Tema: Las últimas pelis que has visto en casa

WE ARE MARSHALL
Tras perder a sus jugadores en un terrible accidente, un par de entrenadores se dan a la difícil y polémica tarea de reconstruir el equipo de football escolar. Basado en una historia real.

Logró captar mi interés. McConaughey está en su elemento en estos papeles de lider carsimatico. Aunque se me hace extraño ver una película deportiva donde todo el peso recae en los entrenadores mientras que los jugadores son poco más que extras de fondo.

Navidad de golpe (2022).............................. 6













Mi comentario:


Aunque no sea de la productora Hallmark, se puede encontrar en el canal (de Streaming) netflix y es que parece elaborada partiendo del mismo patrón. Estamos ante una película romántica y navideña con la Lindsay Lohan actuando y siendo una de las productoras ejecutivas. Es tópico y predecible, pero si no se tiene ningún plan ni sabes lo qué hacer, le puedes dar una oportunidad a este film. Si estás curado de espantos con esta clase de largometrajes, yo creo que daño no te va a hacer. En caso contrario, si tienes alergia a estos géneros (el romántico y/o el navideño) sigue recto y no mires atrás. En mi caso, yo estoy dentro del primer grupo, me gusta verlas, normalmente no me decepcionan y me hacen pasar un buen rato. Mi nota final es de 6/10.

Watcher

https://pics.filmaffinity.com/watche...1424-large.jpg

Peli que pone el ojo en la impotencia para protegerse cuando nadie escucha tus temores de estar siendo acosada, Okuno quiere crear,y le viene grande... tension, para que la respuesta al misterio de lo que sucede resulte ambigua y debatible.

Desafortunadamente su metraje excesivo, pistas falsas y clichés chocan con la inquietud acertada de M Monroe. “Watcher” se ve y aprecia de la mano de Julia sabiendo muy bien que cuando no te creen, la única persona en la que puedes confiar eres tú mismo.
Daba para más y mejor.

6.2/10

Vista La historia oficial (Luís Puenzo, 1985), la cual me recomendó Branagh/Doyle hace unos días dando la casualidad de que ando en un ciclo de ver películas españolas, argentinas e italianas en Filmin y que justo estaba ahí.

Me ha parecido muy buena. Un peliculón. El despertar, jodidísimo, de Alicia: una puritana y conservadora profesora de historia (instituto) cuando empieza a sospechar de donde puede proceder su hija adopatada, Gaby. Un despertar que va en paralelo al de conocer, verdaderamente, a su marido y el estado político y social de Argentina. Ambientada en las postrimerías de la última dictadura político-militar del país y, lo más sorprendente, iniciando su rodaje cuando aún estaba presente (terminí en diciembre de 1983).

Destaco esa divertida escena en clase con el profesor, digamos, poco amigo del régimen. Que con apenas pocas escenas te quedas con muchos de los chicos de la clase. Que te quedas con Ana (tremenda Chunchuna Villafañe) y con Nata que da vida a una de las abuelas de la Plaza de Mayo (Maria Luisa Robledo)

Norma Aleandro se marca un papelón que impulsa incluso un breve cambio físico (ese cambio de peinado, de recogido puritana conservadora al pelo suelto y esa reunión en el bar con el profesor) hasta caer, sin remedio, con la realidad de la procedencia de Gaby. Destaco además varios momentos dramáticos de excelso trabajo de dirección e interpretación: Ana contándole a Alicia cuando fue raptada y reservada para el placer sexual de uno de sus captores; el padre de Roberto y Enrique llorando con una discusión con el primero; el momentazo de la abuela de la Plaza de Mayo argumentando que Gaby podría ser su nieta; y finalmente el momento en que Alicia también se rompe frente a su marido.

Un final jodido con el ataque físico, muy crudo, de Roberto a Alicia, esta abrazándolo poco después y acto seguido largándose de casa. Roberto, triunfador por cómplice del régimen, acaba de perder su poder, su hija y su esposa.

La niña que interpreta a Gaby es una monada.

Tremendo film.

Me alegro mucho de que te haya gustado. Efectivamente, tremendo film.

Synch, ahí va otra recomendación, en este caso procedente de Suecia: Sonrisas de una noche de verano (1955), una comedia de Ingmar Bergman. En Filmin tienen disponible la versión restaurada en HD.

Se llevó el galardón especial internacional en el festival de Cannes de 1956.


También incluida en la lista de las 40 películas favoritas de Sondheim, este film gustó tanto al compositor y letrista que le pidió permiso -carta mediante- al director sueco para adaptarlo al teatro musical, y para poder utilizar los personajes y la historia. Bergman accedió, y el resultado fue A Little Night Music (1973), una maravilla que arrasó en los premios Tony de su año. Bergman asistió al estreno del musical y quedó muy complacido.


Con lo cual aquí tenemos el caso poco frecuente de una obra maestra en un medio (el cine), que da lugar a una obra maestra en otro medio completamente distinto (el teatro musical).





PD: La película NO es un musical, aclaro.

PD2: Woody Allen, íntimo amigo de Sondheim y gran admirador de Bergman, homenajeó tanto la película de Bergman como el musical de Sondheim en su película A Midsummer Night's Sex Comedy (1982).


¡Toma ya!.

Me extiendo un poco más, Synch.

La peli de Allen readapta la misma historia bajo un contexto espacio temporal diferente y con personajes originales, que tienen claros paralelismos/simetrías con los del film de Bergman. Su guión original establece múltiples guiños y referencias a secuencias del film de Bergman (del que se desvía cuando considera, por supuesto) y a escenas del musical de Sondheim, de cuyo libreto toma algunos elementos.


Esta cinta es considerada menor en la carrera de Allen, pero a mi me gusta mucho. Contiene mi línea de diálogo favorita de toda la filmografía de Allen: El sexo relaja tensiones, el amor las crea.

Anoche vi otra argentina (película digo) (pero ojalá eh, ese acento es...) (se me está yendo esto) en Filmin: El mismo amor, la misma lluvia (Juan José Campanella, 1999)

Otro acierto al verla (aunque filtro por mejor valoradas pero eso puede ser un poco... Que no siempre coincidimos, vaya). Ambientada en el transcurso de los años 80, y hasta primeros 90, en Buenos Aires. La primera parte es la misma época que en La historia oficial: dictadura cívico-militar. Un escritor de pequeños cuentos en un periódico conoce a una camarera con la que pronto inicia una relación. Esta se rompe y vamos viendo como se van reencontrando en 1985, 1987, los 90, al tiempo que vemos los cambios en Argentina.

Destaco todo el componente humano, cercano (que putada si esto ha sido doblado al inglés o algo), de las interpretaciones de Ricardo Darín, Soledad Villamil, Eduardo Blanco y todo el casting. Ya no es tanto un tema de guión, siquiera de diálogos, sino como de dirección a actores se transmiten las emociones. Hay un realismo muy a flor de piel que me tira mucho. Está todo dialogado pero de un modo muy natural. Un dramatismo creíble que me va mucho (y no aquel efectista tan.. hortera).

El final es realmente bonito, abierto, en un film sobre errores y en el que el asunto político y social sobrevuela muy, muy cerca, pero no se impone a la historia de Jorge (es más la suya que la de él y Laura).

Viendo la wiki me di cuenta que Campanella es uno de los directores de la excelente serie Halt and Catch Fire. Ahora entiendo ese torrente de emociones de esta película (en series soy más de showrunner si este/os dirigen pero sino hay que prestar atención a quien dirige y ahora entiendo más lo de Halt.. Que está en Filmin también)

Ah, Campanella. Muchos lo califican de ñoño, pero a mí me encanta. Si no la has visto, Luna de Avellaneda, también con Darín de prota (y Blanco, y... ¡Jose Luis Lopez Vazquez!), es una pequeña delicia.


PD: En 2009 repitió con Darín y Villamil con el secreto de sus ojos y se llevó el oscar a mejor película extranjera.

PD2: Cuando te vayas a poner (supongo que dentro de nada) con Pacific Overtures avisame, para estar pendiente y conectarme.

Navidad contigo (2022)......................... 7













Una buena Navidad contigo






Mi comentario:

Aimee Garcia y Freddie Prinze Jr. forman pareja en esta tópica, pero simpática cinta romántica que se encuentra ambientada en fiestas navideñas. En el momento en que una cantante, en horas bajas, le dicen que debe componer una canción navideña, a priori, se queda estancada. Es cuando ve el vídeo de una joven fan suya cantando, y hace el esfuerzo de ir a verla en persona. Ahí, cuando conoce a la joven y a su padre viudo, empezará a crearse un vínculo entre lo personal y lo profesional. A partir de ahí, el padre y la cantante harán lo posible para crear una canción navideña y, a lo mejor, enamorarse en el proceso. Como he dicho, me ha parecido un producto visual bastante simpático, bueno y agradable de visionar, estrenado para el canal de streaming Netflix. Está ambientado en fechas de Navidad, pero bien que se podría ver todo el año. Hay buena química entre Aimee y Freddie, aunque al actor de la inolvidable "Se lo que hicisteis el último verano" se le notan más los años encima. Para terminar, decir que una sorpresa para el film es la presencia de la joven actriz Deja Monique Cruz, un cruce entre Elisha Cuthbert y Christina Milian, que interpreta a Cristina, y es una completa roba-escenas. Mi nota final es de 7/10.

The Wonder

https://64.media.tumblr.com/fc1a0632...bd2f21f779.jpg
La cámara se desliza a través de un estudio, mostrando el exterior de una casa construida sobre una plataforma. "Este es el comienzo de una película llamada 'The Wonder'", nos dice un narrador, antes de agregar: "No somos nada sin historias". La cámara se desplaza hacia un pequeño set ambientado en un barco, donde encontramos a una mujer.

Es una introducción original pero ... ¿Por qué? Después, la peli dirigida por S Lelio abandona la idea de "todo esto es en un set", para adentrarnos en el paisaje de la Irlanda de 1862 y el misterio en un drama donde fe y ciencia se confrontan.
El personaje de F Pugh es una enfermera inglesa llamada Lib que viaja a Irlanda para investigar un supuesto milagro. Anna (acertada K Cassidy) supuestamente no ha comido nada durante cuatro meses, una imposibilidad subrayada por el hecho de que la niña parece perfectamente bien y saludable. Lib no cree esto en absoluto, pero acepta trabajar para llegar al meollo del caso.


Su tarea es simplemente sentarse y observar y confirmar si Anna realmente está comiendo o no. El consejo de hombres que ha convocado a la enfermera y una monja está dividido...algunos piensan en un milagro rotundo, aunque incluso un sacerdote local tiene sus dudas. El médico no apuesta por lo sagrado pero sí cree que podría ser un avance prodigo de la genetica.

No vamos a descubrir a esta estupenda actriz pero es que una vez más borda su rol, Pugh es muy, muy buena en lo que hace.Una actuación plagada de matices y duelo interior,con un extraño ritual que repite cada noche. Durante el día, permanece fría y distante, incluso para Anna, aunque esta relación va a ir cambiando,con el encuentro también con un periodista cuya familia pertenecía al lugar y que investiga para escribir sobre el caso convirtiendose en su aliado frente al fanatismo imperante.

Con una certera paleta de colores, rica en azules-verdes, dando a la película de abundantes localizaciones rústicas, apariencia de huellas de un naufragio y banda sonora discordante y susurrante que provoca incomodidad.

Peeero "The Wonder" no cumple las expectativas de convencernos y empatizar con el resultado,incluso el desenlace que juega a cuento gotico esperanzador, cerrando en el set.. no funciona cómo podría hacerlo el del libro donde se denuncia la miseria humana,analfabetismo etc.. dando a mi parecer un golpe menos original pero más efectivo.
Le falta contundencia en la direccion,fuerza en los roles que acompañan a la enfermera,cohesión por momentos...exceptuando algunos entre Lib y Anna.


Por todo el combo le doy
6.7/10

Ayer noche tire de nostalgia y de un clásico de siempre; CASABLAMCA

https://youtu.be/74UVqjvXHI4

Un saludo

Buenos días.

Disculpad no recuerdo como se debe colocar un enlace par que se vea el vídeo de youtube.

Un saludo

Hay un icono en forma de fotograma "inserar video", lo presiones y metes el enlace.

Anoche vi la secuela de The Conjuring (sí, en sábado noche, en casa... ¿alguien puede llamar a los GEOS o algún cura? Gracias), apodada en zona patria como (Expendiente Warren: El caso Enfield; sólo faltaba un 'es una peli de miedo chavales!!').

Pues se nota que regresa Wan a la dirección así como Wilson y Farmiga aunque sea lo mismito que la primera entrega pero en Inglaterra (dato que en la versión doblada debe quedar en la nada aunque por lo menos una de las niñas es estadounidense así que ho finge bien o ayer estaba dormido pero hablamos de la protagonista casi). De nuevo valores humanos y emotivos (Ed con la niña) y un final idem que hacen el film algo digno de ver y plenamente aceptable en el género.

Y la escena del pub en un ¿mediodía? nevando cerca de Navidad, mola. Quiero tomarme algo ahí. Sin posesiones. O sí. A mi el tal Bill pos... Unas pintas con él me tomaba

Pues siguiendo en este ciclo post Halloween, de la saga Conjuring, ayer tocó Annabelle: Creation (David F. Sandberg, 2017). Secuela de aquella Annabelle y cuarta entrega de la saga. Por encima de Annabelle (no era difícil) y por debajo de las dos entregas de Wan. Pero es decente. Aplaudo la ambientación rural, la casa, que se vaya cambiando el POV de quien es la auténtica protagonista o víctima (si Janice o Linda) y que, aunque la historia al ser precuela ya estaba fijada, que no haya recompensa al espectador en cuanto a que

Spoiler:

esa niña, aunque poseída ya por el demonio de turno, se convertirá en la maliciosa Annabelle de la intro de la anterior película

Es una saga entretenida, se toma muy en serio pero saben que siempre es la maldita misma historia, y más o menos funciona. Los sustos al final llegan, son todos similares, con uso de caras muy obviamente demoníacas pero que molan, aunque funciona todo mejor con las Conjuring normales que con Annabelle porque al final la muñeca no hace nada y sigue sin quedar claro como opera el demonio a través de ella.

Iniciado por Synch

Anoche vi la secuela de The Conjuring (sí, en sábado noche, en casa... ¿alguien puede llamar a los GEOS o algún cura? Gracias), apodada en zona patria como (Expendiente Warren: El caso Enfield; sólo faltaba un 'es una peli de miedo chavales!!').

Pues se nota que regresa Wan a la dirección así como Wilson y Farmiga aunque sea lo mismito que la primera entrega pero en Inglaterra (dato que en la versión doblada debe quedar en la nada aunque por lo menos una de las niñas es estadounidense así que ho finge bien o ayer estaba dormido pero hablamos de la protagonista casi). De nuevo valores humanos y emotivos (Ed con la niña) y un final idem que hacen el film algo digno de ver y plenamente aceptable en el género.

Y la escena del pub en un ¿mediodía? nevando cerca de Navidad, mola. Quiero tomarme algo ahí. Sin posesiones. O sí. A mi el tal Bill pos... Unas pintas con él me tomaba

¿Y a oscuras?.

PS: Pásate por el hilo de los musicales cuando puedas para aclararme una cosa.

Espera, Synch. ¿No son tres películas de The Conjuring?. Te falta una, ¿no?. El TOC, no lo cabrees.

Tienes otro MP (hay una errata en el mensaje, por cierto, donde pone "empieza" es "ha empezado").

The Amazing Mr. X

https://64.media.tumblr.com/79794436...9ad163fb8c.jpg

Christine perdió a su marido hace dos años en un accidente de coche pero cree oír su voz llamándola. En un paseo por la playa conocerá a Alexis, un médium que puede ponerla en contacto con el difunto.

Pasable film con pinceladas de misterioso thriller negro,si exceptuamos su estupenda cinematografía

a cargo de J Alton y a la encantadora C O'Donnell. Se agradecen sus 78 m de duración.Para incondicionales del genero.


6.5/10

Monsieur Hire (1989), de Patrice Leconte



Adaptación de un relato de Georges Simenon, "Les fiançailles de M. Hire" (1933), la película de Leconte sabe trasladar a la pantalla esa inquietud generada por la observación psicológica que tan bien plasmaba el escritor belga en sus obras (aunque, en este caso, no sé si siendo fiel al texto, puesto que no he leído la novela).

M. Hire (un espléndido Michel Blanc) es un hombre solitario, hosco, de profesión sastre, que no se relaciona con nadie, al que sus vecinos parecen odiar y someten a todo tipo de molestias y bromas pesadas. Por ello es el sospechoso ideal para el impertinente inspector (André Wilms) que lleva la investigación del caso del asesinato de la joven Pierrette, acaecido en las proximidades del domicilio de Hire. Pero, además, Hire tiene otra característica que hace su figura más compleja: es un voyeur impenitente que se ha quedado prendado de una vecina, Alice (magnífica Sandrine Bonnaire), a la que observa cada noche desde su ventana, a oscuras, cual un Nosferatu al acecho (ante lo que uno se tiene que preguntar, inevitablemente, si es que Alice no tiene cortinas).



Entre Hire y Alice se establece un vínculo que va más allá de lo escopofílico. Hire es, o parece ser, sincero en su amor hacia Alice, pero esta actúa con unas enormes dosis de ambigüedad, lo que lleva a un final de fatales consecuencias para ambos.

Notable film de Leconte, director de cierto éxito por esa época, sobre todo con Le mari de la coiffeuse, pero al que le había perdido la pista. Este año, casualmente, ha estrenado Maigret, una nueva aproximación al personaje creado por Simenon, con Gérard Depardieu encarnando al célebre comisario.

Unos años después de la peli El marido de la peluquera, curiosamente Pedro Guerra compuso un tema inspirado en la película francesa, que se convirtió en una especie de clásico del cantante canario.

Esto de obras surgidas en un medio a partir de obras de otro medio completamente distinto a veces es de lo más curioso.

Por ejemplo:

Spoiler:

Obra maestra absoluta, claro. Cumbre de la escena teatral patria.

Spoiler:

Gran película.

Spoiler:

Music, book, and lyrics by Michael John LaChiusa


Michael John LaChiusa es un dramaturgo, compositor y letrista neoyorkino, además de profesor de composición y armonía en la universidad de Columbia. Leyó la obra de Lorca (imagino que una traducción al inglés) y quedó fascinado. Cómo no se le iba de la cabeza, y empezó a tener ideas sobre como contar esa historia a través de canciones, pidió permiso formal a los herederos del poeta para trasladar la obra al teatro musical. Al principio pensaron que era una broma de mal gusto, pero cuando LaChiusa les empezó a mandar borradores del libreto y las canciones (todo en inglés, claro) quedaron impresionados por el respeto y buen gusto con el que estaba abordando el asunto.

A día de hoy, el musical de LaChiusa (que se estrenó en Nueva York en 2006), se representa en España a menudo (con una traducción al castellano de las canciones que sorprendentemente está muy cuidada, y lo digo yo que no soporto que se traduzcan canciones), junto con la obra original de Lorca.

Spoiler:

No sé si conoceis el poema narrativo The Wild Party, de Joseph March. Se publicó en 1926. LaChiusa también lo adaptó al teatro musical, en el año 2000, con Toni Collete de protagonista.

Spoiler:

Arashi ga oka

https://m.media-amazon.com/images/M/...zODI0._V1_.jpg
La visión violenta y erótica de Y Yoshida del clásico de Brontë transpone su historia al Japón medieval.

Atrás quedaron los páramos brumosos del norte de Inglaterra, reemplazados por una ladera volcánica humeante y las mansiones rivales del este y el oeste. Onimaru (Y Matsuda) es el niño huérfano adoptado por la familia Yamabe de la Mansión Este, responsable de apaciguar al dios de la Montaña de Fuego. Su amor prohibido por Kinu (Y Tanaka) se frustra cuando se casa en la Mansión del Oeste, inspirando la venganza y locura de Onimaru. La melancolia claustrofóbica se suma al folclore espectral, salvaje y sangriento.


7/10

PROGRAMA DOBLE:

REVISANDO EL CINE FANTÁSTICO DE LOS ‘60

o

DOPPELGÄNGER (1969) aka JOURNEY TO THE FAR SIDE OF THE SUN



Director: Robert Parrish.

Productores: Gerry y Sylvia Anderson.

Estudio: Century 21 Films Ltd. / Universal Pictures Ltd.

Guion: Gerry y Sylvia Anderson y Donald James, basado en una historia de Gerry y Sylvia Anderson.

Fotografía: John Read, en Technicolor y formato panorámico.

Dirección artística: Bob Bell.

Director de efectos visuales: Derek Meddings.

Música: Barry Gray.

Montaje: Len Walter.

Reparto: Roy Thinnes (Coronel Glenn Ross), Ian Hendry (Doctor John Kane) y Patrick Wymark (Jason Webb).

Duración: 1:41:38.

Fecha de estreno: 27 de agosto de 1969 (Detroit, Michigan, EUA); 8 de octubre de 1969 (Londres, Inglaterra, Reino Unido).



Al igual que el cineasta al que dedico la segunda parte de este programa doble el norteamericano Robert Parrish (1916-1995) fue cocinero antes que fraile. O sea, montador (merecido Oscar en 1948 por su espléndida labor en CUERPO Y ALMA (1947), de Robert Rossen, una de las películas más perseguidas durante la infausta Caza de Brujas del senador McCarthy – y sus adláteres, en el los que se encontraba el futuro presidente Richard Nixon… -) antes que director.

DOPPELGÄNGER, que es como se tituló en su país de origen (léase Reino Unido) la cinta hoy comentada, es más conocida por su denominación estadounidense, JOURNEY TO THE FAR SIDE OF THE SUN [“VIAJE AL LADO MÁS ALEJADO DEL SOL”], aunque en nuestro país jamás llegó a estrenarse en salas comerciales, hecho que la hermana (de nuevo) con la siguiente película del programa.



Desconozco buena parte de la filmografía de Parrish, aunque lo poco que he visto de él me parece, en líneas generales, excelente.

Por ejemplo, sus dos primeros largometrajes, ambos pertenecientes al cine negro, CRY DANGER (1951) y EL PODER INVISIBLE (1951), protagonizados por Dick Powell (seguramente el mejor Philip Marlowe de la gran pantalla, incluido el mismísimo Humphrey Bogart ) y Broderick Crawford, respectivamente.





Y ya comentados, tiempo ha, en este mismo rincón…

Y como la cosa parece ir por pares igualmente son destacables sus incursiones en el género norteamericano por excelencia, el western, los también consecutivos MÁS RÁPIDO QUE EL VIENTO (1958), con Robert Taylor y, la que tal vez sea su obra maestra, MÁS ALLÁ DE RÍO GRANDE (1959), con Robert Mitchum. Ambas, además, coprotagonizadas por la cantante y actriz Julie London, que en esos años estaba en la cresta de la ola puesto que participó igualmente en la espléndida HOMBRE DEL OESTE (1958), de Anthony Mann, junto a Gary Cooper.





Que yo sepa DOPPELGÄNGER fue la única incursión en el cine fantástico de su director, aunque como ya digo sólo he podido acceder a un puñado de ellas.

En realidad, D es una creación de la fértil imaginación de la (famosa) pareja británica formada por Gerry (1929-2012) y Sylvia (1927-2016) Anderson, a quienes al menos los que son de mi generación recordarán por su famosa serie de televisión THUNDERBIRDS (1965-1966, 2 temporadas), aquí conocida como GUARDIANES DEL ESPACIO (sic) y cuyos protagonistas no eran actores reales sino marionetas y donde destacaba especialmente el uso de maquetas antes de que George Lucas revolucionara el medio una década después.



- Si he de ser sincero a mí las marionetas siempre me han dado un poco de miedo, algo seguramente acentuado después de visionar cuando era todavía un infante el mejor de los cuatro segmentos que forman la excelente AL CAER LA NOCHE (1945), de la Ealing (que como podéis comprobar no sólo vivía de las comedias), dirigido por Alberto Cavalcanti y protagonizado por Michael Redgrave… y su muñeco… -



Si el cine fantástico, o más específicamente el de ciencia ficción (al que se supone que pertenecen las dos películas objeto del presente comentario) de los años ‘60 parece completamente eclipsado por el irresistible fulgor de dos obras maestras coetáneas como son 2001: UNA ODISEA EN EL ESPACIO (1968), de Stanley Kubrick (y Arthur C. Clarke) y EL PLANETA DE LOS SIMIOS (1968), de Franklin J. Schaffner (y Pierre Boulle… y Rod Serling…), lo cierto es que en dicha década se facturaron algunos títulos que, aunque a años luz (excepto el señalado con un *) en cuanto a calidad de los dos mencionados, tampoco convendría olvidar.

Como por ejemplo, LOS PÁJAROS * (1963), de (Sir) Alfred Hitchcock (¡!), TERROR EN EL ESPACIO (1965), de Mario Bava, FAHRENHEIT 451 (1966), de François Truffaut, ¿QUÉ SUCEDIÓ ENTONCES? (1967), de Roy Ward Baker o… LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968), de George A. Romero…

Ciertamente en este conglomerado de títulos no puede incluirse la cinta de Haskin que comentaré a continuación y todavía menos D que, en realidad, más bien podría ser un episodio de la mítica serie THE TWILIGHT ZONE (1959-1964) que un largometraje al uso.



Poco margen de maniobra tenía un Parrish en el tramo final de su carrera como director puesto que la pareja Anderson no sólo eran los productores y guionistas sino que igualmente se encargaron de supervisar los efectos especiales que trufan la película.





D fue, de hecho, la primera película de la compañía en usar actores reales y no marionetas.



La historia que se nos narra es sencilla en el fondo pero complicada en la forma. O mejor dicho, confusa. O embarullada, que viene a ser lo mismo.

En el siglo XXI (por algo la productora de los Anderson se llamaba Century 21 Films) el EUROSEC (EUROpeanSpaceExplorationCouncil), “Consejo Europeo de Exploración Espacial”, con sede en Lisboa (¡!) descubre un planeta que orbita entorno al Sol pero que hasta ahora había permanecido invisible al ser su período de traslación el inverso al de la Tierra.





El director del EUROSEC, Jason Webb (un excelente Patrick Wymark), tras frustrar un intento de espionaje por parte de una potencia extranjera (intuimos cuál puede ser ), logra convencer al representante de la NASA, David Poulson (Ed Bishop) y, por tanto, a los EUA, de que inviertan al alimón 3.000.000.000 de libras esterlinas (¡!) en la construcción de una nave espacial tripulada con el fin de verificar la posible existencia de vida en dicho planeta.



La tripulación la formarán un astronauta, el coronel Glenn Ross (Roy Thinnes, protagonista de la famosa – y van… - serie LOS INVASORES (1967-1968, 2 temporadas)) y el astrofísico John Kane (Ian Hendry).



Un viaje que tiene una deuda más que evidente con el segmento final (y más discutido, que no discutible) de la magnun opus kubrickiana con ese delirio cromático tan característico de la época y muy próximo al Op Art.





Lo mejor de la película (aunque también lo más lioso, como antes he dicho) viene a continuación puesto que una vez los dos tripulantes han aterrizado en el planeta, aunque no precisamente de la mejor forma, entramos en terrenos dignos de la pluma de Philip K. Dick. O sea, el cuestionamiento de la realidad.

Y es que todo parece indicar que los dos astronautas no sólo no llegaron a aterrizar en el nuevo planeta sino que volvieron a la Tierra en la mitad del tiempo esperado.

La película juega inteligentemente (bueno, es un decir) porque establece una jugosa dialéctica entre Ross (Kane llegó malherido y apenas si puede hablar) y Webb, al intentar convencerse el uno al otro de quién tiene la razón.

O sea, que la Tierra en la que aterrizaron es la otra Tierra (valga la redundancia), como afirma vehementemente Ross.



O, como afirma Webb y el resto de sus compañeros y amigos del astronauta, que ha vuelto a casa, como Charlton Heston al final de EL PLANETA DE LOS SIMIOS… y ya lamento el spoiler…

Sin embargo, sí hay una determinante diferencia que juega a favor de las tesis de Ross.

La disposición de los objetos o de las letras en esta Otra Tierra es la inversa de la que se da en la Tierra.



Incluso los órganos internos de las personas están cambiados.



Vamos, como si estuviésemos leyendo “Alicia a través del espejo” (1871), de Lewis Carroll.

Un argumento lo suficientemente convincente como para que Webb permita a Ross acceder a su nave espacial y que todavía orbita el planeta y de esta forma probar fehacientemente que tiene la razón y, por tanto, sí completó su misión.

Sin embargo, un fatal accidente provocará que el módulo de Ross se estrelle con la sede del EUROSEC con resultados catastróficos, destruyendo de esta forma toda evidencia científica sobre el nuevo planeta.

De nuevo remedando a Kubrick la película nos muestra a un Jason Webb (¿de la Otra Tierra? ¿de la Tierra?) anciano y en silla de ruedas y con las facultades mentales seriamente mermadas que se quita la vida al estrellarse contra un espejo tal vez esperando encontrar al otro lado lo que su amigo (o el amigo de su otro yo) afirmaba haber experimentado.





Un final amargo y ciertamente ambiguo pero que al menos otorga un plus a una película a veces demasiado farragosa y en exceso deudora de las creaciones de la pareja Anderson.

Una de esas películas que algunos llamarían “de culto” y que, al menos, merece ser reivindicada.



y

ROBINSON CRUSOE ON MARS (1964)



Director: Byron Haskin.

Productor: Aubrey Schenck.

Estudio: Devonshire Pictures, Inc. / Paramount Pictures Corp.

Guion: Ib Melchior y John Higgins, basado en la novela “Robinson Crusoe” (Londres, 1719), de Daniel Defoe [y en la novela “No Man Friday” (Londres, 1956), de “Rex Gordon”].

Fotografía: Winton C. Hoch, en Technicolor y Techniscope.

Dirección artística: Hal Pereira y Arthur Lonergan.

Matte painting: Albert Whitlock [No acreditado].

Música: Van Cleave.

Montaje: Terry Morse.

Reparto: Paul Mantee (Comandante Christopher Draper), Victor Lundin (“Viernes”) y Adam West (Coronel Dan McReady).

Duración: 1:49:55.

Fecha de estreno: 17 de junio de 1964 (Providence, Rhode Island, EUA).



Como decía en la anterior crónica, también Byron Haskin (1899-1984) fue cocinero antes que fraile. En su caso diseñador de efectos especiales (4 veces nominado a los Oscar y además de manera consecutiva – 1940, 1941, 1942 y 1943 -) antes de sentarse en la silla de director.

Al contrario que lo que mencionaba en el caso de Parrish Haskin es un director bastante más conocido, especialmente por sus colaboraciones con el productor (y director) austrohúngaro George Pal (1908-1980), sustanciadas en cuatro producciones, LA GUERRA DE LOS MUNDOS (1953), CUANDO RUGE LA MARABUNTA (1954) – una de las grandes obras maestras del cine de aventuras de todos los tiempos -, LA CONQUISTA DEL ESPACIO (1955) y EL PODER (1968).









ROBINSON CRUSOE ON MARS, al igual que la anterior inédita en salas comerciales en nuestro atribulado país, no pertenece al ciclo Pal pero es una película que pese a lo (aparentemente) demencial de la propuesta es bastante más interesante que la cinta anterior.

Y digo lo de demencial porque por aquellos años ya se sabía que Marte no podía estar habitado dado que la temperatura media del planeta es de -55 ºC y la atmósfera está formada por un 95% de dióxido de carbono.

En realidad Haskin aplicó al cine lo que años antes había hecho Ray Bradbury a la literatura.

Me refiero, lógicamente, a su obra maestra “Crónicas marcianas” (1950).



Incluso la prestigiosa Criterion no ha tenido el más mínimo inconveniente en sacar una edición en BD a la altura de la circunstancias.

Aunque la cinta toma como base (evidente, dado el título) la famosa obra de Daniel Defoe (c. 1660-1731), considerada por muchos estudiosos como la primera novela en sentido estricto de la Literatura, al parecer el argumento de la misma procede más bien de otra de un autor ciertamente mucho más desconocido (e inferior, que nadie lo dude) como el también británico “Rex Gordon”, pseudónimo usado por el escritor Stanley Bennett Hough (1917-1998) y que atiende al título de “No Man Friday” (1956) y traducida en nuestro país como “Robinson de Marte” (E.D.H.A.S.A., Barcelona, 1959).





Siempre me han gustado las historias de supervivencia (al contrario de lo que comentaba respecto a las marionetas… o los payasos del circo…) y por ello ROM logra mantener el interés de principio a fin, aunque ciertamente la trama pasa de lo inverosímil a lo increíble (que aunque puedan parecer términos análogos no lo son) con una velocidad pasmosa.

Al igual que en D en ROM (espero que el uso de las abreviaturas de los títulos no os lleve a confusión ) dos son los tripulantes de la nave cuya misión es ser los primeros en poner un pie en el planeta rojo.

El coronel Dan McReady (Adam West, otro habitual de las series de televisión), que perecerá en el intento (y de esta forma emulando casi a su homólogo en D) y el comandante Christopher Draper (un más que correcto Paul Mantee) y que se convertirá en el Robinson que da titulo a la película.



Una película que podemos partir en dos mitades pues ambas son muy diferentes y, si me apuran, yo diría que la primera es claramente mejor.

Así, asistimos a los intentos de supervivencia de “Kit”… y de su pequeño mono… en un entorno hostil en el que no tanto el frío como la falta de oxígeno en la atmósfera, así como la carencia de agua líquida en la superficie o de alimentos pondrá a prueba todo el saber del curtido explorador del espacio.



En la segunda mitad la cosa se complica con la llegada de “Viernes” (Victor Lundin) (aunque ese no es su verdadero nombre sino el que el pone “Kit”), una alienígena esclavo que huye de sus belicosos amos...



... y al que persiguen con una saña digna de mejor causa hasta el punto de utilizar naves espaciales que son un nada velado calco de las que tripulaban… los marcianos… en LA GUERRA DE LOS MUNDOS (¡!)…



De esta forma pasamos sin solución de continuidad del cine de aventuras a la space opera más desatada y de igual forma se pierde buena parte del encanto que encerraba la primera parte.

No obstante y pese a todo Haskin, al contrario que Parrish, logra mantener el pulso a lo largo de toda la proyección y además contó con mucha más libertad de la que este último dispuso.

Si en la anterior cinta destacaba especialmente el uso de las maquetas cortesía de Gerry y Sylvia Anderson aquí debo hacer lo propio primero con la igualmente psicodélica fotografía del gran Winton C. Hoch (1905-1979), el operador favorito del mismísimo John Ford (ahí es nada CENTAUROS DEL DESIERTO (1956) ) y especialmente con el trabajo de matte painting (no sabría cómo traducirlo al castellano) obra de un no acreditado Albert Whitlock (1915-1999), colaborador del no menos famoso Alfred Hitchcock (desde LOS PÁJAROS (1963) hasta LA TRAMA (1976)), al igual que el no menos grande Hal Pereira (1905-1983) (¿os suenan LA VENTANA INDISCRETA (1954) o DE ENTRE LOS MUERTOS (1958)? ).













Y si D parece más bien un telefilme por la forma en la que está rodada, seguramente influenciada por las series que habían hecho famosos a los Anderson, en cambio ROM tiene un aire más cinematográfico, algo a lo que además ayuda el haber sido rodada en Scope (aunque sea el barato Techniscope de la época) en lugar de en (el más todavía más económico) formato panorámico.

Desde luego, si D se considera una película “de culto”, ROM tiene todavía más méritos para entrar en ese selecto club.

Eso sí, dos películas que se encuentran en las antípodas de los dos títulos más importantes surgidos dentro del cine fantástico y/o de ciencia ficción de la era yeyé.

Buenas tardes/noches (o lo que se tercie) y, buena suerte.

Iniciado por Alcaudón

Por ejemplo, sus dos primeros largometrajes, ambos pertenecientes al cine negro, CRY DANGER (1951) y EL PODER INVISIBLE (1951), protagonizados por Dick Powell (seguramente el mejor Philip Marlowe de la gran pantalla, incluido el mismísimo Humphrey Bogart ) y Broderick Crawford, respectivamente.

Aunque el comentario pueda sonar a blasfemo, reconozco que Powell fue un magnífico Marlowe en Murder, My Sweet, notable adaptación de la novela de Chandler realizada por Edward Dmytryk. Ahora, de Parrish solo he visto (pero no recuerdo) un film policiaco de los 70: Contrato en Marsella.

Iniciado por Alcaudón

En realidad, D es una creación de la fértil imaginación de la (famosa) pareja británica formada por Gerry (1929-2012) y Sylvia (1927-2016) Anderson, a quienes al menos los que son de mi generación recordarán por su famosa serie de televisión THUNDERBIRDS (1965-1966, 2 temporadas), aquí conocida como GUARDIANES DEL ESPACIO (sic) y cuyos protagonistas no eran actores reales sino marionetas y donde destacaba especialmente el uso de maquetas antes de que George Lucas revolucionara el medio una década después.

Serie capital de mi niñez, de la que tenía desde un álbum de cromos (que creo que aún conservo) a las reproducciones de las naves en figuritas de plástico.

Iniciado por Alcaudón

ROBINSON CRUSOE ON MARS (1964)

Esta la vi hace cosa de un año y me gustó, dentro de su sencillez.

Iniciado por Alcaudón

El coronel Dan McReady (Adam West, otro habitual de las series de televisión), que perecerá en el intento (y de esta forma emulando casi a su homólogo en D) y el comandante Christopher Draper (un más que correcto Paul Mantee) y que se convertirá en el Robinson que da titulo a la película.

Ni más ni menos que el Batman más divertido y pop que se haya filmado nunca.