Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

Jean Simmons siempre ha sido una de mis actrices clásicas predilectas y de hecho le dediqué el primero de los dos programas dobles que estoy (o mejor dicho, estamos) elaborando en este mismo rincón.

Una actriz que ya fue nominada a los Oscar en 1949 por su papel de Ofelia en el HAMLET de Laurence Olivier, cuando tan sólo contaba con 18 años (¡!).

Y no nos olvidemos de su inolvidable papel de Estella en el gran clásico de David Lean (del que pronto, espero, tendremos noticias...) CADENAS ROTAS (1946).

Iniciado por Otto+

Norte y Sur, como la madre de Patrick Swayze....

Cierto. Muy bien apuntado. Esta serie es otra que nos tragamos en casa, aunque en ese momento, por edad, aún no había despertado a la vida La pareja protagonista, me refiero a Swayze y a Down, era guapísima y desprendían erotismo a tope. A Down la había visto antes, en algunos capítulos de la ya avanzada serie (maravillosa) Arriba y abajo.

Iniciado por tomaszapa

Cierto. Muy bien apuntado. Esta serie es otra que nos tragamos en casa, aunque en ese momento, por edad, aún no había despertado a la vida La pareja protagonista, me refiero a Swayze y a Down, era guapísima y desprendían erotismo a tope. A Down la había visto antes, en algunos capítulos de la ya avanzada serie (maravillosa) Arriba y abajo.

Acuérdate de Leslie Anne Down (yo la descubrí ahí en la serie y en una película de trasfondo bélico junto a Harrison Ford y Christopher Plummer) cuando veáis Pinky dentro del ciclo de Elia Kazan porque a diferencia de la pelirroja Crain, a ésta sí que te la puedes creer que tenga esa "herencia racial". Recuerdo además por uno de los subsiguientes pases televisivos, yo ya de más mayor, que fue Elizabeth Taylor en un capítulo quién se lo hizo saber a su personaje. Me estoy acordando de David Carradine, que la trataba a palos.
Vaya secundarios o cameos tenía la serie: Olivia de Havilland, James Stewart, Gene Kelly, creo que también Robert Mitchum.
Conoció una tercera temporada, ya sin Swayze, que aún no había fallecido sino que se desentendió de ella, en la que se boicoteó excesivamente el romance original, y de la creo no se acuerda ni diox. O prefiere no acordarse de ella.

He encontrado una entrevista radiofónica con Jean Simmons de mediados de la década pasada de una hora de duración a la que tendré que revisar de arriba a abajo (ya no es que fuera bellísima, es que su voz era dulce y jovial; sus modales, exquisitos, y una sonrisa tímida e inolvidable). Jamás tuvo nada de diva, siempre fue muy accesible y sensible



La entrevista comienza a apartir de 3.10 y contiene opción de subtítulos.

En "Androcles y el león" parecía la reencarnación de la diosa Afrodita Cuánta belleza, deliciosa ironía, ganas de vivir desprendía de su boca y gestos su personaje.

Y tengo que decir que no he llegado a ver una de las joyas de Ghibli-Miyazaki doblada al inglés, How'l Moving Castle, pero tengo que hacerlo más pronto que tarde para admirar a su Sophie anciana (Emily Mortimer de joven). Y donde se reunió con una buena amiga. Lauren Bacall.





Observadla cuando reacciona tras ver un clip de "Ellos y ellas" con su personaje enamorado de la vida y cantándolo. Si es que hay que quererla, sí, sí o sí.

Iniciado por tomaszapa

Cierto. Muy bien apuntado. Esta serie es otra que nos tragamos en casa, aunque en ese momento, por edad, aún no había despertado a la vida La pareja protagonista, me refiero a Swayze y a Down, era guapísima y desprendían erotismo a tope. A Down la había visto antes, en algunos capítulos de la ya avanzada serie (maravillosa) Arriba y abajo.

Aquí la tenemos en la magnífica película de Michael Crichton The First Great Train Robbery:

Con apenas 19 añitos, fue elegida para el papel de Georgina en Arriba y abajo. Era para la tercera temporada y continuó hasta la quinta y última. Ya era un bellezón.

Aquí otro rendido admirador de esta bellísima actriz...



Por cierto, en este mismo rincón ya comenté hace un tiempo la película de Crichton.

En la fotografía que ha puesto Alcaudón está bellííísima; un cruce entre Gene Tierney e Yvonne de carlo.
¡Qué gran pareja formaron Connery y Sutherland en la del tren!, ¡otro admirador del film!





Que yo no había puesto ninguna foto, jeje Y no pongo una de Patrick Swayze con ella porque no quiero que Tomaszapa se atragante

Me ha encantado la entrevista a Jean Simmons. Guarda buenos recuerdos de todos sus partenaires masculinos aunque reconoce que con Richard Burton y Cary Grant el ambiente fue enrarecido. Su ídolo, Spencer Tracy, con el que trabajó a comienzos de los '50 hasta tal punto de que llamó a una de sus hijas así, Tracy, en su honor.
Las risas que se echa cuando recuerda su rodaje con Rock Hudson en "This earth is mine" demuestra que mantenía esa lozanía y juventud sin marchitar, y deja claro que Rock Hudson era un tipo muy divertido.

También muy bella y con buena voz para las canciones del musical "A little night music", que por cierto en Londres la protagonizó en teatro Jean Simmons...:



Jovencísima en el clásico Hammer "La condesa drácula":



Una actriz que mereció mejor suerte en la pantalla de la que tuvo...

Tranquilo, ya me atraganto yo!!!

Iniciado por cinefilototal

También muy bella y con buena voz para las canciones del musical "A little night music", que por cierto en Londres la protagonizó en teatro Jean Simmons...:

Se menciona el musical en la entrevista. En los años 70. Por cierto, uno de los dos entrevistadores creo que era el mismísimo hijo de Lauren Bacall y Humphrey bogart por lo que da a entender en un par de momentos de la conversación. Stephen Humphrey Bogart.

Y he encontrado otra entrevista telefónica con otra de nuestras actrices favoritas pocos años antes de su fallecimiento:



ELEANOR. El sonido no es tan nítido como en el de la de Jean Simmons, pero igualmente se hace querer la ya por entonces anciana mujer. La pena es que no aborda toda su carrera sino que se centra sobre todo en sus colaboraciones con Robert Taylor y en "Scaramouche" (donde no se llevó nada bien con Stewart Granger).
No me extraña que actores jóvenes y noveles como Roger Moore o Christopher Plummer se enamoraran en secreto o platónicamente de ella.

https://www.youtube.com/watch?v=1I12C7FlyHo

CUANDO RUGE LA MARABUNTA (1954) de Byron Haskin (y George Pal) es una de mis películas favoritas desde mi más tierna infancia, al igual (creo) que del querido compañero cinefilototal y una cinta que será reseñada más pronto que tarde, en solitario o en colaboración, si el citado amigo se confabula conmigo.

REVISANDO LOS GRANDES MELODRAMAS DE DOUGLAS SIRK (1897-1987) / PARTE VIII

A TIME TO LOVE AND A TIME TO DIE (1958, TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR)



Director: Douglas Sirk.

Producción y distribución: Universal-International Pictures Co., Inc.

Productor: Robert Arthur.

Guion: Orin Jannings, basado en la novela “Zeit zu leben und Zeit zu sterben” de Erich Maria Remarque (Colonia y Berlín, 1954).

Dirección artística: Alexander Golitzen y Alfred Sweeney.

Decorados: Russell A. Gausman.

Fotografía: Russell Metty (en Eastman Color by Pathé y CinemaScope).

Música: Miklós Rózsa.

Montaje: Ted J. Kent.

Reparto: John Gavin (Ernst Graeber), Lilo Pulver (Elizabeth Kruse), Jock Mahoney (Immerman), Don DeFore (Boettcher), Keenan Wynn (Reuter), Erich Maria Remarque (Profesor Pohlmann).

Duración: 2 h 11 m 52 s. (Copia en BD editada en Reino Unido por Eureka! en 2013).

Rodaje: desde el 22 de agosto hasta principios de diciembre de 1957.

Estreno: 4 de julio de 1958, con preestreno en Denver, Colorado, el 24 de junio.

Recaudación: 1.600.000 dólares (Variety, 7 de enero de 1959).

…



Creo que nadie podrá discutir el hecho de que las películas del director germano tienen alguno de los títulos más bellos que nos ha legado el Séptimo Arte…

… SÓLO EL CIELO LO SABE, “SIEMPRE HAY UN MAÑANA”, ESCRITO SOBRE EL VIENTO, ÁNGELES SIN BRILLO o…

… TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR…

Basada en la novela de su compatriota, el gran escritor Erich Maria Remarque (1898-1970) y titulada originalmente “Tiempo para vivir y tiempo para morir” y que Sirk (con el consentimiento del novelista) transmutó acertadamente en “Tiempo para amar y tiempo para morir”…

[Una alteración tan minúscula como fue el añadir una simple vocal a una palabra, en el caso del título original en alemán de la novela (de “Zeit zu leben und Zeit zu sterben” a “Zeit zu lieben und Zeit zu sterben”) o cambiando una vocal por otra (de “A Time to Live and a Time to Die” a “A Time to Love and a Time to Die”), en el caso anglosajón, permitió a Sirk contraponer los dos elementos claves de la película: el amor y la muerte.]



- Primera edición alemana, Kiepenheuer & Witsch, Colonia y Berlín, 1954 -



- Primera edición norteamericana, Harcourt, Brace and Company, Nueva York, 1954 -

… se convirtió en otro de los grandes melodramas de la Historia del Cine y el primero que rodó en su tierra natal después de su marcha a los EUA en los años ‘30.

También sería el último que rodara en CinemaScope, un formato que nunca le convenció pero con el que logró excelentes resultados al contar con directores de fotografía de la talla de (especialmente) Russell Metty, Irving Glassberg o William Daniels.



Como decía antes, ese cambio de “vivir” por “amar” es absolutamente esencial para entender lo que a Sirk le interesaba en realidad de la historia: ese fugaz amor entre dos jóvenes que apenas se conocen pero que en unas pocas semanas vivirán más intensamente que muchas otras personas en toda una vida.



Remarque tuvo una estrecha vinculación con el cine, no sólo a través de las adaptaciones de sus obras a la gran pantalla, con películas del calado de SIN NOVEDAD EN EL FRENTE (1930) de Lewis Milestone (incluidos 2 Oscar – mejor película y mejor director – en 1931), THREE COMRADES (1938) de Frank Borzage o ARCO DE TRIUNFO (1948) de, nuevamente, Lewis Milestone, sino también por haber estado casado desde 1958 hasta su muerte con la bellísima Paulette Goddard (1910-1990).









Aquí además tiene un pequeño pero significativo papel en la película al encarnar al profesor Pohlman quien se esconde entre las ruinas de la misma ciudad de la que es originario nuestro protagonista, el soldado Ernst Graeber (John Gavin).



- Un John Gavin que tomaría el relevo a Rock Hudson en las dos últimas producciones de Sirk y con las que el director alemán daría por finalizada su carrera cinematográfica. -



Una historia que se inicia en el frente soviético durante el invierno de 1944.



Pero antes de comentar brevemente la película me gustaría señalar un par de aspectos de la misma que me parecen fundamentales dado que permiten una lectura circular de la historia.

Por un lado, si en los títulos de crédito iniciales vemos un árbol florecido gracias al calor de las explosiones que han adelantado dicho acontecimiento y que además servirá de vínculo poético con la hermosa (y melancólica) historia de amor entre los dos jóvenes protagonistas, igualmente en los finales aparecerá ese mismo árbol, ya sin flores, como símbolo de ese amor roto por la muerte de Ernst en el frente.





Y por otro, si en tramo inicial que acontece en la U.R.S.S. nuestro protagonista se ve obligado junto a sus compañeros a ejecutar a unos prisioneros, entre ellos una mujer y un anciano, de vuelta al frente tras su permiso de tres semanas, él mismo será la víctima al dejar con vida a los prisioneros que estaban a su cargo, hastiado de tanta muerte sin sentido.





Luego hablaré con más detenimiento de otro de los elementos de puesta en escena de Sirk que forman parte de su DNA: los espejos, los reflejos y las ventanas.

TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR no es tanto una película antibélica o pacifista, que también lo es y en grado superlativo, sino un melodrama que entronca con los grandes títulos del director alemán.

Una historia donde el amor surge entre las ruinas de una ciudad destruida por los bombardeos y que se verá truncada por la muerte de uno de los protagonistas.

No es la primera vez que Sirk elabora una película en la que no existe un final feliz (recordemos “SIEMPRE HAY UN MAÑANA”, HIMNO DE BATALLA, INTERLUDIO DE AMOR o ÁNGELES SIN BRILLO) pero al menos tiene la grandeza de indicarnos el camino a seguir con este hermoso canto a favor del entendimiento entre los pueblos.

El permiso de tres semanas que el soldado Graeber consigue gracias a la intercesión de su oficial, el humanitario capitán Rahe (Dieter Borsche), después de dos años de duros combates en el frente, supondrá para él no sólo regresar a su hogar y donde viven todavía sus padres, sino el conocer a la persona que trastocará esa espiral de violencia en la que se encuentra inmerso y de la que no parece que haya huida posible.



Allí asistiremos a escenas tan (atrozmente) hermosas como el momento en el que la compañía bajo el mando de Rahe se encuentra con el cadáver congelado de uno de sus miembros. Primero vemos esos dedos congelados que parecen los primeros brotes de la todavía lejana primavera y luego el rostro del oficial y de cuyos ojos congelados parecen fluir las lágrimas cuando es expuesto a la luz solar.





Aunque Graeber tiene como principal misión el encontrar a sus padres después de que el edificio en el que vivían haya sido pasto de los incesantes bombardeos de las fuerzas aliadas, el encuentro con la hija del médico de la familia, Elizabeth Kruse (una maravillosa Lilo Pulver), una joven solitaria pero de carácter y cuyo padre ha sido internado en un campo de concentración por sus ideas políticas, volverá del revés ese mundo en blanco y negro en el que se había convertido su vida y verá florecer, como el árbol que mencionaba al principio, el color en su vida.



Curiosamente Sirk siempre tuvo un cuidado extremo en el uso del color en sus películas, usándolos con un sentido dramático muy acusado, pero en este caso predominan los ocres, símbolo de esa Europa en desintegración pero donde también destacan puntuales fogonazos de color, como ese jersey rojo de la protagonista.



Y como antes comentaba, Sirk usará los espejos, las ventanas o los reflejos en el agua para mostrarnos a los personajes cómo son en realidad o cómo les gustaría ser o también para alejarlos del mundo y de las personas que les rodean.















Una historia engañosamente sencilla en la que Sirk potenció los elementos románticos en grado superlativo, una de las señas de identidad de sus mejores melodramas, con unos amantes que intentan combatir la brutalidad de los tiempos que les ha tocado vivir no con las armas, sino con su amor puro y sincero.



Una historia de amor extraordinariamente delicada, con una espléndido trabajo de la pareja protagonista y donde Sirk nos habla de que incluso en el Infierno uno puede tener un atisbo del Cielo.



Y un final que viene a ser un homenaje a la escena final de la mencionada SIN NOVEDAD EN EL FRENTE. Si en ésta el protagonista moría al intentar atrapar una mariposa, aquí Ernst lo hará después de leer la carta en la que su esposa le comunica que pronto va a ser padre.



Como bien dijo el enfant terrible Jean-Luc Godard:

“Nunca he creído tanto en la Alemania en guerra como viendo esta película americana rodada en tiempos de paz”.

Cahiers du cinéma, n.º 94, abril de 1959

Feliz tarde y como decía John Lennon, primero con The Beatles y luego en solitario…

All you need is love, love

Love is all you need

…

All we are saying is

Give peace a chance

Qué maravilla,te lo cojo compi Alcaudón.
Esta es la peli anglosajona sobre la guerra y el amor más TOP del mundo mundial.



Otra
https://www.criterion.com/films/547-...nes-are-flying

Iniciado por Alcaudón

CUANDO RUGE LA MARABUNTA (1954) de Byron Haskin (y George Pal) es una de mis películas favoritas desde mi más tierna infancia, al igual (creo) que del querido compañero cinefilototal y una cinta que será reseñada más pronto que tarde, en solitario o en colaboración, si el citado amigo se confabula conmigo.

Claro que sí, es de mi favoritas desde niño, y cuando tengas los "frentes cerrados" podemos comentarla...

Por cierto, la reseña de "Tiempo de amar, tiempo de morir" te ha quedado maravillosa...ojalá Universal la edite en bluray por aquí. Además la tengo muy olvidada, no la veo desde aquel ciclo a Douglas Sirk que puso la segunda cadena hace muchos años...

Lo que me ha llevado su tiempo son las capturas de pantalla de los espejos y demás dado que tenía que tirar de memoria porque durante los visionados jamás tomo notas puesto que veo las películas en total oscuridad.

Tengo un programa doble para el rincón del 3-D, del que sabéis que soy un gran aficionado y que tenía un tanto olvidado. Ahí es nada, LA MUJER Y EL MONSTRUO (1954) y REVENGE OF THE CREATURE (1955), ambas de Jack Arnold.

Cuando te venga bien hacemos un monográfico de la película de Eleanor Parker y Charlton Heston.

Iniciado por Alcaudón

Cuando te venga bien hacemos un monográfico de la película de Eleanor Parker y Charlton Heston.

Cómo se puso de moda de moda el cine de aventuras exóticas o colonialistas con sus generosas dosis de drama en plantaciones africanas o suramericanas, incluso asiáticas, para plantar cara a la incipiente TV y a provechando la llegada del Technicolor.....La senda de los elefantes, Fuego verde, Las lluvias de Ranchipur, Mogambo... si bien ninguna en mi opinión está a la altura de "Cuando ruge la marabunta", que es curioso, tiene un título tan poético y enfático al mismo tiempo, que uno consigue que pase desapercibido su título original, "The naked jungle", algo genérico (por mucho que la palabra "naked" pudiese considerarse entonces un gancho atractivo y conecte con sus dos protagonistas principales a su manera). Estuvieron inspirados los responsables esta vez a la hora de adaptar el título al castellanoEntre 1952 y 1958 pudo ser la Edad de Oro de este tpio de relatos, si bien se mantuvo en vigencia más adelante. Supongo que "La Reina de África" se podría considerar el detonante de aquella ola; inolvidable film. ¿O retrocedemos un par de años y establecemos como punto de partida "Las minas del Rey Salomón"?

La primera vez que escuché o vi (o esa me daba a entender) Africa, fue en la películas de Tarzán. Esa atmósfera de terrenos inexplorados e inhóspitos, y ese héroe con forma humana, pero que se comportaba como un animal (hasta cierto punto), formó parte de la genética de muchos aficionados al cine durante décadas. Después, en mi caso, pasé a La reina de Africa y Mogambo, pero tan rápidamente que no entendía las tramas, sobre todo en Mogambo (claro, que tampoco la censura clarificaba la cosa )

Iniciado por tomaszapa

La primera vez que escuché o vi (o esa me daba a entender) Africa, fue en la películas de Tarzán.

Lo mismo digo, para mí lo que entonces se llamaba el "África negra" correspondía al universo del Tarzán cinematográfico (o sea, de Johnny Weissmuller, por supuesto, y su mona Cheetah). En concreto, la de Tarzán y su hijo la vi tropecientas veces en el cine de barrio. Era un mundo exótico, lleno de misterio y de peligros, con terribles y belicosas tribus, todas con su hechicero y su cruel reyezuelo, y malignas fieras. Visto hoy en día, te das cuenta que era una visión tremendamente simplista, con una innegable impronta coloniasta y de superioridad del hombre blanco, pero en su día resultaba un mundo fantasioso en el que te gustaba "perderte" durante unas horas, y que luego trasladabas a tus juegos, por ejemplo con los soldaditos de plástico o de goma.

A ver qué tal esta peli...que se ha pasado en Sitges


https://www.elperiodico.com/es/ocio-...celona-8149756

Hay post de Pier Paolo Pasolini ?¿

He visto

The Cat's Meow



En noviembre de 1924, una misteriosa muerte sacudió Hollywood. A bordo de su yate, el magnate William Randolph Hearst con su amante Marion Davies,Charlie Chaplin,Thomas Ince y Louella Parsons entre otros disfrutaban de unos días de evasión. Durante el jolgorio Hearst asesinó por error a Ince...cuyo cumpleaños era el motivo de la reunión, confundiéndolo con Chaplin, ya que estaba convencido de que Marion Davies lo engañaba con él. Nada de esto fue jamás confirmado por ninguno de los presentes, por supuesto, dándose otras versiones menos espectaculares del suceso.

Bogdanovich rueda como podría haberlo hecho otro...no va más allá de lo convencional.Los hechos daban para más y mejor.

Peli simplona que destaca por algunos actores del reparto...otros decididamente no y la estética de los 20 que me chifla.

5.5/10

Lo de Pasolini es porque viendo MAMMA ROMA con mi suegra...va y me dice nena la canción es de JOSELITO




Pues sí que fue conocido JA.

Iniciado por mad dog earle

Lo mismo digo, para mí lo que entonces se llamaba el "África negra" correspondía al universo del Tarzán cinematográfico (o sea, de Johnny Weissmuller, por supuesto, y su mona Cheetah). En concreto, la de Tarzán y su hijo la vi tropecientas veces en el cine de barrio. Era un mundo exótico, lleno de misterio y de peligros, con terribles y belicosas tribus, todas con su hechicero y su cruel reyezuelo, y malignas fieras. Visto hoy en día, te das cuenta que era una visión tremendamente simplista, con una innegable impronta coloniasta y de superioridad del hombre blanco, pero en su día resultaba un mundo fantasioso en el que te gustaba "perderte" durante unas horas, y que luego trasladabas a tus juegos, por ejemplo con los soldaditos de plástico o de goma.

Cierto totalmente. Y lo mejor es que te quedabas embobado, sin preguntarte la veracidad de las imágenes. Entraba uno en la acción rápidamente y sufrías por los personajes. Bueno, por los malos también deseabas que desaparecieran.
Ese maniqueísmo también lo veíamos, sin ningún reparo, en las películas del Oeste. El revisionismo vino bastante después.

Como curiosidad, de las películas de Tarzan viene la expresion dar yuyu (por ejemplo El exorcista da mucho yuyu y cosas así)

En dichas películas los exploradores blancos se iban a adentrar en territorios inexplorados por el hombre blanco y solían llevar guías y porteadores negros de tribus locales amistosas que sí conocían esos territorios, y cuando llegaban a algún lugar que consideraban sagrado al que no se podía acceder por algún tipo de superstición o por ser el territorio de algún depredador dejaban la carga y se iban corriendo al grito de: yuyu,yuyu

Debe ser swahili o algún idioma tribal africano,no se el origen

Anoche revisé The Silence of the Lambs de Jonathan Demme (1991). De esas películas que no he variado un ápice mis impresiones desde que la vi no sé si en el cine o ya directamente en TV pero desde los primeros 90. Desde que la vi alterada (y en este caso destruida debido al descomunal poderío interpretativo de Foster y Hopkins) doblada en los 90 hasta que la vi, ya de verdad, tal y como es.

Pensándolo bien funciona en muchos niveles. No sólo porque, atendiendo a su victoria quintuple en los Oscar, se erige como un hito en todos los ámbitos creativos (guión, dirección, producción) y dramáticos (actores), sino que puede gustar, y gusta, literalmente a todo el mundo: perla para críticos (cumple esas directrices de buen cine), público de género (terror, película repleta de ingredientes para el culto) y público general (Foster, Hopkins, momentos famosos, éxito desde su estreno etc).

Y tampoco es que ese equilibrio de fuerzas esconda la falta de encanto por no destacar enormemente en un solo arte porque, como digo, funciona a saco en todo. Tal vez lo que le de esa capa final de mito es que, a pesar de lo obvio (vamos que afirmas que la Foster aquí no está de escándalo y un comando del SWAT aparece en tu casa en 7 minutos), encima redondea con plenitud de elementos reconocibles de la cultura popular: escenas completas, diálogos, términos, vestuario, momentos...

La crítica que leo, especialmente en épocas recientes, se refiere al concepto de la transexualidad de Billy pero más allá de ello, pues el personaje esencialmente sólo está desarrollado a través de lo que elucubra Lecter, The Silence of the Lambs toca muchas teclas en su completo (que no complejo, ni lo necesita) guión: Clarice como agente (futura, vaya) en un mundo masculino. A veces Demme cae un poco en la falta de sutileza (los polis en la funeraria), otros acierta aunque sea grueso (con Chilton intentando ligarse a Clarice), otras acierta de pleno (la pequeña Clarice en el ascensor rodeada de tipos muy altos) pero jamás cae en el maniqueismo. Ni se menciona el asunto. Tal vez sea la novela, el guión de Ted Tally o la visión de Demme pero el mundo es el que es y Clarice, sin ánimo de luchar más que por lo que le corresponde, lucha contra ello pero sin esperar cambiar el puto mundo.

Maravilloso, sin duda, que el personaje de Clarice no tenga ese novio/esposo, incluso familiar (flashback aparte) que condicione su trama. Entramos de lleno en su personaje POR la trama y no por condicionantes puestos ahí para lograr X objetivo. La definición de Lecter sobre Clarice como redneck que intenta disimular su acento, esa mezcla de ropa cara y barata... No es necesario ser un freak de la geografía estadounidense y de su sociedad pero... Se entiende del todo si se conoce un poco y Foster logra, de forma increíble, clavar lo que sería una Clarice de verdad: de su pueblo sureño al FBI. De la granja a la ciudad. Fijaos en el aeropuerto cuando un tipo la mira ahí a saco: tiene la reacción obvia de rechazo pero a la vez también de aceptar que es lo que le toca (hablo del film, de la época y de como podría verlo todo una Clarice en 1989-1991).

Su relación con Crawford es otro puntal. Hoy en día utilizarían a ese personaje como ejemplo de voracidad masculina sexual y aunque Demme nos ofrece ese extraño plano del encaje de manos final yo me inclino más a pensar que es el trato de igual a igual de Crawford a una brillante agente del FBI y no un mmmm hay tensión, eh. Aunque Lecter suelta lo que suelta antes y no se equivoca ni una sola vez en el film así que...

Pedazo BSO de Howard Shore (! !), foto de Tak Fujimoto y editada que da gusto. Sólo critico el momento de fantasmeo de Chilton (en The Fugitive con el guardia superviviente del bus hablando también con la prensa lo hacían mejor). Lo de Chris Isaak (que se nota que no es actor y eso que tiene apenas 2-3 frases) lo paso porque soy fan de su música

Y por supuesto ESE momento:

Ardelia Mapp:
Is this Lecter's handwriting? "Clarice, doesn't this random scattering of sites seem desperately random - like the elaborations of a bad liar? Ta, Hannibal Lecter."

Clarice Starling:
"Desperately random." What does he mean?

Ardelia Mapp:
Not random at all, maybe. Like there's some pattern here...?

Clarice Starling:
But there is no pattern or the computers would've nailed it. They're even found in random order.

Ardelia Mapp:
Random because of the one girl. The one he weighted down.

Clarice Starling:
Oh, Fredrica Bimmel, from... Belvedere, Ohio. First girl taken, third body found. Why?

Ardelia Mapp:
'Cause she didn't drift. He weighted her down.

Clarice Starling:
What did Lecter say about..."First principles"?

Ardelia Mapp:
Simplicity...

Clarice Starling:
What does this guy do, he "covets". How do we first start to covet?

Ardelia Mapp:
"We covet what we see -"

Clarice Starling:
" - every day."

Ardelia Mapp:
Hot damn, Clarice.

Clarice Starling:
He knew her.

Iniciado por Synch

Pedazo BSO de James Horner, foto de Tak Fujimoto y editada que da gusto. Sólo critico el momento de fantasmeo de Chilton (en The Fugitive con el guardia superviviente del bus hablando también con la prensa lo hacían mejor). Lo de Chris Isaak (que se nota que no es actor y eso que tiene apenas 2-3 frases) lo paso porque soy fan de su música

Donde encontramos este temazo, como diría tomaszapa: