Tema: Federico Fellini: revisando sus películas

Esta peli la tengo muchísimo menos vista que las demás, pues estuvo mucho tiempo sin editar y a día de hoy no tengo esa extraña edición existente en forma de libro (la hubiese ido a buscar a la Feria del Libro madrileña si se hubiese celebrado, pues me he cerciorado de que la editorial Mishkin suele tener caseta allí).

En todo caso, es otro tesoro: las anticipaciones de "Amarcord" son oro puro, muy divertidas, y contienen una de las rarísimas "explicaciones" del maestro sobre su obra, atribuyendo a sus espectáculos grotescos una función digamos, esperpéntica en el sentido de Valle-Inclán, como una especie de realismo "aumentado". Me gusta mucho esa confesión de que los clowns lo aterrorizaron, pues pone de relieve una faceta del cine felliniano que se suele soslayar pero que el compañero Alex Fletcher, "desde fuera" ha sabido ver muy bien: que muy a menudo las extravagancias de Fellini cruzan una línea a partir de la cual horrorizan, como si a fuerza de fabular y de adentrarse en el territorio del sueño se llegara a la provincia de la pesadilla y ya fuese imposible dar marcha atrás.

Toda la parte de "investigación" la recuerdo muy interesante, como si se tratara de desentrañar un misterio, una estructura que contrasta un poco con el tipo de "lección magistral" que se asocia al cine de no ficción. Un documental no tiene por qué mostrar la verdad, sino que puede partir de la necesidad de saber, de la limitación del conocimiento, y en efecto aquí la secuencia de los Fratellini utiliza la ficción para llegar donde la documentación no alcanza. Un documental puede ser poético, dejar al espectador que establezca sus propias conexiones entre los materiales reales que se muestran (pienso por ejemplo en "Sin sol" de Chris Marker) o puede utilizar estrategias de ficción para implicar más al espectador (pienso en el éxito de hace pocos años "Searching for Sugar Man", que dejaba para un gratificante tramo final las revelaciones que en un reportaje convencional se habrían suministrado desde el minuto uno).

Lo cierto es que el mundo del circo, aunque trata de mostrar los esplendores de lo fabuloso, oculta siempre una cierta sordidez y la tristeza de personajes sin tierra, un poco descastados (Bergman, en otra inesperada coincidencia con el de Rimini, se interesó también por estos temas en "Noche de circo"). Yo, personalmente, no sé muy bien si soy de circo o no, pues valorar el circo es valorar la espectacularidad: cualquier blockbuster ofrece circo, pero no solo pensemos en películas del Universo Cinematográfico Marvel o similares. Las cabalgadas de los personajes de Ford por Monument Valley son circo, así como las carreras de cuádrigas de "Ben Hur" o Kaplan huyendo de la avioneta en "Con la muerte en los talones". El cine es claramente heredero de la carpa y de la pista, solo hay que ver un rodaje para advertir aún más los parentescos. Pero no todo el cine es espectacularidad, de ahí el interesante debate que se genera cuando se quiere despojar a una obra fílmica de sus componentes más extrovertidos y más alejados de las tradiciones teatrales y circenses.

Si hubiera visto la peli más veces, tendría más cosas que decir, pero no quiero terminar mi comentario sin romper una lanza por Pierre Étaix, a quien se ve en la película, que me parece un creador infravalorado que dejó el cine demasiado pronto (tal vez por la respuesta poco entusiasta a sus obras). Películas como "El pretendiente", "Yoyo" o "El gran amor" me parecen clásicos de la comedia visual, bastante en la línea del mucho más valorado Jacques Tati, la segunda de ellas abundando también en la temática circense de manera bastante entrañable. No me consta que tengamos ediciones de su cine por aquí, aunque me puedo equivocar.

Empiezo por el final: no he visto ninguna película de Pierre Étaix, me lo apunto, pero me temo que, como bien dices, no hay nada publicado aquí de él.

Sobre la edición, yo tengo la de Eureka (BD/DVD), con subtítulos en inglés y un extra que consiste en un vídeo ensayo sobre la película. La calidad es francamente buena, aunque, curiosamente, me gusta más el DVD que el BD, ya que este presenta una especie de cuadrícula en las imágenes más oscuras que no sé a qué obedece.

Ciertamente, el circo es otra conexión entre Fellini y Bergman (además del tema de la muerte, por ejemplo). Yo no soy muy de circo, aunque aclaro que cuando hablo de circo me refiero al concepto tradicional: una carpa, jefe de pista, domadores, animales, equilibristas, malabaristas, payasos, etc. Es verdad que hay mucho de circense en el cine, pero la relación física y psicológica con el espectáculo cinematográfico es diferente.

Bueno, mi edición ha sido más bien un archivo, per con subtítulos en castellano, bueno cuando querían, hay muchos diálogos sin traducir, y dicho archivo de apenas 700 MB digamos que no lo he disfrutado mucho a nivel visual, ha sido una sensación de ver nuevamente un VHS, que para canela fina no es que me agrade mucho, el VHS para bazofias y rarezas de la serie Z para abajo.

Primero de todo, el preguntitas en acción, se considera el film dentro del género Falso documental o Mockumentary o como se llame? O es un género de autor con entidad propia. Yo no se que decir, sinceramente, ya que si bien es cierto, hay una linea documental clara, con las entrevistas, y Fellini haciendo de el mismo, pero combina con interpretaciones como la de "Jaimito", que ahí está interpretando, una mezcla curiosa, y quizá por eso, indefinitoria (que no se muy bien si existe esta palabra, definitoria si, pero esta NPI, queda bien eso si.

Sobre el film, partiendo del poco interés que me da la temática, yo prefiero asociar el subgénero del circo al terror, al estilo Freaks por ejemplo, cosa que también, queriendo o sin querer, vuelve a plasmar un buen grupo de Freaks circenses, como bien indica Mad. Partiendo de mi poco interés por el circo, el film está estructurado de una manera que se hace ameno a nivel visual en su parte inicial y final, centrándose en el espectáculo más puro de circo, con momentos anárquicos de auténtico dolor de cabeza, positivamente hablando, por su impactante colorido, ya marca de la casa, diálogos a mil por hora y todos a la vez, no hay turnos para hablar, y no hay respiro para el espectador; por cierto, fantástica intro con el niño, donde suponemos que es Fellini. El sosiego llega en la parte central, el supuesto cine dentro del cine, esas entrevistas y quedadas para conocer al mundillo, son muy de mi agrado, sobretodo las escenas con el compatriota, explicando sus batallitas, mientras las cámaras siguen a los realizadores del documental, con tara de hastío y poco interés, hasta sueltan un "no le hagan más preguntas"; no se si esta parte es con atrezzo o realmente la casa del personaje catalán era real, pero sea que fuera, de 10, la excentricidad de la no estrella que se cree estrella mundial, eso siempre me ha fascinado, y sobretodo si están de retiro o en el olvido, es una sub sub sub temática, la de estrellas en retiro, que tiene varios films en mi top 20 de siempre, véase El crepúsculo de los Dioses, Ed Wood sobretodo en el papel de Bela Lugosi, etc...



La escena final bella como nos tiene acostumbrados el director, y a la vez, profundamente triste y desolador, una secuencia de despedida del film y sobretodo del mundo del circo. Un film, documental o lo que sea, que ha entrado directamente en la lista de nuevas adquisiciones, que sospecho, como la mayoría de la obra de Fellini, mejora aún más en los revisionados. Como vinagre, a parte de lo comentado extradeportivo, no me ha gustado demasiado la presencia de Anita, que aparte de anécdota aporta bien poco, aunque representa esa locura inexplicable y vanidosa que tienen las estrellas de coleccionar animales y/o bichos salvajes, subrayando de que ellos pueden tener lo que quieran, esos zooms tan bestias y repetidos a lo spaguetti western chungo, creo que no venían a cuento, pero bueno gotitas de viangre subjetivas de mis gustos raros.

Como curiosidades, decir, según el libro que consulto, que el film es el único en la obra de Fellini que una parte fue rodada fuera de Italia, Paris concretamente, pero fue, una vez y no más. Además dicha experiencia no fue de su agrado por un accidente doméstico que fue testigo como se las gastan los franceses, muy a lo USA, sino hay dinero no te atiendo (hablando de hospitales).

Otra anécdota decir, que en el rodaje, el director casi atropella mortalmente a un motorista con su coche, a partir de ahí, no quiso conducir más. Se ve que tenía muy mala fama, o mejor dicho, la fama que tienen los italianos al volante, unas cabras locas; se dice que Pasolini sentía pavor al montarse en el coche conducido por Fede.




Tendríamos que preguntar si Alex de la Iglesia se inspiró en Los Clowns para su Balada triste de trompeta, film que no me gusto nada por cierto, es como un Nino y Bruno (Muertos de Risa) adaptado al circo y con una locura de ciencia ficción, una ida total de olla.

Iniciado por Alex Fletcher

Primero de todo, el preguntitas en acción, se considera el film dentro del género Falso documental o Mockumentary o como se llame? O es un género de autor con entidad propia. Yo no se que decir, sinceramente, ya que si bien es cierto, hay una linea documental clara, con las entrevistas, y Fellini haciendo de el mismo, pero combina con interpretaciones como la de "Jaimito", que ahí está interpretando, una mezcla curiosa, y quizá por eso, indefinitoria (que no se muy bien si existe esta palabra, definitoria si, pero esta NPI, queda bien eso si.

Yo no lo consideraría un mockumentary, porque no es exactamente un falso documental, aunque evidentemente la troupe (con Vitali en cabeza) es "de atrezo", pero los personajes entrevistados creo que son todos ellos reales (por supuesto Victoria Chaplin y Jean-Baptiste Thiérrée, Charlie Rivel, Tristan Rémy, Pierre Étaix, Annie Fratinelli y otros, por no hablar de Anita). A mí me recuerda si acaso más bien un film como F for Fake, de Orson Welles, que son más bien ficción documental. Es obvio que las recreaciones o rememoraciones no intentan engañar a nadie, no pretenden pasar por documentos recobrados. Creo que es un estilo de cine que Fellini fue depurando con los años. Roma es, quizá, su ejemplo más logrado, aunque ya dije en mi comentario que I clowns me parece magnífico.

Iniciado por Alex Fletcher

se dice que Pasolini sentía pavor al montarse en el coche conducido por Fede.

A la postre, Pasolini tuvo razón con esos miedos automovilísticos. :( ¿Premonición?

Con respecto a Álex de la Iglesia, no lo veo muy de cine de autor, me apostaría a que "Los clowns" ni la ha visto. Ese es de toda esa generación criada en los 80 que han crecido pensando que todo el cine artístico y serio de los 60 y 70 es un peñazo y que se inspiran solo en la serie B y los blockbusters de los 80. Eso se vio en el anuncio aquel de Mercedes en el que salía la frase "para hacer una película solo se necesitan una chica y una pistola", que en el anuncio Álex atribuía de forma genérica a "el maestro", cuando cualquiera con media cultureta fílmica sabe que el presunto autor de la cita es Jean-Luc Godard (aunque en realidad no lo sea). Siempre he imaginado una situación en la que Álex leía el guión del anuncio, veía "como dijo Godard", y se negaba a decir la frase por miedo a que lo tomaran por un "gafapasta".

No te creas, lei en scifiworld, en paz descanse, una entrevista cuestionario, y recomendó Hellzapopin, me sorprendió la recomendación, ya que lo veo mas o menos como tu, pero oigan, el film no lo conocía y me gustó. Por cierto no tengo devoción por el otro Alex, me gustan 3-4 obras suyas y paro de contar.

Nos leemos...próxima parada

Roma (Roma, 1972)



Un apunte personal: vi por primera vez Roma en diciembre de 1976, año en que, con un retraso considerable, por fin llegó a nuestras pantallas. Ya desde aquel primer visionado (a mis tiernos 17 años) la película me fascinó y con el tiempo se ha convertido sin duda en el film de Fellini que más veces he visto, que suelo revisar con más frecuencia y, en definitiva, mi preferido del de Rimini, aunque no quiero decir con ello que sea el mejor.

En Roma Fellini depura al máximo el modelo de “ficción documental” o film ensayo que ya le hemos visto en Fellini: A Director’s Notebook o I clowns. En esta ocasión el objeto del estudio es, como el título indica, la llamada Ciudad Eterna, la capital del Imperio romano, la sede del Papa, pero por encima de todo la Roma felliniana, una mezcla de fantasía y realidad. Roma integra los diversos elementos habituales en este subgénero felliniano: recreaciones memorialísticas del pasado del propio director (que se integra él mismo en la ficción, sea como personaje recreado, o bien como director de la película, apareciendo delante de la cámara); fantasías evocadoras; representaciones de un presente ficticio; fragmentos documentales rodados en la Roma del momento, presentados con un tono más neutro (incluso recurriendo a la voz en off, a veces la de Fellini y en otras la de un narrador desconocido), etc.

Roma tuvo, como casi todos los films de Fellini problemas para su financiación. Alberto Grimaldi no quiso saber nada del proyecto y Angelo Rizzoli falleció en 1970. Finalmente, Fellini pudo tirar adelante el film con la modesta productora Ultra Film, en un principio pensado como una película para la televisión, sin una estructura argumental precisa, aunque al parecer con un marcado carácter documental. Pero ese carácter documental pronto fue adaptándose a los intereses de Fellini, es decir, a poner en poner en primer plano sus propias experiencias, sean reales o imaginarias, en forma de collage, de miscelánea.

La película arranca con una recreación del pasado: unos campesinos pasan por delante de una señal del camino, medio derruida, que indica la distancia a Roma: 340 km (aproximadamente la distancia entre la capital y Rimini). Le siguen una serie de breves secuencias, en que Fellini rememora la presencia en su infancia de “lo romano”: en forma de lecciones escolares (el paso del Rubicón, pequeño río cercano a Rimini), emanadas de una sórdida escuela imbuida de fascismo (cuyas aulas presidían las fotos de Mussolini y del rey Víctor Manuel III, colgadas a los lados de un Cristo, imaginería tristemente familiar para muchos de nosotros, solo que cambiando las caras de los fotografiados); la estatua de Julio Cesar en la plaza del pueblo;



el pase de diapositivas de los monumentos romanos (boicoteado con la foto de una mujer de espaldas mostrando generosamente su trasero); la bendición papal radiofónica; las películas de romanos en el cine (una recreación del Fulgor, cine de la infancia de Fellini en Rimini), a donde acudía toda la familia (y la farmacéutica, presentada como una especie de Mesalina); el bar con los vitelloni; la estación de tren, puerta de salida hacia Roma…

La película nos traslada a 1939, mostrándonos la llegada de un joven Fellini (encarnado por el actor americano Peter Gonzales), vestido de virginal color blanco, a la Stazione Termini de la capital (un personaje similar, trasunto de Fellini, se mostrará en Intervista). El joven se instala en una pensión laberíntica, poblada de personajes de lo más estrafalario (desde un chino que cocina en su habitación a un imitador de Mussolini o un actor envejecido), por la que se mueve como el periodista de Agenzia Matrimoniale, y en la que los niños tiene un gran protagonismo. Y por encima de todo, la figura monstruosa de la “mamma”, la patrona que lo domina todo desde la cama. Las secuencias se van desvaneciendo en ligeros fundidos en negro que dan paso a nuevas estampas romanas: del interior de la pensión a su proyección exterior, en forma de cena al aire libre, donde se da una mezcla de familias, vecinos, músicos callejeros, frailes limosneros, etc.



Luego, cae la noche, perturbadora, inquietante, cerrándose el episodio con la imagen gigantesca de una prostituta romana en la Via Appia (imagen emblemática, que se utilizó para uno de los carteles del film).

Del pasado al presente: Fellini y su equipo se plantean entrar en Roma utilizando el Raccordo Anulare, la autopista que circunda la capital. Fellini completa y mejora la entrada en la ciudad de Toby Dammit, consiguiendo uno de los fragmentos de cine más brillantes y representativos de toda su carrera, una amalgama de personajes diversos: el autocar de tifosi, el hombre que empuja a pie un carromato; el caballo blanco sin montura; el camión con un espejo sujetado por un hombre; el accidente del camión que transporta ganado; las ruinas romanas de los márgenes, iluminadas por bengalas; las cunetas con hippies, prostitutas, autoestopistas, fábricas de lámparas, la manifestación de izquierdas, antiburguesa; y finalmente un atasco monumental ante el Coliseo, todo ello recreado en Cinecittà.



Un breve apunte casi documental, en que se nos muestra la llegada de un autocar de turistas a los jardines de la Villa Borghese (que nos puede recordar aquel que se paraba ante la casa de Marcello para admirar al latín lover en A Director’s Notebook), y el propio Fellini con su troupe, da paso a la rememoración de una sesión de varietés en el Barafonda. Volvemos a los tiempos de su debut en Luci del varietà, al gusto de Fellini por los espectáculos populares, que recrea prestando más atención al público que al escenario (por el que, entre otros, desfila nuevamente Alvaro Vitali en una imitación de Fred Astaire). El episodio, de lo más hilarante, acaba con las sirenas que anuncian un bombardeo y con una de las imágenes más angustiosas que recuerdo haber visto en una película sobre el horror de la guerra, y eso que se muestra de forma casi abstracta: una mujer, de la que vemos poco más que su sombra, que corre desesperada pidiendo ayuda a lo largo de un túnel.




De la comedia de la Barafonda, súbitamente cortada de forma trágica, pasamos a la ciencia ficción, porque en definitiva eso parece el descenso de un equipo de la televisión alemana a las profundidades de las obras del metro romano. Como si hubieran llegado a un misterioso planeta (me recuerda, por ejemplo, Alien), el equipo y los técnicos que los guían, acceden al interior de una villa romana que se ha conservado casi intacta, con unas maravillosas pinturas al fresco. Pero la entrada del aire del exterior va a destruir rápidamente el testimonio del pasado, en un momento de gran belleza y a su vez de gran tristeza, de poética melancolía.



Un breve vistazo a los grupos de jóvenes de estética hippie que se arraciman en las escaleras de la Piazza di Spagna, da pie a Fellini para trasladarnos al mundo de los prostíbulos (para lo que vuelve a recurrir a su trasunto juvenil). El retrato de la sordidez de los burdeles de su juventud es escalofriante, se nos presentan con el aspecto casi de un mercado de ganado. Ni siquiera el prostíbulo fino, “de lujo”, consigue eliminar la mirada sulfurosa del director.





Y si la visita al mundo de las llamadas casi de tolleranza nos puede dejar mal cuerpo, el siguiente episodio coquetea con el cine de terror gótico: la princesa Domitilla organiza en su palacio un desfile de moda eclesiástica. La enorme sala se decora con cuadros que representan viejos representantes de la curia romana (cuadros que a mí me han recordado las películas de Roger Corman). La siniestra figura del cardenal preside una ceremonia entre grotesca, ridícula y terrorífica (que en parte Fellini esbozó en I clowns con el desfile de trajes de carablancas), que termina en pleno éxtasis cuando aparece la figura del Papa entronizado.







Después de este segmento casi intemporal, una especie de fusión de pasado, presente y futuro de la Roma católica, Fellini vuelve a lo popular recorriendo las calles del Trastevere durante la fiesta de Noantri. Nuevamente, vivimos la mezcla, el caos típicamente felliniano; incluida una breve entrevista al escritor norteamericano Gore Vidal y la represión de un grupo de jóvenes sentados alrededor de la fuente situada enfrente de la iglesia de Santa Maria. La policía carga sin contemplaciones contra los jóvenes que solo cantan y se divierten inofensivamente. Según John Baxter se trata de una carga real que Fellini tuvo la suerte de poder filmar en vivo, pero sinceramente me permito dudarlo: ese es el resultado de la ficción documental felliniana, que uno al final ya no sabe qué es realidad y qué ficción.

Cierra el film el paseo nocturno, por unas calles desiertas, de un grupo de motoristas, que con sus motos atronadoras y las luces de sus faros confieren un aspecto fantasmal a la ciudad dormida. Según comentó Fellini, simbolizan “la gente a la que no entiendo”, pero a mí simplemente me parece que es una forma de poner distancia con todo lo visto con anterioridad, una Roma recreada, fantasiosa, que se desvanece como lo hacen los motoristas en la noche al dejar atrás la ciudad. Un final extraordinario.

Un apunte final sobre la edición que he visto, porque de Roma hay diversas versiones (con variaciones respecto a la voz en off, según sea la lengua de la versión). En esta ocasión he visionado la copia restaurada en 2010 por L’Immagine Ritrovata di Bologna, de 120 minutos, editada por Feel Films en BD. La edición se acompaña con los fragmentos que Fellini cortó del montaje inicial, y que representan pequeños cortes de algunas escenas (alrededor de 9 o 10 minutos, aunque el extra alcanza los 18 minutos porque incluye los cortes dentro de fragmentos más largos que sí aparecen en la versión final). Quizá los más destacados son: un número eliminado de las variedades de la Barafonda, en que un solista canta una triste canción; y la breve aparición en la fiesta de Noantri de Alberto Sordi y Marcello Mastroianni, que hubiesen así acompañado la fugaz presencia de Anna Magnani, presencia con la que cerró su carrera cinematográfica (murió en 1973), siendo sus últimas palabras en una pantalla: “Ma Federici, va a dormire, va. […] No, non mi fido. Ciao, buona notte”.



Completo el comentario con una referencia al equipo de colaboradores habituales. A pesar de lo dificultoso de la producción del film, y de su aparente modestia, Fellini volvió a contar con su troupe oficial en aquellos años: Bernardino Zappponi en el guión; Danilo Donati en el diseño de producción y vestuario (aunque el propio Fellini participó activamente en los modelos eclesiásticos); Giuseppe Rotunno en la fotografia; Ruggero Mastroianni en el montaje; y, claro está, Nino Rota en la brillante banda sonora, con especial mención a la música que acompaña el pase de modelos.

Empiezo por la edición, yo tengo un dvd de edición alemana de la colección United Artist celebreting 90 years of film, concretamente el número 3, de esta agradecida colección, agradecida porque me ha permitido obtener algunos títulos aquí en Basilea, y casi siempre con subtítulos y audio en castellano. Eso si la edición es de sólo 113 minutos y sólo con el trailer como extra, indudablemente el film pasa a la libreta freak para futuras adquisiciones en BD. Acabar que en esta edición, si que hay la voz en off de, supongo que del propio Fellini, avisándonos, que a mi me ha parecido casi que pedía perdón, que el film que van a ver es muy raro, por decirlo alto y claro. La pregunta es, era necesario? parece ser que si, no? ya Fellini tenía en aquella época, o eso creo, un aura de autor incomprendido, subversivo y diferente, que le vio obligado a hacer estas aclaraciones. Estos avisos tenían en muchos directores un fundamento comercial creo yo, véase William Castle, en Roma no hay lugar para eso, parece un sincero aviso sin buscar nada más que no sea lo que realmente es, Roma es una obra difícilmente catalogable, y a estas alturas, celebro el poder descubrir este tipo de films.



Como he dicho el film me ha encantado, también ha sido una sorpresa, no sabía de que iba, incluso pensaba que sería una continuación de Satyricon, casi lo acierto , cada vez estoy más a favor el estar 100% desinformado al enfocar un visionado, nunca hago previa y creo que nunca lo voy ha hacer; algo parecido me va a pasar con Frenzy en el otro ciclo. Pues eso, iré directamente a las escenas que encuentro que sobresalen dentro de alto nivel global del film.

Evidentemente el desfile de moda eclesiástico está en el top1, se respira vicio, se respira cine de género, terror puro, y eso que, quizá por primera vez, no están haciendo daño a nadie, estilo sacrificios de vírgenes o vicios sexuales parecidos, simplemente es un desfile moda, que lo veo absolutamente aterrorizado por el espectáculo visual que Fellini nos da, y con un montaje magistral en el momento que aparece el dios papal, otro momento de terror auténtico, alternando secuencias con los fieles llorando, asombrándose o lo que fuera, un festival visual que como he dicho y repito me transporta al cine de terror de sectas por ejemplo. Fellini no creo que se limitara el mostrar dicho segmento como algo sólo visual, seguro que hay más chicha ahí, tampoco se si Fellini era creyente, ateo o agnóstico, y ese mensaje es una interpretación mía a la mala imagen, por sus propios méritos, que goza la iglesia católica, y acotando más el Vaticano y sus riquezas. Como diría un amigo cuando pasábamos por al lado de la sala X del cine Palace de Reus, que en paz descanse (el cine me refiero), "huele a seme()", complete la letra usted mismo, pues eso dicha escena huele a vicio.



Después esta la escena del espectáculo de variedades, donde como bien dice Mad, el protagonista es el público, donde los artistas le temían más que a olvidarse el texto o al fallo en el número. No es la primera vez que Fellini se recrea con el público, pero aquí hay un subrayado continuo de dichos animales salvajes viendo un show, de eso si, bajo nivel, pero el hecho de asistir, no se si de pagar, les daba licencia al insulto, vaya igualito que ahora, como por ejemplo en el futbol. Fellini se recrea en primeros planos de dicho público, que va a la contra del cine yanqui, o sea todos son feos y feas, e incluso desagradables, tanto físicamente como sobretodo de comportamiento. Entiendo que dicha situación era la realidad en esa época, y también supongo que era casi el único entretenimiento posible en esos tiempos difíciles, ya que en dichos rostros se refleja hastío, vagancia, aburrimiento, ira.....todos los adjetivos menos el disfrute del espectáculo. Continua Jaimito en el reparto, que si ya no gozaba de mi agrado, el parecido físico a un ex compañero mío, el cual era un auténtico hijo de pu..., hace acentuar este desagrado; ustedes me conocen y está fuera de discusión que soy un buenazo, pero este Schmucki cabroncete era el típico que en vez ayudar al compañero nuevo, que para más inri no domina el idioma alemán, pues no mejor pisotearlo......ay en fin sigo con Roma que me he vuelto a ir como suele ser habitual. Por cierto la mole del cine víctima de las bromas del gamberrete se parece un huevo a Tor Johnson.

Otra escena memorable que me recuerda también al cine de género, es a la escena de los mineros, donde Mad hace una acertada comparación a lo Alien , yo no seré tan concreto, pero si que me ha causado cierta incomodidad, con una mezcla de géneros del terror y ciencia ficción, esta última por el tema del descubrimiento de los frescos, que evidentemente no pararían para nada las obras, y esa sensación incluso de cyberpunk con la maquinaria descomunal usada, contrastándose con los rostros de unos mineros derrotados que vuelven de sus turnos de diez horas, hacen de todo ello un extraño cuento de terror y scifi adaptado al realismo de la construcción del metro de Roma. Otra escena de terror es la rápida escena donde el piso de una familia se está viniendo abajo debido a los obras, o se supone que es por eso.

Podría seguir destacando más escenas pero me aburro a mi mismo, así que se quedan allí otras fantásticos episodios como el del burdel (me recordó algo al burdel de La Piel de Liliana Cavani), la del aula escolar, la del comedor, ahí el lugar físico también me recuerda al Salo de Pasolini, per sin ser tan explícito pero respirándose también represión, pasando a la represión física aún vigente hostiando sin contemplaciones a una reunión hippies, y esos comentarios adornando los golpes a frase limpia de "son unos vagos", el cual tengo mis dudas también que fuera una tangana real, esas cenas de barrio tan agobiantes , y un largo etc. En resumen, para mi y por ahora, el mejor film de Fellini, por mostrarnos la ciudad de Roma a su manera, veo difícil superar esto.

Por cierto, has utilizado el cartel que ocasionó un considerable escándalo cuando se presentó el film en Cannes. Baxter cuenta que "feministas airadas echaron pintura roja sobre todos los carteles de Cannes que pudieron encontrar sin hacer caso de Fellini, que se defendió afirmando que a él tampoco le gustaba".

Mi reciente revisión de esta peli en el ciclo filmotequero, en copia de 35 milímetros, la ha colocado decididamente entre mis favoritas. Me encanta la libertad de su forma, esa estructura en pequeños relatos que sin embargo se complementan y apoyan unos a otros con una cohesión temática sorprendente. Ese concepto de un cine ensayístico, sin una línea argumental definida, lo han intentado muchos, pero Fellini es de los pocos que han conseguido hacerlo entretenido, que no te importe la ruptura de las convenciones y te dejes arrastrar de una viñeta a otra.

Ya el comienzo, con la frase del maestro “Questo è il Rubicone”, hablando de un riachuelo insignificante, ya me parece mítica, aunque he de decir que, aunque por supuesto disfruto del arte de la caricatura y del humor fellinianos, no tengo una enorme estima hacia los “recuerdos escolares” de “Roma” y “Amarcord”, por razón del mal recuerdo que guardo de años pasados en los que me dediqué a dar clase. Ahí siempre he creído que Federico peca de populista, de dar un poco al público lo que quiere (al fin y al cabo, todo el mundo odiaba ir al colegio, ¿no?), a no ser que en el fondo la película que nos ocupa escenifique primero el desprecio hacia la adquisición del saber, en la escuela, para pasar más adelante, en el cabaret, al desprecio hacia la cultura y los artistas, en el seno de un espectáculo pobre y casposo que hace la sátira más hiriente. A tanto una como otra parte se le podría aplicar la descripción, “es gracioso, pero, si te paras a pensarlo un poco, maldita la gracia que tiene”. Pero la diferencia es que tengo la impresión de que Fellini trata a los maestros y a los artistas con una cierta crueldad que no aplica tanto a los niños ni a los espectadores, que son seres espontáneos llenos de vitalidad y espíritu popular.

Sobre el tema de la prostitución, recuerdo los comentarios a la salida de una joven espectadora hablando de lo “desagradables” que le habían resultado esas secuencias. Hombre, claro, sobre todo porque de hecho lo son, y a propósito. Pensar que Fellini ahí está celebrando cierto tipo de prácticas es no saber leer una obra artística y no sacar tus propias conclusiones, pero claro, viendo estas noticias recientes sobre la HBO no queriendo emitir “Lo que el viento se llevó” por el racismo que refleja, ya me lo creo todo. Supongo que Fellini tendría que haber puesto un rótulo llamativo en pantalla todo el tiempo que dijera “La prostitución está mal y degrada a las mujeres”, no vaya a ser que haya quienes infieran que el director italiano era un putero y su mirada hacia este tipo de burdeles es soñadora y nostálgica.

“Roma” es una película donde parece caber de todo, y donde se encuentra mucho del cine anterior de Fellini. Esa llegada del joven periodista a la estación bien podría ser la de Moraldo en “Los inútiles”, la escena del teatro lleva al paroxismo la de “Luces de varietés”, la prostituta “milenaria” en medio de la fantasmagórica noche trae ecos de “Las noches de Cabiria”, e incluso hay momentos que parecen mirar hacia adelante, a “Amarcord” o “Casanova”. La densidad de personajes y situaciones es como siempre apabullante, de ahí que Fellini sea uno de los directores cuyas películas aguantan más revisiones, pues apuesta por un barroquismo que veo en las antípodas del minimalismo que tanto parecen admirar muchos entendidos de hoy en día, en un culto a la depuración de la forma y la contención expresiva que nunca han formado una parte esencial de la poética felliniana. Es más, creo que en la tendencia de Fellini al exceso podría rastrearse parte de su relativo, no diría olvido pero sí tal vez descuido por generaciones más jóvenes de aficionados, amén de que, como todos estos jóvenes fácilmente escandalizados y ofendidos, como nuestro estimado compañero del foro que abogaba por la prohibición de “El coleccionista”, se dediquen a ver estas películas desencadenadas donde el de Rimini no se corta ni un pelo, iba a haber unas cuantas pestañas chamuscadas.

Lo de la escena del metro como ejemplo de una mirada fantástica ya lo decía en su momento José María Latorre, creo que en su libro “El cine fantástico” (recuerdo que Latorre afirmaba que el plano más fantástico de todos era el del taladro perforando la pared visto desde el interior), y desde luego se trata de una escena memorable, de gran belleza, y que siempre me trae a la memoria una historia que contaba mi difunta madre sobre una obra que realizaba mi abuelo en un palacio que iba a reconvertir en biblioteca, y en el que al parecer, al romper una pared los operarios, se descubrió una habitación oculta en la que se veía sobre el lecho a una bella mujer aparentemente dormida, hasta que entró el aire del exterior y la señora se deshizo y desvaneció en un momento, como si de una película de la Hammer se tratara. En el caso de la película que nos ocupa, el desvanecimiento de los frescos romanos enlaza directamente con el final de “Satyricon”, y en efecto es muy triste ver desaparecer esos vestigios de un mundo que nunca podremos entender del todo tal cual fue. La idea de Alex Fletcher de que estamos ante la continuación de “Satyricon” me parece de entrada sorprendente pero pensándolo bien tiene bastante razón.

El tema principal de Rota, con esa simplicidad que evoca tiempos arcaicos, es lo opuesto a la fanfarria ruidosa que iniciaba "La dolce vita", y lo encuentro bello e inquietante de la misma manera que el tema de Rosalba en "Casanova". Es una melodía que me evoca soledad, distancia en el tiempo, la melancolía y tristeza de algo que permanece al margen del tiempo (creo recordar que en un momento de la película oímos a un cantante callejero de la época actual retomando la melodía, mezclada con los mil ruidos de la ciudad, y el efecto es extraño y fascinante). En otros momentos, como el desfile de moda eclesiástica, Rota vuelve a su modo circense y grotesco, que, ya lo he dicho en otros comentarios, Rota parecía reservar para sus colaboraciones con Fellini.

La escena del desfile de moda eclesiástica, que surge casi de la nada, con ese personaje al que se sigue hacia una mansión que parece vacía pero que va revelándose como habitada poco a poco, como si los que están allí fuesen fantasmas, me parece del todo genial porque, partiendo de una ocurrencia que parece propia de un sketch de Monty Python (seria interesante saber si Fellini o el Buñuel de “El fantasma de la libertad” conocían la serie británica, que había comenzado a emitirse en octubre del 69) se va rizando tanto el rizo de la locura que la secuencia termina dando miedo, con un Papa como representante del Dios omnipotente cuya majestad parece intolerable y monstruosa, reduciendo a los creyentes a un servilismo idiota, sin dignidad. Es una de las visiones de la religión en el cine más perturbadoras que conozco, y sin uno solo de los lugares comunes demagógicos que se suelen emplear.

Coincido con Mad Dog en mi aprecio por el final de la película, carente de música o de diálogos, que consiste en una pandilla de motoristas (entre los cuales puede verse a Eleonora Giorgi, actriz a quien luego se vio en “La tarántula del vientre negro”, en “Inferno” de Dario Argento o en películas semi-eróticas con títulos tan sugerentes como “Dispuesta a todo”) abandonando una Roma nocturna con todos los monumentos envueltos en una iluminación que nos hace verlos de otra manera, en una clara inversión de la llegada de los provincianos en autocar de “El jeque blanco”, y que me sugiere un abandono del pasado, la posibilidad de que esta juventud contracultural, aspirante a cambiar el mundo, deje atrás ese monstruo histórico de civilización que alberga tantas grandezas como miserias. Es curiosa la visión que Fellini da de todos estos movimientos juveniles, esos vagabundos libres y ligeros de equipaje a los que mostró “ocupando” los decorados de “Mastorna”, y que aquí vemos pululando por la Ciudad Eterna como si de una horda de bárbaros pacíficos se tratara (uno de ellos, Elliott Murphy, logró una cierta popularidad años después como cantautor rockero), siendo incluso atacados por el orden establecido en forma de cargas policiales. Esas esperanzas parecieron truncarse con el tiempo: la pandilla juvenil de “La ciudad de las mujeres” parece compuesta por adolescentes drogados que buscan la sensación y el peligro por sí mismos, pero aquí parecían tener todo el mundo a su disposición al final de su carrera nocturna.

Parca en palabritas voy con mi reseña




ROMA es el homenaje a una ciudad en toda la extensión Felliniana.
Desde escuchar por la radio la bendición del Papa a la rivalidad futbolera,las escuelas en la dictadura de Mussolini,la reivindicación de la izquierda política etc....

Fellini y sus recuerdos,ilusiones,frustraciones,obsesiones...con el barroquismo marca de su cine.

Alberto Grimaldi,productor de Satyricon, y más tarde Casanova y Ginger y Fred salió por patas cuando Fellini le habló de la peli como un pasatiempo a rodar conforme se presentara la ocasión.
Precioso el segmento de los frescos y a destacar la escena del caballo blanco.

El top de ROMA para mí es el retrato de los prostíbulos, desde los más bajos a los de lujo junto al desfile fashion eclesiástico (monjas, curas, cardenales y Papa incluidos) parodia anticlerical y jocosa, que escandalizó a los de siempre.

Fellini,entre lo documental,natural y onírico...donde puedes esperar cualquier cosa."Roma,como una virgen vestal y como una loba; como una aristócrata y una prostituta; como un bufón melancólico".
Brillante por momentos...no logra redondear como en otros trabajos.

7.5/10

Iniciado por Abuelo Igor

Ya el comienzo, con la frase del maestro “Questo è il Rubicone”, hablando de un riachuelo insignificante, ya me parece mítica, aunque he de decir que, aunque por supuesto disfruto del arte de la caricatura y del humor fellinianos, no tengo una enorme estima hacia los “recuerdos escolares” de “Roma” y “Amarcord”, por razón del mal recuerdo que guardo de años pasados en los que me dediqué a dar clase. Ahí siempre he creído que Federico peca de populista, de dar un poco al público lo que quiere (al fin y al cabo, todo el mundo odiaba ir al colegio, ¿no?), a no ser que en el fondo la película que nos ocupa escenifique primero el desprecio hacia la adquisición del saber, en la escuela, para pasar más adelante, en el cabaret, al desprecio hacia la cultura y los artistas, en el seno de un espectáculo pobre y casposo que hace la sátira más hiriente. A tanto una como otra parte se le podría aplicar la descripción, “es gracioso, pero, si te paras a pensarlo un poco, maldita la gracia que tiene”. Pero la diferencia es que tengo la impresión de que Fellini trata a los maestros y a los artistas con una cierta crueldad que no aplica tanto a los niños ni a los espectadores, que son seres espontáneos llenos de vitalidad y espíritu popular.

Yo creo que no hay desprecio hacia la adquisición del saber o hacia la cultura, caricatura sí. Al contrario, creo que Fellini incluye ese mundillo popular de las variedades, los espectáculos callejeros, el circo, etc., dentro de la cultura, salvando las distancias que a veces, elitistamente, se establecen entre "gran cultura" y "cultura popular". Lo veremos también en Prova d'orchestra, respecto a la música clásica, y E la nave va, respecto a la opera.

Respecto a la escuela, la pregunta es si en esas siniestras escuelas fascistas (o nacionalcatolicistas si nos aproximamos a nuestra realidad) se procuraba la adquisición de saber o, dicho de otra manera, qué tipo de saber procuraban que adquirieras. Supongo que aquí cada uno tendrá una visión u otra según su particular experiencia. Desde luego, la mía no difiere demasiado de la de Fellini (aunque la de este es, sin duda, caricaturesca), y eso que implica trasladarse del Rimini de los años 20 y 30 a la Barcelona de los 60 y primeros 70. También teníamos los ominosos retratos escoltando al Cristo, como si fuera un detenido; los castigos corporales y la humillación pública; la suciedad y la caspa; la mediocridad del profesorado, cuando no la incompetencia más clamorosa; etc., y eso que no se trataba de una escuela regida por furibundos adeptos al régimen, más bien eran unos directores contemporizadores, que estaban en el negocio por la pela. Eso sí, quizá por lo precario de las instalaciones (no había ni patio ni mucho menos gimnasio), nunca me hicieron subir o bajar bandera ni cantar el "Cara al sol" (sí ir a buscar agua a la fuente con el cántaro), algo que sí se hacía en muchas otras escuelas. Eso sí, a pesar de ser una escuela no religiosa (aunque con nombre de santo), el rezo era diario, mañana y tarde, compuesto por el programa siguiente: "Padrenuestro", "avemaría", el "credo" y un enérgico "Yo pecador" en que se tenía que acompañar los versos "por mi culpa, por mi culpa, por mi grandísima culpa" con decididos golpes de puño en el pecho. Todo era puro teatro, pura escenificación digna de la Barafonda, ni siquiera respondía a una fe religiosa, sino a un trámite poco más que administrativo. Por supuesto, en mi caso, el resultado fue una total insensibilidad por la religión, una irreligiosidad radical. Creo que ese ambiente lo retrató muy bien Ovidi Montllor en una de sus más célebres canciones: "L'escola de Ribera".

Iniciado por mad dog earle

Por cierto, has utilizado el cartel que ocasionó un considerable escándalo cuando se presentó el film en Cannes. Baxter cuenta que "feministas airadas echaron pintura roja sobre todos los carteles de Cannes que pudieron encontrar sin hacer caso de Fellini, que se defendió afirmando que a él tampoco le gustaba".

Curiosamente ese carte lo subí a instagram y la red social me lo censuró. Tuve que poner unos puntos blancos encima de los pezones.

Iniciado por fshtravis

Curiosamente ese carte lo subí a instagram y la red social me lo censuró. Tuve que poner unos puntos blancos encima de los pezones.

Malos tiempos para lo políticamente incorrecto, lo irreverente, lo provocador.

Iniciado por mad dog earle

Malos tiempos para lo políticamente incorrecto, lo irreverente, lo provocador.

Tremendo cómo está el panorama...qué rancio por favor!

Por lo que me han contado mis mayores la combinación catolicismo-fascismo era demoledora en este país...imagino que en Italia igual...peor no creo porque vaya tela..

Lo que describo en el post anterior sobre mi experiencia escolar es solo un pequeño ejemplo, ni siquiera de los más duros, de lo que se vivió durante décadas. Y eso que afortunadamente no era un colegio religioso de sobones con sotana.

Ya pondré material de CRITERION...

Sí sí y en las escuelas abusos de todo tipo y miedo en todas partes.Recuerdo que me contaba mi bisabuela lo tremendo que fue ya pasada la guerra..
Y la iglesia apoyándolo todo.

Por cierto la intro de Rota me parece preciosa.

Iniciado por mad dog earle

Yo creo que no hay desprecio hacia la adquisición del saber o hacia la cultura, caricatura sí. Al contrario, creo que Fellini incluye ese mundillo popular de las variedades, los espectáculos callejeros, el circo, etc., dentro de la cultura, salvando las distancias que a veces, elitistamente, se establecen entre "gran cultura" y "cultura popular". Lo veremos también en Prova d'orchestra, respecto a la música clásica, y E la nave va, respecto a la opera.

Respecto a la escuela, la pregunta es si en esas siniestras escuelas fascistas (o nacionalcatolicistas si nos aproximamos a nuestra realidad) se procuraba la adquisición de saber o, dicho de otra manera, qué tipo de saber procuraban que adquirieras. Supongo que aquí cada uno tendrá una visión u otra según su particular experiencia.

Hombre, quizá se me ha entendido un poco mal. No creo que Fellini fuese un anti-intelectual (en cambio, recuerdo que Ermanno Olmi rodó una película en los últimos tiempos en la que manifestaba algo así como que, cuantos menos libros leas, más auténtica es la vida que vas a vivir), pero sí que veo un cierto paralelo entre el trato recibido por los profesores (más en "Amarcord" que aquí, pues estamos ante uno de esos bocetos desarrollados más en lo sucesivo) y el que reciben los artistas de la Barafonda, y puede haber la implicación de que "de aquellos polvos vienen estos lodos" y que fue la escuela fascista la que "formó" a estos energúmenos.

Ya volveré al tema de todas maneras cuando lleguemos a "Amarcord" (que es la peli siguiente si no me equivoco), que es donde se desarrolla más el motivo temático, pero sigo pensando que Fellini se aboca con gran entusiasmo a presentar a los maestros como figuras ridículas (cosa tampoco llamativa en sí misma pues nadie se salva del lápiz caricaturista del de Rimini), lo cual supone seguir la corriente general de la cultura popular que frecuentemente suele buscar la satisfacción de los espectadores proporcionándoles una revancha vicaria de sus sinsabores escolares (la alternativa ocasional del profesor como santo mártir que debe anteponer los intereses de los alumnos a los suyos propios tampoco me hace mucha gracia). Y aunque me guardaría mucho de atribuir este estado de cosas a influencias fílmicas o televisivas, ya os digo que la enseñanza no me parece una de las profesiones más respetadas en el conjunto de la sociedad.

Por cierto, revisando anoche mi DVD de la MGM/UA, el mismo que vio Alex, para corroborar aquello de la narración al inicio que me chocó bastante porque es la primera noticia que tenía de ella, pude constatar que de hecho dicha narración sobre la pantalla de los créditos iniciales aparece solo en la versión doblada al castellano (poniéndose como fondo musical, para más inri, un tema de una película anterior de Fellini y Rota que no es el de esta película, con lo cual la maravillosa intro de la que tanto gusta Hannaben no existe si ves la peli doblada a nuestro idioma) y que de hecho existen, picando aquí y allá, divergencias notables entre el doblaje y lo que realmente se dice (y no necesariamente por censura, como en los dos primeros personajes que hablan, que en italiano se refieren a que "en América todo viene en latas" y en español a que "aquí todo es más barato"), amén de añadidos a la narración, por ejemplo el final, en el que, tras la aparición de Anna Magnani, en italiano hay un silencio hasta la aparición de los motoristas mientras que en español la voz en off hace comentarios sobre la soledad, el silencio de las calles, lo que se puede hacer al final del día... ¿De dónde vienen estas diferencias?

(Por cierto, comparando el cameo de la Magnani en italiano y en español, encuentro que en nuestro idioma a Anna se la hace sonar como una persona antipática y soberbia mientras que en la lengua original hay un cariño soterrado en su mal humor. Lo digo porque el efecto final de la escena no tiene nada que ver. Claro, es que me doy cuenta de que nunca había visto esta película doblada, y, por lo que veo, los responsables fueron bastante creativos)

Sobre lo de la escuela ya volveremos al hablar de Amarcord, la siguiente entrega, que he revisado precisamente esta tarde. Intentaré publicar mi comentario entre sábado y domingo.

Sobre la voz en off en Roma, hay versiones distintas. Recuerdo haber tenido grabada de la televisión (probablemente de la 2),una versión italiana, con subtítulos en castellano, pero en la cual, si la memoria no me juega una mala pasada (no lo puedo comprobar, porque la grabación en VHS no la conservo), se oía en off la voz de Fellini en inglés presentando las secuencias. En cambio, en la versión italiana (se supone que la original) del BD que recoge la restauración boloñesa la voz en off se reduce al mínimo, una veces con la voz de Fellini, solo dos o tres veces, y muy brevemente, y otras la voz de otra persona, también solo un par de veces. Eso conlleva que los doblajes sean muy diversos.
En todo caso Roma se ha de ver en italiano, aunque uno se pueda perder algunas frases.

Amarcord (Amarcord, 1973)



Para Amarcord Fellini contó, como novedades, con Franco Cristaldi impulsando una coproducción franco-italiana, y con Tonino Guerra como guionista (que venía de participar en la etapa más brillante de Antonioni), con el que volverá a colaborar en el futuro. El resto de los principales colaboradores son los habituales de esa época: Nino Rota firma una banda sonora bellísima; Danilo Donati, el diseño de producción (casi todos los exteriores se recrearon en Cinecittà) y el vestuario; Ruggero Mastroianni, el montaje; y Giuseppe Rotunno, la fotografía.

Amarcord se puede considerar la remembranza “definitiva” de Fellini sobre su infancia, de hecho en sus films posteriores no volverá a ese Rimini recreado en su mente fantasiosa (sí al período de su llegada a Roma en Intervista). Los episodios de Amarcord aglutinan mucho de lo visto ya en la obra anterior, de I vitelloni a Roma, de Otto e mezzo a I clowns. La película vuelve a retratar una galería de personajes y situaciones que ya conocemos: Giudizio, la Volpina (una Saraghina más joven y estilizada), la monja enana, los jerarcas fascistas, los festejos populares, la siniestra y ridícula escuela, la Iglesia (incluso repite la imagen de San Luis Gonzaga, jesuita italiano, proclamado santo patrón de la juventud católica en 1926), los alumnos groseros y escatológicos, el sexo grotesco, la “invasión” veraniega de las turistas del norte, y por supuesto los vitelloni.

Mucho se ha escrito sobre el carácter autobiográfico del film, pero Fellini desvía la atención hacia un personaje y una familia que no es la suya: la familia de Titta (el debutante Bruno Zanin), que parece que se corresponde con la de un amigo de su infancia, Titta Benzi, de padre con tendencias anarquistas.

La familia de Titta es el núcleo sobre se construye el film. Además de Titta y su hermano menor, la componen un abuelo sobón y pedorrero; un padre constructor que desprecia el fascismo, Aurelio (hilarante Armando Brascia); una sufrida madre, Miranda (Pupella Maggio) que mima a su hermano, Lallo (Nando Orfei), el típico vitellone, fascista para más inri; un tío loco, Teo, al que sacan a pasear de vez en cuando (interpretado por el popular cómico Ciccio Ingrassia, que formó pareja en varios films con Franco Franchi, como Franco y Ciccio), además de la criada y los campesinos que cuidan de una propiedad en el campo (sobre ellos gira una de las escenas más escalofriantes del film: cuando un niño pequeño intenta tirar un ladrillo enorme sobre su hermanito en la cuna).

Junto a la familia de Titta, el otro personaje principal del film es Ninola, llamada la Gradisca (Magali Noël, a la que ya vimos en Satyricon como la esposa de Trimalcione). Pero quien ejerce como narrador ocasional, en diversos momentos del film y mirando directamente a cámara (como si volviéramos a estar en uno de sus films encuesta), es el abogado (Luigi Rossi), que parece el único realmente interesado en destacar la historia y la cultura de la población (que aunque representa Rimini nunca recibe un nombre concreto), lo cual le cuesta ser víctima de pedorretas y burlas varias.



La película cubre un ciclo anual. Empieza con el despertar de la primavera, simbolizado por el vuelo de los manine (los vilanos),



y la fiesta de la Segavecchia, cuando se quema en la hoguera una figura que representa una mujer vieja, como una doña Cuaresma, marcando el adiós al invierno. Todo el pueblo (salvo el conde y su familia, que permanecen en su mansión) se echa a la calle con ganas de juerga y de bromas, algunas pesadas como quitar la escalera de la hoguera dejando a Giudizio temporalmente atrapado a merced de las llamas.

Las estampas se van sucediendo, separadas por suaves fundidos en negro. A la fiesta popular sigue un nuevo retrato de la escuela fascista, con su profesorado esperpéntico y sus alumnos díscolos.



Uno de los momentos más grotescos es cuando uno de ellos mea dentro de un tubo formado por mapas o algo similar dirigiendo la orina hasta los pies de otro alumno que está de pie ante la pizarra con la maestra de matemáticas.

La película se detiene en mostrarnos la familia de Titta durante una comida que deriva en una situación bufa, de pura comedia italiana, una astracanada.



También nos muestra la obra que promueve el padre y por donde se pasa la Volpina “buscando su gato”.



La visión esperpéntica de la escuela tiene su continuación en la de la Iglesia, singularizada en el momento de la confesión, cuando un sacerdote distraído se preocupa de preguntar cuántas veces se han tocado los chavales, ante la imagen vigilante de San Luis Gonzaga. La escena dará paso al recuerdo de la masturbación en grupo dentro de un coche. Fellini es explícito en ciertos aspectos sexuales, como la visión del culo de la estatua del monumento a la victoria, con la que fantasean los chavales, o ese comentario del tío Lallo sobre la concesión de la intimidad posterior que le ha ofrecido una turista (¡siempre esa fijación felliniana por los traseros!).

Familia, escuela e Iglesia se completa con la apoteosis fascista que acoge la llegada de un jerarca del partido. Toda la ceremonia, las carreras, la parada militarista, es una bufonada. Los chicos, con fusiles al hombro, forman parte del espectáculo, despertando la imaginación de uno de ellos, el gordito Ciccio, que sueña con casarse con Aldina, ante la efigie floral del Duce.



He leído algún comentario que califica el film de “apología del fascismo” (por ejemplo, en la biografía de Baxter, si la traducción no lo traiciona): nada más lejos de la realidad. ¿Desde cuándo una apología ridiculiza aquello que se supone quiere ensalzar? Otra cosa es que Fellini se ríe del fascismo, como de la escuela o de la Iglesia, sin introducir mensajes políticos de fondo ni apuntar a alternativas o incitar a la lucha, algo en cierto modo coherente con el resultado que suelen obtener las dictaduras populistas: sociedades despolitizadas, que siguen un tanto bovinamente a sus líderes, más por costumbre, interés material o miedo que por convicción ideológica. De la combinación de fascismo y catolicismo también tenemos nosotros una larga experiencia de décadas.

Con todo, Fellini introduce un episodio que nos congela la risa: la detención de Aurelio, su interrogatorio por parte de una caterva de siniestros camisas negras y su punición con aceite de ricino, lo cual nos lleva a uno de los momentos más tiernos del film, con Miranda lavándolo amorosamente, para cerrar la escena con otra nota bufa: Titta se ríe de la peste que desprende su padre.

La llegada del verano comporta también la de las turistas nórdicas y el revoloteo de los vitelloni, entre ellos Lallo, a su alrededor, ofreciéndose como latin lovers a cambio de favores sexuales y regalos. Alrededor del Grand Hotel se tejen historias propias de las “Mil y una noches”, como la que cuenta el vendedor ambulante, Biscein, de su aventura con las concubinas de un emir turco. Y también, por supuesto, la del origen del apodo de Gradisca para la peluquera Ninola. Una noche fue encargada por las fuerzas vivas de la ciudad de dar satisfacción a un príncipe alojado en el Grand Hotel (¿algún hijo del rey Víctor Manuel III?), para obtener a cambio mejoras para el pueblo. Así, su apodo, Gradisca, procedería del “gradisca” (del verbo “gradire”), algo así como “cuando guste” o “sírvase” que Ninola le indica al príncipe una vez ya en la cama.



El tórrido verano lleva a la familia de Titta a sacar de paseo al tío Teo. Su excursión campestre provoca uno de los episodios más inolvidables del film, cuando Teo se encarama a un árbol, del que no quiere bajar, y reclama, voz en grito, que “voglio una donna”. Solo la aparición de la monja enana conseguirá hacerlo bajar de su atalaya.



El verano se cierra con la aparición fantasmal del transatlántico Rex (botado en 1931 y hundido por la RAF en 1944), un gigantesco buque, que viene de América, orgullo de la Italia fascista, al cual toda la población, a bordo de botes de todo tipo, va a recibirlo mar adentro (un mar de plástico, que Fellini no se preocupa de disimular, como tampoco lo hará en Il Casanova o en E la nave va). Su aparición tiene ese carácter fantástico, sobrenatural, que tenía la del Papa entronizado al final del desfile de moda eclesiástica de Roma.



El otoño viene marcado por la niebla, el cierre del Grand Hotel y el rally de coches. Titta vivirá uno de los episodios más icónicos del film: su visita nocturna a la gigantesca estanquera de pechos enormes.



Luego vendrá la nieve (el público del Fulgor sale en tromba a la calle, más interesados en verla caer que en la película), la enfermedad de Miranda y su muerte. El invierno adquiere así un tono marcadamente trágico, triste, doliente.

Pero el ciclo se completa: vuelve la primavera y los manine y con ellos la boda de la Gradisca con un carabinero. La fiesta se acaba y nos queda un regusto un tanto melancólico, de tiempo que ha pasado para no volver, mientras el acordeonista ciego se queda solo tocando la música de Rota, nostálgica y evocadora. La imagen se funde en negro y la banda sonora queda ocupada solo por el ruido del viento y del mar, mientras aparece el rótulo del título de la película.



Sobre el título, hay explicaciones de todo tipo sobre el significado de la palabra “amarcord”. Me quedo con la que dice que es una contracción de la expresión “a m’acord”, que sería “mi ricordo” en dialecto de la Emilia-Romagna.

Amarcord tuvo un gran éxito, llegando a conseguir incluso un Oscar a la mejor película de lengua extranjera en 1975, siendo el último film de Fellini que obtuvo una resonancia internacional de este calibre. ¿Su última gran película? En mi opinión, no, todavía veremos algunos grandes films, pero sí es cierto que creo que en Amarcord Fellini llegó quizá al límite, a un cierto agotamiento de la fórmula de recreación del pasado. Quizá por eso en su próximo film dará un gran salto en el tiempo, hasta la época de Giacomo Casanova, eso sí, tan fantasiosa como su infancia en Rimini o su juventud en Roma.

Qué maravilloso el tándem Fellini-Rota.
AMARCORD es una de las pelis de mi vida,odio listados y demás pero en uno de 20 pelis de mi vida...estaría sin dudar....junto a LA NOCHE DEL CAZADOR,EL ESPíRITU DE LA COLMENA.....

Esta fue la primera peli que vi de Fellini, hace bastante tiempo, y ya en su primer visionado y sin la perspectiva que le inyecta uno con esta revisión, ya me gustó lo suyo, este segundo lo ratifica y lo eleva. Siempre me ha gustado el recurso de la progresión narrativa en base a las estaciones del año, y sobretodo si en un film coral como éste, no hay protagonistas principales, todos tienen su momentos de gloria.

Me queda una duda con Volpina, personaje no muy cuerdo, aunque tengo dudas si es por inhibición o que padezca alguna enfermedad, yo entendí que es una prostituta low cost con alguna enfermedad, porque su cara es terrorífica, ya puedo tener un cuerpazo como se vislumbra, pero no hay nada que hacer, su jeta te mata. Y entiendo, por otra parte, que Gradisca es la prostituta de alto standing.



Pero en film volvemos a tener una galería de personajes, algunos extravagantes, otros menos, ese Aurelio y esa escena de mesa presentando a la familia, es de traca i mocador; no considero a Aurelio extravagante, creo que se podría asociar bien a cualquier padre de familia de esa época, siempre con grito en mano, pero creando un aura más infantil que autoritaria, han crecido con sus gritos, siendo una normalidad en esa familia y los usan para crear un ambiente de guasa permanente, en resumen un chillón que no impone. Entiendo que Titta podría ser el alter Ego de Fellini verdad? Lallo parece salido de Los inútiles, ese abuelo metiéndole mano a la criada en buenas carnes por cierto, y con total libertad para la libre circulación de gases, aunque me gusta más cuando se pone a gesticular con el puño, que era un fucker de cuidado, ahora siendo más un fucker de intenciones. Y que decir del tío loco, con el quiero una mujer!!!



Me sorprende, pero no negativamente, la escena de la tortura a Aurelio, rompiendo por completo el tono ligero del film, más también viniendo de la escena del desfile militar made in Italia, ahora entiendo porque el exploit es nativo de italia, ellos lo copian todo, pero mal, con entusiasmo pero con resultados que pierden en comparación al original, y eso Fellini le gusta y se regodea, aquí con el desfile cutre que se quiere poner a la altura de los nazis, recuerden también los oscars mal, de Toby Damit, y seguro que hay más ejemplos en su filmografia, pero debo seguir. Por cierto me ha hecho mucha gracia en el desfile la carrerita que se pegan no se muy bien porque, ese desfile a la carrera ha sido mágico.


Y que decir de la parte de la escuela, ese tono de gamberrismo suave, bueno lo de mear a larga distancia no tanto quizá, es un tono muy de colegio privado, fascista, de la Salle de Reus o como quiera llamarse, no rajo de mi educación en la Salle, todo lo contrario, pero se puede ajustar bastante al del film, sobretodo desde el punto de vista del alumnado, era como decía yo, un "gamberrismo con respeto"

La escena de la estanquera, bueno quizá al haberla vista ya, no me ha chocado tanto, aunque tampoco me parece muy bestia, claro no es la Monica Belucci, por eso "la gente" la tilda de desagradable......es que hay mucho listo!!!. Supongo que la crítica general y sobretodo la conservadora, la tildó de eso, desagradable, escatológica, de mal gusto....Que otra cosa podían hacer en esa época que no fuera masturbaciones colectivas en el coche con los coleguitas? si ahora que se tiene tantas opciones de ocio y se siguen haciendo, pues en esa época, para mi es realidad pura, esto si que es neorealismo y lo demás son tonterías .

Iré acabando que tengo prisa. Destacar, otra vez, el trabajo de Nino Rota y sobretodo su guión que te da esa sensación de autenticidad, de estar ahí con Jaimito & CO y ser parte de ellos. Me descolocó un poco, y aquí viene el vinagre, la escena del emir fucker turco o lo que sea, con su séquito de mujeres, no fue de mi agrado, desconecté un poco con dicha escena. Por cierto vuelve a parecer el actor que de parece a Tor Johnson, visto como mínimo seguro en Roma, no consigo en imdb ver quien es. Y el otro vinagre para la edición, la calidad de imagen del DVD de Warner, deja bastante que desear, por poca nitidez. El dvd de extras aún no he tenido oportunidad de verlo.

En resumen, otra delicia, y van....

Iniciado por Alex Fletcher

Me queda una duda con Volpina, personaje no muy cuerdo, aunque tengo dudas si es por inhibición o que padezca alguna enfermedad, yo entendí que es una prostituta low cost con alguna enfermedad, porque su cara es terrorífica, ya puedo tener un cuerpazo como se vislumbra, pero no hay nada que hacer, su jeta te mata. Y entiendo, por otra parte, que Gradisca es la prostituta de alto standing.

A mí el personaje de Volpina me trae a la memoria el de la Teresa de la canción de Ovidi Montllor "Homenatge a Teresa", cuando dice aquello de "abans que algun bombardeig la tornés boja". Parece una mujer enloquecida por razones no explicadas, convertida en una ninfómana. La Gradisca, más que una prostituta de lujo, es una "acompañante" de una noche, labor para la cual las fuerzas vivas del pueblo se organizan para convencerla, aunque parece que tampoco hace faltar insistirle demasiado.

Iniciado por Alex Fletcher

Entiendo que Titta podría ser el alter Ego de Fellini verdad? Lallo parece salido de Los inútiles, ese abuelo metiéndole mano a la criada en buenas carnes por cierto, y con total libertad para la libre circulación de gases, aunque me gusta más cuando se pone a gesticular con el puño, que era un fucker de cuidado, ahora siendo más un fucker de intenciones. Y que decir del tío loco, con el quiero una mujer!!!

Lo conté en mi comentario (¡qué no me lees, Alex! ). El personaje se inspira en Titta Benzi, un amigo de la infancia de Fellini, y su familia. Supongo que la familia de Fellini era menos colorista, o quizá le frenó el pudor (aunque en el caso de Fellini, lo dudo). Baxter cuenta en su biografía: "Cuando se estrenó en el Fulgor, Titta Benzi la vio tres veces de un tirón. En cada uno de los descansos salío al vestíbulo del cine con los ojos húmedos para recibir los cumplidos de los amigos. Pagaba así un tributo al recuerdo de Fellini sobre la atmósfera de la casa Benzi, e incluso de sus diálogos".

Iniciado por Alex Fletcher

Por cierto me ha hecho mucha gracia en el desfile la carrerita que se pegan no se muy bien porque, ese desfile a la carrera ha sido mágico.

Es algo típico de los fascismos: aunar la demostración de la fuerza física con el ceremonial, aunque es evidente el elemento caricaturesco que introduce Fellini. Mussolini gustaba de mostrarse sin camisa y de alardear de su capacidad amatoria. Lo que pasa es que entre el ritual del nacionalsocialismo alemán y la pachanga fanfarrona del fascismo italiano, y no digamos del nacionalcatolicismo español, hay una distancia notable. .

Iniciado por Alex Fletcher

Y el otro vinagre para la edición, la calidad de imagen del DVD de Warner, deja bastante que desear, por poca nitidez. El dvd de extras aún no he tenido oportunidad de verlo.

Totalmente de acuerdo, me falta una buena edición en BD. Por cierto, mi edición no incluye extras.