Tema: Fritz Lang: revisando sus películas

Iniciado por mad dog earle

Veo que están editadas en DVD, pero al parecer sin ningún tipo de subtítulo. A ver si Alex se anima.

Ayer en el trabajo me dejé el libro de alemán para estudiar, así que me entretení entrando en el hilo con el móvil, y por alusiones decir que en amazon.de, está algo más barata, que si fuera en BD me lanzaría de cabeza. También me tira algo para atrás que no tenga subtítulos en alemán, ya que a pelo, aún tengo lagunas de comprensión, quizá en 2-3 años este problema ya no lo será.

https://www.amazon.de/-/en/Theo-Lingen/dp/B00BMGKIGC/ref=sr_1_fkmr0_2?crid=38FEY3ZD9CYX9&keywords=Der+T iger+von+Eschnapur+%281938%29+%2F+Das+indische+Gra bmal+%281938%29+%28Filmjuwelen%29+%5B2+DVDs%5D+%5B Alemania%5D&qid=1666508394&qu=eyJxc2MiOiItMC4wMCIs InFzYSI6IjAuMDAiLCJxc3AiOiIwLjAwIn0%3D&sprefix=der +tiger+von+eschnapur+1938+%2F+das+indische+grabmal +1938+filmjuwelen+2+dvds+alemania+%2Caps%2C73&sr=8-2-fkmr0

Der Tiger von Eschnapur (1959)



Das indische Grabmal (1959)



La década de los 50 vio como algunos prestigiosos directores occidentales se acercaban a la India, país que había accedido a la independencia recientemente después de formar parte del Imperio británico, del mismo modo que empezaban a llegar a Europa films indios de la mano de Satyajit Ray. Uno de esos directores fue Jean Renoir, con su colorista The River (1951). Otro, Roberto Rossellini, más próximo al documental, con India, Matri Bhumi (1959). O incluso un clásico de Hollywood como George Cukor en Bhowani Junction (aunque rodada en Pakistán).

Las referencias de Lang son otras, aunque no hay que despreciar un aspecto del díptico que no se suele resaltar: las escenas rodadas en exteriores en la propia India, que otorgan por momentos al film un cierto carácter documental, reforzando cierta impresión de autenticidad.



Autenticidad, todo sea dicho, de la que carecen buena parte de las secuencias rodadas en estudio (evidentes los falsos fondos), con una abigarrada decoración y un fastuoso vestuario, excusa ideal para dar rienda suleta a la fantasía colorista, aspecto esencial de las bondades del film.



Y es que, a difencia de las aproximaciones de Renoir, Rossellini o Cukor, la de Lang (lo digo en singular porque que se divida en dos partes solo obedece a una cuestión comercial) es la de la fantasía orientalista, la del cuento deudor del estilo más folletinesco, del serial cinematográfico. No olvidemos que la historia, pergeñada en su día por Thea von Harbou y el propio Lang, y llevada a la pantalla por Joe May (más tarde, por Richard Eichberg), es una aventura que reúne todos los tópicos al uso: un sofisticado y cruel maharajá; una bella bailarina; el templo de Shiva, deidad terrible, guardado por una casta sacerdotal; intrigas palaciegas; mazmorras; pasadizos subterráneos; tigres; una gigantesca cobra; voraces cocodrilos; la peligrosa jungla; misteriosos faquires; tormentas de arena en el desierto; incluso unos leprosos confinados en las entrañas del palacio del maharajá, etc. Y, por supuesto, un héroe occidental de una pieza, en esta ocasión un arquitecto (o ingeniero) alemán, Harald Berger (Paul Hubschmid).



La película tiene todos los ingredientes para convertirse en esa fascinante obra maestra del género que tanto alababa José María Latorre, un crítico al que siempre he respetado, aunque en ocasiones, como esta, no he compartido sus preferencias (por ejemplo, en el caso de la hitchcockiana Topaz).

Pero, en mi opinión, algo falla. Por un lado, el reparto: no sé ver nada atractivo en el conjunto de los actores, todos ellos demasiado grises e incluso inexpresivos, tanto los que encarnan personajes “buenos” (como es el caso de Hubschmid), como los “malos”, sea el maharajá Chandra (Walther Reyer), su ambicioso hermano Ramigani (René Deltgen) o el grotesco cuñado, el príncipe Padhu (Jochen Brockmann, que parece escapado de una función de aficionados de “La flauta màgica). Tampoco Debra Paget me parece que aporte más atractivo a su personaje que unas espectaculares (aunque algo kitsch) danzas de fuerte componente erótico.



La cosa empeora en la segunda parte del film cuando adquieren más protagonismo la hermana de Harald, Irene (Sabine Bethmann) y su cuñado y jefe, Walter Rhode (Claus Holm). Si ella más que actuar parece escuchar como actúan sus compañeros de plano, él se entesta en mostrarse preocupado o furioso a base de histrionismo, venga o no a cuento.

No solo flojea el reparto, que, todo hay que decirlo, ha de lidiar con unos personajes que son meras abstracciones (se hace casi imposible simpatizar con ninguno de ellos), sino que el propio Lang no se muestra demasiado inspirado a la hora de rodar algunas secuencias, en particular las de las luchas finales (muchísimo mejor resueltas en clásicos como Die Spinnen o Die Nibelungen) o las carreras de los leprosos, convertidos en una especie de zombis velocistas, por los túneles que carcomen la ciudad.

¿Quiere esto decir que se trata de una mala película? En absoluto. Por momentos incluso es brillante. Como película de aventuras funciona, y como “álbum de cromos” también. Pero le falta algo más, a pesar de que hay elementos que apuntan a un film más denso: por ejemplo, esa referencia a un posible padre europeo de Seetha y todos los elementos que retratan a la joven como el producto de un cruce de culturas. O el amor necrófilo, malsano, obsesivo del maharajá, que goza con la idea de enterrar viva en una tumba fabulosa al objeto de su deseo. O cuando Seehta y Harald se refugian en una cueva que es un pequeño santuario de Shiva. Y parece que la diosa responde a las oraciones de la bailarina haciendo que una araña selle la entrada de la cueva y, con ello, los salve de sus perseguidores.



O ese momento en el desierto cuando Harald, desesperado, dispara al sol abrasador, antes de caer inconsciente, junto a Seetha, momento que marca el final de la primera parte, mediante un cliffhanger de manual, digno del mejor Griffith.



En conjunto, un film atractivo, sin duda, pero para mí lejos de ser esa “obra maestra” que algunos críticos quieren ver. Para terminar el ciclo Lang nos queda el regreso a Mabuse, Die 1000 Augen des Dr. Mabuse, un atractivo film que lleva la obsesión por la vigilancia a través de pantallas, tan cara a Lang (ja presente en Die Spinnen), a su punto máximo.

Igual pruebo hoy o mañana con EL TIGRE DE ESNAPUR (1938) y así hago un breve comentario del mismo aunque estoy a expensas de acceder a la segunda parte...

Y espero ponerme pronto con la última película de Lang que reconozco no haber visto nunca... como muchas otras del ciclo, todo sea dicho...

... algo que me pasó incluso en el dedicado a Alfred Hitchcock...

... o en el actual de Dreyer del que desconocía hasta ahora las cuatro cintas que voy comentando...

La vida te da sorpresas...

... y en este caso agradables, para variar...

Finalmente he conseguido también una copia, aunque de bastante peor calidad, de LA TUMBA INDIA (1938).



Eso sí, si la primera tiene subtítulos en inglés la segunda los tiene en francés.

Ya veré si finalmente me atrevo a ver las dos o sólo pruebo la primera que tiene bastante más calidad.

Jue, pues el díptico de Esnapur son mis Lang favoritos a día de hoy. Me maravillaron en su día cuando las vi

La verdad es que uno acaba saturado con tanto díptico, 1921, 1938 y 1959.

Comentados el primero y el último tal vez más adelante me decida por hacer lo propio con el intermedio pero como ya mencioné la segunda mitad del mismo es de una calidad bastante inferior a la de la primera y además si una tiene subtítulos en inglés la otra los tiene en francés.

Creo que me centraré en el último largometraje de Lang y de esta forma dar por finiquitado el post... a falta del postrero bonus track cortesía del inmarcesible mad dog earle dirigido por el recientemente fallecido Jean-Luc Godard.

Ayer me vi la película que cierra el presente hilo (bonus track aparte), LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE y espero ponerme con el comentario tan pronto finalice el de MICHAEL para el rincón Dreyer.

Ya adelanto que aunque en líneas generales me ha gustado me parece la peor de las tres cintas que Lang dedicó al genio del crimen.

O como diría el amigo Alex Fletcher...

EL DR. MABUSE (1922) > EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE (1933) > LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE (1960)

Intentaré ponerme esta noche con el comentario de LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE, aunque sea en un formato más breve de lo habitual.

De esta forma sólo nos quedaría comentar su único trabajo (que se conserva) como actor.

O sea, EL DESPRECIO (1963), del recientemente fallecido Jean-Luc Godard y que reconozco jamás he visto.

Pues servidora cuando pueda se va a poner con esta

mi señor padre me la recomendó,fue de las nazis que me salté pero me ha dicho que esta la vea.

Agradable sorpresa de las buenas de la etapa americana con guiños deliciosos a la alemana,haré la review la proxima semana.

A mí me parece una película estupenda y que bien podría haber dirigido Sir Alfred por el humor que preside toda la función.

Espero finiquitar esta noche el comentario de LOS CRÍMENES y dar ¡por fin! carpetazo a la revisión de su director... a falta del bonus track...

Entrega n.º 48 (y última…)

43. DIE 1000 AUGEN DES DR. MABUSE / LE DIABOLIQUE DOCTEUR MABUSE / IL DIABOLICO DOTTOR MABUSE (1960, LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE)







Coproducción germano-franco-italiana.

Director: Fritz Lang.

Productor: Artur Brauner.

Producción: CCC-Film (Berlín) / Critérion Film S. A. (París) / S.P.A. CEI-Incom (Roma).

Distribución: Omnia-Film.

Guion: Fritz Lang y Heinz Oskar Wuttig, basado en la novela “Mr. Tot acêtas mil okulojn” de Jan Fethke (1931) y en el personaje creado por Norbert Jacques.

Fotografía: Karl Löb, en blanco y negro y formato panorámico (1.66:1).

Dirección artística: Erich Kettelhut y Johannes Ott.

Música: Gerhard Becker.

Montaje: Walter y Waltraut Wischniewsky.

Reparto: Dawn Addams (Marion Menil), Peter van Eyck (Henry B. Travers), Gert Fröbe (Inspector Kras), Wolfgang Preiss (Peter Cornelius/Profesor Dr. S. Jordan/Dr. Mabuse) y Werner Peters (Hieronymus B. Mistelzweig).

Rodaje: 42 días / del 5 de mayo al 28 de junio de 1960.

Duración: 1:43:35.

Estreno: 14 de septiembre de 1960 (Stuttgart).



Un par de puntualizaciones antes de iniciar el comentario del último largometraje dirigido por Fritz Lang.

Primera.

Dado que el visionado del mismo tuvo lugar el pasado día 29 y mi memoria (aunque alguno pueda pensar lo contrario) no es precisamente la de un elefante (aunque soy pesado de c…) la reseña con la que cerramos la filmografía del director vienés será más breve (o eso creo...) de lo habitual, algo además sobrevenido porque LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE, aunque ciertamente entretenida, está muy lejos de los grandes títulos que cimentaron su fama en los ya lejanos años ‘20 del siglo (y del milenio) pasado.

Segundo.

Despejar una (pequeña) incógnita que deje caer no en este sino en el rincón Hammer y/o Terence Fisher (¿?) y que era la siguiente…

Por cierto, ¿qué tienen que ver películas (no) tan aparentemente disímiles como LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL, PSICOSIS y LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE?

Aunque la respuesta se ha hecho demorar en realidad era muy sencilla…

La hermosa actriz británica (y prematuramente desaparecida) Dawn Addams (1930-1985) es la protagonista femenina tanto en LAS DOS CARAS DEL DR. JEKYLL como en LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE.



La similitud entre PSICOSIS y LOS CRÍMENES viene por partida doble.

Por un lado, la (y perdonad la redundancia) protagonista femenina se llama Marion.

Por otro lado, hay una secuencia muy similar en ambas películas en las que un hombre (allí el villano (Bates/Perkins), aquí el héroe (Travers/Van Eyck)) ejerce de voyeur - a través de un agujero en la pared (PSICOSIS) o un espejo trucado (CRÍMENES) - de una hermosa joven en ropa interior…





... de color blanco… aunque esto último sólo lo intuyo dado que ambas se rodaron en monocromático… y formato panorámico…

¿Os ha gustado?

Por cierto, Dawn Addams trabajó una vez más con la Hammer en la mejor de las tres “adaptaciones” de la obra “Carmilla” (1871-1872), de Joseph Thomas Sheridan Le Fanu, THE VAMPIRE LOVERS (1970), de Roy Ward Baker, junto a una esplendorosa Ingrid Pitt.

Ah, y el protagonista masculino (e igualmente prematuramente desaparecido), el alemán Peter Van Eyck (1911-1969),



... había hecho lo propio en un atractivo thriller dirigido por Guy Green y titulado LA MÁSCARA SUBMARINA (1958) y que yo no comenté en el rincón Hammer pero sí, creo recordar, el incombustible mad dog earle, si mi memoria (que ya digo no es precisamente de elefante) no me traiciona…

Como podéis comprobar me he permitido la licencia (o más bien el gusto) de incluir los póster alemán, francés e italiano dado que la película, como el díptico LA TUMBA INDIA, era una coproducción entre esas tres orgullosas naciones.

Y dado que antes ha salido a colación el nombre del británico Terence Fisher su homólogo austríaco cerraría su filmografía como director (que no como actor como pronto veremos…) con el retorno a su personaje más querido y/o carismático.

O sea, el Barón Frankenstein en el caso del primero y el Doctor Mabuse en el caso del segundo.

Y que conste que Frankenstein también era Doctor… entre otras cosas…

Aunque tanto el díptico LA TUMBA INDIA como LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE – aunque en puridad el mismo debería haberse traducido en nuestro país como LOS 1.000 OJOS DEL DR. MABUSE, no sólo por respetar el original sino sobre todo porque la vista (y el órgano que la sustenta, o sea, el ojo) conforma el nudo gordiano de la trama – fueron producidos por (el más que centenario) Artur Brauner (1918-2019) lo cierto es que para Fritz Lang supusieron a nivel personal una de cal y otra de arena.

O mejor dicho, una de arena y otra de cal, puesto que el primero fue un proyecto largamente anhelado por el director desde que en 1921 el también productor Joe May le birló el puesto después de que este se lo hubiese prometido (y cuyo guion había escrito al alimón con su por entonces amante, Thea von Harbou) mientras que el segundo fue un encargo que Lang aceptó a regañadientes y más que nada porque no quería que nadie que no fuese él usase el personaje creado por el luxemburgués Norbert Jacques (1880-1954) y que había inmortalizado en dos de sus mejores cintas, EL DR. MABUSE (1922) y EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE (1933).

Además, a pesar de que LA TUMBA INDIA fue un gran éxito de taquilla (aunque no de crítica) Lang dispuso de muchos menos recursos económicos para esta tercera (y última, al menos por su parte) entrega del caleidoscópico Dr. Mabuse.

El problema es que el mencionado galeno había fallecido en la segunda…

Antes hablábamos de la la Hammer. Ahora hablemos de la Universal.

Si la pequeña (por entonces) compañía de Carl Laemmle, Sr. (1869-1939) y Jr. (1908-1979) había producido FRANKENSTEIN (1931), BRIDE OF FRANKENSTEIN (1935) y… SON OF FRANKENSTEIN (1939)…

… aquí traducidas respectivamente como EL DOCTOR FRANKENSTEIN, LA NOVIA DE FRANKENSTEIN y… LA SOMBRA DE FRANKENSTEIN…

… ¿por qué no iba a hacer lo propio Lang y, de esta forma, el hijo del infausto Doctor heredar el puesto de su padre?...





Claro que si la película se hubiese titulado EL HIJO DEL DR. MABUSE me temo que hubiésemos levantado la perdiz antes de tiempo.

Aunque no se indique expresamente en los títulos de crédito al parecer Lang se basó a partes iguales en el personaje creado por Jacques y en la novela escrita en esperanto (¿?) “Mr. Tot acêtas mil okulojn” (1931), de Jan Fethke (1903-1980) y que podría traducirse como “El señor Tot compra mil ojos”, si no me engañan los escasos conocimientos que tengo de este idioma…

Ciertamente LOS CRÍMENES es la peor (o la menos buena para no ser tan severos) de las tres películas que Lang dedicó al genio del crimen.

De hecho, el director austríaco se permite incluso “remakear” (permitídme el palabro) una de las escenas cumbres de la segunda entrega, la del asesinato a manos de uno de los secuaces de Mabuse del locutor de televisión (como el personaje encarnado por el gran Dana Andrews en MIENTRAS NUEVA YORK DUERME (1956)) Peter Barter cuando los vehículos de uno y de otro se paran ante un semáforo en una avenida atestada de tráfico.











Eso sí, si allí se usó una simple bala aquí – los tiempos cambian – el agente n.º 12 (el suizo Howard Vernon) – se decanta por un arma mucho más sofisticada: una aguja de acero directamente en el cerebro.

Vamos, como cuando uno trata con zombis.

Otro de los signos de desgaste del personaje es que a medida que pasan los años el mismo va perdiendo protagonismo a pasos agigantados.

Y no sólo eso sino que el actor que interpreta al personaje cada vez es menos carismático.

Sin bien es cierto que ya en la primera entrega Mabuse/Rudolf Klein-Rogge tenía un rival a su altura, el fiscal von Wenk/Bernhard Goetzke, sería en la segunda cuando el sucesor de aquel, el profesor Baum/Oscar Beregi se vería completamente eclipsado por el orondo inspector de policía Lohmann/Otto Wernicke.

Y es que aquí y para rizar el rizo, Mabuse o mejor dicho, el hijo de Mabuse, no tiene uno sino dos rivales de categoría.

Por un lado el inspector Kras (Gert Fröbe, el asesino de niñas en la magistral EL CEBO (1958), de Ladislao Vadja) y por otro su homólogo de la INTERPOL, el carismático Hieronymus B. Mistelzweig (¿?) (un genial Werner Peters) que más parece un remedo del Casper Gutman de “El Halcón Maltés” (1930)… o del Sydney Greenstreet de EL HALCÓN MALTÉS (1941)…





Y eso si no contamos con el personaje que encarna Peter van Eyck, el poderoso dueño de una fábrica de misiles (¿?), el supuesto héroe de la película quien, lógicamente, se enamorará hasta las trancas de la (aparente) damisela en peligro, la bella Marion (Dawn Addams).



El mayor problema que le veo a la película es que ya desde las primeras de cambio se ve venir quién está detrás de la ola de crímenes que asola la ciudad.





La gracia de la propuesta es que el nuevo Doctor Mabuse se haga pasar por un vidente ciego que además colabora con el departamento de policía y, especialmente, con el inspector Kras, al que avisa con escaso margen de maniobra de crímenes que están a punto de suceder.



Y digo que tiene gracia, además de por lo arriba indicado, porque si recordáis en la primera (y mejor) entrega del personaje, EL DOCTOR MABUSE (1922), el villano tenía encerrados en un sótano a un grupo de ciegos que se encargaban de contar los billetes falsificados fabricados por su organización.

Y por otro, porque como también mencionaba al principio, el ojo será el elemento aglutinante de la trama y, especialmente, la genial idea de usar el Hotel Luxor como centro de operaciones del villano. Un hotel que edificaron los nazis en 1944 y en el que colocaron multitud de cámaras de televisión (¿?) para controlar las idas y venidas de los visitantes extranjeros.

Pero me gustaría recordar que en un título tan vetusto (por la edad, no por la calidad) como la primera entrega del díptico LAS ARAÑAS (1919/1920) la mencionada organización ya contaba con un circuito cerrado de televisión.

A lo largo de esta extensa (y extenuante) revisión hemos comprobado las múltiples conexiones que existen entre Lang y Hitchock (o Hitchcock y Lang).

Y así como acabo de indicar que EL MINISTERIO DEL MIEDO (1944), es una película que bien podría haber firmado el mago del suspense, igualmente LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE presenta notables concomitancias con la obra del británico y no sólo por esas dos puntualizaciones que ya he comentado.

Uno de los debes de la cinta es lo escasamente creíble de la relación entre Henry y Manion, a pesar del buen hacer de los intérpretes.



Tampoco el villano encarnado por Wolfgang Preiss está a la altura de sus antecesores.



En cambio, tanto Gert como Werner son, de lejos, lo mejor de la función y por ello las escenas en las que aparecen ellos, juntos o por separado, son las mejores de la cinta.





Otro de los debes de la película es el personaje del marido de Marion, Roberto (Reinhard Kolldehoff), que tiene un pie zambo y al que se nos pretende colar como el nuevo Doctor Mabuse.



La película, como LA TUMBA INDIA, fue un éxito de público, aunque los críticos alemanes se despacharon a gusto con ella.

Seguramente por ello el productor Brauner rápidamente se puso manos a la obra y enseguida facturó un par de “continuaciones”, EL DIABÓLICO DR. MABUSE (1961) y LAS GARRAS INVISIBLES DEL DR. MABUSE (1961), ambas dirigidas por Harald Reinl y protagonizadas por Lex “Tarzan” Baxter y tres de los actores principales de la cinta hoy comentada, Gert Fröbe (sólo EL DIABÓLICO), Werner Peters y Wolfgang Preiss.

Claro que también podríamos mencionar EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE (1962), de Werner Klinger, con Fröbe y Preiss.

Etcétera.

O sea, que el bueno del Doctor Mabuse acabó por convertirse no en un remedo del Conde Drácula hammeriano sino en un precursor del mismo dada la facilidad que tenía para resucitar entre entrega y entrega con una constancia digna de mejor causa.

Seguramente LOS CRÍMENES DEL DR. MABUSE no era la película que el director tenía en mente para cerrar su brillante carrera a un lado y a otro lado del Atlántico.

Creo sinceramente que Lang firmó su auténtico testamento cinematográfico con el díptico MIENTRAS NUEVA YORK DUERME / MÁS ALLÁ DE LA DUDA.

De todas formas, la película bien merece el desplazamiento y si no es un broche de oro a una carrera irrepetible sí al menos lo es de bronce.

Por lo menos no se colgó la medalla de chocolate.

Ha sido un placer compartir esta revisión con todos vosotros y lamento no haber cumplido con los plazos de entrega previstos pero me temo que el Alcaudón de 2020 ya no es el Alcaudón de 2022. Y no parece que el 2023 se presente mejor.

De todas formas gracias a tod@s y, especialmente y si me lo permitís a una compañera a la que much@s echamos de menos.

Amiga Jane Olsen, va por ti.

Y como siempre digo…

Buenas noches y, buena suerte.

Y de nuevo agradeceros la paciencia que habéis tenido conmigo.

Un beso a tod@s.



…

And in the end

The love you take

Is equal to the love you make

(“The End”, Abbey Road, The Beatles, 1969)

…

Ah, pero esto todavía no ha acabado…

Como pronto podréis comprobar puesto a que todavía queda la 49ª entrega en la que Lang no ejerce de director sino de actor y que, si al maestro mad dog earle no le importa, preferiría que él fuese el que primero la comentase porque servidor se ha convertido en el farolillo rojo de todas las revisiones, ya sean propias como ajenas.

Y como decían ya sabéis quiénes...

I don't really want to stop the show,

But I thought that you might like to know,

That the singer's going to sing a song,

And he wants you all to sing along.

So let me introduce to you

The one and only mad dog earle

And Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band...

Iniciado por Alcaudón

Ha sido un placer compartir esta revisión con todos vosotros y lamento no haber cumplido con los plazos de entrega previstos pero me temo que el Alcaudón de 2020 ya no es el Alcaudón de 2022. Y no parece que el 2023 se presente mejor.

Ha sido un "long and winding road", a veces agónico, pero celebramos que la nave haya llegado a puerto. Quizá ahora es un buen momento para recordar aquellos versos de Kavafis, que Lluís Llach musicó:

"Quan surts per fer el viatge cap a Ítaca,
has de pregar que el camí sigui llarg,
ple d'aventures, ple de coneixences."

Quizá no esperábamos que fuera tan "llarg", pero les "coneixences" han sido ricas y abundantes.

Y me va bien citar a Kavafis y su poema sobre Itaca, porque el último film de la revisión, en forma de "bonus", Le mépris, va precisamente de una adaptación cinematográfica de la "Odisea" de Homero, cuyo director en el film ha de ser nuestro héroe: Fritz Lang, que se interpreta a sí mismo, o quizá mejor decir que interpreta a un director de cine de nombre Fritz Lang.

Iniciado por Alcaudón

Como pronto podréis comprobar puesto a que todavía queda la 49ª entrega en la que Lang no ejerce de director sino de actor y que, si al maestro mad dog earle no le importa, preferiría que él fuese el que primero la comentase porque servidor se ha convertido en el farolillo rojo de todas las revisiones, ya sean propias como ajenas.

Y esto viene a cuento con la petición de Alcaudón. Como uno, aunque más stoniano que beatleniano, no puede desoír esa petición de una "little help from my friends", asumo la tarea de finalizar el recorrido con el comentario de la película de Godard, comentario que será mucho más breve que los de Alcaudón (ya se ocupará él de ampliarlo cuando pueda), y centrado sobre todo en la presencia del vienés en el film. O sea que, si no hay impedimentos de última hora, la próxima semana entrego mi comentario de la revisitación de Mabuse y la godardiana visión del proceso de producción de un film dirigido por Lang.

The long and winding road...



Curiosamente aunque tengo hasta 9 películas en BD de Jean-Luc Godard hasta la fecha sólo me he visto la primera, AL FINAL DE LA ESCAPADA, que me pareció espléndida y que ya comenté en "el otro rincón" long, long time ago...

Mi colección:

AL FINAL DE LA ESCAPADA (Universal, 2013)

EL SOLDADITO (Divisa, 2018)

VIVIR SU VIDA (Divisa, 2020)

EL DESPRECIO (Divisa, 2018)

BANDA APARTE (A Contracorriente, 2019)

LA MUJER CASADA (A Contracorriente, 2017)

LEMMY CONTRA ALPHAVILLE (Divisa, 2018)

PIERROT EL LOCO (Divisa, 2018)

ADIÓS AL LENGUAJE (en 3-D) Edición británica

Acercate a GODARD ... compi Alcaudón....hay que cogerle el puntillo , o no.

Bueno...he visto de LANG




https://64.media.tumblr.com/a2fcc0a3...4bdcd83b1d.jpg

La tercera película antinazi de Lang en Hollywood fue un relativo encargo.

Al cineasta le interesaba mucho la novela de G Greene, pero el guión
del también productor del film, le pareció literalmente
horrible. Lang había optado por la compra de los derechos de adaptación,
pero la Paramount se le adelantó. Cuando el mismo estudio le ofreció la
posibilidad de dirigir la película, firmó el contrato sin poner reparo alguno;
aún no conocía la versión que estaba escribiendo Miller. Al leerla, intentó
en vano rescindir su contrato; aceptó, con su proverbial profesionalidad,
hacer un film sobre un tema que le gustaba a partir de un guión que odiaba.

"Ministry of Fear" se abre magistralmente. Los títulos de crédito van
apareciendo sobre la imagen del péndulo oscilante de un reloj. Cuando
finalizan los rótulos, Lang mueve ligeramente la cámara hacia arriba: en el
reloj están a punto de dar las seis. Sigue un travelling hacia atrás que
recorre toda la habitación hasta encuadrar a S Neale sentado de
espaldas a la cámara. Frente a él, se abre la puerta de la estancia y aparece
el director del sanatorio. Cuando las manecillas marcan la hora, Neale se
levanta: estaba esperando inmóvil el fin de su larga reclusión. La imagen
del reloj determina la importancia que el tiempo va a tener en la condensada
acción; ilustra, también, el monótono movimiento de los días y las noches
durante años de ausencia del mundo real, ese que ha estallado en guerra.

Los ochenta minutos que siguen son casi igual de
brillantes y absorbentes. Pocas películas de Lang escrutan la
personalidad de uno de sus protagonistas basándose en la acumulación de
detalles y situaciones tan sórdidos y fantasmagóricos.
La primera mitad del film se desarrolla de la siguiente forma: últimos instantes de Neale en el sanatorio mental /
larga secuencia en la fiesta benéfica en la que las adorables y ancianas
viudas del lugar no son otra cosa que espias alemanes / viaje en tren
acompañado de un ciego que es, también, otro espía nazi dispuesto a
hacerse con la conflictiva tarta / un bombardeo enemigo detiene el tren,
momento que el supuesto ciego aprovecha para golpear con su bastón a
Neale y huir por los neblinosos páramos / sigue un fugaz tiroteo junto a una
casa semiderruida / el ciego vuela por los aires a causa de una bomba /
Neale llega a Londres y se encuentra en una sesión de espiritismo


que termina en asesinato / perseguido por la policía y la red de espías, Neale
sólo encuentra confianza y comprensión en Carla, a quien no duda
en contarle, mientras se refugian en la estación del metro de otro
bombardeo enemigo, cómo fue acusado de haber envenenado a su esposa.

La segunda parte no está a la altura de su primer intenso y alocado bloque.
Pero no invalida el resultado total,la película entra en fase tranquila
lejos del trepidante arranque. Pero en los momentos finales, Lang parece recobrar el brio

Hay en el film elementos muy propios de Lang, como la aparición del
espía ciego y una atracción especial por los contrastes radicales de luces y sombras.


Falso culpable,situaciones inverosimiles,bizarras,símbolos,rubias fatales o no.....

Guion deslavado al que la cinematografía,estupendo prota y
direccion con ganas elevan hacia un más que notable resultado.


8/10

De Godard, yo también tengo las señaladas por Alcaudón, menos Adiós al lenguaje. Creo recordar que solo he visto Al final de la escapada (de la que primero me compré la de Divisa y después me hice de segunda mano con la de Universal). Me gustó mucho.

Die 1000 Augen des Dr. Mabuse (1960)



Como si Lang quisiera concluir su filmografía cerrando un círculo, después de volver a un tema que no pudo rodar en su día, el díptico indio, regresa aquí, en su último film, a uno de sus personajes más famosos, el del Dr. Mabuse, inspirado en las obras de Norbert Jacques.

Pero esta forma de finalizar su carrera no era algo previsto ni voluntario. Después de su último Mabuse, Lang barajó la posibilidad de llevar a término varios proyectos, sin éxito. Uno de ellos se lo comenta a Jean-Luc Godard en una conversación mantenida con el enfant terrible del cine francés (sobre la que volveré más adelante, cuando comente Le mépris): se trataba de “Death of a Career Girl”, para la que quería contar con Jeanne Moreau, pero finalmente no hubo acuerdo entre las partes. Incluso después, parece ser que estuvo en conversaciones para rodar un film sobre la juventud (tema del que también habla con Godard en la conversación citada), esta vez en colaboración con el productor habitual de Claude Chabrol, André Génoves, pero sus problemas oculares le hicieron desistir.

Así pues, aunque no de manera deliberada, Lang finalizó su carrera dirigiendo de nuevo a Mabuse, personaje al que ya había dedicado un célebre díptico en los años 20, y con el que finalizó su primera etapa alemana en los 30.

¿Qué hay de nuevo en el Mabuse de 1960? Quizá no demasiado, más allá de introducir una referencia al poder destructivo de la energía nuclear. Los materiales con los que construye el film, de nuevo, como en su etapa muda (no solo en el díptico de Mabuse, sino también en Die Spinnen o Spione), parecen remitirnos a la más genuina pulp fiction. Incluso los decorados, sumamente esquemáticos, ofrecen una imagen propia de las películas de serie B americanas o incluso de los Krimi alemanes. Podríamos estar ante una de las muchas adaptaciones de las novelas de Edgard Wallace que se filmaron esos años en Alemania (serie de films iniciados el año anterior, 1959, con Der Frosch mit der Maske). Incluso con la habitual introducción de un personaje que actúa en cierto modo como alivio humorístico, aquí el supuesto vendedor de seguros, y en realidad agente de la Interpol, Hieronymus B. Mistelzweig (Werner Peters).



Y a pesar de todo ello, de la debilidad argumental y lo tópico de los personajes, para mí el mayor encanto del film radica, precisamente, en esa ambientación de serie B (incluso algo chapucera, como en el estallido de la bomba en el despacho del comisario Kras), en la sencillez de los decorados (que, en algunos momentos, parecen pertenecer a alguna serie televisiva de la época) y la falta de pretensión de la línea argumental, incluidos sus giros finales un tanto inverosímiles. Y, por supuesto, en el personaje del vidente Cornelius, que detrás de su inquietante máscara ciega, de ojos blancos, esconde múltiples personalidades (como el viejo Mabuse, “der Spieler”).



Son sus apariciones en pantalla las que mantienen el interés del film, mientras que, en cambio, los roles de los supuestos héroes, el empresario norteamericano Henry B. Travers (Peter van Eyck) y la ambigua Marion Menil (la actriz inglesa Dawn Addams), resultan un tanto sosos.



Afortunadamente, también contamos con la presencia del comisario Kras (Gert Fröbe, años antes de convertirse en Goldfinger para la saga de James Bond).



Fröbe seguiría apareciendo en otros títulos rodados posteriormente (aunque recuperando el nombre de un viejo conocido nuestro, Lohmann), que alargaron la presencia de Mabuse en las carteleras, aunque ya sin la implicación de Lang (como, por ejemplo, Im Stahlnetz des Dr. Mabuse, Die unsichtbaren Krallen des Dr. Mabuse o Das Testament des Dr. Mabuse).

El intento de recuperar el personaje de Mabuse tuvo, pues, continuidad, y gozó de cierto éxito en los años 60, años de guerra fría y de miedo nuclear en que el mundo de los espías y las organizaciones criminales destructivas, como la famosa SPECTRE, alimentaban la literatura de quiosco, los cómics y el cine más popular y desprejuiciado.

¿Hay algo más que un puro divertimento en la película de Lang? Vuelvo a destacar el ambiente. Hay una sordidez inquietante en ese Hotel Luxor, que conserva como una herencia malsana los sistemas de vigilancia de la época nazi (como si la sociedad alemana no hubiera expiado suficientemente su pasado hitleriano). En los 60 (ya no digamos hoy en día), en plena era de la televisión, esas omnipresentes cámaras generan una cierta intranquilidad en el espectador, que sospecha que puede ser observado en cualquier momento (en nuestra actualidad, ya no es una sospecha, sino una certeza). Quizá por eso uno de los detalles más atractivos del film sea el espejo a través del cual Travers puede contemplar la habitación de Marion (y verla en ropa interior, apunte voyerista que, como indicó Alcaudón, nos puede hacer pensar en Psycho), y actuar cuando su supuesto marido, Roberto (interpretado por Reinhard Kolldehoff, al que recordamos de la viscontiniana The Damned/La caduta degli dei (Götterdämmerung)), la ataca. Junto a este momento, destaca la séance que organiza Cornelius (excelente Wolfgang Preiss, que está doblado cuando hace de Cornelius), con la presencia de la mayoría de dramatis personae implicados en la trama.

Como ya indicó Alcaudón, del film se hicieron tres versiones distintas: una alemana (que es la que he visto, en edición en BD de Eureka), una italiana (que se editó en DVD hace años junto al doblaje español) y otra francesa. Precisamente de la francesa, Eureka recoge como extra un final alternativo. Mientras que en la versión alemana (y en la italiana que he visto), Marion, herida, recuperándose en la cama de un hospital, recibe un amoroso beso de Travers, que se ha enamorado de ella a pesar de que Marion ha participado activamente en el engaño al que Mabuse le ha sometido, con lo que se ofrece al espectador un tópico “happy end”, en la francesa, después de recibir el beso, Marion cierra los ojos y la cámara se aleja de su rostro, con lo que nos queda la duda de si ha muerto a consecuencia de las heridas. Curiosa discrepancia entre versiones.

Y con Die 1000 Augen des Dr. Mabuse finalizamos el recorrido por la obra de Lang, aunque todavía hay algo más de lo que hablar.

El desprecio (Le mépris, 1963) de Jean-Luc Godard



Aunque en algunas filmografías se indica que Fritz Lang apareció como actor en una de sus primeras películas, Der Herr der Liebe, desgraciadamente perdida, creo que podemos considerar su papel en Le mépris como su única contribución como actor a la historia del cine. Y lo atractivo del caso, y por eso creo que esta película es una magnífica manera (casi diría que obligada) de cerrar el ciclo, es que lo hace interpretando a un director de cine que se llama… Fritz Lang. Lo divertido de la propuesta es preguntarse si el Lang del film de Godard es él mismo o si es solo la encarnación de un director con nombre coincidente con el del actor.

Como este no es un hilo dedicado a comentar la obra de Godard, obra gigantesca cuantitativamente hablando (lo que dificultaría un “revisando sus películas”, en imdb se dan 131 referencias, aunque muchas corresponden a cortos, documentales y proyectos televisivos) y, sin duda, revolucionaria y transgresora cualitativamente (guste más o menos su cine), no voy a profundizar en el comentario de la película, sino más bien en la relación entre Lang y Godard, aunque sin dejar de lado las imágenes del film. Para ello me sirvo también del programa televisivo, emitido dentro de la serie “Cinéastes de notre temps”, titulado Le dinosaure et le bébé: Dialogue en huit parties entre Fritz Lang et Jean-Luc Godard, dirigido por André S. Labarthe (está disponible en la edición de Versus, en DVD, de Perversidad).

Ese diálogo se ilustra con imágenes de M y de, precisamente, Le mépris, aunque en este caso, como solía suceder en la televisión, se trata de fragmentos que mutilan el scope (Franscope) original (adaptan el encuadre al formato televisivo 4/3, eliminando buena parte de la información visual) y que se presentan en blanco y negro, con lo cual, como muestra del film de Godard es algo bastante inservible. Pero lo interesante es ver conversar a ambos gigantes del cine, de tú a tú, aunque se intuye una cierta relación maestro/aprendiz, por el respeto con que Godard se dirige a Lang,

Por supuesto, el dinosaurio es Lang (él mismo es quien se aplica el término) y el bebé, Godard. Lang expresa en repetidas ocasiones su admiración por el cine de Godard, aunque establece una clara distinción entre ambos: Godard suele optar por la improvisación, algo que Lang vivió de cerca en el rodaje de Le mépris, mientras que él declara que no le gusta improvisar.

Por lo demás, en una mezcla idiomática de francés (que Lang habla con dificultades, pero fluidamente) y, puntualmente, inglés (con alguna remisión al alemán), lo que nos recuerda el ejercicio lingüístico de Le mépris (sobre el que volveré después), se tratan temas de lo más interesante. Así, Lang rechaza el término artista. Cree, afirma, que el director de cine ha de ser un psicoanalista, que sepa introducirse en el interior de los actores para que conseguir que expresen al personaje. Ve el cine como el arte de la juventud, y considera que él y Godard son unos “románticos” (término que gustará al amigo Alcaudón). Defiende el papel del cine como arte para las masas y confiesa que él trabaja para el público, alejándose de la visión solipsista y elitista de algunos creadores. Curiosamente, teniendo en cuenta que estamos revisando la obra de Dreyer, Godard y él se ponen de acuerdo en destacar como supervivientes del cine mudo al danés, a Abel Gance y al propio Lang (no citan, en cambio, ni a Hitchcock ni a Ford, todavía activos por aquel entonces). De Dreyer destaca La passion de Jeanne d’Arc y Vampyr.

Se habla de muchas cosas más, como, por ejemplo, del papel de la censura. Pero, especialmente destacable, enlazando con el comentario de Le mépris, me parece la elogiosa opinión de Lang (dice que es “extraordinaria”) sobre la secuencia, larguísima (alrededor de media hora), de la conversación/discusión entre los personajes de Brigitte Bardot (Camille) y Michel Piccoli (Paul) en su apartamento romano.

Es curioso porque, precisamente, esa secuencia, que ocupa un lugar central. nuclear, en la película (hasta el punto de que uno tiende a pensar que es lo que más interesó a Godard, al margen de lo que rodea esa secuencia, un conjunto de comentarios dramatizados sobre el mundo del cine), a mí, personalmente, se me ha hecho inacabable, y en mi opinión descompensa el conjunto, algo probablemente menor en un film de Godard, porque de la descompensación de la estructura argumental y de la transgresión de los modos habituales de narrar una historia va buena parte de su cine, al menos en estos años 60.

La película, una coproducción franco-italiana, con Georges de Beauregard y Carlo Ponti como productores, además del productor norteamericano Joseph E. Levine (que, al parecer, impuso la secuencia inicial con el desnudo de la Bardot, algo que agradecen nuestros ojos, pero que parece metida con calzador), se rodó en Roma, en Cinecittà, y en la isla de Capri. Como apunté anteriormente, la mezcla idiomática es total: Piccoli como Paul, autor de teatro y futuro guionista del film que está rodando Lang, y Bardot, como su esposa, hablan en francés (dicen no entender el inglés); el productor americano, Jerry Prokosch habla en inglés; el director, Fritz Lang, pasa del francés al inglés, e introduce frases en alemán (por ejemplo, cuando cita a Hölderlin), y, finalmente, la actriz italiana Giorgia Moll, como la secretaria de Prokosch, Francesca Vanini (apellido que no sé si es otro guiño cinéfilo de Godard, esta vez a Rossellini), habla en italiano, francés, inglés y parece entender el alemán. La copia en DVD que he visto, editada por Universal, respeta las diferencias lingüísticas, pero hay un momento, quizá por error en el montaje de esta copia, en que Piccoli, con una voz que diría que no es la suya, mantiene un diálogo en inglés con Lang.

La trama, basada en una novela de Alberto Moravia, "Il Disprezzo", por la cual no parece que Godard sintiese demasiado aprecio, quizá tomada solo como excusa argumental, nos cuenta la difícil relación de una pareja que se introduce en las interioridades del mundo del cine (ella es una mecanógrafa; él, un autor de teatro), que les hace conocer la cara más sórdida de la producción cinematográfica, encarnada por el productor Prokosch (un Palance en una interpretación violenta y un tanto esperpéntica). Frente a él, Lang es la voz de la sabiduría cinematográfica, que actúa como cicerone de Paul en su descenso a las profundidades del rodaje de un film. El film en cuestión es una adaptación de la “Odisea”, lo cual permite todo tipo de referencias a los dioses y citas cultas, tan del gusto de Godard. El propio Godard, aunque esta vez no nos “ilumina” con sus comentarios en off, se nos hace presente dentro de la pantalla como uno de los ayudantes de dirección de Lang, un apunte que tiene, sobre todo si se ha visto la cordialidad con que se tratan Lang y Godard en la conversación citada, un cierto aire a homenaje, pero también algo de narcisismo, como si dentro de la película Lang estuviera pasando un testigo imaginario a Godard.

Como no podía ser de otra manera en Godard, se aprovecha cualquier ocasión para introducir todo tipo de citas y referencias. Así, en la sala en que visionan algunas pruebas de cámara, hay una inscripción, atribuida a Lumière, que dice “Il cinema è un’invenzione senza avvenire”.



Mientras Camille se está bañando, lee un libro sobre Lang.



Cuando lo hace Paul, dice que lo hace con el sombreo puesto como Dean Martin en Some Came Running. Paul y Camille hablan de la posibilidad de ir al cine, y se cita Rio Bravo, entre otras, etc. Hay, incluso, una relación, quizá no premeditada, con el Human Desire languiano, cuando Paul insiste en que Camille vaya en coche con Jerry, como si sacrificara a su mujer con el objetivo de alcanzar un acuerdo contractual beneficioso. También se da la oportunidad a Lang de calificar al productor como un dictador, lo que parece una forma de sacarse la espina de tantos y tantos productores tiránicos como tuvo que soportar el vienés en su carrera hollywoodiense. Hay más, pero creo que es suficiente.



¿Qué nos queda? Un film atractivo visualmente, gracias al uso del color, a la manera deliciosa de filmar los paisajes de Capri y la curiosa villa donde residen (fotografía de Raoul Coutard, un nombre esencial del cine de la Nouvelle Vague);



la presencia espectacular de Bardot, que cuando se pone una peluca negra me recuerda a Anna Karina,









y un notable trabajo con la organización del espacio dentro del cuadro, en la larga secuencia en el apartamento (a pesar de que, narrativamente, se me ha hecho bola al verla).



En el debe, un Palance que me ha parecido excesivamente histriónico, y una música, de otro habitual, Georges Delerue, para mi gusto demasiado enfática.

¿Y Lang? La película nos muestra un Lang sabio y humano, que parece dirigir desde dentro el bellísimo plano con que acaba la película: el de Ulises contemplando en el horizonte su hogar, la isla de Itaca (obsérvese a Godard, a la derecha del plano, en cuclillas mirando a cámara).



Como cantaba Llach recogiendo los versos de Kavafis, “has de pregar que el camí sigui llarg”. Y largo (y un poco tortuoso) lo ha sido, pero finalmente hemos llegado al final. Ha sido un placer.

Pues una enhorabuena muy sincera a mad dog, como gran impulsor de este mega-hilo, y a todos los contribuyentes en él, porque Hacienda somos todos
Desde luego que muchos acudiremos a este hilo, cuando tengamos alguna duda o interrogante. Canela fina.

Iniciado por tomaszapa

Pues una enhorabuena muy sincera a mad dog, como gran impulsor de este mega-hilo, y a todos los contribuyentes en él, porque Hacienda somos todos

Gracias, tomaszapa. Yo fui quien lo creó, por acuerdo entre las partes contratantes (), pero justo es reconocer que, al frente de la revisión, cual Mabuse moviendo los hilos, siempre ha estado la mano experta de Alcaudón.

Iniciado por mad dog earle

Gracias, tomaszapa. Yo fui quien lo creó, por acuerdo entre las partes contratantes (), pero justo es reconocer que, al frente de la revisión, cual Mabuse moviendo los hilos, siempre ha estado la mano experta de Alcaudón.

Alcaudón está omnipresente, en todas las salas de este foro. Y eso que alguna que otra vez parece que está más pallá que pacá.

De hecho y no es broma hoy mismo me he cogido la baja sine die.

Me temo que por fin me he roto por dentro y por fuera y ya todo me da igual.

Vivimos en un mundo sin honor y sin decencia.

Enhorabuena por la hazaña, y por llevar a buen puerto una filmografía tan extensa. Yo aún acudo a veces a los comentarios que se hicieron en el hilo de Hitchcock, cuando veo una peli y quiero ver si comparto puntos de vista o se me pasó algo, así que la experiencia queda, pero también la "letra impresa" para el resto

Dejo de paso, con vuestro permiso, la conversación entre Lang y Godard a la que hace mención mad, con subtítulos en español:

Cualquier aportación será más que bienvenida.

Iniciado por Alcaudón

Cualquier aportación será más que bienvenida.

Total.
Felicito al compi Alcaudon y algun día acabaré la revision,sin prisa