Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS
Durante la segunda guerra mundial, un niño y su hermanita quedan huérfanos durante los ataques a Japón.


La fama de esta película me intimidaba bastante, todos advierten que te deja emocionalmente destruido.
Sucedió que necesitaba algo para desahogarme, quería ver una película que me hiciera llorar, así que decidí que era el momento perfecto para osar verla.

Que me disculpen, pero que gran decepción. Bueno, tan solo por el aspecto técnico y artístico es muy admirable, pero nunca pude conectar con la historia, ni me pareció la gran cosa. Al final no podía creer lo frio que me había dejado, habiendo llegado con toda la predisposición de sufrir.

¿Se enojan si digo que me dieron mas ganas de llorar viendo "Encanto"?

Aguas profundas (2022)............................ 7







Aguas medio profundas



Mi comentario:




Estamos ante la nueva película de Adrian Lyne, el director de Una Proposición Indecente, la cual está basada en una novela de la escritora Patricia Highsmith. No es una maravilla como el film con Demi Moore y Robert Redford, pero se deja ver. Un decente thriller, con sus buenas dosis de erotismo, intriga y drama que no llega a decepcionar, pero antes, eso sí, me quedo con su anterior película titulada Infiel rodada hace ya veinte años (el tiempo pasa volando, de 2002, casi nada) protagonizada por Richard Gere, Diane Lane y Olivier Martínez. Aquí, en Aguas profundas (2022) nos encontramos a un matrimonio que, ya se nos presenta como que, aunque tengan una hija en común, su relación no les va muy bien, hace aguas. Ben Affleck y Ana de Armas interpretan a esa pareja con sus secretos ocultos. Yo, hay momentos, que llego a entender al personaje de Ben, tal y como se comporta su mujer. Oye, puede ser un matrimonio abierto, pero lo que hace el personaje de la esposa delante de su marido, en muchas ocasiones, es de tener la sangre muy fría, de no querer a su propio marido o de estar muy salida. Yo diría que todo lo anterior. Hay veces que tanto suspense, creyendo que ciertas escenas iban a tirar por un camino y luego nada, que el pulso me iba a cien. Las secuencias eróticas bien rodadas, y es que Ana sabe cómo hacerle subir a uno la temperatura corporal con solamente mirarte, esto para empezar. Lo mejor de lo mejor llega durante su tramo final, dónde una tremenda secuencia nos mete la adrenalina en el cuerpo. ¿Merece la pena darle una oportunidad? Hombre, ya dependerá de cada uno, pero yo quería ver qué tal estaba la pareja protagonista. Mi nota final es de 7/10.

Anoche vi The Jacket (John Maybury, 2005), en HBO Max, debido a que hace un par de semanas vi Begin Again (la cual ya vi por tal motivo como ver un clip en una cuenta de Instagram ), y por un lado me acordé que tenía pendiente la 2a temporada de Modern Love, del mismo John Carney, y buscando info de la película vi una imagen de Keira Knightley de este film y me dije...debería verla

Y empiezo por el final: la termino, procedo a puntuarla en FA y veo que ya estaba votada. En 2010. Joder no recordaba NADA. Ni me sonaba. Y eso es raro en mi. En aquel entonces le casqué un duro 4 y ahora lo he subido a 6. Puede que algo tenga que ver haberla visto en aquel entonces, probablemente, doblada y claro... Keira Knightley que es decir algo y seducir a tutiplen y supongo que con María de las Castañas (o quien sea) pues no era lo mismo

De entrada me pareció un film muy disfrutable porque no sabes por donde va a ir la historia, cuanto menos inicialmente, algo absurdo si pienso en que ya la había visto Pero es entretenida, me mola el tema de viajes en el tiempo y similares, así como las tramas de tipos (porque siempre son tipos) perdidos en x lugar o tiempo, con una historia difícil de contar, que nadie les cree (a lo Twelve Monkeys). En este caso además con el enlace entre una breve, pero muy (pero mucho) lograda escena inicial, con Jack y la madre/hija que encuentra en la carretea, y viajando de 1992 a 2007, del psiquiátrico a la libertad, y conociendo a la niña que ahora es adulta y es la Knightley.

Adrien Brody convence pero Knightley aún más como camarera white trash, muy auténtica (pese a que siempre que un inglés pasa al acento yankee hay algo raro ahí...), muy creíble por físico y modales. Algo brutal si pienso en aquella Begin Again donde es una dulce inglesa de pelo recogido y cantautora perdida en NYC.

The Jacket dura lo que debe, va al grano, nunca asciende a algo más notable vía emociones, escenas culminantes o similar pero es ideal como entretenimiento y un aire irreal curioso. Sin embargo la trama, a poco que seas fan de esto, es contradictoria y la prueba son las distintas teorías que hay sobre no ya el final sino sobre lo que ha ocurrido en el film. En muchos momentos se comporta como un loop temporal a lo Terminator: Jack siempre viaja de 1992 a 2007 pues hay info que recibe él en el futuro, lleva al presente, y gracias a esa info todo sale como está en 2007. Por ejemplo el niño al que cura la doctora. Pero esta no parece saber que es el Jack de verdad cuando le ve en 2007 salvo que esté en plan prudente pero no queda claro. Sin embargo la escena con el doctor en 2007 si es puro loop pues le da la info a Jack precisamente porque Jack se la da a él en 1992.

El final es puro Back to the future, es decir, final alternativo, así que ya digo que es una mezcla de loop y de tiempo paralelo.

Luego hay algo que no es malo pero... Si lo piensas.. Y es que Jack conoce a Jackie siendo una niña. El lapso de verla de niña a de adulta, y al final irse a la cama con ella, es de tal vez semanas o pocos meses. Joder.

Y algo que si que no mola aunque en 2005, que me parece aquí al lado, era distinto. Y es que para que quede claro que Jackie (Keira Knightley) ha llevado mala vida, es camarera y es fumadora. Luego la otra, la del final, aunque brevemente, ya vemos que es médico, no parece fumar y en vez de un Blazer (creo) 4x4 lleva un VW Beetle de los modernos. Que no es ya por gustos personales es que le metemos al tópico de las profesiones (que ya: al no morir su madre pudo estudiar etc), vicios (lo del tabaco es acojonante ) y ya lo del coche es fabuloso porque vaya, pocos aficionados al automovil dirán que es un paso adelante pasar de un Blazer a un Beetle (el moderno digo eh, no el clásico).

Me recuerda un poco al final de Breakfast Club cuando deciden arreglar al personaje de Ally Sheedy, que es como un poco emo, convirtiéndola en una princesita chicle rosa en plan que lo de antes estaba mal y lo de ahora es sano El Tea Party patrocina la escena

LAS (NO NECESARIAMENTE) MEJORES ADAPTACIONES A LA GRAN PANTALLA DE “LOS VIAJES EXTRAORDINARIOS” (1863-1905) DE JULES VERNE (1828-1905) / PARTE VI:

FIVE WEEKS IN A BALLOON (1962, CINCO SEMANAS EN GLOBO)



Director: Irwin Allen.

Producción: Cambridge Productions, Inc.

Distribución: Twentieth Century-Fox Film Corp.

Productor: Irwin Allen.

Guion: Charles Bennett, Irwin Allen y Albert Gail, basado en la novela “Cinq Semaines en ballon” (París, 1863).

Fotografía: Winton Hoch, en Color by De Luxe y CinemaScope.

Dirección artística: Jack Martin Smith y Alfred Ybarra.

Decorados: Walter M. Scott, Stuart A. Reiss y Norman Rockett.

Música: Paul Sawtell.

Montaje: George Boemler.

Reparto: Red Buttons (Donald O’Shay), Fabian (Jacques), Barbara Eden (Susan Gale), Cedric Hardwicke (Fergusson), Peter Lorre (Ahmed), Richard Haydn (Sir Henry Vining) y Barbara Luna (Makia).

Rodaje: del 26 de febrero al 18 de abril de 1962.

Duración: 1 h 37 m 23 s.

Estreno: 22 de agosto de 1962.



“Cinco semanas en globo” fue la primera de las 54 novelas que componen la serie “Los Viajes Extraordinarios” del escritor nacido en Nantes Jules Verne (1828-1905).

Publicada directamente en forma en libro el 31 de enero de 1863 la obra narra las aventuras del Dr. Samuel Fergusson, su amigo del alma Richard “Dick” Kennedy y de Joseph “Joe” Wilson, criado del primero.



Unas aventuras que tienen como origen la misión que al citado doctor le encomienda la Real Sociedad Geográfica de Londres y que consiste en cruzar el continente africano en globo de este a oeste, unos 7.000 kilómetros en total, partiendo de la isla de Zanzíbar, en el Índico, para llegar a las costas de Senegal, en el Atlántico.

Como buena novela verneana los personajes femeninos brillan por su ausencia, aunque en la próxima (y última) entrega del presente coleccionable un representante del bello sexo tiene una importancia relativa en la trama.

Me estoy refiriendo, lógicamente, a LOS HIJOS DEL CAPITÁN GRANT (1962) y al personaje de Mary, la hija mayor del citado oficial y encarnado por la pizpireta Hayley Mills.

Recordemos que el padre de la anterior, el gran John Mills, ya había ejercido de progenitor en la anterior cinta de aventuras de la Disney, la simpática LOS ROBINSONES DE LOS MARES DEL SUR (1960), comentada también recientemente en este mismo rincón, aunque bajo un epígrafe distinto al no basarse en una obra de Verne sino del escritor suizo Johann Wyss.

Pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión…

… en concreto y Putin mediante, la semana que viene…

Una cosa de la que rápidamente nos damos cuenta a medida que avanza la revisión es que el grado de fidelidad de las películas a las novelas que toman como base es inversamente proporcional al cuadrado de la distancia.

Si ya en la anterior entrega, la (pese a todo) agradable LA ISLA MISTERIOSA (1961), de Cy Enfield (y, sobre todo, Ray Harryhausen), ya comentaba que la misma era una adaptación libérrima de la magnum opus de Jules Verne, en el caso de la película visionada anoche el estropicio alcanza cotas muy superiores.

No es que CINCO SEMANAS EN GLOBO sea una mala adaptación de la novela homónima.

Es que, simplemente, CINCO SEMANAS EN GLOBO es una mala película.

Punto.

El popular Irwin Allen (1916-1991), que aquí ejerce no sólo de productor sino también de director y de coguionista, convierte un (pequeño) clásico del género de aventuras en una cinta para niños.

Pero para niños tontos.

Y perdonad la expresión.

Allen, que ya había dirigido previamente tres cintas, de las cuales sin duda la más famosa (o al menos la más popular) es VIAJE AL FONDO DEL MAR (1962), por aquello de servir de base a la serie de televisión homónima que, al menos los de mi generación, disfrutamos cuando éramos niños, demuestra su escasa pericia tras las cámaras al ofrecernos un espectáculo de escasos vuelos (y ello a pesar de que los protagonistas viajan en globo) y cuya trama no tiene absolutamente nada que ver con la novela original.



Los tres aeronautas británicos verneanos se convertirán por arte de magia en siete (¡!), incluyendo dos mujeres y un traficante de esclavos (¡¡!!), interpretado por un Peter Lorre en sus horas más bajas...



... y un chimpancé...

Incluso el "Victoria" de la novela se convierte en.. un unicornio volador...



Allen gustaba de usar actores en el ocaso de su carrera, como el citado Lorre o (Sir) Cedric Hardwicke, un habitual del cine de Hitchcock y que aquí encarna al (teórico) protagonista, el doctor Fergusson.



La (imposible) presencia del cantante (¿y actor?) Fabian no fue una ocurrencia de Allen sino que era una tendencia que ya venía desde años atrás, en concreto desde que el gran Howard Hawks utilizó al joven rockero Ricky Nelson para su obra maestra RÍO BRAVO (1959), junto al westerner por excelencia, John Wayne.

Si os acordáis, Pat Boone ya coprotagonizó la todavía digna VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA (1959) y como en el caso de Fabian, nos amenizó con alguna que otra cancioncilla digna de mejor causa.

Uno se pregunta cómo es posible que un joven del siglo XIX lleve un tupé que no se puso de moda hasta los años ‘50 del siglo pasado…



El auténtico protagonista, como decía, no es el doctor Fergusson, sino un personaje inexistente en la novela como es el norteamericano (of course, dada la nacionalidad de la cinta) encarnado por un cargante Red Buttons y que previamente a esta película había intervenido en el clásico ¡HATARI! del mencionado Howard Hawks…



… en un papel igual de cargante, todo hay que decirlo…

Pese a la presencia en el equipo técnico de la película de figuras de prestigio como el guionista Charles Bennett, colaborador habitual del primer Hitchcock (el que va desde LA MUCHACHA DE LONDRES (1929) hasta ENVIADO ESPECIAL (1940)) o del director de fotografía Winton C. Hoch, uno de los favoritos de John Ford (LA LEGIÓN INVENCIBLE (1949), EL HOMBRE TRANQUILO (1952) o CENTAUROS DEL DESIERTO (1956)), la pedestre puesta en escena de Allen anula por completo incluso las posibilidades estéticas de la propuesta.

Si lo que Allen pretendía era repetir la jugada maestra del malogrado Michael Todd y su (muy) exitosa LA VUELTA AL MUNDO EN OCHENTA DÍAS sólo que con un presupuesto mucho (pero mucho) más modesto, la jugada le salió rana.

Ni siquiera el 35mm CinemaScope podía jugar en la misma categoría que el mucho más espectacular 65mm Todd-AO.

Como decía, un despropósito homérico… que diría el personaje de una película mencionada anteriormente…

Quedémonos, eso sí, con la faceta de productor de Irwin Allen y que dio sus mejores frutos en los años ‘70 con dos clásicos del cine de catástrofes como son LA AVENTURA DEL POSEIDÓN (1972) y, especialmente, EL COLOSO EN LLAMAS (1974), la película más antigua que un servidor recuerda haber visto en una sala de cine…

… long, long time ago…

Feliz noche y dulces sueños.

Estoy de acuerdo básicamente con Alcaudón. En mi caso, me pareció un entretenimiento al que le doy el aprobado, y no más. Creo que quisieron hacer algo loco y lo consiguieron, aunque la calidad no abunda, desde luego.
Y respecto al tema de los actores metidos a cantantes, y dejando a un lado los Sinatra, Elvis o Crosby o Dean, de esta hornada de jóvenes de los 50, Fabian, en mi opinión es el peor cantante de todos. No le llega a la altura de los zapatos a Ricky Nelson, que terminó siendo un gran músico y cantante. Es el prototipo de estrella prefabricada.

Yo también soy de la misma opinión, una película flojita pero aceptable, aunque no sea de mis favoritas de Verne.

En cuanto a Fabián, pues no pasará a la historia del cine o de la música, pero los hay peores, sobre todo en la actualidad.

No es que le tenga ojeriza a Fabian pero hace muchos años, antes de conocer su trayectoria, escuché por primera vez su nombre en boca de Paul McCartney. Me explico: a mediados de los 90, sacaron un documental extenso, y también 3 dobles CDs, llamados Antología de los Beatles.
El documental lo pasaron por el plus, y hablando de los comienzos, Paul contaba: "en la época en que comenzamos en las listas de éxito había gente como Fabian o fulanito, a las que no teníamos ningún respeto"

El alemán Max Ophüls es, sin duda, uno de los grandes directores de la historia del cine, pero, a pesar de ello, solo tenemos un conocimiento parcial de su obra. Bien conocida su etapa final en Francia, donde encadenó cuatro películas extraordinarias (La Ronde, Le plaisir, Madame de… y Lola Montes), y también sus cuatro films hollywoodienses (el film de aventuras The Exile, el sensacional melodrama Letter from an Unknown Woman, y dos contribuciones al cine criminal, Caught y The Reckless Moment), en cambio el resto de su filmografía, hasta 1940, repartida entre Alemania, Italia, Holanda y, sobre todo, Francia, es de difícil acceso.

Intento poner un poco de remedio a esa laguna cinéfila comentando cuatro de sus films franceses, vistos en las ediciones de Gaumont: La tendre ennemie, Yoshiwara, Sans lendemain y De Mayerling à Sarajevo, que agrupo en dos programas dobles, hoy uno y la semana que viene el otro.

La tendre ennemie (1936)



Ophüls, que ya contaba con varias películas rodadas en Alemania, Italia y Francia, dirige en esta ocasión la adaptación de la obra teatral “L’ennemie” (1929), del guionista y autor teatral André-Paul Antoine (obra que, según se lee en imdb, Ophüls ya había llevado al escenario en Alemania), con guion del propio Ophüls y del también alemán Curt Alexander.

Se trata de una deliciosa comedia de carácter fantástico: durante los esponsales de Line (Jacqueline Daix), que se prepara para un matrimonio quizá de conveniencia, pero en todo caso que no responde a sus deseos (está enamorada de un aviador que protagoniza diversas acrobacias aéreas en el cielo), hacen acto de aparición tres fantasmas: el de su padre, M. Dupont (Georges Vitray), infeliz marido de Annette Dupont (Simone Berriau), muerto durante un baile desenfrenado (que recuerda Le plaisir) cuando se había separado de su esposa (o, más bien, había sido abandonado por ella); el del amante de Annette, Rodrigo, un domador de tigres al que conoció en el Cirque Medrano, y que muere en pleno espectáculo circense atacado por un felino; y el de su prometido antes del matrimonio, que a consecuencia de ser rechazado por la familia, se suicidó de un disparo (fuera de campo, claro está, como la elegancia de Ophüls exige).



Los tres fantasmas se hacen confidencias durante la fiesta y, de paso, obstaculizan los esponsales, lo que dan alas a Line para que decida huir de casa y unirse a su amado aviador.

Es curioso como el género de comedia o drama con toques fantásticos tuvo tanto predicamento en el cine de los años 30 y 40 (¿influencia de las guerras y la inestabilidad política y económica de la época?), constituyendo casi un género en sí mismo. Ophüls ya da aquí claros ejemplos de su estilo, que años después lo llevaría a alcanzar logros excepcionales con sus películas francesas de los 50.

Yoshiwara (1937)



Yoshiwara es una curiosa amalgama: ambientada en Japón, en 1860, nos narra un drama que nos puede recordar el de “Madame Butterfly”, el de una geisha (o prostituta, en este caso no queda muy clara la diferencia) del barrio de Yoshiwara, enamorada de un marino ruso destacado en Tokyo por un asunto de espionaje. A pesar de que los protagonistas son rusos o japoneses todos hablan en francés (se cuenta que los actores japoneses decían sus diálogos sin conocer la lengua), lo cual, unido a la ambientación a base de decorados, le da al film un aire teatral y un tanto extraño. Pero eso no es óbice para que Ophüls muestre de manera todavía más acentuada que en el film anterior detalles del estilo que lo convertiría en un maestro del cine.

En este caso, Ophüls parte de una novela del francés Maurice Dekobra. Nos cuenta las desventuras de Kohana (Michiko Tanaka), que, a la muerte de su padre arruinado (¿mediante el harakiri?) se vende ella misma a una casa de té para para poder sufragar los gastos de la casa familiar y mantener a su hermano pequeño. Completan el triángulo amoroso Ysamo (Sessue Hayakawa), un coolie (conductor de rickshaw) enamorado de ella en secreto, y Serge Polenoff (Pierre Richard-Willm), teniente de la marina zarista.



Ysamo venderá información a la policía imperial japonesa de las actividades de Polenoff, para salvarse de una acusación de robo (ha robado dinero para intentar liberar a Kohana de su encierro en la casa de geishas). Pero Kohana y Serge se prometen en matrimonio dentro de un templo ruso, llevando ese vínculo hasta la muerte.

Si bien el argumento nos puede parecer un melodrama un tanto trillado, en el que se juega con el contraste habitual entre el mundo occidental (en este caso, ¡qué ironía!, la Rusia zarista) y el “exótico” Japón (en la línea de lo que ya comentamos en la languiana Hara Kiri, dentro del hilo dedicado al maestro vienés), Ophüls va mucho más allá de lo meramente argumental para construir un magnífico film, visualmente muy bien trabajado, con algunos de los elegantes movimientos de cámara que, con el tiempo, se convertirían en señal reconocible de su cine. Incluso introduce el recurso de los fondos para ilustrar unos viajes imaginarios, que recuerdan la atracción de feria de Letter from an Unknown Woman, con la diferencia que aquí los fondos son proyecciones mentales de los protagonistas (Serge y Kohana).



Como punto débil, el protagonista, Richard-Willm, me parece un tanto envarado y soso, además de la extraña manera de hablar de Tanaka y Hayakawa, aunque en este caso quizá esto no perjudica su interpretación, puede que incluso le confiera un carácter más exótico, adecuado a la historia que se nos cuenta.

En todo caso, dos films muy recomendables. De La tendre ennemie creo que solo hay una copia en DVD no restaurada, de calidad bastante deficiente. En cambio, de Yoshiwara disponemos de una excelente copia restaurada en BD, editada también por Gaumont. Eso sí, ambas solo disponen de subtítulos en francés.

Gracias a tus (espléndidos) comentarios, amigo Roy, nos estamos ahorrando una revisión a fondo del cineasta.

Y que conste que yo, a menos, quiero hincarle el diente a sus etapas norteamericana y francesa.

El proyecto Adam (2022)........................... 10











Este film ha sido, es y será cine en mayúsculas.




Mi comentario:


Tras la sobresaliente Free Guy (2021), el director Shawn Levy y el actor Ryan Reynolds han vuelto a colaborar juntos en otro sobresaliente proyecto. No es un film perfecto, lo sé, algunos efectos visuales cantan un pelín (podemos ponerle nombre, deepfakes), pero ha conseguido lo mismo que Free Guy hizo (y sigue haciendo, cada vez que la veo) en su día cuando la pude ver en una sala de cine, y es hacerme disfrutar como un niño pequeño. Ryan Reynolds es grande, y cuando tiene un buen proyecto entre manos, como es el caso que ahora nos ocupa, la cosa va viento en popa. Aunque, esta vez sea para Netflix, da igual, han vuelto a dar en el clavo. Es una película de ciencia ficción, sobre viajes en el tiempo, sobre la amistad, sobre la familia, la añoranza de unos tiempos mejores, de querer cambiarlo todo para mejor. Desde el minuto uno, desde su primera escena ya consigue hacerte suya. Reynolds se mete en la piel de Adam, el hombre vive en el futurista año 2050, pero va a viajar en el tiempo hacia el pasado, para salvar a su mujer e impedir perderla para siempre. Por el camino, cambia el rumbo de su destino y va a parar al año 2022 dónde se topará con su yo de 12 años. A partir de aquí, empezará la aventura.


El actor, sin duda, se siente bien acompañado por unos buenos compañeros de reparto como son Zoe Saldaña (interpreta a su mujer), Jennifer Garner y Mark Ruffalo (encarnan a sus padres, y es que me los creo como pareja), Catherine Keener (digamos que es la antagonista de la función) y Walker Scobell, como el Adam joven, el cual interactúa muy bien con Ryan. El guión es muy sólido y bebe de muchos films de ciencia ficción, viajes en el tiempo y del cine de fantasía de los años ochenta y noventa. No hay más que ver la primera vez que se nos presenta al Adam joven y a su madre, es puro cine de Spielberg, mencionar a ET: El Extraterrestre, por ejemplo. Viendo el largometraje también me han venido a la mente las de "Starman, el hombre de las estrellas" (John Carpenter, 1984) con Jeff Bridges y "Timecop, policía en el tiempo" (Peter Hyams, 1994) con Jean-Claude Van Damme, entre otras. Algo más de cien minutos de puro entretenimiento, el metraje se pasa volando. Hay acción, aventuras, toques de humor y drama. Es uno de estos films que cuando uno ha terminado de verlo le aparece una gran sonrisa de oreja a oreja. Un disfrute visual de primer orden. La partitura musical de Rob Simonsen también ayuda a amenizar lo que uno está visionando en pantalla, junto con algunas estupendas canciones tales como "Gimme Some Lovin" de The Spencer Davis Group o "Let My Love Open the Door" de Pete Townshend. Para mí, esto ha sido, es y será cine en mayúsculas. El proyecto Adam (2022) es una cinta muy a tener en cuenta. Os la recomiendo encarecidamente. Mi nota final es de 10.

Anoche vi Sing Street, de John Carney, debido a que Begin Again me gustó lo suyo y a que dado que Modern Love (serie que ha creado a partir de relatos cortos basados en historias reales) también me va así que...

Creo que me ha parecido mejor film que aquella aunque me ha tocado algo menos. Tal vez sea por la trama adolescente pero igualmente se da de nuevo esa conjunción musical y emotiva de Carney. Genial también todo el tono irlandés, desde los paisajes/ciudad, hasta los acentos.

Destaco como de plausible es que un tipo así monte un grupo sólo por el farol que se ha marcado al ver a una chica como esa (yo también montaría un grupo, eh, no tanto ella sino el tipo de chica que Carney quiere mostrarnos) (la actriz , Lucy Boynton, protagoniza el 2x03 de Modern Love) mola ver al grupo creciendo por fases de imitación según el grupo al que siguen (Duran Duran, The Cure...). Como fan de U2 y siendo esto Irlanda a mediados de los 80 no sólo creo que capta bien el momento depre del país en ese momento (la Irlanda de los 90 ya cambió a mejor) sino que se parece un poco a la historia de los citados: Bono empezó a ser cantante y tener el grupo para hacer algo en la vida, ambos guitarras hasta se parecen, y las fotos y demás de sus años en Dublín (76-80; siguen viviendo ahí, parcialmente, pero desde 1980 empezaron las giras y tal), se parecen a lo que se ve en la película.

Las canciones molan lo suyo, sobre todo Drive It Like You Stole It, que además se lleva de largo el mejor momento cuando Conor se imagina todo el número musical a lo Back To The Future.

Y al igual que en Begin Again, Carney rehuye de un final convencional. Si en aquella no ocurría lo que parecía, en esta te dejan con la pareja yendo a la Londres de 1985-1986 (ya cercana a su implosión como ciudad pijo cosmo urbano y demases que es desde los 90-00) sin que sepamos que tal les fue.

La abuela

https://www.diariodevenusville.com/w...A-poster-1.jpg
Paco Plaza con guion de Carlos Vermut pone el ojo en la familia como la peor pesadilla.
Coproducción entre España y Francia, historia que reflexiona acerca de la vejez, del miedo a perder juventud y belleza y la responsabilidad que tenemos con nuestros mayores.

Protagonizada por Vera Valdez y Almudena Amor,cuenta la historia de Susana,una chica que dejó Madrid para irse a París a trabajar como modelo. Pero ahora tiene que dejar esa vida y regresar al hogar a cuidar a su abuela.
Ésta acaba de sufrir un derrame cerebral y Susana se ve en la obligación de volver a cuidarla. En su infancia, cuando sus padres murieron en un accidente, fue esta mujer, la abuela, la que la crio y se ocupó de ella,dándole cariño, un hogar y un futuro en su vida. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días,acabarán en un delirio.Plagada de matices,un aquelarre con reminiscencias a pelis pasadas y algunas más contemporaneas.


Vejez satanizada en una sociedad en que el paso del tiempo es inevitable...
A mí sin parecerme la panacea me ha gustado el COMO sabiendo el QUE de bastante desde el inicio.Tendría que haberla dirigido Vermut,los fans de Plaza no esperaban esta peli para nada.Abstenerse los fans del terror de sustos.

7/10

Me apunto esta La abuela, hannaben. Las dos últimas de Paco Plaza me han gustado mucho: Quien a hierro mata y Verónica. Aunque creo que tengo toda su filmografía. Que el guión lo firme Vermut aún me motiva más.
Por cierto, iré abriendo boca con el trailer de La Abuela que se llevó el Feroz este año al mejor trailer, claro.

La abuela (2021)............................. 7


Hacerse mayor no le hace ilusión a nadie










Mi comentario:

El nuevo film de Paco Plaza, realizador de la más que notable "Verónica" (2017) con Sandra Escacena y "Quien a hierro mata" (2019) con Luis Tosar, se titula La abuela (2021) y vuelve al terreno del suspense y terror que tan a gusto se siente de rodar. Tiene ecos de su Verónica y de Rec (el edificio dónde se desarrolla la trama me lo recuerda, aunque todo ocurra en Madrid), pero no veo que se mantenga a la misma altura que áquellas. No me malinterpretéis, no es un largometraje malo, pero tampoco es lo que yo me esperaba, al fin y al cabo, a tenor de sus tráilers. No llegué a verla en el cine, por motivos que no vienen al caso en este momento, pero hoy he podido echarle un vistazo en casa y con tranquilidad. El reparto principal está formado mayormente por mujeres, tales como Almudena Amor (en la piel de una guapa modelo llamada Susana), Vera Valdez (la abuela que hace referencia el título del film) y Karina Kolokolchykova (he tenido que hacer un copia y pega para escribirlo aquí, interpreta a una vecina y amiga de la abuela que viene a ayudar de tanto en tanto, y que tiene algún que otro secreto oculto).

La trama va de una guapa modelo llamada Susana que, desde hace años vive en Paris, pero que de la noche a la mañana tiene que dar un giro en su vida para cuidar a su abuela que, viviendo en Madrid, acaba de sufrir un derrame cerebral. Lo que, en principio, podría ser un trabajo fácil y pasajero, acaba por convertirse en una pesadilla para ella. Llegar a hacerse mayor es ley de vida, aunque no le guste a nadie, y aquí el guión escrito por Carlos Vermut (basado en una idea del propio director Paco Plaza) se hace eco de ello. Plaza, gracias al buen hacer del reparto, la partitura musical compuesta por Fatima Al Qadiri, ese juego de luces y sombras con la fotografía de Daniel Fernández Abelló, consigue causarte más suspense y tensión del que hubieras deseado durante sus cien minutos de metraje. Bueno, a ver, no todo es suspense, porque el principio de la cinta no es que me haya llamado mucho, es cuando la acción se instala en Madrid, y sobretodo en el piso de la abuela, cuando el ambiente empieza a caldearse.

Como he dicho más arriba, en mi opinión (claro está, eso es indudable), no la veo que esté a la altura de "Verónica", por ejemplo, ni tiene el mismo empaque visual, pero bien que se merece su visionado. Faltaría más. Haría mención además que otra cinta española, con mucho menos presupuesto y menos marketing, titulada La pasajera (2021) dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez me terminó de llenar más que la que ahora nos ocupa y, seguro que mucha gente ni ha oído hablar ni ha podido ver. Mi nota final es de 7/10.

Iniciado por tomaszapa

Muchos de esos secretos, se fueron con ellos y quienes lo sabían a la tumba. Pero estoy seguro de que, con el poder tan inmenso que tenían en la época en que los actores y actrices estaban a sueldo del Estudio, abusos hubo y muchos.
Hoy en día hay altavoces que se hacen eco de muchas denuncias. Pero entonces, la sartén por el mango la tenían enteramente estos mandamases. Y es más, tenían un ejército de empleados para ocultar todo.

Hace poco en El País leí la historia que se excondía tras las paredes de la masión Playboy y su "magnate" Hugh Heffner. Seguramente era un secreto de esos a voces, de los que corrían rumores, pero el Heffner era una alimaña de mucho cuidado llegando a tener elementos de chantaje contra personajes de la vida social y política norteamericana. En resumen, se trata de una de estas historias de las que se puede sospechar con lógoca algo a miles de kilómetros hasta que al final se revela todo y es peor de lo esperado, una vez más, en su inmundicie. Vamos, que eso explica por qué el gigoló mantuvo su estilo de vida hasta el final.

Iniciado por Alcaudón

A mi madre le dio una especie de trombosis y perdió la visión del ojo izquierdo.

Lo que no deja de ser curioso es que uno de los dos directores que más (y mejor) usaron el 3-D fue André De Toth... que era tuerto...

Dejo en el aire la cuestión de quién era ese segundo director...



Ah, y De Toth estuvo casado con la diminuta Veronica Lake, la pareja ideal del también chiquito Alan Ladd, que como bien sabéis protagonizó uno de mis westerns favoritos...

De De Toth voy a ver próximamente un western que tiene muy buena pinta y que pudo ser su última gran película: "El día de los forajidos" (1959), rodada en blanco y negro (curioso porque los westerns de la época ya eran en rutilante color salvo "Liberty Valance" y pocos más) y que me evoca poderosamente al mejor Anthony Mann (dos de su intérpretes, Robert Ryan y Tina Louise, además venían de rodar con él) tanto en la descripción de sus personajes y su atracción por la violencia como en los parajes nevados por los que trancurre todo el relato. Miras fotografías y casi parece más un film italiano de la época ambientado durante la epoca de Mussolini o el tercer Reich.
El reparto lo completa Burl Ives, recientemente salido de sus apoteósicos éxitos en "Horizontes de grandeza" y "La gata sobre el tejado de zinc". Ya os diré.







También me evoca al cine de William A. Wellman, "Cielo amarillo" muy presente", un título muy marcado por ese paisaje tan cargado de tensión y claustrofóbico, también rodado una década nates en blanco y negro.

Iniciado por Wembley_86

Curiosamente todas en blanco y negro. En Niágara tengo la impresión de que la paleta de colores representa por sí misma su propio papel protagonista: donde se puedan incluir un amarillo chillón o un rosa fucsia, en lugar de otra cosa más plana, ahí se meten.

Aprovechando todas las posibilidades que ofrecía el Technicolor, de manera totalmente premeditada. Y todo además iluminado de manera profusa. Quizá para que, cuando se arroje alguna sombra, pueda sobreentenderse que se está infiriendo algún significado velado. O bien para añadir cierta profundidad y diferenciación al tono de la película, en función de lo que pida la escena.

Sí, el uso de una gran saturación de color en este caso me lleva a pensar en Michael Powell y su "Narciso negro" como sucede en "Niagara".

Iniciado por Alcaudón

REVISANDO CLÁSICOS: EL (MAL LLAMADO) CINE DE PROPAGANDA POLÍTICA:

THE NORTH STAR (1943)



Director: Lewis Milestone.

Producción: Samuel Goldwyn Productions, Inc. (Copyright 1943 by Crescent Productions, Inc.).

Distribución: RKO Radio Pictures, Inc.

Productor: Samuel Goldwyn.

Productor adjunto: William Cameron Menzies.

Historia original y guion: Lillian Hellman.

Fotografía: James Wong Howe, en blanco y negro (1.37:1).

Dirección artística: Perry Ferguson y McClure Capps.

Decorados: Howard Bristol.

Música: Aaron Copland.

Montaje: Daniel Mandell.

Reparto: Anne Baxter (Marina), Dana Andrews (Kolya), Walter Huston (Dr. Kurin), Walter Brennan (Karp), Ann Harding (Sophia), Jane Withers (Clavdia), Farley Granger (Damian) y Erich von Stroheim (Dr. von Harden).

Uno de los escasos amigos íntimos de Dana Andrews dentro de la industria del cine fue el propio Lewis Milestone (otro fue Jacques Tourneur), a quién apodaba "Millie" y que llegó a visitar al actor en su hogar en ocasiones. Antes de que Preminger llegara, Dana ya había cogido carrerilla al estrellato - aunque la idea no le entusiasmara pues era un hombre familiar y poco dado al famoseo - gracias a "Incidente en Ox-Bow" y a sus films con Milestone: ésta y....

Iniciado por tomaszapa

Como dije en otro hilo, y como bien cuenta en su estupenda review Alcaudón, quién nos iba a decir que íbamos a entrar, casi en modo bucle, en una máquina del tiempo que retrocede al preámbulo de la 2ª Guerra Mundial. A veces tengo dudas de si avanzamos o retrocedemos.

La respuesta, la dio el añorado y genial Forges en su última viñeta, hecha muy poco antes de fallecer:

Iniciado por Splash

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS
Durante la segunda guerra mundial, un niño y su hermanita quedan huérfanos durante los ataques a Japón.


La fama de esta película me intimidaba bastante, todos advierten que te deja emocionalmente destruido.
Sucedió que necesitaba algo para desahogarme, quería ver una película que me hiciera llorar, así que decidí que era el momento perfecto para osar verla.

Que me disculpen, pero que gran decepción. Bueno, tan solo por el aspecto técnico y artístico es muy admirable, pero nunca pude conectar con la historia, ni me pareció la gran cosa. Al final no podía creer lo frio que me había dejado, habiendo llegado con toda la predisposición de sufrir.

¿Se enojan si digo que me dieron mas ganas de llorar viendo "Encanto"?

A mí me deja un nudo en la garganta. Es algo indescriptible lo que tengo con este film.

Ayer me topé con este artículo sobrecogedor:

Hollywood's Transition Away from Physical Media Means Thousands of Movies Go Missing

It's nice to have movies at the click of a button, but lots of movies have no digital imprint and are lost now. One of the things I was most wrong about was the idea that with digital libraries, every studio would transition their films over so audiences could have immediate access, and their catalogs for streamers would be more vast. But that actually hasn't happened. Older and even newer but less popular movies have fallen by the wayside. In some cases, we're losing the ability to ever watch them again, as they get buried or just lost through time.

And these aren't titles you're never heard of either! The original Elaine May The Heartbreak Kid, Mary Harron's I Shot Andy Warhol, and Julie Taymour's Titus are among those titles.

Now, an advocacy group called Missing Movies is assembling a list of all the titles that are being swept away. They're determined to preserve them and make sure they're not lost forever.

They have a manifesto on their website, which reads, "Movie audiences are being told that streaming has made the entire history of cinema available for a simple subscription fee—or at least a couple of dozen subscription fees. This is not true. As an ad hoc group of film lovers and professionals, we have come together to create Missing Movies to empower filmmakers, distributors, archivists, and others to locate lost materials, clear rights, and advocate for policies and laws to make the full range of our cinema history available to all."

So how big is this problem? Well, in 2017, film archivists at Martin Scorsese’s The Film Foundation said that basically half of all American films made before 1950 are lost, and none of the major distributors are looking for them. Even worse, they said that more than 90% of films made before 1929 are lost forever.

“The popular conception among film fans is that 70-80% of silent films are missing, and that’s true,” Dennis Doros of the Missing Movies group told The Guardian. “I would say that with the digital tsunami that’s coming, that could be just as viable a percentage of total films unavailable in the world.”

Iniciado por Otto+

De De Toth voy a ver próximamente un western que tiene muy buena pinta y que pudo ser su última gran película: "El día de los forajidos" (1959), rodada en blanco y negro (curioso porque los westerns de la época ya eran en rutilante color salvo "Liberty Valance" y pocos más) y que me evoca poderosamente al mejor Anthony Mann (dos de su intérpretes, Robert Ryan y Tina Louise, además venían de rodar con él) tanto en la descripción de sus personajes y su atracción por la violencia como en los parajes nevados por los que trancurre todo el relato. Miras fotografías y casi parece más un film italiano de la época ambientado durante la epoca de Mussolini o el tercer Reich.
El reparto lo completa Burl Ives, recientemente salido de sus apoteósicos éxitos en "Horizontes de grandeza" y "La gata sobre el tejado de zinc". Ya os diré.







También me evoca al cine de William A. Wellman, "Cielo amarillo" muy presente", un título muy marcado por ese paisaje tan cargado de tensión y claustrofóbico, también rodado una década nates en blanco y negro.

Un excelente western de De Toth, tal vez el mejor.

Curiosamente el primero y el último de sus westerns los rodó en blanco y negro, LA MUJER DE FUEGO (1947) y el que tú mencionas.

Ambos, por cierto, los comenté tiempo ha en este mismo rincón.

Y bienvenido de nuevo a bordo.

Iniciado por Otto+

Ayer me topé con este artículo sobrecogedor:

Hollywood's Transition Away from Physical Media Means Thousands of Movies Go Missing

It's nice to have movies at the click of a button, but lots of movies have no digital imprint and are lost now. One of the things I was most wrong about was the idea that with digital libraries, every studio would transition their films over so audiences could have immediate access, and their catalogs for streamers would be more vast. But that actually hasn't happened. Older and even newer but less popular movies have fallen by the wayside. In some cases, we're losing the ability to ever watch them again, as they get buried or just lost through time.

And these aren't titles you're never heard of either! The original Elaine May The Heartbreak Kid, Mary Harron's I Shot Andy Warhol, and Julie Taymour's Titus are among those titles.

Now, an advocacy group called Missing Movies is assembling a list of all the titles that are being swept away. They're determined to preserve them and make sure they're not lost forever.

They have a manifesto on their website, which reads, "Movie audiences are being told that streaming has made the entire history of cinema available for a simple subscription fee—or at least a couple of dozen subscription fees. This is not true. As an ad hoc group of film lovers and professionals, we have come together to create Missing Movies to empower filmmakers, distributors, archivists, and others to locate lost materials, clear rights, and advocate for policies and laws to make the full range of our cinema history available to all."

So how big is this problem? Well, in 2017, film archivists at Martin Scorsese’s The Film Foundation said that basically half of all American films made before 1950 are lost, and none of the major distributors are looking for them. Even worse, they said that more than 90% of films made before 1929 are lost forever.

“The popular conception among film fans is that 70-80% of silent films are missing, and that’s true,” Dennis Doros of the Missing Movies group told The Guardian. “I would say that with the digital tsunami that’s coming, that could be just as viable a percentage of total films unavailable in the world.”

Como para ponerse a llorar.

Esas citas, Alcaudón... ¡Qué está dos posts arriba!

Eso me pasa por usar el móvil y no el portátil...