta.

Saludos para el clan. Veo que os habéis embarcado en Mr. Lean, lo que nos adentrará en un proceloso océano de caudalosas reviews o inabarcables como las dunas de arena del desierto de Lawrence o de nieve del Doctor.
Como estuve brevemente en contacto con Cinefilototal, os diré que si todo ha transcurrido para él más o menos sin sobresaltos, debería estar con nosotros también dentro de unas semanas a lo sumo.

No estoy muy por la labor de afrontar retrospectivas autorales largas, pero confío en ponerme a citar otras cintas en breve y a soltar alguna que otra impertinencia en forma de chascarrillo

Un saludo.

Bienvenido, amigo Otto+:

Como bien sabes este grupo de irreductibles cinéfilos (o más bien, cinéfagos) está acostumbrado a leer todo tipo de comentarios y opiniones y siempre ha mostrado un talante abierto y constructivo...

Y en cuanto a la presente revisión David Lean solo dirigió 16 largometrajes.

Ten en cuenta que en el rincón Hitchcock ya he superado las 80 entradas y todavía no he escrito la última palabra.

Y en el de la Hammer ni siquiera yo me he molestado en contar cuántas entregas voy (eso sí, comenté TODAS las películas de Fisher desde LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1957) hasta FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1974)) pero dado que en total facturaron 150 todavía tengo margen de mejora.

Y yo sigo a mi aire (o sea, sin la puntualidad prusiana del querido amigo Roy Earle ) en los hilos (o subhilos) dedicados al cine moderno de zombis, Stephen King, Brian De Palma, cine fantástico español o cineastas clásicos japoneses.

Mientras el cuerpo (y, sobre todo, la cabeza) aguante...

De hecho, mi próxima contribución será para el rincón Pre-Code de la compañera Nina.

Lo dicho, ongi etorri!

Aunque estos días no son los más adecuados para chascarrillos e impertinencias (¿o eso era antes?, no sé qué me pasa que últimamente lo veo todo sepia), bienvenidas siempre tus aportaciones.

Iniciado por Alcaudón

Y en el de la Hammer ni siquiera yo me he molestado en contar cuántas entregas voy (eso sí, comenté TODAS las películas de Fisher desde LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1957) hasta FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL (1974)) pero dado que en total facturaron 150 todavía tengo margen de mejora.

¿Me equivoco o no comentaste "The Stranglers of Bombay? Ahora que tenemos la edición de Powerhouse no hay excusa.

Tranquilo, Flanagan, que de las 150 películas de la 2ª Hammer (porque hubo una primera... y hay una tercera... ) tengo creo que cerca de la mitad...

Si mi me memoria no me engaña THE STRANGLERS OF BOMBAY (1959) fue la primera que Fisher rodó en Scope y la única en blanco y negro desde LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1956).

Indico las fechas de rodaje...

Ergo, no comentaste TODAS las de Fisher de 1957 (o 56) a 1974 de la Hammer Te falta al menos una y del año más luminoso del siglo XX.

Elemental, querido Watson.



Y que además se rodó en StrangloScope...

Iniciado por Alcaudón

Y que además se rodó en StrangleScope...

¿Por qué será?

11. Locuras de verano (Summertime/Summer Madness, 1955)





Empiezo por el título. Se estreno en Estados Unidos como Summertime, pero en el Reino Unido como Summer Madness (que es el que se traduce para su versión en castellano). Personalmente, prefiero el título estadounidense, más neutro; el otro parece establecer un cierto juicio de valor previo sobre lo que el espectador va a ver.

Se trata de la adaptación (guion del británico H.E. Bates y del propio Lean) de una obra teatral del dramaturgo estadounidense Arthur Laurents, “The Time of the Cuckoo”, estrenada en Broadway en 1952. La procedencia del material argumental ya nos muestra un cierto giro en la filmografía de Lean: quedan atrás los autores británicos (Coward, Rattigan, Brighouse, Dickens) para dar el salto al otro lado del Atlántico. No solo en cuanto a la obra a adaptar, sino también en la producción (coproducción entre el norteamericano Ilya Lopert y la London Films de Korda y distribución de la United Artists) y, lo que al final resulta más visible para el espectador, en la elección de la estrella del film: la gran Katharine Hepburn.

Summertime es una comedia romántica ligeramente amarga, que se deja ver con la misma facilidad con que uno es seducido por la belleza de las imágenes de la ciudad de los canales, perfectamente servidas por la luminosa fotografía de Jack Hildyard (“photographed entirely in Venice by”) y las tonalidades del Technicolor. Con todo, en mi opinión hay un exceso de eso que Bresson llamaba el cartepostalisme, Lean y Hidyard caen de lleno en el embrujo de las fascinantes vistas venecianas, lo cual puede resultar un placer para los ojos, pero quizá va un poco en detrimento de la densidad del film.



Quizá Lean, acostumbrado a filmar en estudio, se dejó llevar por el atractivo de filmar en escenarios naturales, a la luz del día, algo que no había practicado salvo en los exteriores franceses de The Passionate Friends.

Pero volvamos a la Hepburn. Primero de todo aclaro que, a diferencia del “efecto Todd” (que de buen seguro condiciona mi valoración de la trilogía que rodó la rubia actriz con Lean), la presencia de la espigada actriz norteamericana es, en mi caso, siempre (o casi) un plus. Desde niño Kate Hepburn ha sido una de mis actrices favoritas, de una rara belleza. Aquí, como no podía ser de otra manera, me resulta adorable, entrañable, tierna, sin dejar por eso de dar muestras de su fuerte carácter.



Jane Hudson es una refinada secretaria, madura (la actriz estaba más cerca de los cincuenta que de los cuarenta, y el personaje también), que viaja sola por Europa. Es eso que, cruelmente, se suele denominar una “solterona”. Como brillantemente nos muestran unos coloristas dibujos que sirven de fondo a los créditos de la película, ha partido en barco desde Nueva York, ha estado en Londres y París y, posteriormente, ha viajado hasta Venecia a bordo del Orient Express.



Precisamente con la llegada del tren a la estación de Venecia se inician las imágenes reales (en el compartimento, por cierto, coincide con un actor al que vimos también en Madeleine: André Morell, aquí en poco más que un cameo).



Como le confiesa más tarde, de forma ingenua, a la patrona de la pensión donde se aloja (Isa Miranda), con su viaje por la Vieja Europa Jane está buscando un “milagro”, milagro que pronto entendemos que se refiere a una experiencia amorosa, ¿quizá la primera?

A diferencia de sus compañeros norteamericanos de pensión, el grotesco, ordinario y caricaturesco matrimonio McIlhenny, Jane es una turista interesada en la cultura, el color y la lengua de la ciudad, aunque no consigue en ningún momento ir más allá de lo tópico. Armada de una cámara de super 8, filma todo lo que le parece suficientemente “bello”, todo lo que responde a la mirada de una turista. De hecho, la cámara es a su vez su protección, su forma de esconderse del mundo, por eso cuando caigan las barreras e inicie su romance otoñal con el anticuario Renato de Rossi (Rossano Brazzi, afortunadamente alejado de los clichés más tópicos del latin lover) la abandonará.

El uso de la cámara y la “miopía” ante la realidad que le provoca se ilustra con la divertida escena de la caída en el canal (se comenta que a consecuencia del chapuzón en las aguas del canal se le generó una importante infección ocular).



Durante la primera media hora el film nos muestra su deambular por la ciudad: vaporettos, góndolas, canales estrechos, viejos edificios desconchados, plazas colorista y llena de gente, iglesias... Transcurrido un tercio del film, coincide con Renato en la terraza de la plaza San Marcos, pero a pesar de fijarse en el maduro de cabellos plateados, Jane se muestra tímida y evita el contacto.



Al día siguiente (el azar una vez más en el cine de Lean) su interés por una copa de cristal de color rojo intenso le lleva a entrar en una tienda que regenta casualmente Renato.



A partir de ese momento se irá estrechando la relación entre ellos, hasta desembocar en una relación amorosa que tiene su momento álgido durante una noche en que el cielo de Venecia se ilumina con fuegos artificiales. Ese despertar de la pasión (se supone que consumada, simbolizada por ese zapato rojo abandonado en la terraza) mientras estallan los cohetes,



nos recuerda inevitablemente una escena parecida (aunque mucho más explícita en cuanto a sus connotaciones sexuales) de un film de Hitchcock de ese mismo año: To Catch a Thief, substituyendo Venecia por la Costa Azul. ¿Casualidad? En todo caso, una asociación de sexo y fuegos artificiales que ya se podía encontrar en un viejo film silente de Jean Renoir y Albert Dieudonne: Catherine, une vie sans joie, como comentamos en su día al revisar la obra del director francés.

Justo antes de esa escena culminante, Jane, que ha comprado ropa y calzado para lucir elegante en su cita con Renato, ha descubierto que el hombre al que ha empezado a amar está casado y tiene hijos.



Pero él la convence de que la relación con su esposa está rota, que no es un aventurero a la caza de la turista. Resuelto el equívoco a la luz de los cohetes, iniciarán un breve pero intenso romance, que Lean nos muestra de nuevo con cierta tendencia al cartepostalisme, acudiendo a los bellos paisajes de la laguna véneta, en particular de la multicolor isla de Burano (y no Murano, como erróneamente indica Moreno Cantero en su monografía).



Pero ese amorío otoñal no puede durar, no tiene futuro. Jane ha conseguido su "milagro" particular, pero debe volver a Estados Unidos (o quizá simplemente seguir viaje hacia otros destinos, como Roma). De forma circular, la película se cierra en la estación de Venecia, con la partida del tren en donde viaja Jane, y con el intento fallido de Renato de entregarle un regalo y una gardenia, flor que también ha sido protagonista de una bella escena anterior en que la flor que le ha entregado a Jane cae al canal y no pueden recuperarla (clara premonición de un amor que no será duradero).





A pesar del uso y puntualmente abuso del cliché de la turista madura fascinada y enamorada por el encanto de la Vieja Europa (con predilección por lugares como París, Venecia o Roma), la película funciona, gracias al estallido de luz y color de las imágenes y al encanto de Katharine Hepburn. Entre los peros, no obstante, señalo la presencia de un irritante pilluelo, Mauro (Gaetano Autiero), que encarna al típico niño de la calle capaz de parasitar a los turistas a base de sonrisas y un sorprendente (y de lo más oportuno) conocimiento del inglés .



Un apunte sobre la edición en DVD que he visionado. Bastante correcta en el capítulo del color (a pesar de ser de Regia Films), el formato es 1,33:1, aunque en algunos lugares (como imdb) se indica que la intended ratio era 1,85:1. Probablemente, como en muchas otras ocasiones, se ha utilizado toda la información visual filmada, porque no se aprecia recorte ninguno, sino más bien demasiado espacio arriba y abajo. No sé si hay edición con el formato panorámico.

Con la próxima entrega, entraremos en la recta final de la filmografía de Lean, la más conocida, la más espectacular, a menudo colosalista, a base de costosas producciones, films de larga duración, exteriores rodados en parajes lejanos y exóticos (aunque a veces se recurra a localizaciones en... España), y repartos repletos de estrellas. Empezaremos con The Bridge on the River Kwai, cuya acción transcurre en Birmania, pero que se filmó en Sri Lanka.

Observo, querido amigo, que te ha poseído el espíritu Alcaudón en tu comentario.

Lo cierto es que a pesar de entrar en la Edad de Oro del cineasta me da una pereza terrible volver a ver todas esas películas dada su duración.

Iniciado por Alcaudón

Lo cierto es que a pesar de entrar en la Edad de Oro del cineasta me da una pereza terrible volver a ver todas esas películas dada su duración.

A mí también.

Además hace unos meses vi con mi ama La hija de Ryan y Pasaje a la India.

Por cierto, no quiero ni deciros por qué cantidad me compraron los de CeX la edición en BD de dos discos de Lawrence de Arabia y que había vuelto a comprar recientemente en 4K. Claro que la culpa es mía por no fijarme dada la cantidad de BD y DVD que llevaba.

Aunque investigaré sobre el tema del AR de LDV cuando me ponga con la reseña ya te adelanto que casi con toda seguridad la película se rodó y se exhibió en formato panorámico como era habitual en el cine de aquellos años. Eso sí, el AR del objetivo seguía siendo el habitual de 1.37:1 solo que se colocaba un marco para descartar lo que no se quería que se viese durante la proyección. En realidad se perdía imagen por arriba y por abajo.

Iniciado por Alcaudón

Aunque investigaré sobre el tema del AR de LDV cuando me ponga con la reseña ya te adelanto que casi con toda seguridad la película se rodó y se exhibió en formato panorámico como era habitual en el cine de aquellos años. Eso sí, el AR del objetivo seguía siendo el habitual de 1.37:1 solo que se colocaba un marco para descartar lo que no se quería que se viese durante la proyección. En realidad se perdía imagen por arriba y por abajo.

Esa es la impresión que da. Pero incluso las imágenes que se encuentran mediante Google parecen corresponder al formato estándar. De ahí mis dudas sobre si se ha llegadova editar en formato panorámico.

Pues no parece que haya unanimidad en cuanto al tema del AR original.

Según Criterion y DVDBeaver...

https://www.criterion.com/films/368-summertime

http://www.dvdbeaver.com/film/DVDRev...summertime.htm

... 1.37:1...

Según el especialista en formatos Bob Furmanek...

https://www.filmscoremonthly.com/boa...9671&archive=0

... 1.85:1...

Yo soy más de la opinión de este último como bien indica en este extracto del enlace anterior...

If Lean protected for 1.85:1 on 1955's "Summertime,"

Actually, the opposite would be true. Lean composed for 1.85:1 while protecting for 1.37:1. You can't do the reverse.

As much as I love widescreen films, this film is fine just as it is. I say this now since it's been viewed so many, many times in the ratio presented by Criterion.

I respectfully disagree. The only reason it's been seen in 1.37:1 since 1955 is because for all that time, we've lived in a 4x3 world. Now that televisions have finally caught up to what happened in theaters 59 years ago, it would be nice to see these films in the compositions intended by both the filmmaker and cinematographer.

These statistics are worth repeating: Major theaters began installing new screens in the summer of 1953. A 12/5/53 survey of 16,753 operating indoor domestic theaters showed that 80% of downtown theaters and 69% of neighborhood theaters had installed widescreens. In total, 58% of all U.S. theaters had gone widescreen by the end of 1953. The conversion was slow in the Southern and North central parts of the country and that’s why the films were still protected for the standard Academy ratio.

SUMMERTIME was released domestically in June, 1955. Most of the theatrical engagements across the country would have been in widescreen.

Me parece un razonamiento bastante fácil de compartir. Sólo hay que ver las imágenes que he insertado en mi comentario. Los planos están anormalmente abiertos. Hay siempre mucho espacio alrededor del motivo central, sobre todo por arriba. Como siempre en estos casos, lo ideal sería disponer de las dos versiones.

Ya se, ya se, voy con retraso, pero entre el trabajo y una visita cinéfilo-cinefaga voy con un cierto retraso. Pero para compensar, unas foticos...



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Después del Museo Giger, ahora sí, una pincelada de....



Después del chof de LA BARRERA DEL SONIDO esperaba con ganas al film, y si, mejor es, tampoco era tan complicado, pero me esperaba un film de esos que son grandes siendo pequeños, y me falta algo para lograrlo, siendo lo bueno y lo malo lo mismo, no es otro de Charles Laughton.

Me gusta el Charles Laughton que usa el diálogo como su arma diferencial, acompañado con esa gesticulación marca de la casa y de fábrica, cuando el diálogo desaparece y se dedica a emular al slapstick con exceso de hsitrionismo como mínimo, esas escenas de alucinaciones por empache de alcohol, pues gracia gracia, me hacen 0. Yo quiero ver a un déspota, un ser miserable, no por lo que bebe, sino por lo que dice, y la intro en la tienda repartiendo sandeces a diestro y siniestro, es sencillamente lo que buscaba y en lo que disfruté con el film, pero cuando se pone a hacer payasadas!!!!!

Mi escena favorita, no es otra que cuando viene a esa señora reclamando la presencia del creador de sus zapatos, Lean juega con la carta de la ambigüedad de manera fantástica, ya que, se sospecha que se viene un rapapolvo del cliente, y el Déspota, saca su arsenal clasista, acabando con todo y todos, para después recula de manera abrupta, siendo este contraste, con evidente subrayado, muy jocoso y disfrutable, lamiéndole los pies a su cliente allá por donde pisa.

Por lo demás, fantástico John Mills y Brenda de Banzie, un romance diferente y que por ello le hace especial. Otro momento fantástico cuando ellos dos rompen con el mundillo del personaje de Mills, supongo que era novia y suegra, llevando la batuta ella, ya que él, representa al lelo perdido.

En resumen, buen film, con un potencial importante y para mi desaprovechado, influenciado por tendencias o ideas de los creadores.

Y ahora, un film que tenía ganas de verlo, a ver que tal. Hoy me lo veo, mañana lo comento y me pongo al día.

Iniciado por Alex Fletcher

Me gusta el Charles Laughton que usa el diálogo como su arma diferencial, acompañado con esa gesticulación marca de la casa y de fábrica, cuando el diálogo desaparece y se dedica a emular al slapstick con exceso de hsitrionismo como mínimo, esas escenas de alucinaciones por empache de alcohol, pues gracia gracia, me hacen 0. Yo quiero ver a un déspota, un ser miserable, no por lo que bebe, sino por lo que dice, y la intro en la tienda repartiendo sandeces a diestro y siniestro, es sencillamente lo que buscaba y en lo que disfruté con el film, pero cuando se pone a hacer payasadas!!!!!

Laughton es un histrión incontrolable (no sé hasta qué punto lo pudo controlar Lean). Al parecer se criticó mucho su interpretación, pero el director lo defendió. Ni he leído la obra ni he visto otras adaptaciones, por lo que no sé si el tono burlón, grotesco, se adecua al texto o no. En todo caso a mí no me molesta, al contrario, y eso que a veces Laughton me acaba irritando por sus excesos interpretativos. Aquí solo encontré excesiva la secuencia de las alucinaciones. Ah, y el slapstick, ni aquí ni en general me molesta si lo encuentro coherente con el tono general del film.