Tema: David Lean: revisando sus películas

Ayer me vi la película y me gustó y eso que apenas si la recordaba. A las 17 tenga entrada para el cine. Intentaré ponerme con el comentario tan pronto pueda aunque últimamente estoy participando en todos los hilos para de esta forma evitar perder el ídem. Y estoy de acuerdo en buena medida con Alex en lo referente a la interpretación de Laughton... mejor director que actor...

Claro, como no es una rubia que arruga la nariz y pone cara de asco por eso no os gusta Laughton.

¿Quién ha dicho que no me guste? Lo que yo he afirmado es que era mejor director que actor. Y que conste que era un gran actor pero al que había que controlar.

Iniciado por Alcaudón

Observo, querido amigo, que te ha poseído el espíritu Alcaudón en tu comentario.

Lo cierto es que a pesar de entrar en la Edad de Oro del cineasta me da una pereza terrible volver a ver todas esas películas dada su duración.

Y pensar que en su día los films más laaaargos de Lean los ví de noche acabándolos bien entrada la madrugada... difícilmente algo que volvería a hacer hoy Ah, la frescura y la inconsciencia de la juventud (y las ganas de parranda...)

Obviamente Alcaudón está jugando con nosotros y se las verá de un tirón... naturalmente

No sé dónde leí que había proyecto de "Lawrence" con el Robert Pattinson ... creo que eso sí que da pereza

Iniciado por Alex Fletcher

Después del Museo Giger, ahora sí, una pincelada de....

Más Giger



Recordemos que de Giger también eran los diseños de "Species" (1995); quiero decir de los de la Natasha Henstridge alienígena, no de la humana ... por si estáis centrando la mirada en la segunda. Sosopecho que esta foto no pudo captarla Alex, si no la habría puesto, pero como me acuerdo de algún que otro devaneo carnal que salía a cuenta muy de vez en cuando, ahí lo dejo

Y si la pereza no vence, siempre podéis añadir a la retrospectiva una versión más reciente de Doctor Zhivago protagonizada por Keira Knightley, aunque creo que es miniserie.

Cabían muchos Charles Laughton en Laughton Muy versátil y camaleónico

Si, si, tengo un porrón de fotos pero mi pereza me ganó y puse solo 4 o 5. No prometo nada pero a ver si pongo algunas más. También decir que hizo algo para Poltergeist 2 y diseñó la portada de un disco de Deborah Harry (Blondie) que curiosamente ya tenía dicho vinilo sin saberlo que era Giger

Iniciado por Alex Fletcher

Si, si, tengo un porrón de fotos pero mi pereza me ganó y puse solo 4 o 5. No prometo nada pero a ver si pongo algunas más. También decir que hizo algo para Poltergeist 2 y diseñó la portada de un disco de Deborah Harry (Blondie) que curiosamente ya tenía dicho vinilo sin saberlo que era Giger

Es buena muestra y deja constancia de tu presencia, luego misión cumplida. Y además se nota or añadidura que ers asiduo del Festival de Sitges, como ya leí en alguna ocasión. Giger junto a Ron Bottin es también uno de mis bastiones como creador de diseños o texturas para el fantástico que ahondan en la moldeabilidad de la anatomía humana/humanoide.
Y el nombre de la nave de Alien va asociado como referencia absoluta a aquél último proyecto acariciado por Lean hasta el momento de su fallecimiento. Así que mira por dónde la correlación de Giger junto a David Lean tampoco es tan gratuíta.

Y mira, ya que Alcaudón ha mencionado que tiene un ciclo de Brian De Palma en marcha, he encontrado esta robusta cita del británico:

[1988 interview] I just love movies and I would like to make good movies. And I think part of making of a good movie, or the greater part of it, is a good story - which I know is out of fashion - and good characters. I mean, in the old days, when one went to the movies, one used to feel that one had been out and met some fascinating people. I saw the other day Los intocables de Eliot Ness (1987) on a aeroplane, and to be quite honest, I didn't really like it at all.

Que supongo que cuando uno ya ha envejecido y se queda sin energías suele contemplar sus tiempos de juventud como un ideal ya imposible al que volver y revivir, pero también deja claro qué grado de interés tiene por el mundo que le rodea y lo que particularmente atrae muchas décadas después. Eso explica cómo algunos artistas buscan amoldarse a los tiempos cambientes y siguen activos antes los desafíos o modas y otros, por la razón que sea (privados, carencia de oportunidades, la propia salud), acaban desmotivados. John Sturges o Joseph Mankiewicz estaban entre estos segundos.

Debido a mi expectación expresada en la intro del hilo, no es que tuviera esperanzas de descubrir una obra maestra, simplemente tenía ganas de verla, un film con Katherine Hepburn lo vale, además tenía curiosidad como, un yanqui de pro -supongo, todos los son- se desenvuelve en el terreno cultural ajeno, si hay chispa o si hay un lote de clichés, como podría ser el flamenco, los toros y la tortilla de patata, si se hubiera rodado en Barcelona. Y me he encontrado un film disfrutable, pero muy muy ligero, sin densidad ni profundidad, un postaleo a nivel visual con la Hepburn de abanderada.

En la Hepburn veo un personaje que viene de la América profunda, que si no es virgen, ha hecho poco uso del sexo, ya teniendo una edad madura, con falta de descaro siendo un contrapunto con su romance italiano que lo da todo, o simplemente carácter latino, ella no aguanta la mirada, él la mantiene, él oculta la verdad o simplemente no es significante, ella tiene una base sólida moral y ética que le hace no disfrutar del momento, siendo una posición idónea para el disfrute y dejarse de cucamonas morales.

En cuanto a los diálogos, hay de todo, hay algunos profundos y hay otros que chirrían. Los chistecitos fáciles idiomáticos me cansan, en cambio, la linea de diálogos cuando él le expone que en Italia no hay precio final sin regateo y la lineas de diálogo de éstas, me parecen uno de los momentos más destacados del film.



Como mi mujer estuvo en Venecia hace más o menos un año, programé el visionado juntos, esperando un buen espectáculo visual de Venecia, y así fue, postales y más postales, que como dice Mad, alegra la vista pero en detrimento de la densidad del film. También el género, comedia romántica, me decide por el visionado atípico conjunto. En resumen, nos lo hemos pasado bien, pero no va más allá de esto. Destacar que, buscamos el nombre del hotel/hostal donde se hospedaba el personaje de la Hepburn y aún existe, con otro nombre creo.

Y ahora, que ya he visto, la película de los "silbiditos", no se puede ser más faltón usando palabras no faltonas




Se la recomendamos a Dawson? yo digo que no, porque no hay tías buenas como actriz principal.

Iniciado por Alex Fletcher

[IMG]Se la recomendamos a Dawson? yo digo que no, porque no hay tías buenas como actriz principal.

Habría que hablar de Rossano Brazzi, o a lo mejor no mucho porque sus cometidos en films -especialmente en Hollywood, imagino- resultaban un tanto florero o postizo (galán, buena percha, avispadillo si la ocasión lo requiere) que a la postre lo encasilló de mala manera y en films románticos "de postales", como bien se define aquí (La condesa descalza, Creemos en el amor, Una cierta sonrisa, Interludio de amor, Más allá del amor)... vamos, que por los títulos ya se ven los ingredientes A lo mejor "melifluo" es la mejor palabra que lo define.
Y ciertamente no lo veo codeándose con los Gassman, Mastroianni o Manfredi ligeramente más jóvenes, y bastante más talentosos me temo, paisanos suyos. Pero, ey, aquí está la ocasión perfecta para enmendar mi opinión .... y sé que al menos Alcaudón sacará a colación su participación en el film de Douglas Sirk

La de Sirk con June Allyson. ¡Temible!

La de los "silbiditos" la comentaré mañana. Esta vez me he entretenido en detalles un tanto anecdóticos o externos al film, lo cual ha comportado un pequeño retraso sobre la fecha prevista. Como el argumento es archiconocido y la celebridad del film avala su consideración de "gran película", me centraré sobre todo en sus puntos débiles... que, en mi opinión, son muchos.

Pues yo acabo de finalizar el doble comentario a falta de las consabidas imágenes y esta vez podréis comprobar que sí he procurado ser lo más breve posible... teniendo en cuenta mi incontinencia verbal (o escrita, en este caso) habitual.

Y aquí silbidos no sé pero desde luego se oye el rugido de miles (me quedo corto...) de leones que reclaman un título que se les resiste desde hace 40 (¡!) años cual zombi su necesaria ración de carne fresca.

Ah, y en cuanto al bello Rossano...

https://www.mundodvd.com/las-ultimas...8/#post4550316

Y ahora a por el partido...

¡Aupa, Mallorca!...

... quiero decir... ¡Aupa, Athletic!

Terremoto en Bilbao, asumo. Gol de Alcaudón.

PROGRAMA DOBLE:

De los tambaleantes cimientos de los dominios de Sir Alexander Korda (1893-1956)… a lo que está por venir...

o

10. HOBSON’S CHOICE (1954, EL DÉSPOTA)



Director: David Lean

Productor: David Lean.

Producción: London Film Productions Ltd. (Alexander Korda).

Distribución: British Lion Film Corporation Ltd. (Reino Unido) y Lopert Films Distributing Company, Inc. y United Artists Corp. (EUA).

Guion: David Lean, Norman Spencer y Wynyard Browne, basado en la obra de teatro homónima de Harold Brighouse (Princes Theatre, Nueva York, 2 de noviembre de 1915).

Fotografía: Jack Hildyard, en blanco y negro (1.37:1).

Diseño de producción: Wilfred Shingleton.

Música: Malcolm Arnold.

Montaje: Peter Taylor.

Reparto: Charles Laughton (Henry Hobson), John Mills (Willie Mossop), Brenda de Banzie (Maggie Hobson), Daphne Anderson (Alice Hobson) y Vicky Hobson (Prunella Scales).

Metraje: 9.675 pies / 107 minutos.

Rodaje: desde julio hasta septiembre de 1953 (Shepperton Studios, Inglaterra).

Estreno: 19 de abril de 1954 (Reino Unido) y 14 de junio de 1954 (EUA).



…

Coordenadas espacio / temporales:

Salford, Gran Mánchester / 1880

…

y

11. SUMMER MADNESS / SUMMERTIME (1955, LOCURAS DE VERANO)





Coproducción anglo-norteamericana.

Director: David Lean

Productor: Ilya Lopert.

Producción: London Film Productions Ltd. (Alexander Korda) y Lopert Films, Inc. (Ilya Lopert).

Distribución: Independent Film Distributors Ltd. (Reino Unido) y Lopert Films Distributing Company, Inc. y United Artists Corp. (EUA).

Guion: H. E. Bates y David Lean, basado en la obra teatral “The Time of the Cuckoo”, de Arthur Laurents (Empire Theatre, Nueva York, 15 de octubre de 1952).

Fotografía: Jack Hildyard, en Eastman Color/Technicolor y formato panorámico (1.85:1).

Diseño de producción: Vincent Korda.

Música: Alessandro Cicognini.

Montaje: Peter Taylor.

Reparto: Katharine Hepburn (Jane Hudson), Rossano Brazzi (Renato De Rossi) e Isa Miranda (Señora Fiorini).

Metraje: 9.035 metros / 100 minutos.

Estreno: 29 de mayo de 1955 (Venecia); 21 de junio de 1955 (EUA) y 7 de noviembre de 1955 (Reino Unido).

Recaudación: 2.000.000 de dólares (solo en los EUA y Canadá) [Variety, 25 de enero de 1956].



…

Coordenadas espacio / temporales:

Venecia, Italia / Época actual

…

21-03-56 / Oscar / 2 nominaciones (director y actriz)

…

Al igual que hice con las dos primeras películas de su director he vuelto a confeccionar un programa doble con el fin por una parte de no alargarme en demasía en los comentarios individuales y por otra para no quedarme rezagado en la revisión dado que ahora además entramos en los títulos que convirtieron a Lean en uno de los cineastas más grandes de la Historia del Cine.

Por cierto, aunque nos quejemos (y en parte con razón) del excesivo metraje de sus últimas 5 cintas lo cierto es que ya muchas de su etapa británica rondaban las 2 horas como podemos comprobar si echamos un vistazo a los programas de mano originales que se pueden encontrar en la página que me sirve (entre otras cosas) para confeccionar las fichas técnicas…

http://old.bfi.org.uk/lean/index.html

Veamos…

SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS… 114 minutos…

LA VIDA MANDA… 111 minutos…

CADENAS ROTAS… 118 minutos…

OLIVER TWIST… 116 minutos…

MADELEINE… 114 minutos…

LA BARRERA DEL SONIDO… 117 minutos…

O sea, que todo aquel que se considere verdadero amante del director británico ya debería estar inmunizado frente a lo que está por venir…

Si LA BARRERA DEL SONIDO vino a ser el amanecer de las colaboraciones entre el director Lean y el productor Korda, EL DÉSPOTA y LOCURAS DE VERANO vendrían a significar, respectivamente, el atardecer y el anochecer de las mismas debido a la desmantelamiento de la London al no poder devolver el préstamo de 3 millones de libras esterlinas que le había hecho la NFFC (National Film Finance Corporation), algo idéntico a lo que le había sucedido previamente a la Rank, con la que el cineasta había colaborado desde que inició su carrera en solitario en 1944.

La primera afectada fue la British Lion, creada en 1927 por Sam W. Smith y adquirida por Korda en 1946 y que se encargaba de distribuir las producciones de este en Reino Unido.

- La mencionada compañía había sido precisamente la que distribuyó la primera película de su director, la colaboración con Coward, SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS. -

Por tanto, para que LOCURAS DE VERANO llegara a las salas comerciales británicas Korda tuvo que llegar a un acuerdo con John Woolf, propietario de la Independent Film Distributors.

En los EUA la distribución de las obras de la London la compartían al alimón la Lopert y la United Artists, siendo la primera la encargada de que las mismas llegaran a los denominados “cines de arte y ensayo” y la segunda de que lo hicieran a los cines generalistas.

La Lopert, creada en 1950 por Ilya Lopert y Robert Dowling, hizo igualmente las funciones de coproductora en la segunda de las dos cintas hoy reseñadas.

Curiosamente, el nombre de Alexander Korda no aparece ni siquiera en los pósteres británicos, aunque sí el de su compañía, la London, aunque solo en estos últimos, como se puede comprobar en los originales que incluyo más arriba.

Pero dejémonos ya del blablablá y centrémonos en los comentarios en el día en el que el Athletic de Bilbao quiere ganar su 24ª (o 25ª, según los más recalcitrantes) Copa del Rey porque el tiempo se me echa encima…

Lo único que parece unir propuestas tan aparentemente disímiles es el hecho de que ambas se basan en obras teatrales, aunque en la primera la acción se enmarque en los años 80 (del siglo XIX) y en la segunda en los 50 (del siglo pasado).

Sin embargo, no conviene olvidar que igualmente los auténticos protagonistas de ambas sean mujeres, Maggie (Brenda de Banzie, seguramente recordada por los amigos del foro Hitchcock por su participación en EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO [1956])...



- Por cierto, inteligente encuadre situando a la (futura) pareja entre el retrato de dos mujeres, lo que acentúa todavía el carácter claramente feminista de la historia. -

... y Jane (Katharine Hepburn), aunque bien es cierto que por un lado el carácter de una y de otra es bien distinto y por otro que mientras la primera consigue todos sus objetivos la segunda solo lo hace en parte… o tal vez sí…



Y si EL DÉSPOTA fue la última película rodada en blanco y negro y formato estándar por el cineasta, LOCURAS DE VERANO fue la primera en color desde 1945 (UN ESPÍRITU BURLÓN) y en formato panorámico.





Y en cuanto a la elección de los títulos patrios creo que hubiese sido más acertado mantener el original del primero, LA ELECCIÓN DE HOBSON, dado que el mismo encierra un divertido juego de palabras puesto que el coprotagonista (el gran – aunque a veces excesivo – Charles Laughton) en realidad no tiene más opción que aceptar el ultimátum que Willie (un igualmente excelente – como siempre – John Mills) y Maggie le presentan si no quiere evitar que su negocio vaya a la quiebra y que su alcoholismo crónico le mande al otro barrio.





Por lo que respecta al segundo creo que SUMMERTIME (o sea, el norteamericano) se ajusta más a la peripecia de la protagonista que SUMMER MADNESS (o sea, el británico), más propio de una screwball comedy de los años 30.

Desde luego EL DÉSPOTA tiene más de George Bernard Shaw (después de todo Lean había colaborado anónimamente en la realización de la espléndida PIGMALIÓN [1938], de Anthony Asquith y Leslie Howard) que de William Shakespeare (de hecho, fue Laughton quien hizo partícipe al director de la similitud entre la obra de Brighouse y “El rey Lear”) e incluso Maggie se verá sorprendida por la desenvoltura de su marido cuando le deja las cosas claras a Henry...



Dado que no creo que nadie pueda decir que LOCURAS DE VERANO sea una comedia romántica (ni siquiera el incombustible dawson… ) EL DÉSPOTA fue la última aportación a la comedia en sentido estricto del director británico desde la mencionada UN ESPÍRITU BURLÓN.



Curiosamente, EL DÉSPOTA comparte con una película tan denostada por mis queridos colegas como es MADELEINE (y que yo defiendo sin rubor a capa y espada) el que los pater familias sean unos tiranos de tomo y lomo, aunque al final ambos reciban al final su justo (aunque relativo) castigo.



- Por cierto, en el comentario de esta última se me olvidó mencionar que el gran Ralph Richardson encarna al severo padre tanto en LA HEREDERA (1949), de William Wyler como en la última cinta mencionada.

Y antes de que se me vaya el santo al cielo (y es que es ensordecedor el rugido de la multitud en la calle…) y dado que estamos hablando de actores (masculinos) el no menos grande André Morell (insuperable su caracterización en la recientemente comentada CASH ON DEMAND (1961) para el rincón de la Hammer…) ejerce de abogado defensor de Madeleine e igualmente es la primera persona a la que Jane conoce en su viaje en tren desde París hasta Venecia. -



Si ya en EL DÉSPOTA Lean tomó la acertada decisión de rodar algunas secuencias en exteriores (incluida la propia ciudad de Salford, donde tiene lugar la acción)...



... y de esta forma “airear” la obra original, en el caso de LOCURAS DE VERANO el experimento se llevó hasta sus últimas consecuencias puesto que lo fue en su totalidad en la bella (aunque muy degradada) ciudad italiana...



Desde luego me parece mucho más interesante EL DÉSPOTA que LOCURAS DE VERANO, quizás porque la primera es una partida a tres perfectamente equilibrada...





... mientras que la segunda lo es a dos y notablemente escorada hacia la protagonista femenina dada la nula entidad como personaje de su interés amoroso (y, por supuesto, las escasas prestaciones como actor del galán italiano Rossano Brazzi)...



Con toda seguridad el mayor aliciente de esta última es por un lado la espléndida interpretación de Katharine Hepburn y por otro la hermosa fotografía en color de Jack Hildyard, aunque Lean en su afán de captar la (efímera) belleza de la ciudad italiana más bien parece que esté rodando un documental que una película.



He de reconocer que nunca he sentido un especial aprecio por esta película pero al menos el reciente visionado me ha reconciliado en parte (solo en parte) con ella, seguramente debido a la excelente calidad de la copia que me ha servido para la presente revisión… a pesar de que no respete el formato original…



Y dado que se ha mencionado el cuento de “La Cenicienta” yo diría que la trama del mismo se ajusta más a LOCURAS DE VERANO que a EL EGOÍSTA.

Desde luego nada hacía presagiar que después de una cinta tan liviana como esta (y que pese a todo no solo fue un éxito de taquilla sino que llegó a estar nominada en dos categorías a los Oscar – director y actriz -) vendría lo que todos ya conocemos…

That`s All Folks!

Buenas noches y, buena suerte.



...











...

Me imagino a Alcaudón obligado a seguir a sus conciudadanos y vecinos a regañadientes en su espiral desenfrenada



Y la verdad es que a mí el recuerdo del film de la Hepburn mayor en Venecia (porque los pósters del film ya te relatan lo que hay, Hepburn y Venecia) me llega bastante insulso y no creo que mejorara hoy día. Es lo que he apuntado antes con el fenómeno Rossano Brazzi tan solicitado por entonces, que cinéfila o cinéfagamente nunca me dejó poso.
Y ya que ha sido muy brevemente adelantada una muy sucinta referencia al Río Kwai por parte de Mad Dog, me da la impresión de que ésta si la viera hoy me iba a gustar sensiblemente menos que en su día (aun sin despeñarse como le ha pasado a cierto puente norteamericano hace nada). Y probablemente aparecerá hacia la mitad de la tabla tanto de Mad Dog como de Álex (a ver quién aporta más gotitas de vinagre), estando algo más por encima en la de Alcaudón. Pero bueno, son conjeturas ....

12. El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai, 1957)



Después del éxito de Summertime, Lean da el salto definitivo al mercado internacional con The Bridge on the River Kwai. Con ella inicia una serie de grandes superproducciones, films colosales que marcaron una época y que en cierta manera caracterizan lo que popularmente se entiende por el “cine de Lean”. El primer capítulo de esta historia se escribe mediante la colaboración de Lean con Sam Spiegel, productor independiente al que recordamos como artífice de la producción de la exitosa The African Queen.

Para la ocasión, Spiegel ofreció a Lean la adaptación a la pantalla grande de la novela de Pierre Boulle “Le pont de la rivière Kwai”, publicada en 1952, a partir del guion elaborado por Carl Foreman, célebre blacklisted, responsable del guion de High Noon.

Pero a Lean el guion de Foreman le pareció horroroso, por lo que se planteó la reescritura. Para ello contaría con la colaboración de Michael Wilson, otro blacklisted, que había firmado entre otros los guiones de A Place in the Sun, de George Stevens, o de la mítica The Salt of the Earth, de Herbert J, Biberman. Por una ironía del destino, el guion de The Bridge on the River Kwai ganó el Oscar al mejor guion adaptado, dándose la circunstancia que ninguno de los guionistas, ni Foreman ni Wilson, aparecían acreditados, reservándose ese cometido al autor de la novela, a pesar de ser un escritor francés que no tuvo ninguna participación en el film. Fue el propio Spiegel el que recogió el premio y no fue hasta muchos años después que la Academia de Hollywood no reconoció, póstumamente, el galardón para Foreman y Wilson, aunque si hacemos caso a los comentarios sobre el proceso de producción del film, quien seguramente tuvo más mérito en la elaboración del guion fue el propio Lean, que tampoco fue acreditado como guionista.

Sea como sea (dejo para Alcaudón aclarar los detalles de todo este galimatías), The Bridge on the River Kwai tuvo un éxito espectacular, llevándose, como muestra de ello, 7 estatuillas, entre las cuales las de mejor película y mejor director. La fama de la película, su ascensión al Olimpo de los films míticos de la historia del cine, hace difícil ser crítico con ella. Incluso dentro de lo que podríamos llamar “cultura popular”, tuvo un impacto más que considerable, años antes del boom del merchandising cinematográfico que eclosionó con Star Wars. Así, podemos encontrar desde colecciones de cromos



a soldaditos de juguete, que intuyo que se inspiraron en la película.



De hecho, entre los soldaditos de plástico con los que jugaba de niño (y creaba con ellos apasionantes universos de ficción, sin problemas con los productores) se encontraban unos similares a los de la imagen que adjunto, prisioneros de un campo de concentración japonés, con carceleros nipones látigo en mano y harapientos presos que empuñaban picos y palas.

Pero si algo quedó grabado más que en las retinas en los tímpanos del público de la época (y de toda la década siguiente) fue la famosísima melodía silbada de la “Colonel Bogey March”, una marcha militar compuesta en 1914, durante la Primera Guerra Mundial, y reciclada en la Segunda, cuando se le añadió una letra provocativa y obscena, la de “Hitler Has Only Got One Ball":

Hitler has only got one ball,
Göring has two but very small,[a]
Himmler is rather sim'lar,[b]
But poor old Goebbels has no balls at all



Mis tiernos oídos tuvieron que oír ad nauseam los silbiditos en cuestión, que aparecieron en todo tipo de discos, sin necesidad de acudir a la banda sonora del film.



Se cuenta (por ejemplo, en los extras de la edición doble en DVD de Columbia, de calidad de imagen discreta) que se eligió la fórmula del silbido para obviar así la letra que resultaba demasiado “picante” para una producción con vocación de comercialización masiva.

En cierto modo, esa prudente reserva se extiende a muchos otros aspectos de la película, de manera que, décadas después, lejos ya la indudable impresión que debió causar en el momento del estreno, alimentada además por la espectacularidad del Cinemascope (utilizado por Lean por primera vez), The Bridge on the River Kwai se puede someter a una valoración crítica, a pesar de las incontables alabanzas que recibió y que todavía (caso de John Milius en los extras citadas) ha seguido recibiendo en el siglo XXI. Contrasta en este caso, con el comentario bastante negativo de Moreno Cantero en su monografía de Cátedra, crítica con la que coincido en parte.

Prescindo de la mera sinopsis, porque el argumento es suficientemente conocido, y me centro en los elementos del film que me parecen más discutibles:

- El personaje de Shears, interpretado por William Holden. En mi opinión, es un personaje que no aporta nada especial al film y que parece metido con calzador como una concesión a las plateas estadounidenses, una forma de buscar un agarre emocional para un público que podía no sentirse especialmente afectado por las penurias de los soldados británicos. Por un lado, parece talmente que Lean y sus guionistas (fuera el que fuera el que creó al personaje, ausente de la novela, al menos en su condición de norteamericano) hubieran reciclado al sargento Sefton de la wilderiana Stalag 17 (“casualmente” interpretado por el mismo actor), un pícaro y cínico soldado estadounidense capaz de todo para salvar el pellejo, aunque al final, como mandan los cánones, se redimirá sacrificando su vida en pro de la voladura del puente. Y que conste que no me refiero a la interpretación de Holden, actor que casi siempre estuvo bien, también aquí.

- El “duelo de los coroneles”. La película gira en buena medida (y es, en mi opinión, su elemento más interesante) alrededor de la pugna entre el director del campo, el coronel Saito (Sessue Hayakawa, el único nominado que se quedó sin estatuilla... como si el personaje no hubiera sido suficientemente humillado en el film), y el coronel Nicholson (magnífico, a pesar de todo, Alec Guinness), oficial al frente de la tropa de soldados británicos. Ese conflicto se ve disminuido ya desde la escena inicial cuando los británicos, desarrapados y con aspecto cansado, entran marcialmente en el campo silbando la marcha de marras.



Así, desde el primer momento tenemos claro que, en el duelo entre ambos militares, Nicholson tiene todas las de ganar, porque ellos, los británicos, son más fuertes, algo que se ve todavía más reafirmado después del fracaso de la tortura consistente en encerrar a Nicholson en el reducido espacio del “horno”. Cuando, como resultado de haberle ganado el pulso a Saito, Nicholson es liberado por sus soldados y llevado a hombros como un torero, Lean necesita humillar todavía más a Saito mostrándonoslo llorando desconsoladamente en la cama, como si fuera un Boabdil cualquiera. Incluso, por si no fuera suficiente, la película acentúa todavía más el fracaso de Saito cuando lo vemos al final preparando lo que podría llegar a ser su hara-kiri o viéndolo seguir a Nicholson como un perrillo faldero cuando el coronel británico se erige como primer defensor del puente al darse cuenta que se han colocado cargas explosivas.



- El interludio en Ceilán (aunque, en realidad, todo el film se rodó en la actual Sri Lanka). Lean introduce otra concesión más a la galería completando el perfil de soldado cínico e individualista de Shears, con la inevitable enfermera rubia caída en sus brazos y su predilección por los martinis, los chapuzones en el mar y las citas nocturnas antes que en el devenir de la guerra.



Al menos tenemos el gusto de ver por ahí al siempre sobrio André Morell, habitual en los últimos films de Lean comentados, y que se incorpore al reparto Jack Hawkins como el mayor Warden. Capítulo aparte es el “guaperas” Geoffrey Horne, como el teniente Joyce, uno de esos actores de físico “agraciado” que pulularon sin mucho éxito por las pantallas de la época.



- La travesía por la selva, tan perfectamente cronometrada que llegarán exactamente en el momento justo para sabotear el puente, a pesar de la muerte accidental de uno de los integrantes, el enfrentamiento con una patrulla de soldados japoneses y la herida en un pie de Warden. Otro detalle completamente inverosímil y un tanto molesto es la presencia de la muchachas nativas como porteadoras, no porque unas mujeres participen en la misión, sino que parecen colocadas allí solamente para solazar a los guerreros occidentales y poner caritas embelesadas (en algunos de los planos más ruborizantes de la película).



Con todo, este fragmento, que cubre buena parte de la hora final, es quizá el que consigue transmitir más sensación de aventura, e incorpora algunas magníficas ideas, como el vuelo de centenares de murciélagos (que, según cuentan los que estuvieron allí, descargaron una generosa “lluvia dorada”).

- El clímax final. El momento culminante del film, sin duda el más recordado, es la voladura del puente, un añadido que no figura en la novela de Boulle, en la que el puente se mantiene incólume, puente que en cierto modo es quizá el personaje más atractivo de la película, no solo por su simbolismo (subrayado en exceso, todo sea dicho), sino especialmente por su fisicidad, por esos enormes troncos de madera que le dan forma.



A pesar de que ha pasado a las antologías de la historia del cine, la secuencia final me parece algo confusa (no solo ambigua), y la solución final, ese Nicholson desplomándose como un pato mareado (o un patoso Hrundi V. Bakshi ) sobre el mecanismo que acciona el explosivo, poco convincente.



De fondo, resuena la voz del oficial médico, el mayor Clipton (James Donald), un personaje que en mi opinión hubiera merecido más presencia, exclamando: “Madness! Madness!”. Sí, una locura que se diluye en parte por la voluntad de agradar al público.

¿Conclusión? ¿Es una mala película? No, por supuesto que no, pero creo que queda lejos de ser ese film elevado a los altares de la cinefilia. A veces tengo la impresión de que pesa más en la valoración de una película las circunstancias del rodaje y la producción de un film que su contenido. Acabo con una anécdota comentada en los extras de la edición citada: Guiness, a pesar de su excelente interpretación y de ganar el Oscar, no era el actor elegido inicialmente para encarnar a Nicholson. Entre otros nombres, como el de Ralph Richardson, se barajó el de Charles Laughton, aunque me parece más una broma que una posibilidad verosímil. ¿Alguien se imagina a Laughton como Nicholson metido en el “horno”... a no ser que fuera con una manzana en la boca?

En la próxima entrega llegamos al summum de la filmografía de Lean y de su cine colosalista: Lawrence of Arabia, película que siempre me ha gustado más que The Bridge on the River Kwai, pero que no sé si superará con nota la prueba.

Iniciado por Otto+

Y ya que ha sido muy brevemente adelantada una muy sucinta referencia al Río Kwai por parte de Mad Dog, me da la impresión de que ésta si la viera hoy me iba a gustar sensiblemente menos que en su día (aun sin despeñarse como le ha pasado a cierto puente norteamericano hace nada). Y probablemente aparecerá hacia la mitad de la tabla tanto de Mad Dog como de Álex (a ver quién aporta más gotitas de vinagre), estando algo más por encima en la de Alcaudón. Pero bueno, son conjeturas ....

Por ahí quedará, seguro.

Iniciado por Alcaudón

- Por cierto, inteligente encuadre situando a la (futura) pareja entre el retrato de dos mujeres, lo que acentúa todavía el carácter claramente feminista de la historia. -

Muy "feminista" tampoco es que sea, puesto que la astuta Maggie mueve los hilos para huir de la tutela paterna, pero a costa de casarse con un hombre al que no parece que le prestara demasiado atención con anterioridad y al que se somete como obediente esposa (aunque lo controle "por detrás"). No veo "feminismo" por ninguna parte.

Iniciado por Alcaudón

Y si EL DÉSPOTA fue la última película rodada en blanco y negro y formato estándar por el cineasta, LOCURAS DE VERANO fue la primera en color desde 1945 (UN ESPÍRITU BURLÓN) y en formato panorámico.

Aunque no lo comenté en su día, el formato de Hobson's Choice también ofrece algunas dudas, al menos si hacemos caso de imdb, ya que indica: "1.37 : 1 (negative ratio)1.66 : 1 (intended ratio)".

Iniciado por Alcaudón

Por lo que respecta al segundo creo que SUMMERTIME (o sea, el norteamericano) se ajusta más a la peripecia de la protagonista que SUMMERTIME MADNESS (o sea, el británico), más propio de una screwball comedy de los años 30.

El británico es Summer Madness, como el cartel que adjuntas muestra.

Punto 1:

Yo sí creo que es una película feminista puesto que Maggie consigue todo lo que se propone usando sus "armas de mujer".

Punto 2:

Dado que la película se rodó en 1953 lo hizo en 1.37:1. Otra cosa es que se exhibiera en formato panorámico en las salas que ya disponían de pantallas ad hoc.

Punto 3:

Subsanado el (obvio) error pero eso es lo que tiene ir contrarreloj...

Aprovecho la ocasión para incluir aquí el ránking de lo que vamos de revisión:

01. OLIVER TWIST

02. GRANDES ESPERANZAS

03. BREVE ENCUENTRO

04. MADELEINE

05. EL DÉSPOTA

06. THE PASSIONATE FRIENDS

07. LA VIDA MANDA

08. LOCURAS DE VERANO

09. SANGRE, SUDOR Y LÁGRIMAS

10. UN ESPÍRITU BURLÓN

11. LA BARRERA DEL SONIDO

... aunque la posición de las tres primeras (a falta de ver sus GRANDES títulos) puede ser perfectamente intercambiable e incluso alguna de las intermedias.

Iniciado por Alcaudón

Punto 1:

Yo sí creo que es una película feminista puesto que Maggie consigue todo lo que se propone usando sus "armas de mujer".

Argumento que de feminista no tiene nada.

Iniciado por Alcaudón

Punto 2:

Dado que la película se rodó en 1953 el formato 1.37:1. Otra cosa es que se exhibiera en formato panorámico en las salas que ya disponían de pantallas ad hoc.

Diría que lo mismo se podría aplicar a Summertime.

Para mí sí lo es pero no vamos a discutir.

La diferencia entre los OAR de las dos películas es que la primera se rodó y se exhibió (que yo sepa) en 1.37:1 mientras que la segunda se rodó y se exhibió en 1.85:1.

Iniciado por Alcaudón

La diferencia entre los OAR de las dos películas es que la primera se rodó y se exhibió (que yo sepa) en 1.37:1 mientras que la segunda se rodó y se exhibió en 1.85:1.

¡Qué manía con lo de que se rodó en 1.85:1! Se rueda pensando en un formato determinado de proyección, pero no en ese formato, sino en uno que incluye mucha más información visual, que luego se aprovechará o no según la sala o si se piensa en una proyección televisiva. Solo hace falta recordar al bueno de Stanley Kubrick.

Una fuerza imparable choca contra un objetivo inamovible.

Cuando un director rodaba en formato panorámico enmascaraba las partes de la imagen que no quería que se viesen durante la proyección.

O sea, que era una elección estilística del cineasta y debería respetarse siempre.

Evidentemente no es igual de grave el hecho de que una cinta que se rodó en formato panorámico (de 1.66:1 a 2.00:1) se vea en 1.37:1 como el que una filmada en Scope (de 1.66:1 a 2.76:1) se exhiba con los extremos de la pantalla severamente mutilados hasta el punto de que en el típico duelo de pistoleros no se les vea a ninguno...

Pero en muchas ocasiones, vuelvo a referirme a Kubrick, se rueda pensando en más de un formato de exhibición. Algo todavía mucho más presente en la década de los 50. Por eso una cosa es el formato del negativo y otra el de proyección. Se puede (y se hacía) jugar con ambos formatos. De ahí que lo de "filmar a 1,85 :1" sea algo muy relativo en esa época. Si se hubiera rodado Summertime a 1,85:1, la copia que tenemos en DVD estaría recortada de manera apreciable, cosa que no sucede, al contrario.

Como tú mismo dices, lo que sobra se enmascara "en la proyección", no en el rodaje.