Tema: El callejón de las películas perdidas

La etapa Universal (1943-1950) del cineasta alemán Robert Siodmak (8 de agosto de 1900 / 10 de marzo de 1973):

SON OF DRACULA (1943)

T. O.: EL HIJO DE DRÁCULA



Producción y distribución: Universal Pictures Company, Inc.

Director: Robert Siodmak.

Productor: Ford Beebe.

Guion: Eric Taylor, a partir de una historia de Curt Siodmak.

Fotografía: George Robinson, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: John B. Goodman y Martin Obzina.

Decorados: Russell A. Gausman y Edward R. Robinson.

Música: Hans J. Salter (y Charles Previn y Frank Skinner).

Montaje: Saul A. Goodkind.

Duración: 1:20:16 (Copia en BD incluida en “Dracula: Complete Legacy Collection” [2017]).

Reparto: Lon Chaney, Jr. (Conde Alucard/Drácula), Robert Paige (Frank Stanley), Louise Allbritton (Katherine Caldwell), Evelyn Ankers (Claire Caldwell), Frank Craven (Doctor Brewster) y J. Edward Bromberg (Profesor Laszlo).

Rodaje: del 7 de enero al 2 de febrero de 1943.

Estreno: el 20 de octubre de 1943 en México (como EL HIJO DE DRÁCULA) y el 5 de noviembre de 1943 en los EE.UU.



…

Nueva Orleans, Luisiana, EUA / Tiempos modernos

…

SON OF DRÁCULA – inédito en salas comerciales en nuestro país – fue el primero de los once largometrajes (ver Anexo I) que el cineasta alemán exiliado (como tantos otros de sus compañeros) Robert Siodmak (1900-1973) dirigió para la Universal (luego Universal-International) entre 1943 y 1949 e igualmente el tercero protagonizado (en este caso relativamente como enseguida veremos) por el personaje surgido de la fértil imaginación del escritor irlandés Abraham “Bram” Stoker (1847-1912), el Conde Drácula.



A pesar del título de la película lo cierto es que la misma no acaba de dejar claro si el personaje encarnado por Lon Chaney, Jr. (1906-1973) es solo un vástago del aristócrata vampiro transilvano o el mismísimo Conde en persona, algo que apunta el profesor Laszlo (J. Edward Blomberg) cuando se entrevista por primera vez con el doctor Brewster (Frank Craven). Para rizar el rizo en los títulos de crédito finales Chaney aparece acreditado como “Conde Drácula”…



De cualquier forma SON OF DRACULA no es continuación directa del “díptico” DRÁCULA (1931) / LA HIJA DE DRÁCULA (1936).

No deja de ser paradójico el hecho de que a pesar del éxito de taquilla que supuso la cinta de Tod Browning (y Karl Freund) las secuelas se dilataron extraordinariamente en el tiempo.

Eso sí, la segunda (y la mejor de todas ellas, a pesar del carácter pionero de la cinta protagonizada por Bela Lugosi) es la primera (valga el retruécano) en la que empiezan a aparecer parentescos en los títulos pertenecientes a los ciclos de cine fantástico y/o de terror facturados por la Universal…

DRACULA’S DAUGHTER (1936)

SON OF FRANKENSTEIN (1939)…

El guion de Eric Taylor (1897-1952), aunque parte de una historia (¿original?) del hermano pequeño del director, Curt Siodmak (1902-2000), a pesar de no ser precisamente un dechado de virtudes no deja de tener su gracia puesto que el mismo bien podría ser una mixtura entre la mencionada “Drácula” (1897), de Bram Stoker...



... y “Cumbres Borrascosas” (1847), de Emily Brönte...



De la primera tomaría parte de la trama (la decisión del Conde (o de su vástago) de salir de sus tierras ancestrales con el fin de extender sus dominios) y de los personajes (por ejemplo, existen claras equivalencias entre Frank Stanley / Jonathan Harker, Doctor Brewster / Doctor Seward y Profesor Laszlo / Profesor van Helsing).

De la segunda el personaje más interesante de la película, Katherine Caldwell (un bella y elegante Louise Allbritton [1920-1979]),...



... que bien podría ser un émulo de la (co)protagonista de la inmortal novela de la mediana de los Brönte... que, recordemos, también se llamaba Catherine…



Además si allí teníamos una finca denominada “Cumbres Borrascosas” aquí disponemos de una mansión que atiende al nombre de “Robles Oscuros”.

Como decía al principio de mi exposición y retomo ahora que ha salido a colación el nombre a pesar de encontrarnos ante una nueva entrega de uno de los “Monstruos” (uso el entrecomillado porque algunos ciertamente no lo eran, como el de Frankenstein) de la Universal el Conde (o el hijo…) no es en realidad el protagonista de la historia sino la fascinante (y embaucadora) Katherine, heredera de “Robles Oscuros” (el personaje de la hermana mayor, Claire, apenas tiene entidad, lo cual no deja de ser curioso dado que la actriz que lo encarnó, Evelyn Ankers [1918-1985], había trabajado previamente con Chaney en EL HOMBRE LOBO [1941] y THE GHOST OF FRANKENSTEIN [1942]), una mujer que quiere vivir (y permanecer joven) eternamente, aunque para ello tenga que convertirse en vampiro.



Y tal es su poder de seducción que logra que el Conde (o…) se case con ella (por lo civil, eso sí, aunque intuyo que a los responsables del Código de Producción les debió de dar un síncope ante semejante dislate... ) haciendo creer al noble que de esta forma adquiría legalmente su Abadía de Carfax particular.

Claro que lo que en realidad quiere Katherine (y de ahí su filiación con el personaje brönteano) es primero destruir al Conde y después, pero sobre todo, compartir dicha inmortalidad con su amante, Frank (Robert Paige [1910-1987]), que aquí ejerce a modo de un Jonathan Harker un tanto descafeinado.



O sea, que en este caso más que el agresor el Conde (o…) se acaba por convertir en la víctima de la ingeniosa trama ideada por la seductora Katherine, lo cual no deja de tener su gracia al subvertir por completo la esencia del personaje algo ciertamente novedoso teniendo en cuenta que estamos en los años 40.

Pese a que Chaney no parecía el actor más idóneo para encarnar al vampiro lo cierto es que es bastante más parecido físicamente al personaje que Stoker describía en la novela que sus predecesores, aunque le sobren unos cuantos kilos. En este sentido solo es superado por John Carradine en los delirantes cócteles LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS (1944) y LA MANSIÓN DE DRÁCULA (1945), ambas dirigidas por Erle C. Kenton (el mismo individuo que firmó la espléndida LA ISLA DE LAS ALMAS PERDIDAS (1932)) que significaron el final de la etapa más gloriosa del estudio creado por Carl Laemmle (1867-1939).







Aparte de los mencionados los dos personajes que más peso tienen en la trama son los encarnados por el veterano (y espléndido actor de reparto) Frank Craven (1875-1945), que como decía viene a ser como el Doctor Seward de la novela y J. Edward Bromberg (1903-1951), este sí todo un van Helsing en regla y con un parecido físico más que notable con el actor Edward (ya es casualidad...) van Sloan (1882-1964) que le antecedió.







Gracias a la espléndida copia en BD cortesía de la Universal podemos disfrutar de la preciosista fotografía en blanco y negro del gran George Robinson (1890-1958), quien ya había hecho lo propio en DRÁCULA, EL RAYO INVISIBLE, LA HIJA DE DRÁCULA y LA SOMBRA DE FRANKENSTEIN.

Igualmente destacar la atmosférica música de Hans J. Salter (1896-1994) (y de los no acreditados Charles Previn y Frank Skinner).

O los efectos especiales del gran John P. Fulton (1902-1966) que nos permiten asistir por primera vez en la gran pantalla a la transformación del Conde (o…) en vampiro y viceversa.













Y, por supuesto y a pesar de no ser más que un mero encargo, Siodmak da muestras más que sobradas de su talento detrás de la cámara con una puesta en escena elegante y donde me gustaría destacar especialmente aquella en la que el ataúd de Drácula (o…) emerge del fondo del pantano donde yace y de él surge el susodicho y se dirige como si andara sobre las aguas (otro gol que le metieron por toda la escuadra al Código puesto que emulaban la figura del vampiro a la de Jesucristo… ) al encuentro de su amada.

En resumen.

Una cinta ciertamente menor, pero con encanto y donde, paradójicamente, el personaje que da nombre a la cinta no es el auténtico protagonista.

A pesar del éxito comercial de la propuesta la Universal “recompensó” a Siodmak con LA REINA DE COBRA (1944) – su primera película en Technicolor – y a Chaney con THE MUMMY’S GHOST (1944).

Para que luego digan que no se cumple aquello de que… es de bien nacidos ser agradecidos…

Y como curiosidad la cinta se estrenó antes en México que en los EUA.

Y que yo sepa es la primera vez en que se usa el nombre de Drácula al revés, o sea, Alucard, en una película, un palíndromo ideado por el Conde y que enlaza de forma sibilina con el hecho de que un vampiro no se refleja en un espejo como todo lector de la novela recordará.

Feliz tarde y espero seguir adelante con la revisión pese a todo y pese a todos.



P. D. Próxima (y espero que telegráfica) entrega… LA REINA DE COBRA…

…

Anexo I:

Largometrajes que componen la etapa Universal de Siodmak indexados según fecha de inicio de rodaje:

1943, SON OF DRACULA

1943, COBRA WOMAN / LA REINA DE COBRA

1943, PHANTOM LADY / LA DAMA DESCONOCIDA

1943, CHRISTMAS HOLIDAY / LUZ EN EL ALMA

1944, THE SUSPECT / EL SOSPECHOSO

1945, THE STRANGE AFFAIR OF UNCLE HARRY / PESADILLA

1946, THE DARK MIRROR / A TRAVÉS DEL ESPEJO

1946, THE KILLERS / FORAJIDOS

1946, TIME OUT OF MIND / ALMAS BORRASCOSAS

1948, CRISS CROSS / EL ABRAZO DE LA MUERTE

1949, DEPORTED

…

Anexo II:

Largometrajes de la Universal protagonizados por el Conde y su estirpe (años 30 y 40) indexados según fecha de inicio de rodaje:

1930, DRACULA / DRÁCULA / Tod Browning

1936, DRACULA’S DAUGHTER / LA HIJA DE DRÁCULA / Lambert Hillyer

1943, SON OF DRACULA / Robert Siodmak

1944, HOUSE OF FRANKENSTEIN / LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS / Erle C. Kenton

1945, HOUSE OF DRACULA / LA MANSIÓN DE DRÁCULA / Erle C. Kenton

…

Anexo III:

Los "Monstruos" encarnados por Lon Chaney, Jr. en sus años plateados en la Universal:

1941, THE WOLF MAN / EL HOMBRE LOBO (WM-1) / George Waggner [“The Wolf Man”]

1941, THE GHOST OF FRANKENSTEIN (F-4) / Erle C. Kenton [“The Monster”]

1942, THE MUMMY’S TOMB (M-3) / Harold Young [“The Mummy”]

1942, FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN / FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (F-5, WM-2) / Roy William Neill [“The Wolf Man”]

1943, SON OF DRACULA (D-3) / Robert Siodmak [“Count Dracula”]

1943, THE MUMMY’S GHOST (M-4) / Reginald LeBorg [“The Mummy”]

1944, HOUSE OF FRANKENSTEIN / LA ZÍNGARA Y LOS MONSTRUOS (D-4, F-6, WM-3) / Erle C. Kenton [“The Wolf Man”]

1944, THE MUMMY’S CURSE (M-5) / Leslie Goodwins [“The Mummy”]

1945, HOUSE OF DRACULA / LA MANSIÓN DE DRÁCULA (D-5, F-7, WM-4) / Erle C. Kenton [“The Wolf Man”]

En la lista de largometrajes protagonizados por el Conde o su estirpe te has olvidado de "Drácula" de George Melford y, si me apuras, del "Abbott & Costello Meet Frankenstein", el último Dracula de Lugosi para la Universal.

He obviado la primera por ser la versión hispana de la cinta de Browning, aunque en muchos aspectos (salvo el protagonista) la supera.

Y la segunda por dignidad hacia el personaje.

Ambas, por cierto, se encuentran en el excelente paquete editado por la Universal.

Pues la de Abbott y Costello creo que fue la primera película de Drácula (y de Lugosi) que vi de niño, en el cine, por supuesto.

PROGRAMA DOBLE DE CINE NEGRO

Al volver a la vida (I Walk Alone, 1947), de Byron Haskin



Aunque a Haskin lo recordamos, sobre todo, por su contribución a la ciencia ficción, con su The War of the Worlds, y también por Conquest of Space o Robinson Crusoe on Mars, y especialmente en este foro por un film como Naked Jungle (¡esos fans de Eleanor Parker! ), también entregó algunos estimables films de cine negro, en particular este I Walk Alone, producción de Hal B. Wallis para la Paramount.

Se trata de una película, quizá discreta, pero que ejemplifica muy bien dos aspectos del género. Primero, que los tiempos habían cambiado y que los gánsteres ya no eran unos tipos que, ametralladora Thompson en mano, intentaban hacerse con el control del negocio del alcohol durante la vigencia de la Ley Seca. Esos delincuentes han evolucionado y se cubren las espaldas con negocios de apariencia legal, sofisticando la manera de eludir el control de la justicia. Ahora, más que al FBI, parece que teman a los inspectores de Hacienda.

Por otra parte, también se produce un relevo generacional a nivel actoral. A los Cagney, Raft, Bogart y compañía, se unen ahora actores más jóvenes, en este caso la pareja que forman Burt Lancaster (al que se le da más preeminencia en el cartel) y Kirk Douglas, actores muy físicos, atléticos, de gestos eléctricos. Douglas se mueve como una pantera enjaulada, mientras que Lancaster aporta una solidez granítica (aprovecho para decir que siempre he preferido a Lancaster antes que a Douglas, cuyo rechinar de dientes en ocasiones me parece excesivo).



El argumento es perfecto para ilustrar esa evolución: Frankie (Lancaster) acaba de salir de la prisión después de 14 años. Durante este período su colega en el contrabando de cerveza, Noll (Douglas), ha prosperado y dirige un local nocturno de éxito. Frankie reclama su parte, tal como acordaron en su día, pero Noll no está dispuesto a ceder. Para intentar controlar a su antiguo amigo Noll intentará servirse de la cantante del local (y amante), Kay (una Lizabeth Scott que no llegó a ser una gran estrella, pero que tuvo una notable presencia en el cine noir de la época, como si fuera la alternativa a Lauren Bacall).



La película va tejiendo una trama en la que se alternan los elementos románticos (surge el amor entre Frankie, que lleva 14 años sin estar con una mujer, y Kay, harta de humillaciones por parte de Noll, que está decidido a casarse con una mujer acaudalada, para seguir así su ascenso social) y delictivos, de los cuales será víctima un viejo amigo de Frankie y contable de Noll, Dave, un Wendell Corey de lo más parco en gestos, casi como si fuera un muerto en vida.



Película entretenida, rodada mayoritariamente en estudio, en la que, como curiosidad, podemos ver al actor argentino Jorge (George) Rigaud, que en los 60 participó en varios films policiacos rodados en España.

El único testigo (Witness to Murder, 1954), de Roy Rowland



Más interesante me ha parecido este film de Rowland, todo un todoterreno del que recuerdo en particular un film: The 5.000 Fingers of Dr. T, también adscribible al cine fantástico. En esta ocasión se trata de una película producida por Chester Erskine (también firmante del guion) para la United Artists.

Witness to Murder es un film no tan claramente encuadrable en el género negro, más bien estamos ante una película propia de un cierto drama criminal, muy de la época (incluso diría que a mediados de los cincuenta ya empezaba a estar demasiado visto), que juega con dos elementos bastantes frecuentes entonces: por un lado, los problemas mentales, en este caso la supuesta obsesión paranoica de la protagonista, una como siempre espléndida Barbara Stanwyck, aunque el papel (de “lady in distress”) no esté a su altura; por otro, los últimos coletazos del nazismo, encarnado por el escritor Albert Richter (un George Sanders espléndido, aunque el papel tampoco pase de lo tópico), que busca echar raíces en Estados Unidos, para lo que planea un matrimonio económicamente favorable (para el cual era un obstáculo la prostituta a la que asesina) y poder dar salida de nuevo a sus aviesas y megalomaníacas intenciones de dominar el mundo (hay un momento en que Sanders se viene arriba con un discurso en alemán de clara filiación hitleriana). En este último aspecto el film de Rowland nos puede recordar la wellesiana The Stranger.

El arranque del film, aunque no original (por ejemplo, me viene a la memoria un film con Deanne Durbin dirigido por Charles David en 1945: Lady on a Train), seguro que nos recordará una de las obras maestras de Hitchcock.



Cheryl (Stanwyck) ve desde la ventana de su casa un asesinato: un hombre (Sanders) estrangula una mujer en un piso del edificio de enfrente.



Lo denuncia a la policía, pero no encuentran prueba alguna del crimen. A partir de ese momento, el interés de Richter será llevar a Cheryl hasta la locura, a base de hacerla dudar de su mente y, de paso, desacreditarla como testimonio ante la policía. Cheryl contará con el apoyo del inspector Lawrence (Gary Merrill), con el que, como es de esperar, surgirá el amor,



pero la falta de pruebas y las incriminatorias de su desequilibrio mental que elabora Richter llevan a la mujer a la desesperación: llega a ser internada en un sanatorio y, al final, Richter la presiona para que se suicide. Eso da lugar a una secuencia final, muy hitchcockiana, en un rascacielos en construcción, donde es fácil también imaginar algunos momentos de Vertigo o el final de North by Northwest.



Por supuesto, Rowland no es Hitch, pero con la inestimable colaboración de John Alton en la fotografía (que ofrece otro de sus extraordinarios trabajos de iluminación, con esos negros negrísimos marca de la casa) consigue entregar un film atractivo que merece un visionado.

PROGRAMA DOBLE DE CINE NEGRO

Si hace unos días comenté un programa doble con producciones de la Paramount y de United Artists, ahora toca el turno a la Warner y a la Universal.

Flamingo Road (1949), de Michael Curtiz



Empezamos con la producción de la Warner, dirigida por uno de sus directores estrella, Michael Curtiz, un auténtico todoterreno, que rodó en multitud de géneros y siempre de forma solvente. En esta ocasión, como se apunta en el cartel que enlazo, “Mildred Pierce does it again”, una evidente referencia al film que Curtiz rodó unos años antes, protagonizado como este por Joan Crawford y Zachary Scott, y basado en una novela de James M. Cain. Flamingo Road, por su parte, es una adaptación de la obra teatral del mismo título de Robert y Sally Wilder (ninguna relación con el director al que estamos dedicando una revisión en otro rincón del foro), basada a su vez en una novela de Robert publicada en 1942. El propio Wilder firma el guion.

La película es en buena medida un vehículo para el lucimiento de la Crawford, que frecuentó en esos años el cine negro, o por lo menos los dramas con elementos de cine negro. Este gira alrededor de la corrupción política. Lane (Crawford) se queda varada en un pueblo indeterminado (no sabremos nunca en qué estado de Estados Unidos nos encontramos) cuando la feria en la que trabaja como bailarina se esfuma ante la amenaza de un embargo.



Se preocupa por ella el ayudante del sheriff, Field (Scott),



un joven prometedor al cual quiere promocionar el corrupto sheriff, Titus Semple (un magnífico Sydney Greenstreet que llena la pantalla, y no solo por su volumen).



La intención de Titus es que Field se convierta en senador del estado y luego gobernador, para poder satisfacer, con mayor libertad todavía, sus intereses económicos y, a su vez, seguir gozando del poder que despliega por medio de la extorsión y la amenaza de la prisión.

Field se muestra como un hombre débil, sin voluntad, que a pesar de haberse enamorado de Lane, sentimiento compartido, cede ante Titus y se casa con la hija de una familia rica de Flamingo Road, el lugar donde vive la gente importante de la ciudad.

Titus hace todo lo posible por expulsar del pueblo a Lane, para que no obstaculice sus planes, lo que los convierte en enemigos irreconciliables, más todavía cuando ella se case con Dan (David Brian), un importante constructor, acostumbrado a poner y sacar políticos según sus intereses. Pero Titus no cederá en su empeño de conseguir el cargo de gobernador. Si no es a través de Field, como hombre de paja, lo quiere para sí mismo.

El final, como corresponde a la época, cortará las alas al sheriff (de manera traumática), castigará la debilidad de Field y permitirá la victoria moral de Lane, aunque su relación con Dave, y sobre todo el blanqueo que experimenta a lo largo del film este personaje, no resulta demasiado convincente.



Una producción Warner con todos los atributos de la compañía, música de Max Steiner incluida, y una excelente fotografía de Ted McCord que mima a Joan Crawford con una iluminación que se centra en su rostro (¡esas cejas!), algo habitual en los buenos tiempos de la actriz.



Murallas de silencio (One Way Street, 1950), de Hugo Fregonese



Todo es peculiar en este film de la Universal, desde el director, el argentino Hugo Fregonese, del que desconozco casi toda su filmografía (solo he visto Man in the Attic, interesante adaptación de la novela de Marie Belloc Lowndes que Hitchcock llevó a la pantalla en The Lodger) a su improbable pareja protagonista, James Mason y la sueca Märta Torén (relación que, en mi opinión, no funciona en pantalla: no casan el adusto Mason y la empalagosa Torén), pasando por su título en castellano, que no tengo ni idea de a qué hace referencia.



También sorprende la estructura de la película, a partir de un guion de Lawrence Kimble (que veo que participó en un buen número de películas de mediados de los 30 a principios de los 50, para luego dedicarse sobre todo a la televisión). Como se suele decir, empieza in media res: ha habido un robo de 200.000 dólares perpetrado por una pequeña banda de delincuentes, dirigida por Wheeler (el habitual Dan Duryea). Mientras esperan que lleguen dos miembros más de la banda para efectuar el reparto del botín, un médico que está con ellos por razones que desconocemos, Dr. Matson (Mason),



se sirve de una burda estratagema para llevarse el dinero y además la amante de Wheeler, Laura (Torén), que parece enamorada del doctor, de forma nada convincente. Está a punto de frustrar su huida la aparición inesperada de uno de los ladrones ausentes (encarnado por otro habitual, Jack Elam), pero Matson lo mata y un oportuno accidente encubre su muerte. El accidente presenta una curiosidad para cinéfilos curiosos: el coche que conduce Laura choca con un camión, cuyo conductor es… Rock Hudson, en una brevísima aparición en pantalla sin acreditar.



La huida de la pareja tiene un destino: Ciudad de México, pero una avería de la avioneta que los ha de llevar a la ciudad les obliga a instalarse en un pueblecito de la costa mexicana, en un cambio de registro y de ambiente notable. Allí, Matson acabará reconciliándose con la profesión médica y aceptando su relación con Laura.





Pero sobre la película planea el fatalismo ya desde el mismo inicio, cuando un rótulo nos advierte que “Waste no moment, nor a single breath In fearful flight from Death; For no matter the tears that may be wept, The appointment will be kept...”, texto extraído de una “Song of a Fatalist” de la que no he sabido encontrar ninguna referencia. En todo caso, la suerte de la pareja parece echada desde el principio. Volverán a la ciudad con la intención de devolver el dinero a Wheeler a cambio de que este acepte que Matson se quede con la muchacha, pero un funesto final acabará con sus planes de futuro.

Como curiosidad, señalar que otro de los bandidos es William Conrad, que muchos recordaréis como el orondo detective Cannon, en la famosa serie de los 70.

James Mason (1909-1984) y Hugo Fregonese (1908-1987) se hicieron muy amigos durante el rodaje y de hecho el primero fue el padrino del segundo hijo del argentino y la bella Faith Domergue (1924-1999) con quien estuvo casado entre 1947 y 1958.

De Fregonese comenté en este mismo rincón (y dentro del hilo dedicado al productor Leonard Goldstein [1903-1954], fundamental en la carrera del primero e igualmente grandes amigos) la última producción del gran Val Lewton (1904-1951), su único wéstern y su única cinta en color, APACHE DRUMS (1951).

https://www.mundodvd.com/el-callejon...7/#post4933886

Y en el hilo que más satisfacciones me ha proporcionado y dedicado al mago del suspense y como entrega nº 78...

https://www.mundodvd.com/sir-alfred-...0/#post4805157

Esta última producción independiente (bueno, relativamente) del mencionado Goldstein para la Fox.

Se me olvidó mencionar que Eureka! dentro de su colección The Masters of Cinema Series ha editado recientemente en BD BLACK TUESDAY (1954, MARTES NEGRO), la última colaboración entre Goldstein y Fregonese, aunque el primero falleció antes del inicio del rodaje y la producción pasó a manos de su hermano, Robert (entre cuya escueta filmografía podríamos destacar el wéstern de Jacques Tourneur, STRANGER ON HORSEBACK [1955], inédito en salas comerciales en nuestro país).

https://eurekavideo.co.uk/movie/black-tuesday/