"De traca i mocador", que decimos los catalanes.Cita:
Iniciado por Jane Olsen
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"De traca i mocador", que decimos los catalanes.Cita:
Iniciado por Jane Olsen
Hombre, más maniquea que la Orden no es, eso seguro. A mí más bien me dio la impresión que se quedaba corta... :fiuCita:
Iniciado por tomaszapa
Si quereis ver una buena peli de zombis gamberra:
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Yo sufrí un auténtico trauma con esta película, pero se ha convertido en una de mis favoritas del subgénero. Dirige Dan O'Bannon, y es todo un catálogo de humor negro, negrísimo, a la vez que hace un uso muy carpenteriano del suspense y de los espacios cerrados, y presentando personajes de derribo (una troupe de punkies adolescentes) consigue una solidez insólita en sus personajes, y remoza al zombi clásico de Romero añadiéndole otras características que, justo es decirlo, DAN MUCHO MIEDO: la capacidad de hablar y, hasta cierto punto, razonar, o el cambio dietético de carne humana a uno más específico por cerebros.
La escena con el torso-zombi explicando el porqué hacen lo que hacen me sigue pareciendo aterrador, igual que la aparición del primer zombi (el mítico Tarrman), el surgir de los muertos de sus tumbas, atravesando madera y tierra, o la progresiva zombificación de personajes mordidos, están inscritos entre lo mejorcito de la filmografía de los muertos vivientes.
La cosa dio para saga, con una segunda parte que repite esquemas (inclusive reciclando mismos actores de la primera haciendo papeles ligeramente diferentes pero también muy parecidos). El protagonismo recae en un niño, lo cual da un tono ligeramente raro, pues casi parece por momentos que se esté imitando los típicos productos Amblin de la época, cosa que no es así, ya que tenemos muertes y gore por doquier, junto con las escenas cómicas.
La tercera parte cambió totalmente de registro, mostrándonos una trama diferente de amor inter-especies humano / zombi, y que se hunde totalmente en los abismos cronenbergianos de la Nueva carne: si bien flojea en algunas partes y es demasiado delirante, la imagen de Melinda Clarke haciendo aparición con el cuerpo atravesado por cristales y ganchos es una de las más icónicas del cine fantástico de los años 90.
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La Orden no la he visto. No puedo decir nada. Pero me dejó muy mal cuerpo Camino. Y la tengo en BD, en una muy buena edición, y ganó todos los premios aquel año, pero se me atragantó. La desgracia de la niña, la madre tan peculiar, la desgracia del padre...no se, me parecía todo muy rebuscado. :fiuCita:
Iniciado por mad dog earle
Cuando dije "la Orden" me refería a la Obra, o sea al Opus Dei. :cuniao A mí también me dejó tocado el film de Fesser, pero me temo que es más realista de lo que pueda parecer.
:cuniao He leído rápido y mentalmente pensé en Ordet :lol Sí, se que trata del Opus Dei y se el fanatismo que ha habido en ese movimiento. Pero no se hasta cuánto hay de exageración. Y ya te digo, que más allá del retrato de "la Orden" :cuniao lo que no me gusta es tanta desgracia junta. Y como he leído por ahí, que los personajes no evolucionen. Los malo, malísimos y los buenos, buenísimos, y hasta la muerte.Cita:
Iniciado por mad dog earle
la tengo que revisar pero no se cómo me va a sentar.
Sentar, te ha de sentar mal, eso seguro. Esa era, supongo, la intención de Fesser. Que la película tenga, por lo que recuerdo, un tono un tanto de cuento perverso, no quita que se ajuste a la realidad... me temo. Aún me acuerdo cómo en mi infancia pasaron algunas veces las célebres "conversaciones" públicas de Escrivá de Balaguer por la tele. Eso sí era género de terror. :sudor:sudor
Eso debió de marcar :sudor Lo que no sabía era que Escrivá de Balaguer escribió un libro, titulado Camino. Mira, como la niña :cuniao A mi, es que los fanatismos de cualquier tipo me provocan rechazo automático. Imagínate cómo me sienta ahora el fanatismo islámico con cosas como las de Sri Lanka.
Sí, claro, es el libro de cabecera del Opus Dei. El nombre de la niña y del film es totalmente intencionado. El efecto más evidente de la pertenencia a la Obra era (supongo que es todavía) la tendencia a tener familias numerosas, o mejor aún, numerosísimas. Recuerdo un compañero de trabajo hace muchos años que tenía unos 10 hijos con un modesto sueldo... por amor a Dios y siguiendo las enseñanzas de Escrivá... En lo de Sri Lanka alguien ha apuntado que se podía tratar de una respuesta a lo que pasó en Nueva Zelanda hace pocos días. ¡Cuantos muertos en nombre de un dios! Ese sí debe ser el dios de la masacre, de la carnicería, del que hemos estado hablando en el hilo de Polanski a raíz de la magnífica Un dios salvaje.Cita:
Iniciado por tomaszapa
La realidad supera siempre a la ficción. Por supuesto, está basada en una historia real, nadie iba a ser tan retorcido como para inventarse algo así.Cita:
Iniciado por tomaszapa
Yo compré en su día Camino. Tras visionarla pude comprobar que el padre no fallece en un accidente como relata la peli, pero aprte de eso, me hizo tanto daño que tras acabar de verla , la saqué del reproductor y la vendi casi regalada en un D.Price (no iba a volver a verla jamás)
Yo ayer me vi una peli que tenia precintada desde el 2004 ..............
Dogville de Lars Von Trier
Mi nota: 8
Lo mejor: El maravilloso final
De Von Trier he visto pocas películas, básicamente EUROPA, ROMPIENDO LAS OLAS y DOGVILLE y esta última me parece ciertamente la mejor. Tengo también en DVD MANDERLAY que viene a ser una "continuación" de la anterior pero que todavía no he visto. Y eso que la protagoniza mi adorada (y pelirroja) Bryce Dallas Howard.Cita:
Iniciado por dvdadicto
:agradable
Yo añadiría a las mejores Melancolía y no me canso de recomendar su serie televisiva Kingdom. En general, me parece un director interesante, aunque un personaje un tanto insufrible.
Por mi parte, añado una curiosidad de Von Trier. Es un guión que escribió para otro danés, Vinterberg (La caza, Celebración...). Se trata de Querida Wendy, sobre un grupo de jóvenes marginados que se reúnen en torno a su fervor por las armas. Destaca Jamie Bell y Bill Pullman (que obviamente no es tan joven).
LA AMARGURA DEL DOCTOR RAVIC
O
REVISANDO CLÁSICOS: EL MELODRAMA.
ARCH OF TRIUMPH (1948, ARCO DE TRIUNFO) de Lewis Milestone.
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Estudio: Arch of Triumph, Inc. / The Enterprise Studios / United Artists Corp. (Copyright 1947 by Arch of Triumph, Inc.).
Productor: David Lewis.
Guión: Lewis Milestone y Harry Brown, basado en la novela homónima de Erich Maria Remarque (serializada en la revista Collier’s del 15 de septiembre al 20 de octubre de 1945).
Diseño de producción: William Cameron Menzies.
Fotografía: Russell Metty.
Música: Louis Gruenberg.
Reparto: Ingrid Bergman (Joan Madou), Charles Boyer (Dr. Ravic), Charles Laughton (Von Haake), Louis Calhern (Maurice Morosow).
Duración: 132 minutos.
Inicio de rodaje: 15 de julio de 1946.
Estreno: 17 de febrero de 1948.
Cronológicamente el segundo de los nueve largometrajes que la compañía independiente Enterprise (la primera, RAMROD (1947, LA MUJER DE FUEGO) de André De Toth, ya fue comentada en su momento en este mismo rincón) produjo entre 1946 y 1948 y cuyos elevados costes (¡5.200.000 dólares!) sumados a los numerosos problemas acontecidos durante su prolongado rodaje así como durante la post-producción provocaron un estrepitoso fracaso en las taquillas que supondría a la postre la desaparición de la misma a finales de 1948.
[El único (y gran) éxito de la compañía sería el clásico del cine negro BODY AND SOUL (1947, CUERPO Y ALMA) de Robert Rossen (1.800.000 vs. 4.700.000)].
Enterprise fue creada en 1946 por David L. Loew (hijo de Marcus Loew, el fundador y presidente de Loew’s Inc., la empresa matriz de la más conocida Metro-Goldwyn-Mayer), Charles Einfeld y A. Pam Blumenthal y se servía de compañías filiales para la elaboración de las películas.
[David L. Loew tenía ya una larga carrera como productor independiente y en su currículum se encuentran títulos tan atractivos como THE MOON AND SIXPENCE (1942, SOBERBIA) y THE PRIVATE AFFAIRS OF BEL AMI (1947) de Albert Lewin, THE SOUTHERNER (1945) de Jean Renoir o A NIGHT IN CASABLANCA (1946, UNA NOCHE EN CASABLANCA) de Archie Mayo]
Así, en 1945, se fundó Arch of Triumph, Inc., cuyos principales propietarios eran la actriz Ingrid Bergman (37,5%), la citada Enterprise (22,5%) y en porcentajes decrecientes el productor David Lewis, el escritor Erich Maria Remarque y el director Lewis Milestone.
[Estos dos últimos ya habían “coincidido” en la gran obra antibélica ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (1930, SIN NOVEDAD EN EL FRENTE), merecido Oscar a la mejor película en 1931].
Lástima que una obra a priori tan atractiva (un director de prestigio como Lewis Milestone – y hoy completamente olvidado por la nueva generación de “cinéfilos” -; un excelente guión del propio Milestone y de Harry Brown (del que el primero ya había llevado a la gran pantalla su espléndida novela – A WALK IN THE SUN (1945) -) basado en la hermosa novela de Remarque; un cuidadísimo diseño de producción del gran William Cameron Menzies (el segundo al mando tras David O. Selznick en GONE WITH THE WIND (1939, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ); una bellísima fotografía en b/n del gran Russell Metty (que sería el operador favorito de Douglas Sirk en sus producciones en Technicolor para la Universal en los años ‘50); una hermosa banda sonora de Louis Gruenberg y un reparto de prestigio con estrellas del calibre de Ingrid Bergman, Charles Boyer (ambos habían trabajado ya juntos en la famosa GASLIGHT (1944, LUZ QUE AGONIZA) de George Cukor – con Oscar incluido para ella -) o Charles Laughton) no lograra conectar con el público de la época aunque también es cierto que tanto la desmesurada duración de la misma (132 minutos) como el marcado tono pesimista que la impregna (además de un sombrío final) no ayudaron precisamente a que el público acudiera en masa para verla y rentabilizar así su elevadísimo presupuesto.
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Una historia que se inicia en París, en el invierno de 1938, un año antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial y que finaliza en el mismo sitio cuando las tropas alemanas invaden Polonia (1 de septiembre de 1939).
Una historia que se articula a través de tres conceptos: el amor, la memoria y la venganza.
El amor que surge entre el refugiado sin papeles (¿a qué me suena ésto?) Dr. Ravic (un excelente Charles Boyer, al que siempre he visto más suelto en las comedias pero que aquí está francamente bien), de origen austríaco y que huyó de su país por sus ideas políticas (antifascistas) pero no antes de ser torturado por el sádico Haake (un excesivo, aunque genial, Charles Laughton) que provocó además la muerte de su amada Sybil (Hazel Brooks – que, por cierto, debutaría como mujer fatal en la citada CUERPO Y ALMA -)) y la (ex)prostituta (se intuye, lógicamente, dado el Código de Producción imperante en la época) Joan Madou (una bellísima – y con ciertos aires de diva - Ingrid Bergman), de padre rumano y de madre italiana (las últimas palabras que pronuncia en su lecho de muerte las dice en este idioma) que finalizará (como acabo de indicar) trágicamente con la muerte de ella y con la deportación a un campo de concentración de él.
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La memoria como leitmotiv: el camarero (que antes había trabajado en un circo - ¿tal vez una especie de Mr. Memory como en la deliciosa THE 39 STEPS (1935, 39 ESCALONES)? -) que recuerda con su prodigiosa memoria el primer encuentro de los amantes, qué bebieron, cómo vestían, las frases que pronunciaron durante su primer encuentro, etc; los citados amantes que jamás se cuentan el uno al uno cosas de su pasado; el brutal Haake que dice que jamás olvida un rostro pero que es incapaz de recordar a la persona que torturó cuando se encuentran en París; Ravic que no ha olvidado la muerte de Sybil y que planea acabar con él.
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La venganza: la presencia de incógnito de Haake en París (cuando muchos alemanes iban de turismo antes de que se iniciara la guerra – imagino que preparando ya el terreno para la invasión -) es notada por Ravic y desde entonces su principal objetivo será acabar con él. Para ello primero deberá ganarse su confianza, algo nada difícil dada la propensión del nazi a los “placeres mundanos de la carne”. Sin embargo, la consumación de la venganza, resuelta de una manera un tanto brusca y casi en “off”, no traerá la paz de espíritu a un atormentado Ravic.
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Y también añadiría la amistad. La profunda que mantiene el protagonista con el también refugiado ruso Morosow (un espléndido Louis Calhern – al que todos recordaremos como el “cerebro” tras el atraco de la mítica THE ASPHALT JUNGLE (1950, LA JUNGLA DE ASFALTO) de John Huston -). Y, por supuesto, la solidaridad que se da entre todos los refugiados que malviven en la Ciudad de las Luces.
Ciertamente ARCO DE TRIUNFO (el título hace referencia a lo que comenta Haake en una de sus confidencias a su “compatriota” Ravic cuando afirma que pronto las tropas alemanas desfilarán por debajo de él) no es una película que tuviera demasiadas oportunidades como para triunfar en taquilla.
Tanto el escenario en que transcurre la acción (los sórdidos hoteles donde se alojan los refugiados que huyen de la persecución nazi y el ambiente prebélico que ya parece respirarse) como la trágica historia de amor entre Ravic y Joan así como la anticlimática muerte de Haake convierten esta producción en una “rara avis” pero a la que todo amante del cine clásico debería darle una oportunidad.
Y antes de finalizar me gustaría recordar que Lewis Milestone realizó durante la guerra cuatro excelentes películas que me gustaría recomendar (todas ellas, por cierto, inéditas en nuestro país):
- EDGE OF DARKNESS (1943)
- THE NORTH STAR (1943)
- THE PURPLE HEART (1944)
- A WALK IN THE SUN (1946)
Un director incluido entre los Diecinueve de Hollywood en octubre de 1947 (por tanto durante la prolongada gestación de la presente obra) pero que no llegó a estar en la Lista Negra aunque si tuvo serios problemas para poder seguir con su carrera por lo que acabaría por trasladarse a Europa.
Y una Ingrid Bergman que entonces estaba en la cima de su carrera (NOTORIOUS (1946, ENCADENADOS), la película hoy comentada, JOAN OF ARC (1948, JUANA DE ARCO), UNDER CAPRICORN (1949, ATORMENTADA)) y antes de su vital encuentro con el hombre que cambiaría su vida, Roberto Rossellini.
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Y una película que pese a contener un fuerte carga antifascista (y antifranquista – hay varias referencias explícitas a lo largo de la misma -) fue estrenada en nuestro país aunque imagino que con severas mutilaciones en su metraje.
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Una película que combina a la vez el romanticismo más profundo y fatalista con una denuncia expresa hacia todo tipo de totalitarismos.
Una película más que necesaria en estos turbulentos días.
Dulces sueños.
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La recuerdo muy vagamente. La vi hace mil años por La Dos en uno de esos horarios tenebrosos de madrugada, y guardo un grato recuerdo de la misma, aunque me pareció claramente una película hecha a rebufo de Casablanca, El puente de Waterloo y con algún toque a lo Adiós a las Armas. La pareja protagonista ya había aparecido junta en Luz que agoniza.
Efectivamente, como ya indicaba en el comentario, Ingrid Bergman y Charles Boyer habían trabajado previamente en LUZ QUE AGONIZA que le supondría a ella, además, su primer Oscar.
Remarque fue el autor de la mítica novela SIN NOVEDAD EN EL FRENTE que el propio Milestone llevó a la gran pantalla y le valió el Oscar a la mejor película. Sus obras siempre tienen un profundo aliento humanista y antibelicista.
Ciertamente y pese a su larga duración (más de dos horas) se nota que hubo una poda en el material original, lo que hizo que un personaje tan vital para la trama como el interpretado por el gran Charles Laughton tenga un presencia mínima y su muerte es despachada con demasiada rapidez.
Igualmente el personaje encarnado por la actriz Ruth Warrick (que aparece en 5º lugar en los títulos de crédito - la primera esposa de Charles Foster Kane en (lógicamente) CIUDADANO KANE -) prácticamente desaparece por completo.
No creo sin embargo que la película se parezca a CASABLANCA salvo por la presencia de (la bellísima) Ingrid Bergman. Aquí no hay dos hombres que compitan por el amor de una mujer (el personaje del prometido - un rico pretendiente - prácticamente carece de entidad).
Además aquí muere ella (debido a un disparo fortuito de su celoso prometido) y que provoca que ella quede parcialmente inválida. Sorprende y más en estos tiempos donde el tema está de candente actualidad que ella le pida por favor a Ravic que acorte su agonía. Vamos, que le aplique la eutanasia.
Una Bergman que por ser la principal accionista de la compañía impuso (lógicamente) sus propios criterios, puliendo su personaje a conciencia y potenciando además la vertiente romántica de la trama.
Y se me olvidó mencionar que Milestone (y otros más, todo hay que decirlo) tiene una excelente película de aventuras como es MUTINY ON THE BOUNTY (1962, REBELIÓN A BORDO), con un excelente Marlon Brando (en uno de sus mejores papeles, según mi modesta opinión) y que para mí supera a la versión más clásica de 1935.
Hombre, el personaje de Boyer, que es el interés romántico de la Bergman, es una especie de activista o algo así, como lo era Viktor Lazslo en la peli de Curtis. Por demás, en las dos hay un fuerte tono antibelicista y nazis malos.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Yo también la he visto hace muchísimos años, pero no recuerdo que fuera tan larga, seguramente vería una versión mutilada.
Lo poco que recuerdo de ella, es que era algo sombría y triste, pero poco más. Tampoco es de lo mejor de la pareja, que ya alcanzó su cénit en "Luz que agoniza". :agradable
Esta que comenta Alcaudón no la he visto, pero Luz que agoniza es una de mis películas favoritas. La he visto muchas veces y no me canso. Es de Cukor, de quien tengo debilidad, y además, partiendo de la obra de un autor, Patrick Hamilton, que también fue el artífice de otra, Rope, que dio lugar a la maravilla de La soga, de Hitchcock, otra de mis debilidades.
Y las dos se rodaron en b/n. :cuniaoCita:
Iniciado por Jane Olsen
Pues yo creo que están los dos mejor aquí que en la de Cukor. :)Cita:
Iniciado por cinefilototal
Pues ya estás apuntado para la revisión de la misma cuando el compañero mad dog earle dé el pistoletazo de salida sobre el dossier Hitchcock. :agradableCita:
Iniciado por tomaszapa
Es muy posible -la de Cukor hace siglos que no la he visto, igualmente :sudor, pero tenía personajes más unidimensionales- porque los de esta historia son personajes más complejos. El Ravic de Boyer podría ser un Viktor Lazslo que ha perdido el entusiasmo y ha ganado en amargura, y la Joan de la Bergman es alguien más castigado por la guerra, alguien que probablemente ha tenido que hacer cosas de las que no se enorgullece para sobrevivir.Cita:
Iniciado por Alcaudón
Lo has clavado, querida amiga, lo has clavado. :palmasCita:
Iniciado por Jane Olsen
No recuerdo haber visto este film de Milestone, pero vale la pena señalar que el autor de la obra que se adapta, Erich Maria Remarque, fue un novelista alemán prohibido por el nazismo. De Milestone, además de Sin novedad en el frente, recuerdo con aprecio Edge of Darkness, ambientada durante la invasión alemana de Noruega en la II Guerra Mundial, un film de aventuras bélicas, apología de la resistencia, protagonizado por Errol Flynn, con guion de Robert Rossen.
Me sigo quedando con Gaslight. Que tiene a una jovencita Angela Lansbury, que incluso flirtea maravillosamente con el señor :)
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Revisitada El poder de la sangre de Drácula. Que me gustó la primera vez que la vi, pero que me ha ido aburriendo más en los sucesivos revisionados. Corrían ya los años 70. Se empezaba a estilar otro tipo de cine de terror. La Hammer andaba corriendo como un pollo sin cabeza y más perdida que Frankenstein en el Día del Padre. Los días en que la gente se asustaba ya sólo de ver a Drácula caminando por un castillo lleno de telarañas empezaban a quedar lejos. Curiosamente, la historia funciona más o menos precisamente hasta que Drácula hace acto de presencia: la trama de los tres caballeros victorianos tiranos de cuarto de estar, de públicas virtudes y vicios privados, en cuyo camino se cruza una suerte de aristócrata wildeano con gusto por el ocultismo me sigue pareciendo lo mejor, y muy de actualidad en estos tiempos que corren, que parece que se quiere otra vez que las mujeres cierren la boquita y se queden en casita pariendo hijos y haciendo la comida mientras los hombres se van de caza, de putas y a celebrar misas negras :cafe. A partir de ahí, todo es un dar y no parar de idas y venidas por una abadía destartalada (rodada, con gran provecho, en escenarios reales, como el cementerio de Highgate, donde supuestamente se habría aparecido un vampiro de verdad por las fechas en que se rodó la película), una venganza de Drácula bastante absurda, una parejita melocotonera de adolescentes pastelosos y un desangrar cenutrios a saco hasta que a Drácula le da un vahído y se cae por el balcón. Fin. Tal cual. Al menos, una de las chicas se llama Lucy. Buena banda sonora a cargo de James Bernard. Por demás, no es de las mejores del ciclo.
Así como la anterior película del ciclo, DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA, es una más que atractiva secuela de las dos (o mejor dicho, tres) entregas de Terence Fisher esta cuarta a mí también me parece bastante floja y la presencia del vampiro más rebuscada que nunca.
De Peter Sasdy no me canso de recomendar LAS MANOS DEL DESTRIPADOR, una más que estimulante variación del tema del famoso asesino en serie.
Estoy muy de acuerdo. Es irónico, pero cierto. La película "El poder de la sangre de Dracula" es atractiva e interesante... ¡hasta que aparece Dracula! Entonces se vuelve rutinaria y va aburriendo poco a poco. ¿Porque iba Dracula a molestarse en montar una venganza por el asesinato de su siervo, cuando hemos visto que para Dracula los humanos, servidores incluidos, son poco más que hormigas? ¿No tiene un vampiro centenario cosas mejores que hacer?Cita:
Iniciado por Jane Olsen
He de decir que defiendo las virtudes de un Ralph Bates que poseía el descaro adecuado, lleva el peso de la primera parte del film y lo eleva de la rutina, y que es para mí un gran Frankenstein en "El horror de Frankenstein", otra película de la etapa decadente que a título personal reivindico, al igual que aquí está magnífico como frío aristócrata con agenda oculta. Y sí, la película resulta deliciosa en el retrato social que hace de esos "caballeros" y cabezas de familia intachables, despóticos y disipados, que recuerdan a los personajes ricos y licenciosos de la obra del marqués De Sade.
También estoy de acuerdo con el compañero Alcaudón en la superioridad de "Drácula vuelve de la tumba", del magnífico director de fotografía y competente director Freddie Francis; fue una digna heredera de las obras maestras de Fisher, y lo que vino después, fue poco a poco más y más olvidable.
La Hammer fue recurriendo a enseñar carne y a excesos sanguinolientos, a vampiras voluptuosas de tendencias lésbicas, para mantenerse a flote, sin éxito. Es paradigmático ver que en 1973 sacaran productos descafeinados como "Los ritos satánicos de Dracula" (para el que esto escribe, la peor del ciclo y la que menos tiene que ver con Dracula propiamente dicho), ¡el año que estrenaron El exorcista! La Hammer, como le ocurrió antes a tantos otros, no supo ver lo que tenían a la vuelta de la esquina, adaptarse a las nuevas formas de hacer cine de terror que se avecinaban con El exorcista, La matanza de Texas... y es una pena, porque de 1973 es también la decadente, atmósferica y sangrienta "Frankenstein y el monstruo del infierno" que, si bien no alcanza las excelencias de los primeros títulos de la saga, es más que digna. Pero claro, Frankenstein hammeriano contó en casi todo el ciclo con el amigo Fisher tras las cámaras, mientras que Dracula corrió peor suerte.
Con FRANKENSTEIN AND THE MONSTER FROM HELL Terence Fisher cerraría el círculo de cine de terror gótico (y en color) que iniciaría con LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN. Ya he comentado que todos los títulos en los que el barón está interpretado por el gran Peter Cushing me parecen magníficos.
Curiosamente los aficionados siempre recuerdan más los títulos menores (o peores) de los últimos años de la Hammer pero ésta tiene un puñado de excelentes (o al menos, sumamente atractivas) propuestas como pueden ser (cronológicamente) LAS MANOS DEL DESTRIPADOR, DR. JEKYLL Y SU HERMANA HYDE, DEMONS OF THE MIND, Y DESPUÉS, SIN PARAR, HASTA EL FINAL (un variación perversa del cuento de Peter Pan), CAPTAIN KRONOS - VAMPIRE HUNTER e incluso la postrera TO THE DEVIL A DAUGHTER.
Y una pequeña corrección al impecable comentario de la amiga Olsen. EL PODER DE LA SANGRE DE DRÁCULA se rodó en realidad en 1969 aunque se estrenara en 1970. En puridad pertenecería a los más alabados años '60 de la productora.
REVISANDO CLÁSICOS: EL CINE NEGRO.
FAREWELL, MY LOVELY / MURDER, MY SWEET (1944, HISTORIA DE UN DETECTIVE) de Edward Dmytryk.
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Estudio: RKO Radio Pictures, Inc. (Copyright 1945 by RKO Radio Pictures, Inc.)
Productor: Adrian Scott.
Guión: John Paxton, basado en la novela de Raymond Chandler “Farewell, My Lovely” (Nueva York, 1940) [“Adiós, muñeca” (Todo Marlowe, Serie Negra, RBA Libros, 2010)].
Dirección artística: Albert S. D’Agostino y Carroll Clark.
Fotografía: Harry J. Wild.
Música: Roy Webb.
Reparto: Dick Powell (Philip Marlowe), Claire Trevor (Helen Grayle/Velma Valento), Anne Shirley (Ann Grayle), Otto Kruger (Jules Amthor), Mike Mazurki (Joe “Moose” Malloy), Miles Mander (Leuwen Grayle), Douglas Walton (Lindsay Marriott), Don Douglas (Teniente Randall), Ralf Harolde (Dr. Sonderborg), Esther Howard (Jessie Florian).
Inicio de rodaje: 8 de mayo de 1944.
Estreno: 18 de diciembre de 1944 (como FAREWELL, MY LOVELY) / 8 de marzo de 1945 (como MURDER, MY SWEET).
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Primera adaptación a la gran pantalla del personaje creado por el escritor Raymond Chandler (1888-1959), Philip Marlowe, que adquiriría los rasgos del actor (y luego director) Dick Powell (1904-1963).
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[Bueno, en realidad hubo una adaptación apócrifa titulada THE FALCON TAKES OVER (1942) protagonizada por el gran George Sanders pero dadas las libertades que se tomaron con el material difícilmente podríamos considerarla como parte del canon del personaje].
Un Philip Marlowe, detective privado, que sería encarnado sucesivamente por Humphrey Bogart (THE BIG SLEEP (1946, EL SUEÑO ETERNO), Robert Montgomery (LADY IN THE LAKE (1947, LA DAMA DEL LAGO) y George Montgomery (THE BRASHER DOUBLOON (1947)) en las adaptaciones de las cuatro primeras novelas del autor.
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Y un Dick Powell que pese a ser más conocido por sus comedias románticas (incluida la segunda (y deliciosa) cinta de Preston Sturges CHRISTMAS IN JULY (1940, NAVIDADES EN JULIO)) y sus musicales (era un notable cantante) resultó todo una cierto puesto que aunque la mayor parte de nosotros asociemos el personaje con el Humphrey Bogart de EL SUEÑO ETERNO lo cierto es que Powell es un actor más parecido a cómo Chandler lo había imaginado en sus novelas. A partir de entonces el actor incursionaría en el género con notable éxito en títulos como CORNERED (1945, VENGANZA), JOHNNY O’CLOCK (1947), PITFALL (1948) o CRY DANGER (1951).
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Un tipo elegante, bien vestido pese a sus escasos ingresos, viril pero propenso a dejarse engatusar por las damas y menos duro que el Marlowe encarnado por Bogart. Sería inconcebible una escena como aquella en la que el brutal “Moose” Malloy zarandea al detective y al que está a punto de estragular si en su lugar hubiese estado Bogart.
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Adaptación relativamente fiel de la novela (con las concesiones necesarias para no vulnerar los preceptos del Código de Producción) y que reunió por primera vez al trío Dmytryk / Paxton/ Scott y que elaborarían juntos propuestas tan interesantes como la citada VENGANZA, SO WELL REMEMBERED (1947) y CROSSFIRE (1947, ENCRUCIJADA DE ODIOS), esta última una de las películas más perseguidas por los inquisidores durante la Caza de Brujas y que supondría a su director la expulsión de la RKO y su inclusión en la infausta lista de Los Diez de Hollywood.
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[La película de los tres Robertos :cuniao]
Después de la seminal THE MALTESE FALCON (1941, EL HALCÓN MALTÉS) de John Huston con Bogart (en su primer papel como protagonista) encarnando al mítico Sam Spade creado por el igualmente genial Dashiell Hammett, HISTORIA DE UN DETECTIVE sería el siguiente jalón en la nueva corriente dentro del cine negro, el cine de detectives que sería la evolución natural del cine de gánsteres que había imperado en los años ’30 (y cuyo epítome sería la obra maestra de Raoul Walsh THE ROARING TWENTIES (1939)).
Y no deja de ser baladí la mención a la magnífica película de Huston dado que en ambas ciertos objetos de elevado valor (en EL HALCÓN un ave de presa enjoyada y en HISTORIA un collar de jade) son determinantes en el desarrollo de la trama aunque mientras que en la primera el halcón será el objeto codiciado por todos en la segunda será un mero pretexto para que la mujer fatal de la historia (encarnada por la habitualmente desaprovechada Claire Trevor) pueda borrar todo rastro de su (turbulento) pasado.
Aquí Dmytryk (un director que acabó delatando a varios compañeros de profesión tras pasar varios meses en la cárcel pero que no por ello perdió sus facultades, más bien todo lo contrario pues algunas de sus mejores propuestas provienen de sus títulos postreros) se adelantó además al posterior experimento del actor y director Robert Montgomery de LA DAMA DEL LAGO en el uso de la cámara subjetiva. Aunque también es cierto que mientras Montgomery la usa de forma absoluta (sólo vemos al protagonista cuando se mira en un espejo) en el caso de Dmytryk la subjetividad es vista desde fuera (en puridad no deberíamos hablar de subjetividad pues no vemos los acontecimientos a través de los ojos de Marlowe), en concreto en las dos escenas donde pierde la consciencia y al final cuando los disparos de “Moose” Malloy le dejan temporalmente ciego.
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Al igual que otros títulos coetáneos aquí también hace su aparición una “mujer fatal”, Helen (como decimos, encarnada por la atractiva Claire Trevor) que será la persona que impulse y maneje los hilos de la trama.
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La búsqueda del brutal “Moose” (un excelente Mike Mazurki) de su antiguo amor Velma (al final sabremos que Helen es en realidad Velma) con la “ayuda” del detective Marlowe servirá de punto de arranque de la narración.
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Y como también mandan los cánones tenemos la “china buena” (la guapa Anne Shirley, en su último papel para el cine tras su boda con el productor Scott).
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[Por cierto, Anne Shirley tomó su nombre artístico del famoso personaje “Ana de las Tejas Verdes” que ella misma interpretaría en 1934].
Con una atmosférica banda sonora del siempre elegante Roy Webb y la espléndida fotografía en b/n de Harry J. Wild que tiene tendencia a destacar las sombras sobre las luces, HISTORIA DE UN DETECTIVE tal vez no sea la mejor adaptación al cine del personaje creado por Chandler pero desde luego es todo un clasicazo del género y que además coincidiría cronológicamente con alguno de los títulos más míticos del género como LAURA (1944, ídem) de Otto Preminger, DOUBLE INDEMNITY (1944, PERDICIÓN) de Billy Wilder o THE WOMAN IN THE WINDOW (1945, LA MUJER DEL CUADRO) y SCARLET STREET (1945, PERVERSIDAD) de Fritz Lang.
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Por no hablar de los títulos de cierto orondo director británico del que pronto tendremos más noticias…
Feliz tarde.
:)
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Leo por ahí que con un Christopher Lee cada vez más reluctante a encarnar al Príncipe de las Tinieblas, la idea original detrás de la película era presentar a un nuevo vampiro, encarnado por Ralph Bates, y de este modo sí hubiera tenido más sentido que fuera él quien se vengara de los tres caballeros británicos. Pero por lo visto, el distribuidor americano se negó a comprar la película si no salía Drácula tal cual, con lo que Lee hubo de regresar. Hubo planes para que a uno de los miembros de ese trío calaveras lo encarnara Vincent Price, pero por un tema de agenda no pudo ser. Una lástima.Cita:
Iniciado por Charles Lee Ra
Es que eso de que el conde vaya contando una a una a las víctimas de su venganza es absolutamente pueril.
Aunque tenga peor fama la película que la sigue en la serie, LAS CICATRICES DE DRÁCULA, de Roy Ward Baker, me parece más interesante. Y además es la primera vez que vemos al vampiro trepar por los muros del castillo, sin duda una de las escenas más impactantes de la novela de Bram Stoker.
Las siguientes entregas son francamente malas y tienen como único aliciente el enfrentar a los dos actores talismán de la productora, Peter Cushing y Christopher Lee, que no se veían las caras (en sus encarnaciones como Val Helsing y Drácula, respectivamente) desde la mítica DRÁCULA.
Ralph Bates siempre me pareció un actor un tanto antipático aunque hizo un buen trabajo en la estimulante (en todos los conceptos) DR. JEKYLL Y SU HERMANA HYDE. Aunque finalmente el papel protagonista se dividió entre él y la fascinante Martine Beswick la intención original (al menos de Bates) era la de interpretar los dos papeles (¡!).
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Por cierto, tenemos un estupenda edición británica en BD de la mano de Studiocanal (2018):
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Y también hay ediciones de las películas que he citado anteriormente:
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Sin olvidarnos la picarona DRÁCULA Y LAS MELLIZAS... :cortina
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:agradable
Y otra más, también de 1942, Time to Kill, dirigida por Herbet I. Leeds, basada en una de las novelas de Chandler del ciclo Marlowe, "High Window", aunque para la ocasión el detective, interpretado por Lloyd Nolan, responde al nombre de Michael Shayne.Cita:
Iniciado por Alcaudón
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Desgraciadamente, ni esta ni la citada The Falcon Takes Over las he podido ver. Creo que son las únicas adaptaciones de Marlowe que no he visto. Por cierto, si no me equivoco, del corpus original chandleriano, todavía queda por adaptar "Playback", la última novela completa que escribió sobre el popular detective.
Por lo que respecta a Dick Powell, comparto tu opinión: me parece un excelente Marlowe y un magnífico actor de cine negro.
[PD: Tienes un privado por responder, Alcaudón.:cortina:lee]
http://blogs.lainformacion.com/futur...onde-draco.jpgCita:
Iniciado por Alcaudón
:juas...
Ésa del Dr. Jekyll y su hermanita díscola reconozco que empecé a verla sin demasiadas expectativas y que me acabó sorprendiendo para bien. Lo que no le perdono es que nos sacara a la hermanita en pelota picada y no metiera ni un triste plano del culo del buen doctor por lo menos.
No me ha llegado ningún privado. :ruborCita:
Iniciado por mad dog earle
Paridad en las listas. :apaleaoCita:
Iniciado por Jane Olsen
Para que te quites las penas!!Cita:
Iniciado por Jane Olsen
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